Direction la Colombie avec Nuevos Rios, un tout nouveau groupe qui dévoile son premier album éponyme. Nuevos Rios, c'est la rencontre de deux mondes, une véritable fusion géographique et musicale. D'un côté, les Colombiens Canalón de Timbiquí, menés par la voix de la maestra Nidia Góngora. De l'autre, les Français de Reco Reco, groupe nommé d’après ce petit instrument de percussion brésilien utilisé dans la batucada et les rodas de capoeira.

Amateurs de musiques électroniques et de transe, les membres de Reco Reco s’inspirent tout particulièrement des sonorités venues d'Amérique du Sud. Alors forcément, quand les deux groupes se sont rencontrés à la source, dans le village de Timbiquí, quelques sessions d’improvisation ont suffi pour donner naissance à Nuevos Rios.

Ce projet incarne l'osmose parfaite entre le patrimoine afro-descendant du Pacifique colombien et le côté futuriste des nappes électroniques. Le morceau « Malvada » en est l'exemple parfait. Les synthétiseurs se mêlent à la puissance organique des percussions sud-américaines : la marimba de chonta, ce xylophone avec des lames en bois, le tambour bombo très utilisé dans la cumbia, mais aussi le guasa au son proche des maracas.

Rythmes currulao et bunde à l'honneur

Mais au-delà des instruments, c'est tout un héritage rythmique qui s’exprime sur ce disque. L’album met à l’honneur des rythmes très populaires sur la côte pacifique colombienne comme le currulao et le bunde, véritables pilliers de l'identité culturelle de cette région et symboles de l'héritage africain en Colombie. Dans Nuevos Rios, cette force ancestrale devient une matière brute pour faire la fête... et pour danser.

Pourtant, derrière la danse, les fleuves racontent aussi autre chose. Les textes célèbrent la vie, le respect, la dignité et la nature sauvage, mais aussi les réalités d'une région loin d'être épargnée par les conflits internes en Colombie. L'album alterne entre compositions originales et hommages vibrants comme dans le morceau « La Memoria de Justino ». Tim, le batteur du groupe : « "La Memoria de Justino" est un morceau composé en hommage à Justino Garcia, un balafoniste précurseur de Guapi, un village à côté de Timbiqui. On joue des titres devenus des standards que tout le monde connaît en Colombie. On a travaillé dessus et tout s’est monté très vite. »

Le groupe sera à retrouver sur scène le 20 mai à Paris, le 27 à Toulouse, le 28 à Nîmes et le 30 mai à Bordeaux.

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À 25 ans et avec trois mixtapes derrière lui - dont Extasia, parue en octobre 2025 et acclamée par la critique - Ino Casablanca a su se trouver une place de choix dans le paysage musical français. Nommé aux Victoires de la musique 2026 en tant que Révélation masculine, le jeune artiste sillonnera les scènes des festivals cet été, porté par son rap aux influences aussi bien raï, que flamenco ou caribéennes. 

« Y'a pas de message, faut juste kiffer. » Dans une courte vidéo où il se met en scène avec l'un de ses amis, Ino Casablanca donne le ton : pas question d'intellectualiser sa musique, il faut juste ouvrir grand ses oreilles et en profiter. D'ailleurs, le jeune artiste n'affectionne pas particulièrement de parler de sa musique et refuse régulièrement des entretiens. 

C'est donc guidé par l'instinct, et par toutes les références musicales absorbées au cours de sa vie, qu'Ino Casablanca propose une musique métissée, aux mille influences : au fil des morceaux de sa dernière mixtape, Extasia, on passe sans difficulté du raï (« Moula Solitude ») au flamenco et même au kompa haïtien (« Kitlé »). Un mélange des genres explosif résumé dans la chanson « Bissap du 20e », hymne à ce quartier du nord de Paris et à son quotidien. Il y a beaucoup d'ingrédients dans ce bissap qui tient plus du cocktail explosif et pourtant, tout est minutieusement dosé, on évite toujours l'indigestion. 

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Un perfectionniste de la musique 

Si Ino Casablanca a pu ingérer autant d'influences, c'est qu'il a beaucoup bougé : la petite enfance au Maroc, puis la banlieue de Barcelone, jusqu'à ses douze ans - avant de s'installer dans le sud-ouest de la France, où il découvre le rap. À cela, il faut ajouter ce que ses parents écoutent inlassablement à la maison - Oum Kalsoum, Fayrouz, le roi du raï algérien Cheb Hasni - et ce qu'il a découvert au fil de l'eau sur les plateformes de streaming. 

 

Le mélange reste pourtant étonnamment homogène. Notamment car Ino Casablanca pilote toutes les étapes de sa production - il a d'ailleurs réalisé seul le mixage d'Extasia -, mais aussi parce que ce véritable geek de la musique possède de solides connaissances musicales, acquises au conservatoire. C'est ainsi que le jeune musicien s'est intéressé aux battements par minute - les BPM - qui définissent le rythme de chaque style de musique. Pour faire des mélanges harmonieux, Ino Casablanca s'intéresse à des genres qui ont des rythmiques proches : le raï et le rap californien, par exemple, tournent tous les deux autour de 90 ou 100 battements par minute.

Quelle que soit la méthode, le résultat est là : Ino Casablanca s'amuse, expérimente, ne s'interdit rien ; et cela donne une musique fraîche, qui lui ressemble autant qu'elle rassemble. 

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Avec son huitième album Zagate – « ça se gâte » en français –, Souad Massi troque la douceur acoustique pour une guitare électrique et une urgence brûlante. Entre rock ardent et sagesse méditerranéenne, la musicienne franco‑algérienne aborde la guerre, l’exil, l’exploitation et les ravages écologiques, mais aussi la force intérieure qui permet d’avancer. Un projet en onze titres résolument engagés, où se mêlent colère, lucidité et éclats d’espoir.

 

Un rock oriental incandescent, une guitare électrique et une voix en colère qui lance en arabe : « Ana Inssan » — « Je suis un être humain ». Avec cette déclaration frontale, Souad Massi se confronte à la gravité du monde et signe un album puissant et engagé.

La chanteuse, autrice-compositrice et guitariste franco-algérienne dévoile son huitième album studio, un disque dont le titre annonce la couleur : Zagate — « ça se gâte » en français. Un album coup de poing, dans lequel celle que l’on surnomme parfois la « Joan Baez » ou la « Tracy Chapman du Maghreb » sort de sa retenue habituelle pour faire entendre sa colère.

Souad Massi s’éloigne ici de son univers généralement plus doux, intimiste et acoustique. Elle troque la délicatesse mélancolique contre une énergie rock, convoquant guitare électrique et batterie pour évoquer la violence des conflits contemporains, la peur, la guerre et la souffrance des innocents. La chanson-titre Zagate témoigne de cette urgence à ne plus détourner le regard, à tirer la sonnette d’alarme, à son niveau d’artiste.

Naviguant sans cesse entre l’ombre et la lumière, la poésie et l’engagement, Souad Massi chante aussi bien en français qu’en arabe. Née à Alger dans un quartier métissé, elle grandit dans une famille mélomane, bercée par Oum Kalthoum, Bob Dylan, la musique arabo-andalouse, le rock américain ou encore le fado portugais. Elle écrit des poèmes, apprend la guitare à 17 ans, poursuit des études d’urbanisme avant même de devenir ingénieure, puis intègre un groupe de hard rock.

Huit albums et une Victoire de la musique plus tard, Souad Massi continue de mettre sa voix au service des combats humains : elle dénonce le travail des enfants dans les mines du Congo aux côtés du rappeur Youssoupha dans Congo Connection, évoque la solitude des personnes âgées, les ravages écologiques ou encore le racisme, notamment en duo avec Gaël Faye.

Malgré la colère et le désespoir qui traversent Zagate, une conviction demeure : la foi inébranlable en l’humanité. Une lueur d’espoir qui affleure dans ses chansons, rappelant que, même lorsque tout semble se dégrader, il reste possible de s’accrocher aux petites lumières pour faire naître des miracles.

Zagate, l’album le plus rock de Souad Massi, est disponible chez Sony Music. 

L’artiste sera également en concert au Théâtre du Châtelet à Paris le 18 juin prochain.

Le reggae-man sénégalais Lëk Sèn sort son septième album, Jèem, « Essayer » en wolof. Un projet sincère, construit comme un voyage à travers les émotions, les contradictions et les réalités d’une génération qui rêve d’une Afrique puissante ornée de ses valeurs spirituelles.

Originaire de Ngor au Sénégal, Lëk Sèn trace une route singulière où le reggae roots rencontre les rythmes d’Afrique et les pulsations urbaines. Derrière chaque mot et chaque note, il tisse une écriture brute et sincère, empreinte de mémoire et d’avenir. Entre profondeur, appel à la conscience et mélodies envoûtantes, il se révèle à chaque nouvelle sortie comme une voix rare : celle d’une génération qui cherche, questionne et espère. Lëk Sèn avance sans artifice, guidé par la force du cœur et la justesse de son verbe. 

Son nouvel album Jèem (« Essayer » traduit du wolof) est un nouveau passeport musical, un projet sincère, construit comme un voyage à travers les émotions, les contradictions et les réalités d’une génération qui rêve d’une Afrique puissante ornée de ses valeurs spirituelles. Chaque titre est pensé comme un récit, où se mêlent énergie, douceur et rage maîtrisée. Lëk Sèn y explore ses propres espoirs et sa vision du monde, avec une écriture sans filtre. Ce qui distingue ce projet : une volonté de parler vrai, tout en soignant les sonorités. Le mélange entre les codes du reggae et les textures africaines offre une palette large et cohérente, fidèle à son identité musicale.

Le reggae, « musique qui revendique »

Lëk Sèn est de cette génération d'artistes du continent africain qui aiment profondément le style reggae roots. C'est du reggae à l'ancienne, comme Burning Spear, un reggae où l'on parle du couple, on parle du quotidien et de l'histoire en version brut de décoffrage. D'ailleurs, sur l'album, il a un titre sur les tirailleurs sénégalais où la France se fait démonter.

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Il y a aussi un aspect spirituel, une spiritualité confrontée au quotidien par les petites choses, de la simplicité et de l'humilité. Il adore les réseaux sociaux. Il parle des jeunes qui, désespérés, veulent tenter leur chance à l'étranger. Cela dit, il aurait pu chanter ce thème il y a 20 ou 30 ans. Et il veut dire que le reggae peut faire du bien au monde. Il peut l'apaiser.

« Quand on parle de reggae, on parle de musique qui revendique. S'il revendique pas, il est là pour nous apaiser, pour redonner le moral. Il est là pour nous poser. C'est une musique qui va avec le temps et toutes les générations s'y trouvent. Aujourd'hui, le monde est en quête d'apaisement. Il est en quête de souplesse, en quête de choses naturelles. Le reggae est la définition de tout ça. Pour rien au monde je lâcherai le reggae. C'est un médicament pour moi », soutient Lëk Sèn. 

Donner la parole aux jeunes

Pour ce nouvel album, Lëk Sèn s'est entouré de jeunes artistes. Xavier Lacire, un jeune guitariste ivoirien, Jhonel le griot moderne – c'est comme ça qu'il s'appelle – du Niger, ainsi que Elom 20ce qui est un slameur togolais, et puis encore Ilam, un chanteur peul sénégalais qui vit au Canada. On peut se dire qu'avec un tel casting, les scènes montrent qu'il soutient à fond l'unité africaine, sans oublier les diasporas.

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L'Afrique, possède la population la plus jeune au monde. Lëk Sèn a l'air préoccupé par l'avenir de ces jeunes, entre les petits qui cherchent une vie meilleure à l'étranger et certains geeks mal intentionnés qui sont hypnotisés par internet, il y a matière. Sur le titre « Net Bi », Lëk Sèn vise les réseaux sociaux. Outre le fait d'avoir des yeux de lapin qui aurait chopé la myxomatose, ça fait des dégâts dans la tête. La violence qui s'exprime est vraiment effrayante.

« Je parle aux gens qui font l'apologie du meurtre, ceux qui travaillent pour la violence, ceux qui envoient des messages négatifs, explique Lëk Sèn. Et je préviens les jeunes aussi. Je vois à quel point le net est en train de bouffer la tête de nos enfants. Ils ne lisent même plus, ils ne savent pas écrire, ils ont des problèmes d'orthographe, ils ont des problèmes de personnalité parce qu'ils fuient. Tu deviens moins sociable, tu sais pas comment on parle aux gens donc c'est dangereux. C'est pour ça que je fais ce morceau en tant que reggaeman, parce que c'est mon rôle de prévenir, de dire "Il y a des choses bien". Parce qu'aujourd'hui la technologie évolue. On utilise l'IA au niveau médecine. Mais malheureusement, le monde a décidé de glorifier le plus mauvais en utilisant ces technologies qui sont censées nous aider à évoluer. »

Lëk Sèn Jèem (Jahsen Creation) 2025

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Quand l'électro-swing à la française rencontre le jazz new-orleans, cela donne New Orleans Club, le nouvel album du combo français Lyre le temps qui sort vendredi 10 avril 2026.

Lyre le temps est un groupe bien connu des aficionados de fusion électro-swing et pour leur sixième album, les Strasbourgeois emmenés par Ludovic Schmidt ont réalisé leur rêve qui aussi celui de nombreux musiciens de jazz, partir un mois en immersion à la Nouvelle-Orléans, berceau du jazz.

« Pour moi, c'est l'émeraude des États-Unis, c'est-à-dire que c'est la pointe du diamant de ce qu'il y a aux États-Unis. C'est ce qui m'intéresse le plus dans la culture américaine. Il y a la mythologie de la Nouvelle-Orléans et j'avais besoin de savoir si c'était aussi bien que ce que j'avais dans ma tête. J'ai été plus que comblé ! », témoigne l'artiste. 

Un voyage vécu comme une épopée faite de rencontres, à commencer par celle avec le génial Glen David Andrews, l'un des trombonistes emblématiques de la Nouvelle-Orléans. On le voit notamment dans la série télévisée Treme, consacrée aux musiciens de la ville.

 

Glen David Andrews, c'est la grande rencontre de Ludovic Schmidt : « C'est quelqu'un de tellement passionné, qui va dans tous les sens. Et moi, j'avais peur de ça, qu'il me dise "Oui, oui, je viens en studio" et qu'au final, il ne vienne pas. Il a pris cela très au sérieux. On a sorti un titre ensemble qui s'appelle "When I get low, I get high", et il a fait la promotion de ce titre comme si c'était sa propre chanson. Et il a été un mentor extraordinaire. J'ai eu énormément de chance qu'il me prenne sous son aile, et encore aujourd'hui, il parle de moi à la Nouvelle-Orléans. J'existe un peu à travers ce que lui propose. Et pour moi, c'est une fierté gigantesque. » 

Les musiciens de Lyre le temps ont confronté ceux de la Nouvelle-Orléans avec leur style si particulier qui combine swing, électro et hip hop. De quoi déconcerter les brass bands de la cité que les Américains surnomment Big Easy ? Pas vraiment.

The original Pinette brass band, seule fanfare entièrement féminine de la ville a joué le jeu avec une certaine délectation, notamment sur le morceau « Second Line » où leurs sonorités prennent une rythmique hip hop.

Et dans l'ensemble, tous les invités sur l'album - et ils sont nombreux - ont profité de la liberté que Ludovic Schmidt préconise en permanence dans l'art de la musique.

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Peu importe la météo chez vous... Nubiyan Twist apporte le soleil avec Chasing Shadows, le cinquième album du collectif londonien. Neuf musiciens, un groove éclatant et une énergie explosive : ils sont l’une des gouttes de toute cette nouvelle vague néo-jazz qui déferle sur l'Angleterre, et particulièrement à Londres, depuis le début des années 2010. Dans la lignée d'Ezra Collective ou Kokoroko, ils fusionnent jazz, afrobeat, funk, soul, hip-hop et textures électroniques.

A l'heure des écrans et du repli sur soi, Nubiyan Twist célèbre la chaleur humaine, la spontanéité et la danse. Leur musique vit, respire et transpire. Sur ce nouvel opus aux sonorités plus soul, on découvre notamment une nouvelle voix principale. Celle d'Eniola, jeune chanteuse tout juste diplômée du Trinity College of Music de Londres. Un souffle neuf qui succède à Nubiya Brandon, l’inspiratrice du nom du groupe.

Sur Chasing Shadows, le collectif s'entoure d’invités très variés, parmi lesquels Bootie Brown, figure emblématique du hip-hop alternatif américain, connu pour ses collaborations avec The Pharcyde et Gorillaz. Nubiyan Twist commence à s'habituer aux invités de marque, eux qui ont déjà accueilli en featuring le père de l'ethio-jazz Mulatu Astatké, la légende ghanéenne du highlife Pat Thomas, et les musiciens nigérians Tony Allen et Sean Kuti. Cette fois encore, ils gardent ce lien entre Afrique et jazz contemporain, en invitant la chanteuse malienne Fatoumata Diawara.

 

Un voyage sonore à prolonger en live

Chasing Shadows est un album joyeux, humain, qui repousse encore les frontières du jazz, traverse les continents et célèbre la danse et la joie comme force collective. A savoir que le collectif Nubiyan Twist est réputé pour son énergie explosive en live, avec une puissance de son big-band qui promet des concerts mémorables.

Vous pourrez les retrouver sur scène le 22 avril à Newcastle, le 23 à Leeds, le 24 à Manchester, puis en tournée à travers le Royaume-Uni et l’Europe. Une date à Paris est prévue le 22 novembre prochain.

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Premier album et nouvelle voix : Eya Patterns. À 28 ans, la Française signe un premier album éponyme, ancré dans un folk-rock organique, à la lisière du mystique. 

Hors circuit, loin des effets de mode, Eya Patterns conçoit un projet au tempo lent, presque suspendu, souvent doux, parfois sous tension. Des morceaux qui visent juste, entre précision, délicatesse et impact.

Cette brune élancée avance sans mode d’emploi. Autodidacte et libre, elle chante, joue de la guitare, compose et écrit des titres intimes, hors du temps. Son coup d’essai intègre ses voyages en Corse et au Canada, où les grands espaces et les montagnes deviennent les paysages intérieurs de sa musique, façonnée depuis l’âge de 14 ans.  

 

L’instrumentation se fait minimale, mais jamais pauvre. La voix, elle, capte d’emblée. Son chant se promène sur des fréquences rares à la limite du souffle, comme une respiration mélodique, sans jamais perdre en intensité. Même dans les montées, sa maîtrise vocale reste intacte. Paroles murmurées et arrangements brumeux dessinent une esthétique sonore en clair-obscur, quelque part entre les volutes mélancoliques de la pop star Américaine Lana Del Rey et la tension brute de l'cône Britannique  PJ Harvey — sans mimétisme.

Eya Patterns signe un premier projet habité plein de grâce et de force d’âme, avec tout ce qu’il faut pour durer et éviter la platitude.

Sur scène à La Pente à Lyon  le 8 avril 2026. Sortie de l’album le 10 avril (Byebye Records).

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Yan Wagner est l’une des figures incontournables de l’électro française. Homme-orchestre et électron libre, il signe son quatrième album, Ætherle, sorti le 3 avril 2026. 

À 42 ans, le Franco-Américain Yan Wagner déploie sa voix grave de crooner nocturne sur douze titres kaléidoscopiques traversés de drum’n’bass, trip-hop et rock industriel. Producteur, compositeur, créateur de musique de films et DJ, totalement autodidacte, il émerge en 2010 dans les clubs new-yorkais.

Deux ans plus tard à Paris, le grand musicien césarisé Arnaud Rebotini ne s'y trompe pas et produit son premier album, Forty Eight Hours, salué par la critique et le public. Dès cette époque, son univers flirte avec Kraftwerk et Depeche Mode et il s'impose sur la scène française, assurant les premières parties des pop stars nationales, Étienne Daho et d’Air.

Avec Æther, Yan Wagner pousse plus loin son esthétique musicale.en injectant plus de vivant dans ses synthétiseurs.  Violons, violoncelles et santuur - instrument iranien millénaire à cordes frappés - se glissent dans ses arrangements. Ce n'est pas un habillage sonore de plus pour le fun des pistes de danse. C'est une odyssée musicale, une quête de lumière salvatrice dans un monde chaotique.

L’album ouvre aussi sa galaxie à de nouvelles voix. Les collaborations transforment ses boucles ambitieuses et ses beats grandioses en expériences sonores. Avec la Marocaine Meryem Aboulouafa, c'est carrément hypnotique sur le titre « 60FPS » (« Soixante images de toi circulent dans mes veines »).  

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Même magie avec le tandem Yan Wagner et Malick Djoudi. Quand l'électro envoutante du premier rencontre la pop mélancolique du second, ça donne « Aethernité ». Un morceau lancinant qui interroge notre solitude et la possibilité de réunification. Et là, ils nous entraînent dans un vertige émotionnel hors du temps.

Puissant, sensible, magnétique, Æther impose la signature d’un alchimiste contemporain, capable de faire dialoguer les machines et la chair, l’héritage new wave et l’urgence du temps présent.

Yan Wagner présentera Æther en concert à la Maroquinerie à Paris le 17 juin 2026. . 

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Découverte avec sa musique néo-soul aux colorations indie pop, saluée pour son second album aux sonorités flirtant avec le rock, Arlo Parks change encore de peau sur son troisième album, Ambiguous Desire, paru ce vendredi 3 avril. La jeune femme n'a en revanche rien perdu de sa plume délicate et juste, qu'elle continue d'exercer sur les douze titres nerveux et rythmés du disque.

Saluée dès son premier EP publié à 19 ans, récompensée pour son premier album Collapsed In Sunbeams, acclamée pour son second, My Soft Machine... c'est peu dire qu'Arlo Parks était attendue au tournant pour son troisième disque, Ambiguous Desire, annoncé comme marquant un tournant dans son style musical. Pourtant, la jeune femme a pris la sortie de ce nouvel opus avec philosophie : « Je n'ai pas ressenti de pression particulière, nous explique-t-elle à l'occasion d'un passage à Paris. Chaque album est une capsule temporelle, c'est donc normal qu'ils soient distincts les uns des autres. »

L'influence du monde de la nuit

Pour les douze titres qui composent ce nouveau disque, Arlo Parks a été largement inspirée par ses nuits passées, pendant trois ans, dans les clubs de Londres, New York, et Los Angeles – où elle a enregistré Ambiguous Desire. C'est donc tout naturellement que ces sonorités électro, entre nappes de synthétiseur et boucles minimales à la boîte à rythme, ont fait irruption dans sa musique.

« C'est la première fois que je peux vraiment m'immerger dans un univers » pour un disque, pointe la jeune femme, qui a passé une bonne partie de ces dernières années sur les routes, en tournée. Ces dernières années, là aussi pour la première fois, elle a « expérimenté ces espaces nocturnes, où [elle a] trouvé un endroit où être libre, un espace de communion ».

Les influences de la nuit se sont donc retrouvées, sans trop y réfléchir, sur le disque : normal, pour celle qui se considère « comme un prisme » : « J'absorbe ce qu'il y a autour de moi et, d'une certaine manière, je le réfracte ». Au risque de livrer un album certes unifié, mais peut-être par moments trop uniforme.

 

La liberté découverte dans les discothèques a fini par infuser dans le processus créatif d'Arlo Parks. « Je ne me suis jamais autant amusée en studio ! », sourit-elle. « Cette fois, j'avais du temps. Je pouvais venir chaque jour en studio, écrire, et voir ce qui en ressortait. Ce n'était pas comme les fois d'avant, où je n'avais que quelques jours pour enregistrer avant de repartir sur la route. »

Conséquence : la jeune femme s'est, cette fois, laissée porter par la musique et ses expérimentations et a laissé les paroles naître de ce processus, plutôt que d'écrire et de tailler des compositions sur mesure pour ses textes.

Une plume toujours trempée dans l'encre de la justesse 

Une chose en revanche ne change pas sur cet album : la plume d'Arlo Parks, toujours aussi sensible que juste. La jeune femme, qui a elle-même déjà publié un recueil de poésie, a continué de se nourrir de ses lectures pour écrire ce disque : le poète américano-vietnamien Ocean Vuong, l'essayiste et poétesse américaine Maggie Nelson, l'écrivaine australienne McKenzie Wark (autrice d'un ouvrage sur la scène rave et queer new-yorkaise)... « Toutes ces lectures m'ont permis d'affiner ma plume, analyse Arlo Parks. Je suis assez attirée par les livres qui défient les structures de récit traditionnelles, et cela m'a permis d'avoir confiance en ma façon de raconter une histoire et de l'unifier. »

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Avec délicatesse, la jeune femme saisit des émotions parfois difficiles à exprimer. Comme ce mélange subtil que l'on ressent lorsque l'on tombe amoureux, entre espoir, euphorie et anxiété, qu'elle chante avec douceur sur « 2Sided », l'un des singles qui a précédé la sortie du disque. L'artiste se fait un plaisir de brouiller les pistes, en apposant des paroles mélancoliques sur des mélodies euphoriques – « Get Go » –, ou en mariant des textes joyeux à des productions plus nostalgiques – « Blue Disco ».

Toutes ces émotions convergent toutefois vers un sentiment commun : une profonde confiance en soi, qu'Arlo Parks a acquise avec le temps. « Cela fait longtemps que je fais ce métier, j'ai plus d'expérience, j'ai grandi », pointe-t-elle.

« Pendant ce processus, j'étais totalement ouverte à tout ce que je pouvais produire en studio, et à l'idée de faire ce que j'étais destinée à faire. » Confiante donc en qui elle est : femme, artiste, poétesse, queer... Comme elle le chante sur « Floette », en clôture de l'album, Arlo Parks est en train de s'épanouir, de fleurir même, et est prête à déployer chacun de ses pétales.

 

Arlo Parks Ambiguous Desire (Transgressive Records Ltd) 2026

Arlo Parks sera en concert à la Gaîté Lyrique, à Paris, les 7 et 8 novembre 2026.

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C’est le retour de la chanteuse canadienne d'origine haïtienne Mélissa Laveaux. Elle dévoile un nouvel album, At My Softest I Am Most Dangerous, littéralement « à ma plus douce, je suis la plus dangereuse » en français. Un disque pensé comme un récit intime et singulier, qui explore quarante années de face-à-face avec la mort.

Mélissa Laveaux cultive depuis l'enfance une fascination pour le macabre, les fantômes et les films d'horreur. Avec At My Softest I Am Most Dangerous, elle dresse une sorte d’inventaire non-exhaustif de ses expériences avec la mort : sa naissance complexe d'une mère atteinte d'un cancer, la douche d'huile bouillante reçue accidentellement sur le dos à l'âge de 8 mois, son baptême en urgence pour suspicion de possession démoniaque, ou encore le diagnostic d'une sclérose en plaques il y a trois ans... La liste est longue, et comme la mort n'est tabou, ni dans sa famille haïtienne, ni dans la culture vaudou, Mélissa Laveaux était parfaitement à l'aise à l'idée de la mettre en musique.

Elle raconte : « On a toujours parlé de la mort comme d'un fait, pas comme d'une tragédie. Et surtout, on a toujours parlé de la mort. Du fait que quelqu'un est malade, qu'on va essayer de les soigner ou de les accompagner... C'était juste normal, de toutes façons tout le monde va mourir, donc on s'y habitue vite ! (rires) Et ça me trottait dans la tête, j'ai commencé à faire le compte de toutes les fois où j'ai vraiment été proche de la mort, où j'ai failli mourir, où j'ai eu un accident, où j'ai rencontré des esprits, où j'ai rencontré des fantômes, où on m'a dit "tu sais, tu passes beaucoup trop de temps avec la mort". Parce que ce n’était pas la première fois qu'on me le disait, "tu as passé beaucoup trop de temps avec la mort." »

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Dans le morceau « No Noise », comme dans plusieurs autres pistes du disque, on entend la voix de Cassandre, la grande sœur de Mélissa Laveaux, de sept ans son aînée. Elle endosse le rôle de griotte et raconte certaines histoires que la chanteuse, trop jeune à l'époque, a oubliées.

Des ombres à la lumière

Et pourtant, même si les différents récits sur l'album peuvent paraître sombres ou difficiles, la musique de ce disque reste lumineuse, entraînante et même joyeuse. C'est toute la magie du projet : une pop indé très riche, nourrie de rythmes caribéens, du rock latin des années 1970, et de tropicalia brésilien.

« Quand j'étais gamine, j'adorais écouter Os Mutantes ou Maria Creuza, cette musique de fêtes brésiliennes me parlait beaucoup. Quand j'ai pris une guitare, le son des musiques brésiliennes m'a énormément attirée parce que j'adore jouer en fingerpicking, j'adore jouer avec un rythme qui m'accompagne, donc c'était une évidence. Je trouvais qu'on arrivait à faire du rock qui groovait, qui était funky. Ça parlait aussi à la musique afro-américaine que j'écoutais, donc tout se répondait », explique-t-elle.

Probablement l'album le plus personnel de Mélissa Laveaux, At My Softest I Am Most Dangerous est une invitation à puiser dans sa vulnérabilité et dans les ressources du passé pour mieux habiter le présent.

Mélissa Laveaux sera en concert le 7 avril 2026 à Roubaix, le 11 avril à Toulouse, le 5 mai à Paris, le 3 juillet à Chambéry, le 4 juillet à Clermont-en-Gennevois, le 17 juillet à Grenoble, le 6 novembre à Sotteville-les-Rouen, le 3 décembre à Nantes et le 4 décembre à Questembert.

Melissa Laveaux At My Softest, I Am Most Dangerous (Revolta/Twanet) 2026

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