Leonardo da Vinci (1452-1519)

El uomo vitruviano

L’Homme vitruvien 1490

Gallerie dell'Accademia, Venezia

Si le dessin de Léonard de Vinci, » l'homme de Vitruve », est si célèbre, ce n’est pas parce qu’il y a deux hommes imbriqués dont on se demande bien c e que celui qui est derrière - dont on ne voit ni la tête ni le corps - fait à celui qui est devant l’un (non je plaisante ! ).

Ce dessin est surtout célèbre parce qu’ il illustre la volonté de définir un homme idéal. Cela signifie-t il qu’il faut deux hommes pour faire un homme Idéal ? Ah petit coquinou va ! Je vois qu’on est d’humeur badine avec les chef d’oeuvre aujourd’hui…. et bien non ! La position des bras et des jambes de l'homme dans deux positions différentes et néanmoins superposées symbolise simplement la dualité de l'existence humaine, prise entre le matériel et le spirituel et soulève un certain nombre de questions sur la place de l’humain dans l'univers et sa compréhension de lui même.

Masi il y a plus… eh oui il a toujours plus chez Leonardo … Les proportions de cet homme qui s'inscrit à la fois dans un cercle et un carré, en respectant le rapport du nombre d'or ( je rappelle1,6180 ect) constituerait rien de moins qu’une allégorie géométrique de I’lnter connexion entre l'homme et l'univers entier.

On est bien loin du camarade de jeu qui joue à cache cache derrière de popotin de son copain !

En réalité, Léonard de Vinci a utilisé cette œuvre pour démontrer que les principes de l'architecture et plus loins de l’architecture des sphères et donc d’ l’univers et l'anatomie humaine sont interconnectés.. il suggère ainsi que l'univers est construit sur des principes communs, à ceux du corps humains.

L'idée que l'homme est l’exacte réduction d’un l'univers plus vaste, où chaque élément du corps reflète des aspects et des modes de fonctionnement de l'univers entier, n’ est pas concept philosophique nouveau (Pythagore et Platon en sont les pères ) mais c’est la première fois qu’il trouve écho dans une œuvre d’art.

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Auguste Renoir (1841-1919)

Baigneuse assise s’essuyant une jambe, 1914

Huile sur toile 41 cm x 56 cm

Musée de l'Orangerie

Elle n’est pas anorexique c’est sûr !

Ponctuation sonore

Elle n’est pas obèse non plus aurait dit Renoir…..

Eh bien si justement elle l’est, au regard des critères médicaux modernes en tout cas et des diktats des empereurs et impératrices de la mode qui ne jurent que par la maigreur. Mais si, mais si.

De nos jours, même les reines doivent être maigres… maigrissimes même. Certaines y parviennent très bien d’ailleurs, d’autres moins mais en tout cas, « perdre du poids » est non seulement devenu un but mais surtout, hélas, un devoir…presque patriotique !

Alors que pour Renoir, ces nues féminins aux formes généreuses célébraient la féminité, la joie et la beauté dans la grande tradition stylistique de celle de François Boucher ou d’Honoré Fragonard par exemple

Renoir a ainsi peint plusieurs baigneuses assises et dans différentes position, de dos, de face, de trois quart, sur un rocher, ou sur l’herbe ou sur les berges d’une rivière, avec un chapeau de paille, sans chapeau de paille, avec serviette de bains ou sans serviette, s’essuyant les bras, le dos, les jambes ou autre chose. Ici ce sont les jambes ou autre chose

Cette toile constitue le nu le plus tardif de Renoir de la collection du musée de l’Orangerie. Le marchand et collectionneur Paul Guillaume en fait l’acquisition dès 1924, cinq ans seulement après la mort du peintre. Entre temps, il avait appartenu au grand galeriste parisien Paul Rosenberg (1881-1959).

Le sujet de la toile ressemble à l’une des toiles les plus précoces de Renoir de la collection intitulée « Femme nue dans un paysage », datée de 1883. C’est en effet un sujet sur lequel Renoir n’a cessé de revenir tout a long de sa carrière. Il aimait les femmes ce n’est pas un secret

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Paul Cézanne (1839-1906)

Le baigneur

Huile sur toile

The Museum of Modern Art, New York

Ce baigneur solitaire fait partie d’une série de plusieurs toiles représentant des baigneurs, que Cézanne peignit au tournant du 20 siècle, époque où les bains de mer ou de rivière et les activités de plein air étaient en plein essor.

Mais en réalité baigneurs et baigneuses n'ont jamais cessé d’être représenté en peinture depuis l’antiquité et ceci même au moyen âge et sous la Renaissance. Ce qui est nouveau dans cette représentation ce n’est pas tellement le sujet mais la personnalité du sujet. En effet il ne s’agit ni d’un dieu, ni d’un héros mythologique ni d’un roi mais de monsieur tout le monde...incitant par la même tous les autres "messieurs tout le monde à faire de même".

Le modèle pris par Cézanne est un des militaires du régiment d’infanterie coloniale qui se baignait dans la Durance, la rivière qui passe au pied de leur casernement, à Aix-en-Provence. La Durance a été et est toujours un lieu apprécié de baignade, en été surtout, car elle draine l’eau fraiche des montagnes dont elle arrose la Provence avant de se jeter dans le Rhône, un peu plus loin, en Avignon.

C’est donc une scène banale que peint là Cézanne, qui lui même peut être en profita entre deux coups de pinceaux sur le motif, pour piquer une petite tête dans la Durance.

Le baigneur est représenté debout, légèrement incliné, ce qui crée une dynamique dans la composition imitée de certaines fresques et mosaïque Romaine traitant du même sujet. Le bain fut très traité des la Grèce Antique et même en Egypte. Cézanne avait pu, peut être, déjà observer ces représentations.

Sa posture suggère une introspection, presque méditative alors que le baigneur se dit peut être simplement comme chacun de nous à sa place : «  Elle est friscounette cette eau là… : " bon alors j’y vais ou j’y vais pas.? « 

Giambologna aussi appelé Jean de Bologne (1529-1608)

L’enlèvement d’une vierge aussi intitulé L’enlèvement d ‘une Sabine,

Groupe en Marbre, 4, 20m

Loggia dei Lanzi. Piazza della Signoria, Firenze

Mais qui est donc cette Sabine là ?

Et bien si tant est qu’il s ‘agisse vraiment d’une Sabine, ce n’est pas une personne isolée mais la représentante d’un groupe : en l’occurrence les Sabines, épouses des Sabins donc.

Les Sabines illustrent un épisode légendaire de l'histoire de Rome au cours duquel, la première génération des hommes de la cité en manque de femmes alla se les procurer en les enlevant chez plusieurs peuplades environnantes, notamment les Sabins.

Une sorte d’immigration sexuelle organisée donc et sans consentement bien entendu, pour des raisons de survie.

Une guerre s’en suivit, mais le roi des Sabins et le fondateur de Rome, Romulus donc, vont finir par se réconcilier, grâce à l’entremise ds Sabines qui, toutes raptées qu’elles étaient, n’en agirent pas moins en excellentes diplomates, et négocièrent la formation d’une seule nation qui rassembla Romains et Sabins, avec Titus Tatius, le roi des Sabins et Romulus à la tête d’une coalition dirigeante.

Fortiche les Sabines.

Ainsi tout citoyen futur de Rome fut peu ou prou, mais plutôt prou, descendant d’une Sabine.

Ce qui constitue un des caractères exceptionnels de la sculpture de Giambologna est sans le doute fait, qu’au contraire de tous les autres artistes qui représentent des foules se battant entre elles, dès qu’il s ‘agit des Sabines, Giambologna isole d’une foule, 3 personnages qui vont, à eux trois, résumer la bataille et ses enjeux. la meilleure façon de rendre immédiatement lisible par un passant, un sujet plutôt confus !

En effet, l’oeuvre était une commande de François 1er de Medicis, grand duc de Toscane qui décida de l’exposer au public dans la Loggia des Lanzi sur la piazza della Signoria à Florence. où elle est toujours aujourd’hui exposée, visible gratuitement et en plein air et sous tous les angles, par tous les passants de Florence et de la Terre entière d’ailleurs.

Giambologna mis 12 ans à réaliser cette scupture, depuis ses premières esquisses en bronze et cire à la version finale en marbre.

Petit détail : aucun document n’indique précisément qu’il s’agisse de l’enlèvement d’une Sabine. Le sujet pourrait donc être encore plus large et illustrer l’enlèvement d’une vierge en général, thème qui hanta les familles pendant plusieurs siècles.

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Pablo Picasso (1881-1973)

Les adolescents 1906

Huile sur toile 157 x 117cm

Musée de l’Orangerie, Paris

Picasso, dans ses périodes bleues et roses a beaucoup peint les enfants, de façon “sentimentale” selon sa propre expression, faisant référence au fait qu'il s'agissait souvent de ses propres enfants et en particulier de son fils Paulo.

Ce n'est pas le cas de cette œuvre réalisée quinze ans exactement avant qu'il n'ait son premier enfant avec Olga, Paulo, justement en 1921.

Nous sommes donc très éloignés ici de toute idée de paternité.

L’idée dans cette œuvre, qui appartient à la période dite rose du peintre, est de se livrer à une représentation archétypale, hors du temps, de la jeunesse en générale et plus précisément de ce moment fragile et trouble qui sépare l’enfance de la jeunesse et que l'on appelle l'adolescence.

C’est du voyage que Picasso fit en 1906 avec sa compagne et modèle d’alors Fernande Olivier, à Gosol dans les Pyrénées catalanes, que naît cette monochromie à la tonalité ocre rouge-rose, caractéristique de "la période rose"

Arno Breker, (1900-1991)

« Le Guerrier blessé », 1938,

Bronze 147 x 125 x 118 cm.

Jardin du musée Arno Breker, Dusserldorf

« Le Guerrier blessé » est une œuvre troublante. Sculpté par un des artistes le plus controversé du 20e siècle qu’il a traversé au plus fort de son tumulte. Sa période la plus sulfureuse étant celle de sa collaboration avec le régime National socialiste du 3eme Reich dont il a toujours clamé ne pas épouser les idées racistes mais dont il a tout de même dit je cite, « accepter le principe par opportunisme et mégalomanie ».

Cocteau qui ne manquait jamais un bon mot sur ces contemporains aurait dit de lui : « Breker était peut être le premier des génie en sculpture mais c’était à coup sûr le premier des idiots en politique « 

Ayant été proclamé en 1937 artiste officiel d’Adolf Hitler, il fut dénazifié après guerre au motif qu’il n’avait jamais été membre du Parti Nazi et qu’il avait sauvé plus d’un condamné par le régime. Pas de quoi devenir un « Juste » et d’autant

qu’il refusa toujours d'exprimer le moindre regret ou la moindre excuse pour avoir servi par son art la propagande Nazi, estimant que les artistes n'avaient rien à voir avec la politique.

Il reste vrai cependant que pendant la guerre, sa position d’artiste officiel du régime, lui a permis d’intervenir plusieurs fois en faveur de nombreux artistes que les nazis poursuivaient, soit parce qu’ils étaient juifs, soit pour leur homosexualité, soit pour de simples raisons d’opposition à leur politique, comme les membres des partis communistes européens, par exemple. Ainsi à Paris, Arno Breker protégea réellement Pablo Picasso, qui était alors communiste et lui évita des confrontations - on va dire pénibles pour de pas dire fatales - avec la Gestapo de la Rue Lauriston.

Sans aller jusqu’à organiser formellement la fuite vers le sud des artistes, il leur fit cependant passer des adresses où se réfugier et, ce faisant, leur évita sans doute la déportation voir la mort. A Berlin même, il sauva l’éditeur allemand Peter Suhrkamp qui avait été arrêté pour simple soupçon de résistance à Hitler.

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Jared French (1905-1988)

'Washing the White Blood from Daniel Boone

Lavez le sang blanc de Daniel Boone, 1950

Tempera à l’oeuf sur masonite, 51 x 77, 5 cm

The Cleveland Museum of Art

Daniel Boone (1734- 1820), ne pas confondre avec Dany Boone,

Daniel Boone, au centre de ce tableau, fut un explorateur américain, le pionnier de la colonisation de l'Amérique du Nord, l'un des héros les plus populaires des Etats Unis pour l'exploration et la colonisation de ce qui est aujourd’hui le Kentucky, qui se trouvait alors au-delà des limites occidentales des treize colonies britanniques.

Cette région appartenait  légalement  à la France sous le nom de « Nouvelle-France » avant que les « droits » n’en soient abandonnés à la Couronne britannique par la cession de la Grande Louisiane au Traité de Paris de 1763.

C’est un traité passé entre la France, l’Espagne, le Portugal et la Grande Bretagne qui met fin à la guerre de 7 ans que Winston Churchill qualifiera de Première Guerre mondiale, et comme assez souvent dans ces analyses historiques il avait raison d’ailleurs.

Par ce traité la France donc perdait définitivement son statut de plus grande puissance mondiale,( eh oui ça ne date pas d’aujourd’hui ) au profit de la Grande-Bretagne qui le conservera jusqu'à la Seconde Guerre mondiale....

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Edgar Degas (1834-1917)

Homme nu allongé, 1856

The MET, New York

Cette peinture inachevée fait partie des toutes premières oeuvres d’Edgar Degas, qui n’a pas peint que des danseuses et des jockeys…

Ce tableau a été peint en manière d’esquisse d’on ne sait pas trop quelle œuvre d’ailleurs, à l’époque où il était qu'étudiant en art à Paris sous Louis Lamothe, (et oui c’est l’expression consacrée) Lamothe presque totalement inconnu aujourd’hui mais qui avait été lui même élève sous Ingres et sous les frères Flandrin.

C’est aussi l ‘époque où Degas voyage en Italie et se lie d ‘une amitié indéfectible, pour un temps en tout cas, avec Gustave Moreau.

Degas était alors pauvre, très pauvre, et il était hors de question pour lui d’utiliser une toile neuve, on disait alors une « toile fraîche », pour peindre un esquisse qu’il n’avait aucune chance de vendre ou une étude demandée par un de ses professeurs.

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Hans Baldung Grien (1485-1545)

Merkurius, 1530

Huile sur panneau de bois, 1m 94 sur 64cm

National Museum de Stockholm

C’est tout de même fascinant cette façon qu’ont les notices explicatives des musées de ne pas traiter du sujet qui saute aux yeux.

Ainsi concernant cette œuvre, la description du musée où il se trouve dit :

« Le messager Mercure, l'un des dieux de l'Olympe, porte un bâton de héraut, un casque ailé et des sandales. Ce tableau ornait probablement le boîtier d'une horloge astronomique, Mercure symbolisant l'un des sept corps célestes de la cosmologie antique, censés influencer le caractère humain. Le lion contemplant son reflet pourrait représenter le tempérament colérique, et peut-être aussi le signe astrologique des Gémeaux. Les proportions allongées sont typiques de la peinture maniériste du XVIe siècle.

Bon… mais Pas un mot par contre de la seule chose qui saute aux yeux et intrigue le spectateur : le plumage multicolore d’oiseau de paradis ou le perroquet qui remplace la zigounette de ce Mercure et la libellule qui ne lui lâche pas la hanche.

C’est pourtant suffisamment intriguant pour que l’on s’y penche un peu (enfin pas trop non plus tout de même)

Ne reculant devant aucun sacrifice « Les Tableaux qui Parlent » le font donc, puisque apparemment il n’y a personne au Musée pour s’en occuper !

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Thomas Eakins ( 1844-1916)

The Wrestlers (Les Lutteurs),

Photographie, 1895

Huile sur toile, 152 cm sur 122, 1899

LACMA (Los Angeles County Museum of Art).

En 1898, Eakins commença une série de peintures d’après des photos de scènes sportives axées sur deux sports de salle : la boxe et la lutte. Il prenait lui même ses photos et on sait qu’il était un photographe plutôt doué.

Avant de commencer à peindre ce tableau célèbre, Eakins voulu observer soigneusement le sport qu’il allait peindre pour en saisir la posture la plus caractéristique. Il décida alors de se rendre au Quaker City Athletic Club qui était le temple de cette discipline à Philadelphie, la ville où il enseignait le dessin. Il assista à plusieurs épreuves de luttes en salle avant de faire venir dans son atelier deux athlètes et de les faire lutter devant lui à plusieurs reprises et à plusieurs semaines de distances exactement comme il l’aurait fait avec des modèles, afin de déterminer quelle serait la position la plus intéressante. Eakins les photographia alors en action.

La première photo date de 1895.

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