Edito de Danièle Marcovici, Fondatrice et Présidente de la Fondation Villa Datris

Cette année, avec notre nouvelle exposition Méditerranée, Odyssées Contemporaines, je vous invite à plonger dans l’âme de cette mer mythique en compagnie de 65 artistes originaires de 20 pays.
Carrefour de civilisations, la Méditerranée est depuis toujours un espace où cohabitent passé et présent, traditions et modernité. Aujourd’hui plus que jamais, elle cristallise les enjeux contemporains : changements climatiques, insécurité alimentaire, combats écologiques mais aussi bouleversements sociaux.
Dans cette exposition, les artistes dialoguent avec l’histoire et les civilisations, nous invitent à explorer la richesse des traditions méditerranéennes, la réalité de nos racines communes et la diversité de nos cultures.
Elles et ils rendent hommage à la Méditerranée comme espace d’échanges, de circulation et de passage, évoquent la précarité, la fragilité des migrations climatiques et la douleur de l’exil, et questionnent les mécanismes d’exclusion et d’oubli collectif.
Leurs œuvres, qu’elles soient engagées, poétiques ou empreintes d’humour, parlent aussi de la transmission des savoirs, des langues, des chants, des objets et des gestes du quotidien ou des pratiques ancestrales.
Enfin, ce voyage artistique vous invite à penser la Méditerranée comme territoire et mémoire partagés où nos cultures s’entrecroisent et s’enrichissent dans un monde en perpétuelle évolution.

Une exposition qui se tiendra jusqu’au 1°novembre.

Hébergé par Audiomeans. Visitez audiomeans.fr/politique-de-confidentialite pour plus d'informations.

Le Musée du Niel sur la presqu’île de Giens, présente, du 1°mai au 1°novembre, une nouvelle facette de sa collection sous le prisme de la couleur et l’abstraction.

Le propos de cette exposition est de souligner les rapports qui ont pu exister dans la seconde moitié du XXe siècle entre la couleur et l'abstraction. Ces rapports sont marqués par une lutte, un combat. La couleur peine à s'imposer dans l'expression abstraite d'après-guerre dans un contexte esthétique qui accepte mal le recours aux éclats de la couleur. Les codes chromatiques dominants sont souvent sombres, échappent rarement au noir, au blanc et au gris.

Vers la "couleur abstraction"
Certains parviennent à imposer leur vision colorée malgré tout comme Dewasne, grâce à une expression géométrique, ou à travers la puissance lyrique comme Mathieu, Schneider, Poliakoff, Hartung, et aujourd'hui Fabienne Verdier, ou encore par la couleur elle-même en tant qu’élément central de l’œuvre comme chez Hantaï. De l'autre côté de l'Atlantique, des artistes revendiquent fortement l'héritage matissien et font de la couleur le composant essentiel de leur travail abstrait tout en réinventant la peinture. C'est le cas de Shirley Jaffe et de Sam Francis, ou encore de Kimber Smith et James Bishop.
De ces combats, de cette résistance, de cette renaissance, de ces interconnexions, émergent une sensation, un sentiment, voire un langage, éclatants ou sombres, que l'on peut qualifier de "couleur abstraction".

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Caumont-Centre d’Art, à Aix en Provence, consacre cette année son exposition d’été à l’artiste emblématique Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), grand maître de l’avant-garde parisienne de la fin du XIXe siècle. Il s’agit de la première exposition consacrée à décrypter et à mettre en lumière sa capacité à créer des images iconiques, à ériger
en quelques mois une inconnue au rang de star nationale.
Toulouse-Lautrec sait, avec brillance, audace et élégance, faire perdurer dans la mémoire collective la renommée de certains modèles, en outre principalement féminins, les élevant au rang d’icônes incontournables de toute une époque.
Peintre de figures au regard profondément humain, Toulouse- Lautrec a su saisir avec une grande liberté l’essence de ses contemporains. À travers près d’une centaine d’œuvres, l’exposition de Caumont-Centre d’Art s’attardera à révéler les moyens mis en œuvre qui expliquent non seulement l’originalité et le succès des œuvres de Toulouse-Lautrec, mais aussi et surtout leur prodigieuse pérennité.
Ainsi, en mettant en scène les célébrités de son temps, en les associant à des symboles et des attributs reconnaissables immédiatement, Toulouse- Lautrec contribue à leur renommée et crée des images fortes qui traversent les années et les élèvent au rang d’icônes. Des célébrités éphémères aux figures intemporelles, il fabrique ces vedettes et réussit à fixer les gloires contemporaines en les transformant en symboles du Paris fin-de-siècle.

Une exposition qui se tiendra du 24 avril au 4 octobre 2026.

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Caumont-Centre d’Art, à Aix en Provence, consacre cette année son exposition d’été à l’artiste emblématique Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901), grand maître de l’avant-garde parisienne de la fin du XIXe siècle. Il s’agit de la première exposition consacrée à décrypter et à mettre en lumière sa capacité à créer des images iconiques, à ériger
en quelques mois une inconnue au rang de star nationale.
Toulouse-Lautrec sait, avec brillance, audace et élégance, faire perdurer dans la mémoire collective la renommée de certains modèles, en outre principalement féminins, les élevant au rang d’icônes incontournables de toute une époque.
Peintre de figures au regard profondément humain, Toulouse- Lautrec a su saisir avec une grande liberté l’essence de ses contemporains. À travers près d’une centaine d’œuvres, l’exposition de Caumont-Centre d’Art s’attardera à révéler les moyens mis en œuvre qui expliquent non seulement l’originalité et le succès des œuvres de Toulouse-Lautrec, mais aussi et surtout leur prodigieuse pérennité.
Ainsi, en mettant en scène les célébrités de son temps, en les associant à des symboles et des attributs reconnaissables immédiatement, Toulouse- Lautrec contribue à leur renommée et crée des images fortes qui traversent les années et les élèvent au rang d’icônes. Des célébrités éphémères aux figures intemporelles, il fabrique ces vedettes et réussit à fixer les gloires contemporaines en les transformant en symboles du Paris fin-de-siècle.

Une exposition qui se tiendra du 24 avril au 4 octobre 2026.

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Dans la continuité du « Rêve » et de l’apesanteur des précédentes éditions, la thématique de l’exposition 2026 à CAMPREDON art & image, à l’Isle sur la Sorgue, prolonge cette échappée vers l’imaginaire.
Au fil d’un cheminement entre réel et intangible une nouvelle histoire se déploie, dans laquelle le hors-champ tient une place d’honneur. « PRESENCE » offre ainsi une nouvelle opportunité créative aux 26 artistes contemporains exposés ; une «PRAESENTIA» polysémique qui augure une richesse de représentations et de questionnements sur notre humanité, notre traversée dans l’espace et le temps, notre empreinte, voire notre EXISTENCE.

Une exposition qui nous invite à découvrir des réalités cachées et qui se tiendra du 4 avril au 4 octobre 2026

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Dans la continuité du « Rêve » et de l’apesanteur des précédentes éditions, la thématique de l’exposition 2026 à CAMPREDON art & image, à l’Isle sur la Sorgue, prolonge cette échappée vers l’imaginaire.
Au fil d’un cheminement entre réel et intangible une nouvelle histoire se déploie, dans laquelle le hors-champ tient une place d’honneur. « PRESENCE » offre ainsi une nouvelle opportunité créative aux 26 artistes contemporains exposés ; une «PRAESENTIA» polysémique qui augure une richesse de représentations et de questionnements sur notre humanité, notre traversée dans l’espace et le temps, notre empreinte, voire notre EXISTENCE.

Une exposition qui nous invite à découvrir des réalités cachées et qui se tiendra du 4 avril au 4 octobre 2026

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Du 9 avril au 19 septembre 2026, Afroblue réunit à la Fondation Blachère , 38 artistes qui livrent à la couleur bleue leur mémoire, leurs rêves et leurs récits. Exploré comme une matière vivante, entre ciel et mer, corps bleus, gestes anciens et formes contemporaines, le bleu compose un parcours poétique pour dire le monde d’aujourd’hui.

À l’étage, carte blanche à l’artiste Wim Botha avec une installation inédite.

Afroblue, une exposition à découvrir et à ne pas manquer cet été à la Gare de Bonnieux.

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Du 9 avril au 19 septembre 2026, Afroblue réunit à la Fondation Blachère , 38 artistes qui livrent à la couleur bleue leur mémoire, leurs rêves et leurs récits. Exploré comme une matière vivante, entre ciel et mer, corps bleus, gestes anciens et formes contemporaines, le bleu compose un parcours poétique pour dire le monde d’aujourd’hui.

À l’étage, carte blanche à l’artiste Wim Botha avec une installation inédite.

Afroblue, une magnifique exposition à découvrir et à ne pas manquer cet été à la Gare de Bonnieux.

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Maîtresse incontestée du geste et des mouvements de ses personnages, Adrienne Jouclard (1882-1972) s’est intéressée à tous les sujets de son terroir de Lorraine, avec ses travaux des champs, ses baignades en rivière, le monde de l’enfance, du cirque, la découverte de l’Afrique du nord…..dans un éclaboussement joyeux de couleurs, hérité du Fauvisme.

A voir absolument au musée de Graveson jusqu’au 17 mai, de 10h à 12h et de 14h à 18h, même le dimanche.

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Roger Edgar Gillet (Paris, 1924 - Saint-Suliac, 2004) est un artiste emblématique de la peinture de la seconde moitié du XXe siècle français et pourtant méconnu du grand public. Fruit de vingt ans de travail d’Elisa Farran, la directrice du musée Estrine, cette exposition proposée conjointement par le musée Estrine et le musée des Beaux-Arts de Rennes constitue la première rétrospective d’envergure réalisée par des musées depuis le décès de l’artiste. Un évènement à ne pas manquer.
Dans le contexte du Paris d’après la Seconde Guerre mondiale, Gillet débute sa production dans le mouvement de l’abstraction informelle. Qu’il travaille la peinture au couteau, en surfaces épaisses, ou qu’il déploie des compositions complexes, il expérimente sans relâche et joue des effets expressifs de la peinture.

Au début des années 1960, il assume pleinement le retour à la figuration, par besoin d’affirmer la force du regard humain. Sa production explore alors les genres traditionnels de la peinture, mais chaque sujet est passé au crible d’un humour féroce. Ainsi, l’artiste parvient-il à proposer ce que pourrait être une peinture d’histoire du XXe siècle. La grande dérision qui caractérise sa peinture n’empêche pas Gillet de rester profondément humaniste.

Après une série de tempêtes dans laquelle il trouve une ligne de crête entre abstraction et figuration, il revient, en 1996, dans un ultime mouvement de pendule parmi les incessants allers-retours qui marquent sa pratique, à la primauté de la figure humaine avec une série de têtes à l’expression d’une force extrême.

Récalcitrant à toute classification, Gillet déclarait : « L’important, c’est de perturber le regard ».

« Roger Edgard Gillet- La grande dérision » Musée Estrine de St Rémy de Provence 14 février 7 juin 2026

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