En esta nueva entrega de nuestra sección Tokyo Sound Machine, viajamos hasta el año 1996 de la mano de Víctor Alonso para explorar a fondo una especie de “joya oculta” de su tiempo. Estamos hablando de Street Fighter EX, una ramificación de la famosa saga de CAPCOM desarrollada por Arika. En este programa profundizamos en las obras de sus compositores, el trío compuesto por Shinji Hosoe, Ayako Saso y Takayuki Aihara, quienes habían atesorado una enorme experiencia en Namco antes de unirse a Arika. Por su parte, Víctor amplía la información que conocemos sobre la placa ZN-1, ofrece valiosos consejos para jugar y ahonda en la interpretación de los escenarios, entre otras muchas cuestiones. Querid@s oyentes, os aseguramos que este programa es un portal hacia toneladas de música increíble, gráficos poligonales bellísimos y escenarios que transmiten una extraña sensación de nostalgia.

¡Esperamos vuestros comentarios! ¡Uníos a la pelea =D!

En este episodio te contamos la historia de un Tokio nocturno, vibrante y misterioso, en el que los cartelones de neón se reflejan en charcos y cristales mientras miles de personas recorren sus atestadas calles. Este Tokio, que bebe de la imaginería ciberpunk y retrofuturista que tantos videojuegos, películas y series han mostrado, es el que nos presenta nuestro colaborador Víctor Alonso en su fotolibro "Tokyo Nights" (2022) editado por Héroes de Papel. Hoy volvemos a esta obra con el motivo del reciente lanzamiento de su segunda edición.

ATENCIÓN. Con la excusa del relato fotográfico de este mágico Tokio, nos visita por vez primera "la voz de Píxel Sonoro": nuestro otro queridísimo colaborador Alber Muñoz, quien compuso una banda sonora completa para la exposición original que motivó la publicación del libro. En él también se incluyen estas piezas.

En este programa grabado entre amigos queremos desearte felices fiestas con un pedacito de historia que sirve como colofón a una serie de episodios consagrados a las estéticas ciberpunk y retrofuturista. ¡Cuéntanos tu opinión y anímate a adquirir Tokio Nights!

Encuéntra tu plataforma favorita, accede a la tienda de Píxel Sonoro en LaTostadora o contribuye a la iniciativa en Ko-fi: https://linktr.ee/pixelsonoropodcast

En este episodio recibimos a Alexander Elósegui y Sergio Villar de Wild Cat Records, autores de la increíble música de lo nuevo de ChaoticBrain Studios: Neon Blood, una fascinante aventura narrativa con toques RPG ambientada en un mundo ciberpunk con claros toques de cine noir cuyo lanzamiento, para todas las plataformas, se produjo el pasado 26 de noviembre. Aprovechamos la bellísima estética audiovisual de Neon Blood para adentrarnos en algunos de los detalles de la música y del proceso de creación que únicamente conocen sus creadores. Sin embargo así a vuelapluma, en ella se identifican recursos que remiten a los tropos habituales del ciberpunk en el cine y las series, así como otros del noir y de esa categoría estética un tanto abstracta, según los casos, que muchos denominan “retrofuturismo”. Neon Blood es todo eso y mucho más, y por eso, precisamente, la primera parte de este programa lo dedicamos a explicar qué es un tropo en el cine y cuáles han sido los tropos más habituales en relación con estos géneros en el videojuego. Por último, llega Pablo Naop con un cóver ciberpunk, retrofuturista —literalmente— y navideño —figuradamente— que no es de un videojuego pero sí de una banda omnipresente en los orígenes de la música del medio: Kraftwerk.

¡Acompáñanos! Aquí puedes acceder a todas las plataformas donde se emite Píxel Sonoro y también a la tienda del programa en LaTostadora y a la página de Ko-fi, por si quieres contribuir económicamente a la causa: https://linktr.ee/pixelsonoropodcast

En esta edición de Tokyo Sound Machine viajamos hasta el año 1993 para revisitar uno de esos juegos de culto, importantísimos en la historiografía del medio por su enorme calado y carácter seminal en su ámbito. Batsugun fue el último shooter vertical de la empresa Toaplan antes de su disolución en 1994, aunque se convertiría en el juego precursor de los “bullethell” o “danmaku”. Por otro lado, hablamos brevemente de Yoshitatsu Sakai, un desconocidísimo compositor que siguió algunas de las prerrogativas de lo que los empleados de Toaplan denominaban cariñosamente “estilo Toaplan”, el cual había sido instaurado por figuras capitales del sonido de la empresa como Tatsuya Uemura y Masahiro Yuge. Por su parte, Víctor nos trae una gran cantidad de secretos del desarrollo de este clásico de los STG extraídos de fuentes privilegiadas —casi en exclusiva— y, como es habitual, nos ofrece algunos tips para lograr completar Batsugun con un solo crédito. ¡Aprovechad, que este sí que es accesible!

Por favor, no olvides dejarnos tus comentarios en este episodio, ya sea en Ivoox, en Spotify o en X, Instagram y Bluesky. ¿De qué juego te gustaría que habláramos en Tokyo Sound Machine? ¿Nos das ideas?

En este enlace puedes visitar el resto de plataformas, así como nuestros perfiles de Ko-fi y de "la tostadora": https://linktr.ee/pxelsonoro

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Hay un recuerdo de mi infancia que siempre tengo muy presente, y era un solitario WipEout de PlayStation colocado en una marquesina de la librería de mi barrio, que pasó días y días expuesto en una marquesina hasta que perdió el color a causa de la continua exposición a la luz del sol. Esto no quiere decir que WipEout fuera un fracaso comercial; al contrario. Es más, tiene que ver con la frustración que sentí una y otra vez cuando mis padres se negaban a comprármelo. Tanto WipEout (1995) como WipEout 2097 (1996) se caracterizaron por ser juegos de su tiempo, con una estética visual y musical que reflejó un gran número de tendencias que estaban desarrollándose a nivel cultural. Entre ellas, la escena de la Música Electrónica de Baile en Reino Unido. En este programa profundizamos en ese aspecto. En primer lugar, hablaremos del contexto musical en el que surgió la obra original de Psygnosis, tanto en el marco británico como en otros. Después, abordaremos de lleno la historia del proyecto y las inspiraciones musicales de Tim Wright para crear una banda sonora original que imitase a los subgéneros de la electrónica que se escuchaban en clubs y raves. Por último, relataremos cómo el éxito de WipEout desencadenó el que muchos artistas relevantes del panorama quisieran enrolarse en la banda sonora de WipEout 2097.

Además, Pablo Naop nos acompaña con un cóver muy a la “Prodigyana”, si es que esa palabra sirve.

Este programa trata, en definitiva, de perseguir a los fantasmas que se quedaron encerrados en un tiempo muy especial. ¡Acompáñanos!

Bibliografía:

Blánquez, Javier y Omar Morera (eds.). Loops 1. Una historia de la música electrónica en el siglo XX. Madrid: Reservoir Books, 2021.

Millea, James. «Rave Racing. Electronic Dance Music and Immersion in WipEout». Journal of Sound and Music in Games, vol. 4, 1, (2023): 72-90.

Roth, Martin. Thought-Provoking Play: Political Philosophies in Science Fictional Videogame Spaces from Japan. Pittsburh, PA: ETC Press, 2017.

«The Making Of WipEout 2097». Retro Gamer, 152, (2016): 20-28.

Vídeo de Youtube:

«Wipeout 2097: The Making of an Iconic Playstation Soundtrack – Noclip Documentary». Vídeo de YouTube, 31:16, subido por Noclip – Video Game Documentaries el 11 de junio de 2024, https://www.youtube.com/watch?v=-nwWpQJFGp8

Otros:

McAllister, Gillen. «Extended Play: The Inside story of how iconic PlayStation series WipEout was born». PlayStation Blog (blog), publicado el 7 de junio de 2017, https://blog.playstation.com/archive/2017/06/07/extended-play-the-inside-story-of-how-iconic-playstation-series-wipeout-was-born/

Stuart, Keith. «Return of WipEout and Tekken takes us back to the heady world of 90s Friday night gaming». The Guardian (web), publicado el 2 de junio de 2017, https://www.theguardian.com/technology/2017/jun/02/wipeout-tekken-return-90s-gaming

Ombler, Matt. «Tony Hawk’s Pro Skater Exposed Millions to Punk. WipEout did the same for Rave». Vice Magazine (web), publicado el 29 de septiembre de 2021, https://www.vice.com/en/article/tony-hawks-pro-skater-exposed-millions-to-punk-wipeout-did-the-same-for-dance-music/

En el episodio de esta semana, que coincide a propósito con la víspera del día de los Santos (de Muertos en México) y, por consiguiente, con la Noche de Halloween, vamos a profundizar en algunos de los aspectos conceptuales que dieron lugar a diseños sonoros tan fascinantes e innovadores en su tiempo como son los que se aplicaron a las dos primeras entregas de la saga Silent Hill. En este programa, recorremos la vida de Akira Yamaoka, el autor del apartado sonoro al completo en todas las entregas de Silent Hill hasta “Revelations”. De igual modo, reflexionamos brevemente sobre qué impacto tiene el diseño musical en la desorientación del individuo cuando este debe valerse de las señales acústicas para avanzar por un terreno que le está vedado a la vista. Véanse, las neblinosas calles del tenebroso pueblo de Silent Hill. Pero además, hablamos sobre la cuestión del tiempo; sobre cómo las señales acústicas pueden distorsionar la percepción temporal del jugador durante la partida. Algo realmente terrorífico en juegos del género survival horror. Ya en la última sección del episodio, ofreceremos una perspectiva un tanto arqueológica sobre el sonido de Silent Hill: tratamos la cuestión de los ya descatalogados CD`s de samples que contuvieron los sonidos que identificamos con una estética afincada en la década de 1990.

Por último, pero no por ello menos importante, como es habitual Pablo Naop nos acompaña con un Covermanía que pone el mundo patas arriba… Como casi todo lo que ocurre en Silent Hill.

¿Nos acompañas?

Enlaces:

«Cómo se hizo la música de Silent Hill (samples, loops, sounds, libraries, beats, análisis y más)», vídeo de Youtube, 39:59, subido por Avith Ortega el 14 de abril de 2019, https://www.youtube.com/watch?v=ygAwlFZN8Hg

Bibliografía:

Carr, Diane. «Play Dead. Genre and Affect in Silent Hill and Planescape Torment». Game Studies (web), acceso el 29 de octubre de 2024, https://www.gamestudies.org/0301/carr/

En esta nueva edición de Tokyo Sound Machine hablamos de «Los Últimos Game Center», el nuevo fotolibro de nuestro colaborador Víctor Alonso quien llega para ofrecernos muchos detalles sobre un trabajo que documenta visualmente el tramo final de vida de los últimos salones arcade que quedan en Japón.

Para enriquecer todavía más nuestra conversación, repleta de alusiones a la cultura pop japonesa y a hábitos de vida y de consumo que se desvanecen, contamos con la presencia de Ricardo Martínez, editor jefe de Héroes de Papel, que nos relatará como se fragua un proyecto así desde los comienzos.

Además, Víctor e Iván se sumergirán en los característicos paisajes sonoros de los Game Center; una plétora de sonidos que muchos recuerdan desde la nostalgia de la lejanía y que, en cierta medida, son ecos que muchos jugadores todavía sienten como identitarios.

¡Como colofón, SORTEAMOS una copia de este magnífico libro! ¡Vente con nosotros!

¡Alerta de programa apasionante y conmovedor!

Desde sus implicaciones respecto a la narrativa y los espacios, hasta el papel que desempeña en lo concerniente a las diferentes esferas de tiempo en las que nos vemos sumidos cuando jugamos a videojuegos, las posibles aplicaciones de la música en la confluencia de estos tres ámbitos permanece, en ocasiones, como un secreto a voces; como el elefante en la habitación. Hoy nos enorgullece contar de nuevo con el gran compositor José Ramón “Bibiki” García para hablar de su última obra: la magnífica y singular banda sonora de ARCO. Lanzado el pasado 15 de agosto, ARCO es un título con tintes de aventura narrativa y RPG táctico por turnos, con un apartado visual tan bello como minimalista y cuya historia nos conduce a recorrer las vidas de cuatro personajes insertos en un mundo inundado por la codicia humana. ARCO es uno de esos juegos que destina cada una de sus partes al relato de una historia que trasciende los límites de lo que se ve, que está cargado de simbolismo y que se rodea de un aura de misticismo difícil de definir. En este episodio, comenzamos el discurso sobre la música de la música de la obra maestra de Tequila Works RiME (2017) para después pasar a la entrevista, donde escucharemos algunas de sus las increíbles piezas vocales de ARCO mientras charlamos con su autor sobre el significado de sus composiciones en el juego en relación con los espacios, la narrativa y el tiempo.

Por si fuera poco, Pablo Naop nos va a trasladar hasta Silent Hill en Covermanía, pero de una forma muy original y sorprendente.

¡Acompañadnos!

Computer Art Visual Entertainment (CAVE) es actualmente una de esas empresas que gozan de un aura "de culto" entre los jugadores acérrimos a los salones arcade japoneses y, concretamente, aquellos aficionados a la vertiente danmaku de los shooting games. Esto es, bullethell, juegos frenéticos en los que la pantalla suele cubrirse de proyectiles. Entre la segunda mitad de la década de 1990 y hasta finales de la siguiente, CAVE fue la responsable de algunas de las joyas más cotizadas del género como DoDonPachi, DeathSmiles, EspGaluda, Akai Katana, Guwange y, por supuesto, los títulos que integran la saga Mushihimesama.

En esta edición de Tokyo Sound Machine, Víctor Alonso nos cuenta multitud de detalles sobre el juego original —cuyo título significa "la princesa de los insectos"—, sobre su segunda entrega "Mushihimesama Futari" y acerca de una versión un tanto apócrifa —y muy exclusiva— llamada Mushihimesama 1.5. Por otra parte, y puesto que esto es un programa musical, también repasamos la vida, influencias y obra de uno de los compositores principales de la Saga y de CAVE, Manabu Namiki; una figura no perteneciente al mainstream de los compositores de música de videojuegos pero cuyo corpus es de capital importancia dentro del género shooting, con trabajos para juegos como Battle Garegga, Armed Police Batrider y varias franquicias CAVE.

¡Acompáñanos en este viaje al reino de los insectos!

Saludos de nuevo querid@s oyentes cibernéticos. Como hacía mucho que no traíamos una entrevista al podcast, esta vez toca una a tres bandas. Y es que, después de una introducción en la que recorreremos brevemente la historia del género ciberpunk y sus temáticas más habituales, nos acompañan Nacho Teruel —compositor— y Hugo Gómez —CEO y fundador— del estudio talaverano Aeternum Game Studios para hablarnos en profundidad del desarrollo de su último título, Eden Génesis, y de su banda sonora, como no podría ser de otro modo. Imperdible, una charla amena en la que aparecen multitud de curiosidades y referencias a un montón de obras de la cultura pop y de la industria española del videojuego.

Además, llega Pablo Naop con un Cóver muy especial que se queda directamente en Aeterna. ¡Para no perder el hilo ni en Covermanía!

¡Acompáñanos en este programa distópico!