El 13 de septiembre de 1995, un comunicado de prensa de Island Records confirmó un nuevo álbum de Passengers.
¿Quiénes?
El comunicado de prensa dice: “Bono, Adam Clayton, Brian Eno, Larry Mullen Jr. y The Edge han formado un colectivo informal conocido como Passengers.
En su primer álbum se les unen el maestro de Mo’Wax Howie B., la cantante japonesa Holi y la leyenda de la ópera Luciano Pavarotti.
Titulado Original Soundtracks 1, será lanzado por Island Records el 7 de noviembre de 1995”.
Este año se cumple el 30 aniversario del álbum y, para celebrarlo, se lanzó una nueva versión para el Record Store Day, el 12 de abril de 2025, en vinilo negro reciclado, fue remasterizada por Scott Sedillo bajo la guía de The Edge.
La grabación del proyecto Passengers duró siete semanas. Las sesiones iniciales se llevaron a cabo en Londres, en el estudio Westside, en noviembre de 1994, con U2 y Brian Eno trabajando juntos en el estudio. La grabación se terminó en cinco semanas en Dublín, donde la banda trabajó en un estudio de grabación, mientras que Howie B trabajaba en otro haciendo mezclas de temas.
Howie se había unido al proyecto para estas sesiones de 1995, y la voz de Pavarotti también se grabó durante ese tiempo. En total, se grabaron entre 25 y 40 horas de música, dependiendo de a quién se pregunte, que posteriormente se redujo al lanzamiento que conocemos hoy.
U2 aparece en cada canción, pero se planeó desde el principio que fuera un proyecto de U2 y Brian Eno.
El disco Passengers fue concebido en Japón al final de la gira Zooropa.
El plan desde el principio fue poner a Eno a cargo, "Básicamente, pusimos a Brian como capitán. Es su barco y nos pusimos a disposición. Al mismo tiempo, no es tan simple, porque somos una banda con una identidad muy fuerte e ideas firmes sobre lo que queremos hacer, así que inevitablemente han aparecido algunas canciones, por ejemplo, que no formaban parte del plan original", dijo Bono.
Bono concluye, "No es un disco de U2, es un disco de U2 y Brian Eno, así que es mucho mejor".
Adam Clayton también comparte: "La idea siempre había sido algún tipo de colaboración, dependiendo del material que saliera de ella, pero nunca estuvimos muy seguros de qué forma tomaría. Una vez que lo pensamos como una banda sonora, entonces pareció un disco que era una colaboración entre los cinco".
En esos primeros años noventa, U2 estaba viviendo una libertad creativa que se podía apreciar no solamente en sus trabajos como grupo, sino que también en las obras en las que participaban individualmente.
Un gran ejemplo de ello, es la banda sonora de la película “In the Name of the Father”, compuesta por Bono y el ex-Virgin Prunes Gavin Friday.
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Inicialmente, el proyecto comenzó como una banda sonora para una película real, The Pillow Book, pero esos planes se vinieron abajo, por lo que Brian Eno y U2 decidieron tomar un camino diferente.
Eno sugirió un álbum conceptual, manteniendo la idea de hacer música para películas y asociando cada canción con una película diferente, algunas reales y otras imaginarias.
Eno proporcionaría videos que se reprodujeron en el estudio para inspirar a los músicos y darles algo para componer.
"Teníamos televisores grandes en el estudio, y poníamos la animación sin sonido e intentábamos crear una banda sonora para ella”, comentó Brian.
Las animaciones utilizadas fueron creadas por estudiantes del Royal College of Art de Londres, donde Eno enseñaba. También usaron películas reales, incluyendo una escena de la aún no estrenada Heaven's Prisoners, el primer corte de Wim Wenders de Beyond the Clouds y la película Alphaville.
Eno compartió: “En el estudio, es fácil llegar al punto de la locura, donde te obsesionas con las cosas más insignificantes. Sugerí que hiciéramos algunas sesiones de improvisación, simplemente poner la cinta y tocar, así que trabajamos con una brocha ancha en lugar de las de un solo pelo que habíamos estado usando. Fue diseñado para abrirnos un poco y resultó ser una buena manera de crear música”.
En un momento dado, el álbum incluso se llamó Music for Films 4, ya que Eno había lanzado tres álbumes de la serie, Music for Films 1 (1978), Music for Films 2 (1983) y Music for Films III (1988).
El tercero de la serie había sido el primero en incluir a otros artistas, y el proyecto con U2 podría haber encajado fácilmente como una cuarta entrada en la serie.
Años más tarde, Eno también incluiría algunas pistas de Passengers en sus compilaciones de Film Music.
Otro título alternativo temprano para el proyecto Passengers fue Always Forever Now, como el título de la canción que forma parte del disco.
Al final, se grabaron 14 pistas. Varias de estas son instrumentales o con voces limitadas.
Un remix de Eno de la canción de U2 de 1991, "Zoo Station", retitulada "Bottoms" (que escuchamos como apertura del programa), se incluyó en el lanzamiento japonés.
Ese bonus track no estaba disponible en ningún otro lugar en 1995, pero se incluyó en la edición de 2025, disponible en el Record Store Day.
Sin embargo, terminó como lado B del sencillo de “Miss Sarajevo”.
El sello planeaba lanzar el álbum como una colaboración entre U2 y Brian Eno.
A finales de 1994, The Edge sugirió el nombre "Babel" para el colectivo, pero no prosperó.
De hecho, el propio sello Island sugirió un nombre alternativo para el grupo, pensando que no querrían comercializarlo bajo el nombre de U2.
En los últimos días de la mezcla final del álbum, que ya había sido mencionado en la prensa, Eno relata en su diario: "Trabajando con Cally [director artístico de Island] en Bron, me convenció de que no usara el nombre de “Always Forever Now” y me explicó que en Island estaban preocupados por si el disco confundía la imagen pública de U2.
Me resistí hasta el final, durante diez minutos, y dije que pensaba que todos eran unos cobardes".
Más adelante, Eno dice: “Entiendo el punto: uno no quiere vender cosas con falsos pretextos, especialmente a un público que podría no estar en posición de descartar un disco no deseado para simplemente 'experimentarlo'. En cambio, se nos ocurrió la idea de llamarnos 'Passengers’”.
Eno presentó la idea del nombre del supergrupo a la banda el 11 de agosto.
Howie B dijo sobre la elección del nombre Passengers:
“Recuerdo haber hablado de ello, pero se gestó de forma objetiva con todos los diferentes artistas que contribuyeron, sin mucho ego de por medio”.
Antes de sumergirnos en el álbum, escucharemos otras dos canciones en las que los miembros de U2 trabajaron en esos días.
Escucharemos la versión de Lalo Schifrin del tema de “Mission: Impossible”, a cargo de Adam Clayton y Larry Mullen Jr.
Antes de eso, repasaremos la épica “Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me” de U2, perteneciente a la banda sonora de la película Batman Forever.
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“United Colours”
De la película “United Colours of Plutonium” (Tetsuji Kobayashi, Japón)
“United Colours of Plutonium” se sitúa en ese territorio inexplorado entre el terror y la comedia. Se centra en un ejecutivo de publicidad agotado (Damo Ujiwara) que se queda dormido en el Tren Bala. En sus sueños, los espíritus de las personas a las que ha explotado a lo largo de su carrera regresan para atormentarlo. Despierta agradecido, solo para descubrir que el "sueño" continúa en una sucesión de fantasmagorías al estilo de Fellini. El extraño uso del color de Kobayashi, la edición ultrarrápida y los ángulos de cámara extremos, junto con la actuación hilarantemente inexpresiva de Toshiro Takemitsu como el inspector que descubre a toda una familia de fantasmas viajando sin billetes válidos, no tiene parangón.
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“Slug”
De “Slug” (Peter von Heineken, Alemania)
El tercer largometraje de Von Heineken, “Slug”, es una extensión del estilo crudo y fotorrealista que desarrolló en “Alcatura” (1984) y “Breaking Glass” (1986). Dieter, un joven mecánico de coches (Karl Popper), incapaz de atraer la atención de la cajera Nela (Catarena Hofennes), organiza un elaborado atraco en el que se hará el héroe al ahuyentar a los malhechores y así salvar a Nela. Las cosas empiezan a ir mal cuando los ladrones se dan cuenta de que la caja registradora está realmente llena de dinero, rompen el acuerdo con Dieter e intentan escapar con el dinero. La escapada se convierte en un confuso tiroteo durante el cual Nela dispara a un guardia de seguridad en el pie y es posteriormente arrestada. Atormentado por la culpa por haberla implicado, Dieter se propone asegurar su liberación por las buenas o por las malas, seduciendo a la directora de la prisión de mujeres en el proceso.
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“Your Blue Room”
De “Par-Delà Les Nuages/Más allá de las nubes” (Michelangelo Antonioni, Wim Wenders, Italia)
“Más allá de las nubes” trata sobre encuentros.
Encuentros sorprendentes o esperados, temidos o anhelados por cada uno de nosotros, el público, en secreto.
Un director de cine con una cámara de bolsillo recorre las ciudades de Francia e Italia y su búsqueda interior lo inspira con cuatro hermosas historias de amor.
En la primera, un joven está tan cautivado por una joven que no puede sacrificar su deseo por el placer.
La segunda explora la fascinación del director por una joven que le confiesa: «Maté a mi padre».
La tercera se ambienta en París, donde las parejas se separan y dos rupturas unen a un hombre y una mujer.
La sublimación del amor es el tema de la última historia.
¿Puede un mismo corazón amar a Dios y a los hombres?
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“Always Forever Now”
La canción es parte de los créditos finales de “Always Forever Now” (John Leng Qi, Hong Kong), que ha causado un impacto sorprendente.
Las cuatro integrantes restantes de la célula F, un equipo de escultoras corporales, buscan vengar el brutal asesinato de una de sus integrantes.
Sus encuentros con la banda Tong en los callejones de Hong Kong culminan en una escena de lucha con una coreografía deslumbrante. La semidesnudez y el trabajo de cámara explícito han llevado a la prohibición de numerosos cortes de la película en muchos países. Una inusual combinación de erotismo y alegoría, el papel estelar recae en Venda Davis, cuya racionalidad zen y pronunciada musculatura conforman el eje psicofísico en torno al cual se construye la película.
El reparto incluye a cuatro de las mejores fisicoculturistas estadounidenses: Davis, Tanya McLoad, Kiley Sue LaLonne y Dorothy Chang, y a Pi Hoo Sun como la malvada líder Tong.
Es la primera película del director John Leng Qi, terminada el día de su 22.º cumpleaños.
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“A Different Kind of Blue”
De “An Ordinary Day” (Lurlene Clewman, EE. UU.)
“Un día cualquiera” de Lurlene Clewman confirma su reputación como una sutil transformadora de estilos cinematográficos.
María (Petra Bliss) y Dennis (Ron Hothaas) se mudaron recientemente a un nuevo apartamento en el último piso de un rascacielos de Houston.
María empieza a notar que su tez mejora, que se siente cada día más joven, pero que se olvida de las cosas más sencillas. Olvida números de teléfono, nuevas amistades, cómo funciona la cocina.
Mientras tanto, Dennis regresa al trabajo que dejó hace tres años y se sienta en su antiguo escritorio para empezar a trabajar. Y, a pesar de todo, su amor mutuo crece, hasta que se sienten como recién casados de nuevo.
Poco a poco, la pareja se da cuenta de que se han mudado a una máquina del tiempo y de que se están volviendo inevitablemente más jóvenes.
La ingeniosa parodia de Clewman sobre la ciencia ficción de viajes en el tiempo plantea serias preguntas sobre nuestra relación con la memoria y la juventud.
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“Beach Sequence”
De “Par-Delà Les Nuages” (Michelangelo Antonioni, Wim Wenders, Italia)
“Beach Sequence” es prácticamente instrumental, con la excepción de un verso que aparece al minuto y medio de la canción: “Time shoots on by”.
En la vieja revista del fanclub de U2, Propaganda, se menciona una grabación alternativa que comienza con el canto de un pájaro, y el “Time shoots on by” se repite una y otra vez en la canción en esa fase de desarrollo.
El resultado final sólo tiene el verso una vez, y el pájaro ha desaparecido, pero quizás no se haya olvidado.
Podemos escuchar a los pájaros en una colaboración posterior entre Eno y U2, “Unknown Caller”, del álbum No Line on the Horizon.
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“Miss Sarajevo”
De la película “Miss Sarajevo” (Bill Carter, EE. UU.)
El galardonado documental de Bill Carter, “Miss Sarajevo”, narra uno de los sucesos más extraños de la guerra en la antigua Yugoslavia: cuando varios artistas organizaron un elaborado concurso de belleza bajo fuego de mortero.
La cámara sigue a los organizadores a través de los túneles y sótanos de la ciudad, ofreciendo una perspectiva única de la vida durante una guerra moderna, donde los civiles son el blanco.
La película captura el humor negro de los habitantes de Sarajevo asediados, su obstinada negativa a desmoralizarse, y sugiere que el surrealismo y el dadaísmo son las respuestas adecuadas al fanatismo.
La canción cuenta con la participación de Craig Armstrong en las cuerdas.
Armstrong, músico y compositor escocés, también colaboró en "Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me" de U2, que se lanzó el mismo verano que el álbum Passengers, y ha colaborado con la banda en varias ocasiones desde entonces.
“Miss Sarajevo” también cuenta con la maravillosa voz de Luciano Pavarotti, el tenor y leyenda de la ópera italiano, considerado uno de los tenores más aclamados de todos los tiempos.
Pavarotti insistía en que Bono se uniera a él en Módena para el concierto de Pavarotti and Friends que él mismo organizó. Finalmente, Bono aceptó escribirle una canción, y él, junto con The Edge y Brian Eno, se unieron al concierto de Pavarotti en Módena ese otoño boreal.
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“Ito Okashi”
De “Ito Okashi/Algo Hermoso” (Rita Takashina, Fukushima)
Rita Takashina es una artista de performance japonesa-estadounidense activa en Japón.
Su obra más conocida, “Ito Okashi”, se basa en la lista de “cosas bellas” de Sei Shōnagon del clásico del siglo X “El Libro de la Almohada”.
La performance de Takashina, que ella describe como una “meditación sobre la mortalidad”, consiste en construir una obra a partir de algunas de esas cosas (“la cara de un niño dibujada en un melón, huevos de pato, una cría de gorrión que salta cuando uno imita el chillido de un ratón…”), y luego convertirlas en polvo con una herramienta de arenado.
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“One Minute Warning”
De “Ghost In The Shell” (Mamoru Oshii, Japón)
“Ghost In The Shell” fue una película de animación dirigida por Mamoru Oshii en 1995.
Fue una adaptación de la novela gráfica de Masamune Shirow, donde un cibercriminal de renombre internacional aparece en Japón.
Conocido como “El Titiritero” por su habilidad para manipular la mente de las personas, este singular y misterioso “superhacker” es sospechoso de numerosos delitos, como manipulación del mercado de valores, recopilación ilegal de datos, maniobras políticas, actos terroristas y violación de la ética cibernética.
La Sección 9, el servicio secreto de élite de Japón, es llamada para capturar a este escurridizo criminal, pero solo para descubrir que la compleja red de pruebas conduce al Ministerio de Asuntos Exteriores de Japón y a un virus informático creado en secreto por ellos como la herramienta definitiva de espionaje político y comercial.
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“Corpse (These Chains are Way Too Long)”
De “Gibigiane/Reflections” (Aldo Gianniccolo, Milán)
La última película de Gianniccolo, “Gibigiane”, es también la más argumentada. Con poco más de noventa minutos de duración, no es, sin duda, el enorme lienzo que utilizó de forma tan devastadora en “Mirages” (1984, 4 h 20 min) u “11 Vento” (1987, 5 h 9 min), pero, a su manera comparativamente modesta, es igual de satisfactoria.
Su título es la palabra que se usa en Venecia para los quijotescos fragmentos de luz que se reflejan en las paredes desde los canales, y presenta únicamente esas imágenes en una serie de secuencias de 10 minutos que se superponen mediante fundidos lentos.
La película comienza a velocidad real, pero cada secuencia es aproximadamente un 15 % más lenta que la anterior, por lo que la última sección de diez minutos tiene menos de un octavo de velocidad real.
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“Elvis Ate America”
De la película “Elvis Ate America” (Jeff Koons, New York)
Tras terminar “Popcorn”, su primera película, en 1978, Jeff Koons continuó su incipiente exploración de la iconografía pop con la ahora legendaria “Elvis Ate America”, una obra de cuatro minutos basada en un fragmento de metraje en Super 8 filmado por el joven Koons en uno de los conciertos de Presley en Las Vegas, “Rhinestone”, a principios de los setenta.
La edición final de la película fue destruida por un incendio, pero Koons está considerando rehacerla.
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“Plot 180”
De “Hypnotize (Love Me ‘Til Dawn)” (Peter Sedgeley, Londres)
“Hipnotizar (Ámame hasta el amanecer)” trata de una influyente y vengativa periodista sensacionalista (Pila Morgan), quien regresa a Londres tras otra exclusiva exitosa.
Evans, el chófer (Tony Corbin), es nuevo para ella y, ante una tormenta de nieve, parece demasiado dispuesto a dejar que el vehículo quede inmovilizado en una remota carretera de un páramo.
Durante la noche que pasan juntos, un torbellino de aprensión, lujuria y, finalmente, terror, lleva la película a su inexorable desenlace, a medida que la verdadera identidad de Evans se revela gradualmente.
Utilizando el lenguaje austero del cine estructuralista británico y una pantalla que se mantiene casi en negro durante toda la película, Sedgeley genera una tensión que es a la vez erótica y profundamente amenazante.
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“Theme from The Swan”
De “The Swan” (Joseph Mamat, Hungría)
“El Cisne” de Mamat ganó la Corona de Oro en el Festival de Cine de Budapest, pero nunca se estrenó en Occidente.
El ritmo lento y cautivador de la película se centra en la actuación extraordinariamente onírica de la debutante Anna Tokjaji. Su madurez, su romance con el ambicioso apparatchik Oscar (Emmanuel Radenski) y el lento declive de su relación sirven como metáforas de la metamorfosis de la sociedad rural húngara bajo el régimen de las granjas colectivas.
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“Theme from Let’s Go Native”
De “Let’s Go Native” (Rodger Vuijkers, Sudáfrica)
La divertida excursión de Vuijkers por el desierto del Kalahari, “Let’s Go Native”, se convirtió en una de las últimas películas en infringir las leyes del apartheid en Sudáfrica.
Se centra en un grupo de turistas blancos cuyo jeep se avería en el desierto y quienes, con la divertida ayuda de algunos nómadas bosquimanos, poco a poco se van convirtiendo en nativos.
El innovador trabajo de cámara de Chris Maconoll revela la cruda belleza del Kalahari, pero la conmovedora escena romántica entre el adolescente (Barry Boedders) y la bosquimana (Clicky Kang), de la que se extrae esta música, resultó demasiado cercana a la realidad para la oficina de censura.
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¿Es el álbum Passengers un álbum de U2? Es una pregunta que nos hacemos a menudo.
La banda completa aparece en la mayoría de los temas, así que sin duda merece un lugar en su discografía.
Las ventas del álbum fueron menores que las de cualquier otro disco de U2.
En el Reino Unido, el álbum permaneció ocho semanas en las listas, alcanzando el puesto número 12 la semana de su lanzamiento.
En Canadá, alcanzó el puesto número 15 y en Australia el número 11. Nueva Zelanda fue uno de los pocos países donde el álbum se ubicó entre los diez primeros, en el puesto número 9 la semana de su lanzamiento.
En Estados Unidos, el álbum debutó en el puesto número 76 en la lista Billboard 200.
La portada del álbum también se apartó de los estándares habituales de U2.
No fue realizada por el diseñador habitual de U2, Steve Averill, quien había trabajado con la banda desde Boy.
El diseño de la portada se basa en un concepto de Brian Eno y Cally, y fue producido por el propio Cally.
Cally era el nombre provisorio de Martin Callomon, director artístico de Island Records.
La imagen utilizada para la ilustración de la portada es de Teodor Rotrekl.
Rotrekl fue un ilustrador y pintor checo, nacido en 1923, y diseñador de numerosos carteles de cine, portadas de libros de ciencia ficción y similares.
La ilustración de la portada del álbum está tomada del libro "Seis días en la Luna 1" de 1963, de Ivo Štuka, ilustrado íntegramente por Rotrekl.
Nosotros cerramos el programa con la otra canción que Bono, The Edge y Brian Eno interpretaron en el festival de Módena junto a “Miss Sarajevo”.
Escucharemos, quizá, la más bella versión de “One”.
De esta forma, nos vamos yendo, nos vamos despidiendo de este episodio.
Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo.
Esto fue Original Soundtracks 1, de Passengers, en Punto Muerto.
“Elvis is still in the building, goodnight Montevideo city.”
