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NAT ADDERLEY A LITTLE NEW YORK MIDTOWN MUSIC - Berkeley, CA, September 18 & 19, 1978 - Whip it up, A little New York midtown music, Come rain or come shine - Nat Adderley (cnt) Johnny Griffin (ts) Victor Feldman (p,el-p) Ron Carter (b) Roy McCurdy (d)

A Little New York Midtown Music reúne a un grupo de músicos que compartían una larga historia y una notable afinidad artística. El cornetista Nat Adderley lidera una formación de alto nivel junto al saxofonista Johnny Griffin, el pianista Victor Feldman, el contrabajista Ron Carter y el baterista Roy McCurdy. Varios de ellos habían coincidido anteriormente en distintas etapas de sus carreras, y esa confianza mutua se percibe de inmediato en la música.

ALBERT “TOOTIE” HEATH TOOTIE’S TEMPO - Rhinebeck, NY, December, 2012 - The Charleston, Charade, Stompin’ at the Savoy, Fire waltz - Ethan Iverson (p) Ben Street (b) Albert “Tootie” Heath (d)

Tootie’s Tempo documenta el encuentro entre tres músicos de distintas generaciones unidos por una profunda admiración por la tradición del jazz. Al frente está el baterista Albert “Tootie” Heath, figura fundamental en la historia del bebop y miembro de la célebre familia Heath. Durante más de cinco décadas, Heath trabajó con artistas que abarcan desde Lester Young y Ben Webster hasta Anthony Braxton y Roscoe Mitchell, convirtiéndose en un puente viviente entre distintas épocas del jazz.

En este trío lo acompañan el pianista Ethan Iverson y el contrabajista Ben Street, dos músicos plenamente conscientes del privilegio y la importancia de compartir escenario con una leyenda de esta magnitud.

El repertorio es del bebop, estilo que Heath conoció desde sus orígenes y ayudó a definir. Su batería combina precisión, elegancia y un swing inagotable, mientras Iverson y Street responden con creatividad y sensibilidad.

CHRIS SPEED WORK YOUR MAGIC - Brooklyn, NY, December 18 & 19, 2012 - Kaffibarinn, Blues in C flat minor, LA #5, Argento - Oscar Noriega (as,b-cl) Chris Speed (ts,cl) Trevor Dunn (b) Jim Black (d)

Work Your Magic muestra una faceta especialmente personal del saxofonista y clarinetista Chris Speed, una figura influyente de la escena creativa de Nueva York desde la década de los 90. Reconocido por su sonido expresivo y su enfoque abierto a la improvisación, Speed ha participado en proyectos liderados por músicos como Tim Berne, Dave Douglas, Myra Melford y John Zorn, construyendo una trayectoria que combina riesgo artístico y profundidad musical.

Formado en el New England Conservatory de Boston, Speed desarrolló tempranamente un interés por las músicas del mundo. Su trabajo con grupos como Pachora y Slavic Soul Party lo acercó a las tradiciones de los Balcanes y Europa del Este, elementos que han enriquecido notablemente su lenguaje jazzístico.

En Work Your Magic convergen muchas de esas experiencias. Las composiciones y las improvisaciones reflejan una visión amplia de la música, donde el jazz moderno dialoga con influencias folclóricas, estructuras poco convencionales y una sensibilidad melódica muy particular.

PAUL GONSALVES GETTIN’ TOGETHER! - New York, December 20, 1960 - Yesterdays (1), Low Gravy (1) Walkin’ - Nat Adderley (cnt-1) Paul Gonsalves (ts) Wynton Kelly (p) Sam Jones (b) Jimmy Cobb (d)

Aunque su nombre quedó asociado para siempre a la orquesta de Duke Ellington, el saxofonista Paul Gonsalves desarrolló también una interesante carrera como líder. Antes de incorporarse a Ellington en 1950, ya había ganado prestigio en las bandas de Count Basie y Dizzy Gillespie. Su sonido cálido y aireado, junto a un lenguaje armónico avanzado, lo convirtieron en una de las voces más reconocibles de la sección de saxofones de Ellington durante más de dos décadas.

Gettin’ Together! ofrece una rara oportunidad de escucharlo al frente de un grupo pequeño. En tres temas aparece en formato de cuarteto junto al pianista Wynton Kelly, el contrabajista Sam Jones y el baterista Jimmy Cobb. En las otras piezas se suma el cornetista Nat Adderley, en uno de los mejores momentos de su carrera.

La música se mueve dentro del hard bop más directo y demuestra que Gonsalves podía desenvolverse con total naturalidad junto a músicos de una generación más moderna, manteniendo siempre la elegancia y el lirismo que caracterizaron su estilo.

MODERN JAZZ QUARTET:

- MJQ 1952 - New York, April, 1952 - Softly, as in a morning sunrise, Heart and soul, True blues - Milt Jackson (vib) John Lewis (p) Percy Heath (b) Kenny Clarke (d)

- CONTESSA - New York, January 22, 1956 - A night in Tunisia, Woody’n you - Milt Jackson (vib) John Lewis (p) Percy Heath (b) Connie Kay (d)

El Modern Jazz Quartet fue una de las agrupaciones más elegantes e influyentes de la historia del jazz. Sus orígenes se remontan a 1946, cuando el pianista John Lewis, el vibrafonista Milt Jackson, el contrabajista Ray Brown y el baterista Kenny Clarke integraban la sección rítmica de la big band de Dizzy Gillespie. Durante los descansos de la banda, el cuarteto disponía de espacios propios que anticipaban una identidad musical única.

En 1952, con Percy Heath reemplazando a Brown, adoptó el nombre de Modern Jazz Quartet. Tres años más tarde, Connie Kay sustituyó a Clarke, completando la formación clásica que permanecería prácticamente intacta durante cuatro décadas.

Bajo la dirección musical de Lewis, el grupo desarrolló un lenguaje refinado que integró la improvisación jazzística con influencias de la música clásica europea. Blues, estándares y composiciones originales convivían en arreglos de gran equilibrio y sutileza.

JOSHUA REDMAN BLUES FOR PAT - Live, San Francisco, CA, 1994 - Blues For Pat, We had a sister - Joshua Redman (ts) Pat Metheny (g) Christian McBride (b) Billy Higgins (d)

Grabado poco después de la publicación del exitoso álbum Wish en 1993, Blues For Pat captura al joven Joshua Redman en inicios de su carrera. El cuarteto reúne al saxofonista con el guitarrista Pat Metheny, el contrabajista Christian McBride —sustituyendo a Charlie Haden en la gira— y el baterista Billy Higgins.

Registrado en vivo en un club de San Francisco, el álbum revela una banda que va más allá de lo escuchado en el estudio. Redman y Metheny desarrollan un diálogo constante, combinando virtuosismo, swing y una notable capacidad para escuchar y responder en tiempo real. El resultado es un documento que refleja la química excepcional de un grupo que encontró en el escenario su mejor espacio de expresión.

El contrabajista Israel Crosby es el artista invitado en Puro Jazz. Aunque participó en numerosas grabaciones fundamentales del jazz moderno, su nombre quedó inmortalizado gracias a su extraordinario trabajo junto al baterista Vernell Fournier en el célebre tema “Poinciana”, registrado por el trío de Ahmad Jamal en 1958.

En esa histórica interpretación, Crosby demuestra una combinación poco común de solidez rítmica, imaginación melódica y sensibilidad colectiva. Su línea de contrabajo no se limita a acompañar: dialoga constantemente con el piano de Jamal y con los patrones inspirados en el *second line* de Nueva Orleans que desarrolla Fournier, creando uno de los grooves más reconocibles de la historia del jazz.

Dueño de un sonido cálido, una pulsación impecable y una notable capacidad para construir melodías desde el bajo, Israel Crosby fue una figura esencial en la evolución del formato de trío moderno. Su legado continúa inspirando a generaciones de contrabajistas y sigue siendo una referencia obligada para comprender el arte del acompañamiento creativo en el jazz.

En 1941, cuando Crosby grabó con el singular cuarteto del clarinetista Edmond Hall —integrado además por Meade Lux Lewis en celesta y Charlie Christian en guitarra—, la fluidez técnica de Crosby había alcanzado un nivel muy superior. Su ataque era ahora más variado, sus notas tenían mayor peso y profundidad, y sus líneas de walking bass mostraban a sofisticación.

En el blues“Jammin’ in Four”, Crosby construye interesantes figuras, sus líneas se desarrollan cada vez más fluidas, aunque también incorpora cambios inesperados de dirección. Revela también su amplía vocabulario musical que abre el puente entre el swing y el bebop de las innovadoras improvisaciones de Charlie Christian.

BENNY MORTON AND HIS ORCHESTRA -New York, January 31, 1945 - My old flame, Conversing in blue - Benny Morton (tb) Barney Bigard (cl) Ben Webster (ts) Sammy Benskin (p) Israel Crosby (b) Eddie Dougherty (d)

ALBERT AMMONS AND HIS RHYTHM KINGS - Chicago, April 8, 1946 - Lady be good, Suitcase blues Albert Ammons (p) Ike Perkins (g) Israel Crosby (b) Jack Cooley (d,vcl) Mildred Anderson (vcl)

GENE KRUPA SEXTET - New York, April 14, 1953 - Capitol idea, Coronation hop - Charlie Shavers (tp) Willie Smith (as) Teddy Wilson (p) Steve Jordan (g) Israel Crosby (b) Gene Krupa (d)

La musicalidad y versatilidad de Crosby le valieron un trabajo constante y oportunidades de grabación en bandas estilísticamente diversas, grandes y pequeñas dirigidas por Benny Morton, Albert Ammons y en 1953 de regreso con Gene Krupa en un sexteto que incluye al trompetista Charlie Shavers

GEORGE SHEARING TRIO JAZZ MOMENTS - New York, June 20, 1962 - What Is This Thing Called Love, Makin’ Whoopee - George Shearing (p) Israel Crosby (b) Vernel Fournier (d)

Crosby realizó cuatro grabaciones en los once meses previos a su fallecimiento: acompañó a la cantante Lorez Alexandria, al guitarrista Herb Ellis, al pianista George Shearing y participó en un álbum de otro contrabajista: Sam Jones

En el álbum *Jazz Moments* de George Shearing (Capitol), con Vernell Fournier en batería, Crosby suena magnífico, recuperando algunas de las características que habían definido su trabajo con Ahmad Jamal: un pulso ligero y danzante en dos tiempos, ingeniosos comentarios melódicos y un swing constante y elegante. También se muestra más expansivo como solista, especialmente en piezas como “What Is This Thing Called Love”.

SAM JONES DOWN HOME New York, June 25, 1962 - Down Home - Les Spann (fl) Joe Zawinul (p) Sam Jones (cello) Israel Crosby (b) Vernel Fournier (d)

En *Down Home* (Riverside), del contrabajista Sam Jones, quien en tres temas tocó el violonchelo y Crosby asume el papel de bajista. De marcada orientación hard bop, Crosby se escucha tan moderno como cualquier otro integrante del grupo en interpretaciones de “Round Midnight”, “O.P.” y “Falling in Love with Love”. Fue su última sesión de grabación y, al igual que su primera fecha de estudio veintisiete años antes, demostró que estaba preparado para afrontar cualquier desafío musical.

HERB ELLIS ALL STARS THE MIDNIGHT ROLL - New York, June 12, 1962 - Gravy waltz - Roy Eldridge (tp) Buddy Tate (ts) Ray Bryant (p) Herb Ellis (g) Israel Crosby (b) Gus Johnson (d)

Herb Ellis es conocido principalmente por tocar con pequeños conjuntos, por lo que esta grabación como parte de un octeto es una salida para el gran guitarrista. Este “all-star” incluye al trompetista Roy Eldridge, al saxofonista tenor Buddy Tate; el pianista Ray Bryant, el bajo de Israel Crosby y Gus Johnson en batería añaden peso a la sección rítmica.

AHMAD JAMAL TRIO “BUT NOT FOR ME” LIVE “PERSHING LOUNGE”, Chicago, IL, January 16, 1958 - Poinciana Ahmad Jamal (p) Israel Crosby (b) Vernel Fournier (d)

En “Poinciana”, la clave está en la interacción entre el baterista Vernell Fournier e Israel Crosby. Fournier adapta el tradicional ritmo second line de Nueva Orleans a la batería de jazz, Una clave en la que se acentúa la cuarta nota negra del segundo compás creando un patrón hipnótico y ondulante que sostiene toda la pieza. Sobre esa base, Crosby evita el típico walking bass continuo y desarrolla líneas sincopadas de sutileza rítmica. Más que acompañar a Ahmad Jamal, ambos construyen el paisaje sonoro de la interpretación. Mágico!

CURTIS AMY TIPPIN’ ON THROUGH - Live “Lighthouse”, Hermosa Beach, CA, July 29, 1962 - Tippin’ on through, For Ayers only - Roy Brewster (v-tb) Curtis Amy (ts) Roy Ayers (vib) John Houston (p) Bob Whitlock (b) Larance Marable (d)

Cuando el saxofonista tenor Curtis Amy llegó al club Lighthouse en Hermosa Beach el 1 de julio de 1962, el jazz atravesaba una época de cambios profundos. En apenas unos años, Miles Davis había abierto nuevos caminos con el jazz modal, John Coltrane había llevado el lenguaje armónico del bebop a nuevos límites, Ornette Coleman cuestionaba la necesidad misma de las progresiones armónicas y Charles Mingus y Dave Brubeck estaban ampliando las posibilidades expresivas y rítmicas del género.

En ese contexto apareció “Tippin’ on Through”, una grabación en vivo que tiene además un importante valor simbólico. The Lighthouse era uno de los templos del llamado West Coast Jazz, un estilo que por entonces comenzaba a ser criticado por quienes lo consideraban demasiado refinado y distante de la intensidad emocional del hard bop de la Costa Este. Amy llegó a ese escenario con una propuesta diferente: el sonido de Central Avenue, profundamente arraigado en el blues, el gospel y la tradición afroamericana de Los Ángeles.

El sexteto lo componen Roy Brewster en trombón de válvulas, Roy Ayers en vibráfono, John Houston en piano, Bob Whitlock en contrabajo y Lawrence Marable en batería. No era una agrupación improvisada para la ocasión, sino un grupo consolidado que Amy había desarrollado durante varios años y “Tippin’ on Through” captura a Curtis Amy en uno de los momentos más inspirados de su carrera y demuestra que la escena angelina tenía mucho más que ofrecer que los estereotipos asociados al llamado “cool jazz”.

PANDELIS KARAYORGIS “THE HASAAN, HOPE & MONK PROJECT” - Cambridge, MA, November 2, 2021 o New Haven, CT, April 9, 2022 - Hope: “Abdullah”, Hassan: “El Hasaan” & “Epitome”&, Monk: “Criss Cross” - Pandelis Karayorgis (p) Nate McBride (b) Luther Gray (d)

Pocos pianistas han dejado una huella tan personal en el jazz como Thelonious Monk. Su música fue considerada extraña e incluso incorrecta por algunos críticos y músicos de su época, pero con el tiempo terminó siendo reconocida como una de las voces más originales del género.

En su álbum “The Hasaan, Hope & Monk Project”, el pianista griego Pandelis Karayorgis amplía el foco hacia otros dos pianistas igualmente singulares: Hasaan Ibn Ali y Elmo Hope. Aunque hoy ambos son figuras de culto, durante décadas su música permaneció relativamente oculta. En particular, la obra de Ibn Ali fue casi inaccesible hasta el descubrimiento y publicación de grabaciones inéditas a comienzos de la década de 2020, la que ya hemos escuchado en Puro Jazz

Acompañado por sus colaboradores habituales, Nate McBride en contrabajo y Luther Gray en batería, Karayorgis interpreta seis composiciones de Monk, cinco de Ibn Ali y tres de Hope. El trío evita cualquier enfoque académico o excesivamente analítico sino que aborda estas piezas con naturalidad y fluidez, permitiendo que sus melodías angulares, ritmos inesperados y estructuras poco convencionales respiren con total espontaneidad.

BOBBY HUTCHERSON COMPONENTS - Englewood Cliffs, NJ, June 10, 1965 - Components, Tranquility, Little B’s poem (fh out), West 22nd Street theme - Freddie Hubbard (tp) James Spaulding (as,fl-1) Bobby Hutcherson (vib,marimba-2) Herbie Hancock (p,org-3) Ron Carter (b) Joe Chambers (d)

Grabado en 1965 para el sello Blue Note, “Components” suele considerarse uno de los puntos más altos de la extensa relación de Bobby Hutcherson con la compañía. Para esta sesión, el vibrafonista reunió un sexteto excepcional integrado por Freddie Hubbard en trompeta, James Spaulding en saxo alto y flauta, Herbie Hancock en piano, Ron Carter en contrabajo y Joe Chambers en batería.

El álbum captura de manera ejemplar las dos facetas que definían la personalidad musical de Hutcherson en esos años. La primera mitad está dedicada a cuatro composiciones propias que se mueven dentro de un lenguaje post-bop sofisticado, melódico y rítmicamente inventivo.

El lado B del álbum presenta cuatro obras de Joe Chambers que se inclinan hacia la vanguardia y la improvisación abierta y la exploración de texturas, la interacción colectiva y una mayor libertad armónica y estructural, ampliando el terreno que Hutcherson ya había comenzado a recorrer en trabajos anteriores.

MCCOY TYNER ASANTE - Englewood Cliffs, NJ, September 10, 1970 - Malika (ssm vcl,m out,1), Asante (thanks) (ssm vcl,2) - Andrew White (as) McCoy Tyner (p,wooden fl-1) Ted Dunbar (g-2) Buster Williams (b) Billy Hart (d,african perc) M’tume (cga,perc) Songai Sandra Smith (vcl)

McCoy Tyner grabó “Asante” en septiembre de 1970, en una etapa decisiva de su carrera. Fue su último álbum para Blue Note y el primero en mostrar con claridad la dirección musical que lo convertiría en una de las figuras más influyentes del jazz de los años setenta. Tras dejar el legendario cuarteto de John Coltrane en 1965, Tyner enfrentó un panorama complejo: el jazz perdía espacio frente al rock y muchos músicos experimentaban con la electrificación. Él, en cambio, optó por profundizar en una búsqueda distinta.

El álbum refleja un creciente interés por las raíces africanas y por nuevas formas de organización rítmica. El saxofonista Andrew White recuerda la profundidad espiritual del universo coltraniano sin imitarlo. Por su parte, el guitarrista Ted Dunbar añade texturas poco habituales, utilizando patrones rítmicos que evocan instrumentos africanos.

La base del grupo la proporcionan el contrabajo de Buster Williams, la combinación de batería y percusión africana de Billy Hart, y las congas de James Mtume. Tyner despliega un piano poderoso y expansivo, abriendo el camino hacia el enfoque que definiría buena parte de su trabajo posterior.

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PIERRE FAVRE BIRD FOOD - Zurich, February 19, 1968 - Bird food, Sounds II - Irene Schweizer (p) George Mraz (b) Pierre Favre (d)

“Bird Food” es un álbum que ocupa un lugar especial en la historia del jazz europeo. Grabado en vivo en los estudios de Radio Zurich el 19 de febrero de 1968, antecede por casi siete meses a “Santana”, considerado durante décadas el debut del trío formado por el baterista Pierre Favre, la pianista Irène Schweizer y el contrabajista Jiří Mráz. El hallazgo de esta grabación, olvidada durante años en los archivos personales de Favre y recuperada junto al trombonista y productor Samuel Blaser, obliga a reescribir la cronología de una de las formaciones pioneras del free jazz europeo.

La música captura el momento exacto en que estos músicos comenzaban a desarrollar un lenguaje colectivo propio. Favre y Schweizer ya habían iniciado una estrecha colaboración improvisando durante pausas en la fábrica de platillos Paiste, mientras que Mráz —quien más tarde sería conocido internacionalmente como George Mraz— aportaba una sólida base melódica y una notable capacidad de interacción.

El programa incluye una versión de “Bird Food”, de Ornette Coleman, junto a tres composiciones de Schweizer. El trío combina la energía del free jazz con ideas que circulan libremente entre ellos, creando una conversación intensa y espontánea. Favre señaló años después : “Creo que Irène tocó como nunca en este álbum”.

FLORIAN ARBENZ QUIET LIGHTS - September 8, 2025 - Homenaje, Chant, Rhumba - Greg Osby (as,sop) Bill Frisell (g) Florian Arbenz (d,perc)

“Quiet Lights” reúne al baterista y compositor Florian Arbenz con dos músicos de enorme personalidad: el saxofonista Greg Osby, colaborador habitual de sus proyectos, y el guitarrista Bill Frisell, cuya incorporación aporta una nueva dimensión sonora al grupo.

La música se mueve entre el jazz contemporáneo, el folk y sutiles influencias latinoamericanas. En “Homenaje”, Osby y Frisell construyen un diálogo gradual sobre una base rítmica rica en matices, hasta desembocar en un contagioso pulso. “Rhumba”, pieza que cierra el disco, combina efectos percusivos y la inconfundible sonoridad de Frisell.

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DEZRON DOUGLAS QUINTET LIVE AT SMALLS - New York, March 23 & 24, 2012 - Power of one, Nita - Josh Evans (tp,flhrn) Stacy Dillard (ts,sop) David Bryant (p) Dezron Douglas (b) Willie Jones, III (d)

Dezron Douglas se ha convertido en una de las voces más sólidas y versátiles del contrabajo en el jazz contemporáneo. Respetado tanto por su talento como por su profundo compromiso con la tradición, Douglas ha desarrollado una carrera que combina con naturalidad los roles de intérprete, compositor, líder de grupo y educador.

Su formación musical comenzó lejos del jazz. En su casa predominaban la música de Stevie Wonder, George Benson, Diana Ross, Peter Tosh y la música góspel de Mahalia Jackson y The Clark Sisters, esa diversidad de influencias le enseñó desde muy temprano que la música era, ante todo, una forma de expresar emociones.

Ingresó a los doce años al Instituto de Música Afroamericana fundado por el legendario saxofonista Jackie McLean en la Hartt School of Music. Allí estudió con figuras como Nat Reeves y Steve Davis, además del propio McLean, quien se convirtió en un mentor fundamental. Ese aprendizaje, basado tanto en la técnica como en la honestidad artística, ayudó a moldear el sonido profundo, expresivo y elegante que distingue a Douglas hasta hoy.

FERENC NEMETH TRIUMPH - Brooklyn, NY, April, 2010 - Intro->Triumph, Joy, Hope, Hope II - Richard Nant (tp,flhrn) Maria Noel Luzardo (bassoon) Juampi Di Leone (fl) Carlos Michelini (cl) Martin Pantyrer (b-cl,bar) Joshua Redman (ts,sop) Kenny Werner (p,el-p) Lionel Loueke (g,vcl) Ferenc Nemeth (d,perc) Barbara Togander (vcl)

Ferenc Németh se estableció en Nueva York donde se convirtió rápidamente en uno de los bateristas más solicitados de la escena. Su nombre aparece junto a figuras de primera línea como Herbie Hancock, Wayne Shorter, Terence Blanchard, Billy Childs y Christian McBride, entre muchos otros. Sin embargo, una de sus colaboraciones más duraderas y reconocidas ha sido con el guitarrista beninés Lionel Loueke.

Su álbum Triumph abre con un sonido inquietante: un pedal sostenido de guitarra que da paso a la aparición casi fantasmal del saxofón de Joshua Redman, el piano de Kenny Werner y los platillos de Ferenc Németh, esa introducción desemboca en la pieza que da título al disco, una composición de gran impulso rítmico que combina elementos del funk con la energía abierta y cambiante de ciertas obras de Chick Corea, especialmente aquellas exploraciones de gran libertad presentes en Three Quartets.

FREDDIE REDD QUINTET SHADES OF REDD - Englewood Cliffs, N.J.,

- August 13, 1960 - Melanie, Swift - Jackie McLean (as) Tina Brooks (ts) Freddie Redd (p) Paul Chambers (b) Louis Hayes (d)

- January 17, 1961 - Blues for Betsy, Somewhere - Benny Bailey (tp) Jackie McLean (as) Tina Brooks (ts) Freddie Redd (p) Paul Chambers (b) John Godfrey (d) -

Freddie Redd ocupa un lugar singular en la historia del jazz. Pianista profundamente arraigado en la tradición bebop y gran compositor, desarrolló una carrera marcada por momentos de gran reconocimiento seguidos por largos períodos de relativa invisibilidad. Sin embargo, fue uno de los músicos más originales y subvalorados de su generación.

En 1949, Redd comenzó a abrirse camino trabajando con figuras como Tiny Grimes, Cootie Williams y Oscar Pettiford, además de participar tanto en grupos de jazz como de rhythm and blues. Su debut como líder llegó en 1955 para Prestige, y poco después grabó junto a Gene Ammons y Art Farmer. En 1956 realizó una gira por Suecia.

Su mayor éxito llegó a fines de la década cuando compuso la música para la obra teatral The Connection. Redd no sólo escribió la partitura, sino que también actuó en las producciones de Nueva York, Londres y París, además de participar en la adaptación cinematográfica. Las grabaciones realizadas para Blue Note en torno a este proyecto se cuentan entre los grandes logros de su carrera.

Vivió durante años en Europa y más tarde se estableció en Los Ángeles donde siguió tocando y componiendo hasta avanzada edad.

JOE GORDON INTRODUCING JOE GORDON New York, September 3, 1954 - Toll bridge, Lady Bob, Boos bier - Joe Gordon (tp) Charlie Rouse (ts) Junior Mance (p) Jimmy Schenck (b) Art Blakey (d)

Introducing Joe Gordon fue el debut discográfico como líder del trompetista Joe Gordon, un músico de enorme talento cuya carrera terminó mucho antes de alcanzar todo su potencial. Grabado en septiembre de 1954, cuando Gordon integraba el grupo de Art Blakey previo a la formación de los Jazz Messengers —tras reemplazar a Clifford Brown ese mismo año—, el álbum presenta además al saxofonista Charlie Rouse, el pianista Junior Mance y el contrabajista Jimmy Schenck.

Nacido en Boston en 1928, Gordon desarrolló una sólida reputación durante la primera mitad de los años cincuenta tocando además con Georgie Auld, Lionel Hampton y Art Blakey, y de presentarse junto a Charlie Parker cada vez que el saxofonista visitaba su ciudad natal. Más tarde formó parte de la orquesta de Dizzy Gillespie y trabajó con figuras como Horace Silver, Harold Land, Dexter Gordon, Benny Carter, Barney Kessel y Shelly Manne.

A pesar de ser considerado uno de los trompetistas más prometedores de su generación, Gordon grabó solo un segundo álbum bajo su nombre. Problemas personales y su trágica muerte en un incendio en 1963, a los 35 años, pusieron fin a una carrera que prometía mucho más. Sin embargo, Introducing Joe Gordon permanece como un valioso testimonio de una voz singular en la historia del jazz.

JOE LOVANO PARAMOUNT QUARTET - France, February, 2025 - First song, Lady Day - Joe Lovano (ts,tarogato) Julian Lage (g) Santi Debriano (b) Will Calhoun (d)

En Paramount Quartet, el saxofonista Joe Lovano presenta una nueva formación junto al guitarrista Julian Lage, el contrabajista Asante Santi Debriano y el baterista Will Calhoun. A lo largo de siete composiciones —cinco originales de Lovano y versiones de Charlie Haden y Wayne Shorter— el cuarteto desarrolla una música basada en la interacción y el equilibrio entre la tradición post-bop y la exploración contemporánea.

El álbum abre espacios amplios para el diálogo entre los músicos. La delicada interpretación de “First Song”, de Charlie Haden, destaca por su lirismo y profundidad emocional, mientras que “Lady Day”, de Wayne Shorter, conserva el carácter evocador de la composición original y lo proyecta hacia territorios modernos.

DICK SISTO DICK SISTO FALLING IN LOVE - USA, 1994 - Some other time, Moment’s notice, Monk’s dream - Dick Sisto (vib) Fred Hersch (p) Drew Gress (b) Tom Rainey (d)

American Love Song presenta al vibrafonista Dick Sisto en uno de los momentos más logrados de una extensa trayectoria dedicada al jazz. Sisto desarrolló una carrera rica en experiencias: lideró un grupo y actuó con destacados músicos de California, realizó giras por Europa y durante años fue el líder del trío residente de un hotel en Louisville, acompañando a numerosas figuras del jazz.

Grabado originalmente en 1994, este álbum reunió a Sisto con un cuarteto de excepción integrado por el pianista Fred Hersch, el contrabajista Drew Gress y el baterista Tom Rainey. Publicado inicialmente por el pequeño sello Jazzen con el título American Love Song, más tarde fue reeditado por SteepleChase bajo el nombre Falling in Love.

El repertorio combina estándares, la composición “Little Dancer” de Tom Harrell y la pieza original de Sisto “Summer’s Gone”. Destaca especialmente el joven Hersch, ya mostrando la creatividad que lo convertiría en una de las grandes voces del piano contemporáneo. Por su parte, Sisto revela una personalidad propia que, aunque recuerda ocasionalmente a Milt Jackson y Bobby Hutcherson, confirma su lugar entre los vibrafonistas destacados de su generación.

BILL COLEMAN

- TRIO Paris, France, January 24, 1936 - What’s the reason ?, Georgia on my mind - Bill Coleman (tp,vcl) Herman Chittison (p) Eugene d’Hellemmes (b)

- ET SON ORCHESTRE Paris, France, January 31, 1936 - Joe Louis stomp - Bill Coleman (tp) Edgar Courance (cl,ts) Jean Ferrier (p) Oscar Aleman (g) Eugene d’Hellemmes (b) Hurley Diemer (d)

- W GRAPELLI & RHEINHARDT Paris, France, November 12, 1937 - Rose room (1), Bill Street blues (1) - Bill Coleman (tp,vcl) Stephane Grappelli (vln-1,p-2) Joseph Reinhardt (g) Ernest Wilson Myers (b) Ted Fields (d)

Bill Coleman fue uno de esos trompetistas que nunca alcanzaron la fama masiva de otros colegas de su generación, pero que dejaron una huella profunda entre músicos y aficionados al jazz tradicional. Nacido en Kentucky, desarrolló una carrera internacional que lo llevó a pasar casi la mitad de su vida en Francia. Tras viajar por primera vez a Europa en 1933 con Lucky Millinder, alternó durante años entre ambos continentes, trabajando con figuras como Teddy Wilson, Benny Carter, Fats Waller y John Kirby. Entre 1942 y 1944 estuvo radicado en Nueva York, colaborando con pianistas de la talla de Ellis Larkins y Mary Lou Williams.

Influido por Louis Armstrong, Joe Smith y Jabbo Smith, Coleman desarrolló un estilo propio caracterizado por la elegancia, la claridad melódica y un notable sentido de la construcción del solo. Su toque era lírico y delicado, siempre atento a mantener el hilo musical sin recurrir a efectos innecesarios. Instalado definitivamente en Francia desde 1948, grabó con frecuencia y mantuvo una activa carrera hasta poco antes de su muerte, en 1982. Su forma de tocar cambió muy poco con los años, conservando siempre la misma musicalidad refinada que distinguió toda su trayectoria.

EDDIE HEYWOOD AND HIS ORCHESTRA

- New York, December 15, 1944 - Begin the beguine, Blue Lou - Dick Vance (tp) Vic Dickenson (tb) Lem Davis (as) Eddie Heywood (p) Ted Sturgis (b) Keg Purnell (d)

- New York, December 29, 1944 Please don’t talk about me when I’m gone, Lover man Agregar Al Lucas (b1)

Eddie Heywood fue un pianistas de la era del swing y líder de uno de los pequeños conjuntos más exitosos de los años cuarenta. Hijo del pianista Eddie Heywood Sr., comenzó a estudiar música con su padre a los ocho años y ya actuaba profesionalmente en Atlanta cuando apenas tenía catorce. En 1937 se trasladó a Nueva York, donde trabajó con la orquesta de Benny Carter y más tarde con Zutty Singleton y Don Redman.

En 1941 formó su célebre sexteto, una agrupación que incluía en sus inicios a figuras como Doc Cheatham y Vic Dickenson. Aunque sus arreglos eran relativamente conservadores, el grupo se distinguía por su energía y su inconfundible swing. Su versión de “Begin the Beguine” se convirtió en un gran éxito y consolidó su popularidad. Heywood participó en numerosas grabaciones memorables junto a artistas como Coleman Hawkins y Billie Holiday

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PECK KELLEY PECK KELLEY JAM - Houston, Texas, June 9 & 16, 1957 - Limehouse blues, Body and soul - Dick Shannon (cl) Peck Kelley (p) Felix Stagno (el-g) Dusty Hymes (g) Glen Boyd (b) Richard “Spanky” Jones (d)

Peck Kelley es una de las figuras enigmáticas del jazz. Durante más de medio siglo, músicos y críticos que lo escucharon tocar lo describieron como uno de los mejores pianistas que habían conocido. Sin embargo, rechazó repetidamente ofertas para integrarse a orquestas famosas, grabar discos o abandonar su Texas natal, prefiriendo una vida alejada de los grandes centros musicales.

En la década de 1920, Kelley dirigió a los Peck’s Bad Boys en Texas, junto a dos jóvenes: Jack Teagarden y Pee Wee Russell. Peck, considerado avanzado en ese momento, se suponía que se uniría a Russell, Bix Beiderbecke y Frankie Trumbauer en un concierto en St. Louis, pero problemas sindicales lo impidieron.

Su reputación creció considerablemente cuando el productor John Hammond lo escuchó en Houston en 1939. Hammond afirmó que Kelley era un músico excepcional, dueño de una técnica formidable, un gusto refinado y una imaginación que hacía de cada improvisación una experiencia fascinante.

Peck Kelley Jam es un LP doble que incluye una sesión privada de 1957 en Houston en la que lidera en un sexteto con músicos locales: el clarinetista Dick Shannon y el guitarrista Felix Stagno. Estas rudas pero muy interesantes grabaciones indican que Kelley avanzaba con los tiempos y, aunque se aferra a sus raíces, demuestran que estaba bastante familiarizado con Lennie Tristano.

TEDDY BUNN:

- AND SPENCER WILLIAMS VOCAL DUETS - New York, June 2, 1930 - Clean it out, Blow it up - Teddy Bunn, Spencer Williams (vcl) acc by James P. Johnson (p) Teddy Bunn (g) Bruce Johnson (wbd)

- SOLO New York, March 28, 1940 - King Porter stomp, Bachelor blues (1), Blues without words (1) - Teddy Bunn (g,vcl)

Teddy Bunn fue un destacado guitarrista acústico del jazz de los años treinta, lamentablemente su talento quedó registrado en relativamente pocas grabaciones. Con un sonido cálido, un swing natural y una gran habilidad como acompañante y como solista, Bunn desarrolló un estilo que ayudó a definir el papel de la guitarra en los primeros años del jazz.

Durante la década de 1930 participó en numerosas sesiones junto a importantes figuras de la época como Spencer Williams, Clarence Profit y James P. Johnson, además de participar en grabaciones con el clarinetista Mezz Mezzrow y el trompetista Tommy Ladnier.

SASHA BERLINER FANTOME - Brooklyn, NY, April, 2024 - Zenith, Construction - David Adewumi (tp) Rico Jones (sax) Sasha Berliner (vib,comp,arr) Taylor Eigsti, Lex Korten (p) Harish Raghavan (b) Jongkuk Kim (d)

Fantôme, es el tercer trabajo como líder de la vibrafonista Sasha Berliner , quien presenta música compuesta por ella misma y surge, según explica, de lo que ocurre cuando una vibrafonista de jazz con formación rockera se reúne con un ingeniero de sonido especializado en R&B y funk y algunos de los mejores improvisadores internacionales. Entre ellos figuran Taylor Eigsti en piano, Harish Raghavan en contrabajo, Jongkuk Kim en batería y David Adewumi en trompeta. ¿Es entonces un disco de fusión? No exactamente. Más bien se mueve dentro de un post-bop enérgico y moderno.

IVAN FARMAKOVSKIY EPIC POWER c. 2010 - Soul inside out, The day before - Ivan Farmakovsky (p) Christian McBride (b) Jack DeJohnette (d)

El pianista ruso Ivan Farmakovskiy fue una figura destacada de la escena jazzística europea de fines de los años noventa y comienzos de los dos mil. Dueño de una técnica refinada y una notable capacidad creativa, ganó en 1997 el Europe Jazz Contest de Bélgica y participó en diversas agrupaciones y orquestas, incluyendo un cuarteto junto al saxofonista Benny Golson y el trompetista ruso Valery Ponomarev. En 2008 viajó a Nueva York para grabar Epic Power, una sesión en trío que, por razones desconocidas, permaneció inédita durante años en los archivos de SteepleChase. Resulta sorprendente considerando que lo acompañaban dos gigantes del jazz: el contrabajista Christian McBride y el baterista Jack DeJohnette fallecido en octubre de 2025, considerado por muchos como uno de los grandes bateristas de la historia del jazz, su interpretación aquí confirma por qué alcanzó ese estatus.

HERBIE NICHOLS PROJECT DR. CYCLOPS’ DREAM - Paramus, N.J., February 18 & 19, 1999 - Bartok, It didn’t happen, Swan song - Ron Horton (tp,flhrn) Ted Nash (ts,alto-fl,b-cl) Michael Blake (ts,sop) Frank Kimbrough (p) Ben Allison (b) Tim Horner (d)

Con Dr. Cyclops Dream, el Herbie Nichols Project profundiza en la obra de uno de los compositores más originales y menos reconocidos de la historia del jazz. Tras el éxito de Love Is Proximity, el pianista Frank Kimbrough y sus compañeros amplían el formato del grupo con la incorporación del saxofonista Michael Blake, enriqueciendo aún más los arreglos de una música tan compleja como fascinante.

El repertorio reúne composiciones poco conocidas de Nichols, incluyendo piezas que él mismo grabó, como “Beyond Recall”, “It Didn’t Happen” y “Riff Primitif”, junto a otras que reciben aquí su primera grabación. El álbum destaca por la imaginación con que el conjunto aborda este material. Temas como “Bartok” fueron desarrollados a partir de simples partituras, mientras que arreglos llenos de sorpresas convierten cada interpretación en una exploración creativa.

La música alterna momentos de refinada sutileza con episodios de gran energía colectiva. Un ejemplo es “It Didn’t Happen”, que pasa de un delicado diálogo entre piano y saxo soprano a una explosión de espíritu dixieland. A lo largo del disco, los músicos demuestran que no se limitan a reproducir las partituras de Nichols: las reinventan con personalidad y respeto.

El resultado es un homenaje vibrante que confirma tanto el genio compositivo de Herbie Nichols como la creatividad de un grupo excepcional.

EVA NOVOA NOVOA/CARTER/MELA TRIO, VOL. 1 - New York, April 18, 2021 - Fuego, Hasta manana vida mia - Daniel Carter (ts,as,sop,tp,fl,cl) Eva Novoa (p,el-p,Chinese gongs,perc,whistling) Francisco Mela (d,vcl)

Novoa / Carter / Mela Trio, Vol. 1 marca el debut discográfico de una nueva formación liderada por la pianista, compositora y multiinstrumentista Eva Novoa junto a dos figuras de gran trayectoria en la escena creativa neoyorquina: el saxofonista Daniel Carter y el baterista Francisco Mela. Grabado en 2021 en los estudios Sear Sound de Nueva York.

Inspirado en los cuatro elementos de la naturaleza, el repertorio transita por paisajes sonoros abiertos y cambiantes que reflejan la energía y la libertad que caracterizan al trío, mientras que Hasta Mañana Vida Mía incorpora ecos de la tradición cubana, la voz de Mela y un dinámico diálogo entre saxofón, piano y percusión.

Novoa aquí incluye piano, Fender Rhodes, clavecín eléctrico, gongs chinos e incluso silbidos, aportando colores inesperados a cada composición. Nacida en Barcelona y radicada en Nueva York desde 2012, la artista confirma aquí su versatilidad y capacidad para crear música vibrante junto a dos improvisadores excepcionales.

DAVE HOLLAND UNCHARTED TERRITORIES - Catskill, NY, May 2 & 3, 2017 - Thought on earth, Piano-bass-percussion T1, QT12 - Evan Parker (ts) Craig Taborn (p,org,keyboards,electronics) Dave Holland (b) Ches Smith (perc)

En Uncharted Territories, el contrabajista Dave Holland regresa a la improvisación libre junto a un cuarteto excepcional integrado por el saxofonista Evan Parker, el tecladista Craig Taborn y el percusionista Ches Smith. Grabado en mayo de 2017, este álbum doble documenta un encuentro entre dos veteranos de la vanguardia británica y estadounidense y dos músicos de una generación posterior igualmente comprometidos con la exploración sonora.

De las 23 piezas incluidas, solo tres fueron compuestas previamente; las restantes surgieron de improvisaciones colectivas realizadas en el estudio. El resultado es una música en constante transformación, donde los músicos crean y desarrollan ideas en tiempo real, alternando formaciones de dúo, trío y cuarteto.

Aunque la experiencia y el lenguaje de Holland y Parker son fundamentales para el proyecto, Taborn y Smith aportan una energía particularmente imaginativa, construyendo paisajes sonoros que oscilan entre la abstracción, la tensión rítmica y momentos de sorprendente lirismo.

MATTHEW PUTMAN BELIEVE THAT WAS ME - Brooklyn, NY, January 16, 2025 - Joy and belief, Believe that was me - Matthew Putman (p) Hilliard Greene (b) Francisco Mela (d,whistle)

Believe That Was Me CREE QUE ESE SOY YO reúne a tres destacados improvisadores: el pianista Matthew Putman, el contrabajista Hill Greene y el baterista Francisco Mela, quien además aporta silbidos. El proyecto captura un encuentro musical marcado por la espontaneidad, la exploración y una notable conexión entre sus participantes.

Aunque Putman y Greene colaboran regularmente desde 2017, esta grabación representa la primera reunión de Putman con Mela. Sin embargo, la química entre ambos resulta inmediata, dando forma a una música que combina melodías intensas, libertad improvisatoria y una energía que remite tanto al jazz de vanguardia como a búsquedas más espirituales y contemplativas.

El título del álbum nació de la sorpresa de los propios músicos al escuchar las grabaciones al concluir la sesión. La experiencia fue tan poderosa que les costó reconocer como propias algunas de las ideas surgidas durante las sesiones. Esa sensación de descubrimiento atraviesa todo el disco.