Rocktopia

El territorio escandinavo es desde hace ya unos cuantos años, un lugar esencial para la música de todos los estilos. La capacidad de los músicos venidos desde allí, para mimetizarse y afrontar cualquier género a plena calidad es un hecho.

Una de las escenas más curiosas surgidas en el norte de Europa en todo este tiempo es la que tiene que ver con el Rock más clásico remozado y rebautizado con el nombre de stoner. A mediados de los años noventa, un personaje como Michael Amott dejaba a un lado sus escarceos extremos con bandas como Carcass para canalizar sus influencias heredadas de las grandes formaciones de los años 70 y compatibilizarlas con los también extremos Arch Enemy. Así nacería un grupo como Spiritual Beggars, y discos esenciales en su carrera como “Mantra III”.

Con la intención de terminar de dotar a las canciones con aún mayor sabor a genuino; Spiritual Beggars recabarían los servicios del teclista Per Wiberg, quien aportaría sus sonidos de órganos y melotrones con tal resultado que a partir de entonces sería miembro permanente del grupo.

“Mantra III” se editaba en 1998 con todo el sabor a retro hard Rock y las referencias palmarias de Black Sabbath, Deep Purple o Uriah Heep. Un soplo de aire fresco en su momento, y que hoy recuperamos para abrir el programa, como nuestro disco del recuerdo…

Per Wiberg, al que acabamos de escuchar con Spiritual Beggars, ha ido dejando patente su buen hacer en numerosos grupos y proyectos a lo largo de los años. Su periplo como miembro de Opeth también se cuenta entre sus más renombradas apariciones; aunque una de sus últimas y quizás menos reconocidas aventuras, es la que desde hace poco tiempo le une a los magníficos y también suecos Kamchatka.

Al igual que le ocurrió en el caso de Spritual Beggars, lo que comenzó siendo una colaboración puntual ha terminado con Wiberg como miembro permanente del grupo. Lo curioso es que Wiberg no ejerce en Kamchatka como teclista, sino como bajista. El bajista de este power-trio, que desde principios de siglo son otros de los grandes abanderados de ese hard Rock clásico escandinavo con fecha de fabricación actual.

“Long Road Made Of Gold” es el sexto álbum de Kamchatka, con todo el sabor del hard clásico tintado de blues y tocado de cierta psicodelia…

(Además esta semana en Rocktopia: THE VINTAGE CARAVAN, MOXY, ROBERT SPURLING, HOUSE OF LORDS, ASIA y LONELY ROBOT)

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La carrera de unos pioneros del prog-metal como Fates Warning alcanzó su cima, probablemente, con la edición en 1997 de su impresionante “A Pleasent Shade Of Gray”. La banda estaba en estado de gracia. Hacía ya tiempo que se habían sacudido todos los “clicks” de metal tradicional, y andaban a la búsqueda de su propio lugar, dentro del metal más sofisticado e intrincado. Aquel álbum marcó definitivamente el asentamiento de un nuevo estilo para Fates Warning, y su álbum siguiente, “Disconnected”, si bien no llegaba a la altuara de su predecesor, sí que era lo suficientemente sólido como para que la banda terminara de convencerse de que aquella era la dirección adecuada. “Disconnected” jugaba con las atmósferas del anterior álbum, aunque se perfilaba como algo más digerible y menos oscuro. Era una forma de no repetirse a sí mismos, pero a la vez, afianzarse en sus nuevas y modernas sonoridades.

Se grababa en el año 2000, con la producción, otra vez, de un productor legendario como el gran Terry Date.

Es nuestro disco del recuerdo esta semana. Hace 15 años se publicaba este magnífico “Disconnected”…

El bajista de aquellos Fates Warning, Joey Vera, nunca ha sido un hombre demasiado expuesto al aplauso mediático, aunque su categoría se ha visto refrendada con su participación en innumerables proyectos junto a grandes músicos. Sin embargo sus inicios fueron tan sólidos como discretos. Igual que la banda con la que se dio a conocer: Armored Saint.

Ellos consiguieron más repercusión gracias a la huída de su vocalista John Bush a Anthrax, que por su más que respetable carrera. Los Saint han sido desde los primeros años 80s una garantía de honesto y poderoso metal americano.

Después de cinco años se han atrevido a crear su séptimo LP, y para ello han decidio exprimir su creatividad al máximo.

John Bush cuenta que cuando comenzaron los procesos de elaboración del disco habló con sus compañeros y los retó a intentar completar el álbum bajo la premisa: “Vamos a hacer como que somos una banda realmente grande y podemos hacer lo que realmente queramos”. Un desafío que se ha materializado en el que probablemente sea el disco más elaborado de Armored Saint. La fuerza y el vigor de la banda siguen intactos, pero a ello se ha sumado ahora un componente de acabado musical que tras varias escuchas termina por convencer sobre la valía del disco. Por eso es nuestro álbum de portada esta semana. Una banda de culto intentando reinventarse hasta cierto punto, sin abandonar su espíritu…

(Además esta semana en Rocktopia: HELLOWEEN, EMPIRE 21, STEPHAN FORTÉ, PARADISE LOST, PERIPHERY y STEVEN WILSON)

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De la escena de culto seminal del black metal noruego, surgieron grupos tan venerados como Emperor. Su final acarreó consigo, entre otras cosas, el inicio de la carrera del que quizás era su principal ideólogo: el artista conocido con el sobrenombre de Ihsahn.

La primavera de 2006 sería la fecha elegida para la publicación de su primer disco en solitario: “The Adversary”. En él, Ihshan tocaba la guitarra, el bajo y los teclados, además de mostrar, más que nunca hasta ese momento, un registro vocal más amplio. Eran las necesidades de un álbum que pretendía mostrar a sus fans una nueva faceta, en la cual todavía habitaban guiños a su pasado, pero conjugándolos con un filo más progresivo, más clásico y de tratamiento sonoro más elemental.

Era el comienzo de una trayectoria muy respetable que ha ido despertando mayor interés con el paso de los años.

Muchas cosas en común hay entre Ihsahn y una banda joven como Leprous. Estos le han acompañado como banda de directo en distintas ocasiones, y él, Ihsahn, ha sido su valedor y colaborador.

Leprous pasa por ser uno de los grupos más interesantes del panorama de metal de vanguardia europeo. Sus dos excelentes últimos discos y sus hipnóticos conciertos los han respaldado de manera muy sólida, y ahora les toca crecer y mantenerse, una vez que el factor sorpresa forma parte del pasado.

“The Congregation” es su nuevo y esperado trabajo. Un álbum de sonoridad algo más deshidratada que sus anteriores obras, de tempo más lento y en busca de tesituras nuevas que no terminan de quedar definidas absolutamente.

Un disco que queda algo por debajo de sus dos predecesores inmediatos, pero que aún está por delante de la mayoría de las bandas contemporáneas…

(Además esta semana en Rocktopia: BEARDFISH, PIER GONELLA, TARJA, EXXILES y TEN)

Hay discos que simplemente se hacen, y hay otros cuya consecución obedece a una serie de razones, tanto artísticas como vitales, que se entremezclan hasta dar con una necesidad creativa. Ese es el caso del álbum que va a abrir hoy el programa, encuadrado por supuesto en nuestra tradicional sección del pasado de cada semana.

Corrían malos tiempos para una banda como Alice In Chains. Después de haber tocado la fama y el éxito, los problemas con las drogas de su vocalista Layne Staley, entre otras cosas, habían conducido a la banda hacia una época oscura e incierta. El guitarrista del grupo, Jerry Cantrell, decidió entonces embarcarse en la preparación de su segunda obra en solitario. Para ello se trasladó a un paraje natural y alejado como las Cascades Mountains canadienses. Allí se encerró en una cabaña durante meses sin apenas tener contacto con ningún humano. Era una fase de retrospección para él. La necesidad de trasladar su estado anímico y existencial a la música se hizo latente a través de 25 canciones, de las cuales sólo 14 acabaron en la versión regular de su obra “Degradation Trip”. Un viaje de degradación y reflexión. Cotas de inspiración artística que acabaron recogiendo el beneplácito del público y la crítica, al considerar este segundo disco de Jerry Cantrell, como la continuación perfecta a la obra de Alice In Chains, que además, tocarían a su fin tan solo dos meses antes de su publicación tras la trágica muerte de Layne Staley.

Dos años en su creación, problemas con su discográfica original, que se negó a publicarlo. Y un Jerry Cantrell que incluso hipotecó su casa para hacer de “Degradation Trip” una realidad…

Músicos como Robert Trujillo, entonces con Ozzy Osbourne y hoy con Metallica o Mike Bordin, entonces también con Ozzy y desde siempre con Faith No More; acompañaban a Cantrell en esa aventura vital transformada en disco y llamada de “Degradation Trip”. Y si ha sonado a Mike Bordin acompañando a Jerry Cantrell para iniciar el programa, es porque su banda, Faith No More, están de vuelta discográfica en estos días.

Ellos volvían a la carretera en 2009, y desde entonces han dedicado su actividad a girar y tocar en festivales. Hará un año el grupo comunicaba oficialmente su intención de volver a crear nuevas canciones. Las que se incluyen en su nuevo “Sol Invictus”, con la misma formación que grabara su anterior disco de hace casi 20 años.

Mike Patton describe “Sol Invictus” como un álbum post-punk con toneladas de atmósfera. Como si la ELO o The Beach Boys pasaran por un ciclo de lavado gótico.

Un disco que no llega a la altura de sus grandes obras, pero todavía esconde buenos momentos, algunos instalados en esa épica alternativa que Mike Patton y los suyos ponían de relieve de cuando en cuando…

(Además esta semana en Rocktopia: FORGOTTEN SUNS, SPECIAL PROVIDENCE, QUAOAR, FULL DEVIL JACKET y NELSON)

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Aunque es algo que en los últimos años se ha tomado demasiadas veces a la ligera, el álbum conceptual es una de las disciplinas discográficas más ambiciosas del mundo de la música. Obras que deberían construirse en base a un mínimo de laboriosidad y reflexión.

Sin lugar a duda, uno de los grandes trabajos de toda la historia del Rock y una referencia en ese sentido es “The Wall” de Pink Floyd. Un disco que forma parte de ya de la leyenda de la música del siglo XX. Paradigma de los discos-concepto; concienzudo, ambicioso y cargado de significado.

“The Wall” se grababa entre los años 1978 y 1979 en varios estudios ingleses, americanos y franceses. Inspirado en las reflexiones sobre Syd Barrett y sobre sí mismo de Roger Waters. Su consecución se produjo durante una de las muchas épocas inestables de Pink Floyd. Problemas en el seno del grupo, problemas graves de finanzas e impuestos para los miembros de la banda, hicieron del éxito de “The Wall” incluso una necesidad económica. Roger Waters acaparó, como otras veces, el peso de uno de los álbumes considerados por muchos una obra maestra a cuya leyenda contribuyó la película del mismo título realizada con su música como argumento fundamental.

Historias de aislamiento e inadaptación social que calaron en decenas de millones de personas que han comprado este disco a lo largo de los años.

A parte del mítico “Another Birck In The Wall” elegido como primer single del disco, otra canción como “Run Like Hell” sería elegida también como sencillo…

“The Wall” es uno de los discos que mencionan como influencia, y como inspiración una banda de nuevo cuño llamada Native Construct. Su primer disco es conceptual y declaran haberse fijado en clásicos como “The Wall” o el “Sgt. Pepper’s…” de The Beatles, así como en otras obras más contemporáneas de bandas como Coheed and Cambria o Between The Buried And Me, para llevar a cabo su propuesta.

“Quiet World” es el nombre de su bastante impresionante disco de debut. Un colorido collage de sonidos y gamas musicales que pueden hacer recordar a nombres tan dispares como los de Queen o King Crimson acicalados con momentos más extremos propios de los mismos Between The Buried And Me o incluso con inspiraciones tomadas de bandas sonoras cinematográficas.

Estudiantes de la prestigiosa escuela de música de Berklee, poseedores de un amplio arsenal de recursos en cuanto a composición y arreglos. Native Construct y su disco de debut se cuelan en el programa por méritos propios como disco importante esta semana…

(Además esta semana en Rocktopia: KLONE, FRED BRUM, MAGNUM, KISKE/SOMERVILLE y CAIN’S OFFERING)

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El nacimiento de una nueva época para una banda como Deep Purple va a ser el momento elegido para ese viaje al pasado de cada semana en el programa.

Durante el verano de 1973 se culminaron las tensiones abiertas entre Ian Gillan y Ritchie Blackmore. Las discrepancias personales hicieron que la continuidad del grupo corriese serio peligro. Finalmente todo se resolvió con la salida de Gillan y Roger Glover del grupo.

Muchos fueron los intentos para que Paul Rodgers fuese el nuevo cantante de Deep Purple, pero él declinó la oferta. De optar por un vocalista de fama internacional como Rodgers, pasaron a la contratación de un semi desconocido llamado David Coverdale. Junto a él, la otra incorporación, la de Glenn Hughes, venía avalada por su respetable trayectoria con Trapeze.

A primeros de septiembre de 1973, la banda, ya reformada, comenzaba el proceso de composición y ensamblaje de las nueva piezas, el cual culminaría meses más tarde, de nuevo en Montreux, de nuevo con la unidad móvil de los Rolling Stones y, cómo no, con la producción de Martin Birch.

El resultado sería un álbum pletórico como “Burn”. El mejor de aquel denominado Mark III, y también uno de los mejores de la historia de Deep Purple. “Burn” supuso un renacer vigoroso basado en los elementos de refresco que traían los nuevos miembros del grupo, y también en las ilusiones renovadas de los más veteranos.

En febrero de 1974, se publicaba “Burn”. El disco del recuerdo de la edición de hoy de Rocktopia…

Cuenta David Coverdale, que hace unos años, antes de la triste muerte del maestro Jon Lord, existieron contactos para una posible reunión del Mark III de Deep Purple. Un proyecto que estaba condenado al fracaso, entre otras cosas, por la negativa de Ritchie Blackmore y más tarde por el propio fallecimiento de Lord. Sin embargo, Coverdale ya había adelantado trabajo. Ya había remodelado algunas de aquellas canciones. Una labor que terminó en algún cajón hasta que no hace demasiado tiempo decidió retomarlo. Decidió que quería volver a grabar esos temas. Y si no podía ser con la firma de Deep Purple, lo haría con la de su banda, Whitesnake. “The Purple Album” es la materialización de todo ello. Una colección de canciones de Deep Purple; tanto del Mark III, como del Mark IV, con Tommy Bolin.

Un lanzamiento que ya ha suscitado controversia ante la puesta al día de las versiones de clásicos imperecederos, que como tantas veces ocurre, resultan difíciles de igualar a su versión original.

Sonido actual, y agradecimiento por parte de David Coverdale hacia la banda que le hizo convertirse en una estrella del Rock. Acertada selección de temas para un álbum que debe ser tratado más como un disco de tributo que como otra cosa.

Se pone a la venta el 15 de mayo y es nuestro disco de portada, “The Purple Album”, el disco púrpura de Whitesnake…

(Además esta semana en Rocktopia: MICHAEL ANGELO BATIO, REVOLUTION SAINTS, TONY MACALPINE, PANTOMMIND, KAMELOT y ARTIZAN)

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Una de las formaciones definitivamente vencedoras del cambio de clima musical de principios de siglo abre la edición de hoy del programa. Probablemente la banda más exitosa jamás exportada desde Finlandia: HIM.

H. I. M. son las siglas correspondientes a His Infernal Majesty, nombre bajo el cual editarían su primer trabajo. Con él sentarían los cimientos sobre los que levantar la que fue su subsiguiente obra; el disco clave en su carrera con el cual despegarían definitivamente: “Razorblade Romance”.

Abandonando ligeramente las directrices mas rockeras de su debut, con “Razorblade Romance” HIM definían su propuesta en un cambiante decorado musical, en el que la diversidad y mestizaje eran muy valorados. Ellos demostraron ser un combo nacido para vivir cómodamente en la indefinición. Esa que los hacía desenvolverse con toda facilidad en la oscuridad gótica o el Pop y el Rock más ambiguos, pero siempre con un aura de misterio estético y asequible y, por supuesto, buenas canciones.

“Razorblade Romance” fue editado primeramente en Finlandia en diciembre de 1999; meses más tarde lo haría en el resto de Europa; aunque increíblemente no sería hasta 2003 cuando viese la luz en Estados Unidos. Todo, para terminar vendiendo más de dos millones y medio de copias en todo el mundo, con triple disco de oro en un país como Alemania. Sin duda un álbum de impacto…

El líder y cantante de HIM, Ville Valo, ha sido uno de los muchos vocalistas elegidos a lo largo de su carrera, para interpretar algunas de las canciones no-instrumentales de otros finlandeses: Apocalyptica.

Los creadores del cello-metal reinventan su ADN en estos días con la edición de su nuevo disco, “Shadowmaker”. Un álbum que supone un antes y un después en la historia de Apocalyptica, ya que significa su primer trabajo con un cantante estable como miembro de la banda.

Después de años y años con un listado infinito de vocalistas que hacían apariciones fugaces, los chelistas fineses decidieron apostar por la constancia y agregar a un nuevo miembro permanente del grupo. Tras un exigente casting, el elegido es un semi desconocido nacido en Las Vegas y descendiente de españoles y cubanos; su nombre: Franky Pérez. Un cantante muy en la onda del nuevo hard Rock americano, con nombres como el de Myles Kennedy como inmediata referencia. Con él a bordo Apocalyptica abre su sonido a matices más comerciales y modernos; apostando por la vía americana más que por la europea, y enfrentándose así a nuevas posibilidades.

Además de su consabida valía musical e instrumental, con “Shadowmaker”, Apocalyptica demuestran más que nunca su capacidad para escribir buenas canciones…

(Además esta semana en Rocktopia: SOUL SECRET, STEVE VAI, BLACK STAR RIDERS, F.M. y PETERIK-SCHERER)

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Con la perspectiva del tiempo, a veces resulta difícil recordar la primera época de una banda como Scorpions. Unos inicios pausados, pero seguros, en los que fueron poniendo las bases del éxito, primeramente como banda de Rock crudo y setentero, cuando Alemania no era en aquel momento un lugar muy pródigo para la exportación de este tipo de grupos.

Uno de los trabajos que marcó el cambio de estatus de la banda de Klaus Meine y Rudolph Schenker, sería “Lovedrive”. Disco editado en 1979, y en el cual participaría por primera vez el que ha sido su guitarrista desde entonces, Matthias Jabs; aunque algunos de los solos de “Lovedrive” fueron firmados por un Michael Schenker, quien en pleno desequilibrio, dejó al grupo durante las sesiones de grabación del álbum, para retornar después durante su gira de presentación, y terminar de nuevo dejando en la estacada a la banda en mitad de aquel tour.

Por lo demás “Lovedrive” abría el camino hacia la nueva dirección de Scorpions, destinados a ser uno de los grupos de mayor éxito en todo el mundo durante la década de los 80s…

A pesar de sus comportamientos extraños y excéntricos, en muchos casos propiciados por el abuso de drogas, la amistad entre Michael Schenker, el batería Herman Rarebell y el bajista Francis Buchholz, permanece hasta nuestros días. “Lovedrive” fue el único disco de Scorpions en el que coincidirían, pero aquella relación llega hasta la actualidad gracias a la carrera de Michael Schenker’s Temple Of Rock.

“Spirit On A Mission” es el nuevo disco de la eminencia guitarrera alemana. Repitiendo formación, con los mencionados Rarebell y Buchholz en la nave, además del ex de Rainbow o Yngwie Malmsteen, Doogie White. Mismos personajes, y misma fórmula musical que en su anterior trabajo, aunque se puede decir que la intensidad y dureza de éste álbum va paulatinamente in-crescendo según se va desarrollando la obra. Un ímpetu añadido, por supuesto, con la personalidad y escuela, propias de un maestro en la creación de riffs hardrockeros perdurables como Michael Schenker…

(Además esta semana en Rocktopia: UFO, RED ZONE RIDER, POINTS NORTH, THE TANGENT, MELODIUS DEITE y IMPELLITTERI)

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Un disco incunable se cuela en el programa para abrirlo esta semana.

Brian May será siempre recordado por haber sido guitarrista y compositor de algunos de los temas más inmortales de la historia de Queen. Seguir una carrera en solitario no fue algo que le importara demasiado. En 1983, después de años y años en el estrellato, decidió probarse a sí mismo con la edición de un EP titulado “Star Fleet Project”, y acuñado con la firma Brian May & Friends. Esos “amigos” que le acompañaban eran pocos, algunos no especialmente relevantes, salvo uno: Eddie Van Halen. El guitarrista holandés, quien tampoco ha sido habitual nunca fuera del ámbito de su banda, prestaba sus servicios, al lado de su colega Brian, para fabricar las tres extensas canciones que conformaban el trabajo. “Star Fleet Project” estaba inspirado en unos dibujos animados de ciencia ficción a los cuales Brian May era aficionado. Pero lejos de ser un proyecto concienzudo y cuidado al detalle, se erigió a base de mucha improvisación. Los nombres que lo firmaban eran lo suficientemente atractivos como para que el álbum llegase incluso a tener cierta repercusión en las listas de ventas, aunque tuvieron que pasar años, hasta que alguien lo reeditara salvándolo del cajón de descatalogados…

Aquel año 1983 fue uno de los más florecientes y exitosos de toda la carrera de Van Halen.

Después de superar problemas personales y enfermedades, la formación clásica de Van Halen (excepto en lo que se refiere al bajista Michael Anthony) volvía tras más de 20 años con la edición de su último disco en estudio, “A Different Kind Of Truth”. Con motivo de la presentación de aquel álbum en todo el mundo, Van Halen llegaban a Tokio en Junio de 2013. Su concierto del 21 de aquel mes ve en estos días la luz con el título de “Tokyo Dome Live in Concert”. El primer álbum en directo de Van Halen con David Lee Roth como cantante.

23 canciones que se expanden a través de la trayectoria de la banda con Lee Roth como frontman. Añadiendo como nota explicativa, que no han existido retoques de post-producción para perfeccionar estos temas que realmente suenan crudos y a directo. “Tokyo Dome Live in Concert” es el disco de portada de la edición de hoy de Rocktopia…

(Además esta semana en Rocktopia: FREAK KITCHEN, SCOTT ALLEN PROJECT, NEAL MORSE, ANGRA y BLACKWELDER)

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La unión de dos teclistas de prestigio en su escena y en las Islas Británicas, durante las dos últimas décadas, para la fase de despegue de la edición de hoy del programa.

Con los primeros días del año 1999 se ponía en circulación el primer álbum conjunto de Clive Nolan y Oliver Wakeman. Nolan, conocido entonces por su vinculación a varias bandas como la suya propia, Arena, o Pendragon; mientras que Oliver Wakeman hacía honor al pedigrí de su apellido, como hijo del emblemático miembro de Yes. Juntos se embarcaban en la elaboración de un álbum hecho en base a la devoción de ambos por la literatura de fantasía y las obras conceptuales y corales. “Jabberwocky”, título del trabajo, estaba basado en el poema del mismo nombre de Lewis Carroll. En él participaba una nutrida nómina de músicos eminentemente británicos, como el cantante de Magnum, Bob Catley; la vocalista de Landmarq, Tracy Hitchings; u otros como Peter Banks, conocido por haber sido el primer guitarrista de Yes. Con semejantes protagonistas la veda del Rock sinfónico quedaba meridianamente abierta para dibujar universos sonoros deudores de la era dorada del género…

Incontables proyectos los de Clive Nolan desde que se dio a conocer con Pendragon, para después crear su propio grupo con el fundador de Marillion, el batería Mike Pointer. Una banda a la que bautizaron como Arena.

Ellos pasan ya por su vigésimo aniversario, el cual va a ser coronado con la edición de un nuevo álbum de estudio titulado “The Unquiet Sky”. Segundo disco con el vocalista Paul Manzi al frente de Arena, y un pequeño paso adelante con respecto a lo que supuso su anterior obra de hace cuatro años, en ese intento por modernizar su sonido levemente, manteniendo las cotas de épica y lirismo característicos del grupo desde sus inicios.

Ese vigésimo aniversario de la banda va hacer que su gira europea sea aún más extensa, llegando a tocar la península con conciertos en Barcelona, Navarra, Madrid y Lisboa. Concretamente, Arena estarán actuando: el 17 de abril en la Sala Bikini de Barcelona; el 18 como cabezas de cartel del incansable festival Minnuendo de Peralta, en Navarra; el 19 en la Sala Lemon de Madrid; para concluir la gira ibérica en Portugal el día 20 en el Paradise Garage de Lisboa. Durante esos conciertos va ser cuando se tenga la oportunidad de adquirir el nuevo álbum de Arena, en el puesto de merchandising, ya que hasta el próximo 27 de abril no verá oficialmente la luz. Nosotros de momento lo estrenamos en Rocktopia. Es “The Unquiet Sky” nuestro disco de portada esta semana…

(Además esta semana en Rocktopia: BLIND GUARDIAN, DEMIAN HEUKE, DIABLO BLVD, LEVEL-10 y RADIOACTIVE)

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