Rocktopia

Nuestra sección del “Disco del recuerdo” de esta semana la vamos a dedicar a un grupo que se resistió a la conquista del Grunge. Se subieron en marcha al tren del Hard Rock multitudinario, cuando en realidad estaba a punto de llegar a su estación terminal: Skid Row.

La banda visualmente liderada por el histriónico y exagerado Sebastian Bach, iniciaba su periplo prácticamente en el momento en el que los grupos de su clase comenzaban su declive. En 1989 Skid Row editaron su primer álbum homónimo con un éxito rotundo que les hizo alcanzar el quíntuple disco de platino en los Estados Unidos. Un triunfo el cual se produjo de forma gradual, a lo largo de todo aquel año, gracias a su planteamiento: Skid Row sonaban a sleazy, como Guns‘N’Roses; impertinentes como Motley Crüe y además poseían, sobre todo en su primer disco, un halo comercial que los validaba para atraer a fans de ambos sexos. En el caso femenino, especialmente gracias a la actitud de “guaperas malote” e infantil de Sebastian Bach. Lo tenían casi todo, pero los elementos no les fueron propicios, y a pesar de su resistencia activa terminaron claudicando en mitad de los 90s…

Han pasado nada menos que 25 años desde que aquellos juveniles e inmaduros Skid Row irrumpiesen en el planeta Rock. Tras su separación, los escarceos se han producido, con discos de discreta acogida por parte de la banda, por un lado, y por parte de Sebastian Bach por otro. Nada demasiado relevante, hasta que ha llegado este 2014, y contra todo pronóstico nos hemos topado con un muy respetable nuevo disco en solitario de Sebastian Bach.

“Nadie puede quitarte la sensación de orgullo que obtienes al crear algo que realmente amas”. Eso es lo que declaraba el cantante norteamericano, orgulloso de la puesta en marcha de su nuevo y convincente álbum. “Give ‘Em Hell” es su título. Para él ha contado con una formación de lujo, que sin duda alguna da lustre a sus canciones: Duff McKagan (Velvet Revolver, Guns N’ Roses) al bajo, Devin Bronson (Avril Lavigne, Pink) a la guitarra, Bobby Jarzombek (Halford, Riot, Fates Warning) a la batería, y por si fuera poco nada menos que los grandes John 5 y Steve Stevens colaborando a las guitarras y ayudando en la composición. Un sumatorio que depara una contundente obra de Hard and Heavy en la que los riffs de guitarra resultan fundamentales y la capacidad técnica de los músicos también, para redondear las que posiblemente sean las mejores canciones que jamás haya puesto Sebastian Bach sobre la mesa, bajo su nombre en solitario. Es nuestro disco de portada, “Give ‘Em Hell”, lo nuevo de Sebastian Bach.

(Además esta semana en Rocktopia: PRETTY MAIDS, AXEL RUDI PELL, YOSSI SASSI, IAN ANDERSON, MEKONG DELTA e INSOMNIUM).

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A pesar de que muchos se empeñan en argumentar a favor y en contra de ellos como si de un todo se tratase, Pink Floyd ha sido un grupo de periodos, a través de los cuales se han proyectado las distintas visiones musicales de artistas en realidad dispares como Syd Barrett, Roger Waters o David Gilmour.

Para muchos, la era dorada de Pink Floyd fue la que transcurrió entre los años 1973 y 1979. En mitad de esa época apareció uno de los álbumes más controlados por Roger Waters: “Animals”.

La critica social, siempre tan presente en las temáticas de Waters, se dejaba influir para la ocasión por un libro ácido e irreverente como “Rebelión en la Granja” de George Orwell. Lucha de clases, de castas representadas por animales que adoptan sus roles particulares. Perros, cerdos y ovejas en los títulos de las cinco canciones de las que se componía este álbum con la portada inmortal del genial Hipgnosis.

El disco puente entre “Wish You Were Here” y “The Wall” en el que los estribillos prácticamente brillaban por su ausencia y las concesiones a la escucha fácil también. “Animals” se erigió en una sólida pieza de música conceptual, densa y oscura.

El teclista Richard Wright, años más tarde comentó que “Animals” había sido un disco aburrido de hacer y de concepción casi industrial, con demasiadas imposiciones por parte de Roger Waters. En cualquier caso llegaría al número 2 en las listas de ventas del Reino Unido y al número 3 en Estados Unidos. Llegando a ser cuatro veces disco de platino, y esta semana es nuestro disco de recuerdo.

Esta canción que acabamos de escuchar de Pink Floyd, “Sheep”, fue versioneada recientemente, y de hecho daba nombre al último EP de los daneses Anubis Gate. Ahora, unos meses después, ya tenemos su nuevo y flamante disco en nuestras manos.“Horizons” es su nombre…

Este es el sexto larga duración de Anubis Gate. Una banda formada hace diez años, pero que sin embrago lleva en activo con otros nombres desde mediados de los ochenta. Anubis Gate han pasado del Power Metal melódico de sus inicios, poco a poco, hasta la actualidad, convertidos en una estupenda formación capaz de crear música que juega en la liga del mejor prog-metal melódico facturado en el viejo continente.

Medido, pulcro y matizado. Así es lo nuevo y excelente de Anubis Gate, para codearse directamente con bandas como Vanden Plas, Andromeda o Darkwater…

Es nuestro disco de portada… Damas y caballeros, lo nuevo de Anubis Gate…

(Además esta semana en Rocktopia: TERAMAZE, DAVID VALDES, STRYPER, BLOODGOOD y WINGER)

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Esta semana nos ha quedado un programa de cine… En esta edición de Rocktopia, nos dedicamos a repasar algunas de las canciones de Rock que han integrado diferentes bandas sonoras de distintas películas a lo largo de los años.

Rock y cine. Una simbiosis no demasiado habitual, pero que ha dejado ejemplos curiosos e interesantes.

¡Luces, cámaras, acción… y música!

Después de la difícil travesía en el desierto que para muchos grupos significó la década de los 90, cuando se atisbaba ya la luz al final del túnel, un grupo como Saga volvía a sus orígenes.

Previamente habían estado coqueteando con formas de hacer música que se alejaban de su marcado estilo, entrando en terrenos levemente más oscuros y ásperos de álbumes como “Generation 13” o “Steel Umbrellas”. Pero 1999 marcó la fecha en la cual retomarían sus señas de identidad. Las que habían hecho suyas durante más de veinte años.

Una forma de reencontrarse con ellos mismos y con sus seguidores de siempre, o como ellos mismos decían de cerrar un círculo. Por eso bautizarían a su obra de aquel año con el nombre de “Full Circle”. Para júbilo de sus fans más veteranos, quienes de nuevo observaban en la música de Saga el sello que los había hecho la banda que eran. Era el retorno de los teclados prominentes; de la lúcida guitarra de Ian Crichton y cómo no de la elegante y poderosa voz de Michael Sadler.

Es nuestro disco del recuerdo esta semana. Aquel “Full Circle” de 1999…

Siempre relacionamos el disco de portada de Rocktopia con el disco del recuerdo que suena para iniciar nuestros programas. Y últimamente se da la circunstancia de que la relación viene dada porque la banda protagonista del disco del recuerdo fue cabeza de cartel en una gira en la que los protagonistas del disco de portada comenzaban su andadura. Y eso es lo que ocurre de nuevo en nuestro programa de hoy.

Era la gira en la que Saga presentaban el disco “Full Circle”, cuando se les unieron de teloneros un grupo que les iba como anillo al dedo: los suecos A.C.T. Una banda influida por la sombra de Saga -tanto es así que en su momento grabaron una versión de alguna de sus canciones-, aunque sin dar lugar en ningún momento al plagio.

A.C.T compiten con Saga en elegancia y en esa equilibrada manera que siempre han tenido de aplicar conceptos AOR a sus inclinaciones progresivas, con tendencias también muy teatrales deudoras de nombres sagrados como el de Queen.

Lo cierto es que más de uno pensábamos que habían dejado de existir, después de ocho largos años de inactividad. Afortunadamente no ha sido así y A.C.T siguen adelante, y además con la edición de un álbum estupendo como “Circus Pandemonium”, el cual, tal y como su título indica, posee un aire circense y ciertamente ambiguo que apoya aún más la idea teatral de su música… Es nuestro disco de portada. Una banda minoritaria e injustamente poco conocida como A.C.T.

(Además esta semana en Rocktopia: PERFECT SMILE, GUS G. , ALEX MASI, VALLEY OF THE SUN, WOLFMOTHER y BETH HART & JOE BONAMASSA)

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Hay veces en las que la crítica musical y el público van en direcciones diametralmente opuestas. Un ejemplo muy gráfico es lo que sucedió con los californianos Stone Temple Pilots. Mientras gran parte del periodismo musical los destripaba acusándoles de ser un mal plagio de Pearl Jam y Alice In Chains -quienes había aparecido un poco antes-, la audiencia daba su beneplácito acercándose a las tiendas de discos, en aquel año 1992, para terminar vendiendo nada menos que ocho millones de copias de su primer álbum, aquel ya lejano “Core”.

Es curioso observar las votaciones de una revista como Rolling Stone en aquella época. Por un lado sus periodistas votaban a Stone Temple Pilots como “Peor Nueva Banda” de 1993; mientras los lectores hacían todo lo contrario, aupándolos al primer puesto en la categoría de “Mejor Nueva Banda”. Al final supongo que el veredicto del tiempo ha ido dando la razón a los fans de la banda, después de millones de discos vendidos y del peso específico obtenido en la historia de un subgénero como el Grunge, a pesar de no haber nacido en Seattle.

Aunque no es menos cierto que los paralelismos citados con Alice In Chains y Pearl Jam eran más que evidentes escuchando discos como el de su debut: “Core”. El cual, para más señas, sería producido por todo un clásico de la escena grungera como Brendan O’Brien, quien terminaría siendo el productor de cabecera de Pearl Jam, además de uno de los más grandes del oficio desde aquellos primeros años noventa…

Stone Temple Pilots es precisamente el grupo que encabezó la primera gira importante de nuestros próximos invitados, quienes ganaron un premio cuya recompensa era esa: acompañar a STP en los escenarios.

Hablamos de Incura. Ellos nacieron con los primeros años del nuevo siglo en una pequeña localidad canadiense en mitad de las inmensas praderas de Alberta. No parece ese el lugar ideal para un grupo de sus características. Por eso probablemente decidieron mudarse a la bulliciosa Vancouver, que es a día de hoy su base de operaciones.

Después de cuatro EPs por fin en 2013 Incura lanzan su primer larga duración, titulado con el nombre de la banda y editado primeramente sólo en Canadá. Así que es ahora cuando su música tiene por fin dimensión internacional, con la publicación de su álbum a través del sello Inside Out.

Música pasional y dramática, que serpentea de manera nerviosa arrastrada por sus ritmos intrincados y enredadas harmonías. En esa grieta musical donde las descripciones se complican es donde habitan desde hace tiempo grupos como Coheed & Cambria, 3 (Three) o Fairland To Midland. Unos nuevos integrantes de ese conjunto de bandas puede que sean Incura. Sólo hay que escuchar temas tan teatrales como la mágica “Who You Are”, para caer rendido ante los encantos de estos jóvenes aunque ya avezados Incura. Es nuestro disco de portada esta semana…

(Además esta semana en Rocktopia: DEVIN TOWNSEND, GRENOUER, APOCALYPTICA, POWERWORLD, MAGNUM y L.R.S.)

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La década de los noventa fue un momento propicio para la hibridación de diferentes estilos musicales. En aquellos años explotaron subgéneros como el Nu-Metal, el Metal industrial o el Metal gótico, una especie musical ubicada principalmente en Europa, y que en muchos casos partía de bandas con tendencias extremas y oscuras, que ralentizaron el tempo de sus canciones y las dotaron de un decorado sugerentemente atmosférico. Dentro de los grupos punteros de la época encontramos a los portugueses Moonspell. Uno de los sucesos musicales más importantes surgidos de nuestro país vecino en mucho tiempo.

Moonspell, comandados por su vocalista Fernando Ribeiro, fueron desde sus inicios un combo en constante evolución. En 1998 editaban una de sus obras más controvertidas: el disco “Sin Pecado”, en el que exploraban con más profusión que nunca los parajes tenebrosos de afinaciones más graves que nunca y, además, lo aderezaban todo con ciertas dosis de tecnología. Un año antes ya se habían atrevido a ello, y de manera mucho más exagerada, los modélicos Paradise Lost, sacando a relucir su devoción por grupos como Depeche Mode o Sisters Of Mercy.

Universos de bruma gris y volátil… Es nuestro disco del recuerdo…

Se encontraban Moonspell precisamente girando en apoyo de aquel “Sin Pecado”, cuando se les unieron a sus conciertos otro grupo pujante, aún más joven, y que buscaba abrirse paso tras la publicación de su primer EP. Eran tiempos cruciales para los italianos Lacuna Coil.

La popularidad de Lacuna Coil ha crecido de forma consistente desde entonces y hasta nuestros días. Con cada nuevo disco, la banda liderada a nivel de imagen por Cristina Scabbia, ha cimentado un poco más una base de seguidores que les permite gozar de su excelente estatus.

Ellos también han sabido evolucionar. Desde sus inicios como banda de Metal gótico hasta la actualidad existen sensibles diferencias, puestas de manifiesto, por ejemplo, cuando el productor Jay Baumgardner, quien ha trabajado con bandas como Coal Chamber, Godsmack o Papa Roach, ha sido el encargado de controlar el nuevo álbum de Lacuna Coil, el cual ve la luz el 31 de marzo con el nombre de “Broken Crown Halo”. Unos Lacuna Coil cada vez más perfilados hacia el metal más moderno, aunque con su ADN aún intacto, para resultar convincentes como siempre…

(Además esta semana en Rocktopia: SLEEPING ROMANCE, GAMMA RAY, BRUCE BOUILLET, CRIPPLED BLACK PHOENIX, HAKEN y JOHN WESLEY)

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Al final de los ochentas, algunos movimientos de managers y la discográfica Geffen ponían en contacto a un músico entonces semidesconocido como Robert Berry y al gran Keith Emerson. El nombre de Berry venía ya sonando entre bambalinas como ayudante de Steve Howe para reflotar al super-grupo GTR. La idea era emular el éxito de una banda como Asia, intentando aunar la gran categoría musical de Keith Emerson y Carl Palmer, con la capacidad comercial no exenta de calidad del propio Robert Berry. Así, de esa manera tele-dirigida nació un trío formado por ellos tres y también bautizado simplemente con el nombre de 3, (así, con número) Three.

En poco tiempo se pusieron de acuerdo. La creatividad daba rápidamente sus frutos en forma de canciones con el marchamo y la dirección deseados. No tardaron en entrar en estudio para registrar las siete canciones compuestas, a la que añadirían una versión de los Byrds. El álbum fue titulado como “…To The Power Of Three”. Con temas como la briosa e inteligente “Talkin Bout” haciendo las delicias del público americano, donde llegó a colarse en el puesto número nueve de las listas de ventas. Un éxito fugaz, fulgurante y casi olvidado para un trabajo que era el perfecto prototipo del AOR más técnico y sinfónico. Es nuestro disco del recuerdo, con él nos vamos al año 1988…

Tan buena sensación había creado en Carl Palmer el novato Robert Berry que hasta quiso llevárselo a las filas de Asia. Cosa que nunca sucedió.

Palmer sigue siendo el batería de ese supergrupo que con su álbum de debut en 1982 fue el disco más vendido en todo el mundo aquel año.

Desde que hicieron las paces en 2008, con la formación original de nuevo al completo, Asia ha ido publicando discos de manera regular, con mayor o menor acierto. Hasta llegar a nuestros días, con la baja de Steve Howe a la guitarra, ocupada por el joven de 27 años Sam Coulson.

El nuevo disco de Asia se titula “Gravitas”. Algo lejos de la solvencia de su anterior trabajo. Un disco de pulso mucho más bajo y quizás desdibujado, aunque evidentemente empaquetado a base de clase suprema, la que rezuman sus componentes. Son Asia, y por eso son nuestro disco de portada hoy en el programa…

(Además esta semana en Rocktopia: THE CRIMSON PROJEKCT, EDWARD BOX, HEAT, FAIR WARNING y ARTLANTICA)

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Hay músicos, muchos, cuya vida da para contar una buena historia. Algunos son de sobra conocidos, y otros no tanto, a pesar de su valía y trayectoria. A esta categoría pertenece Stevie Salas.

Este guitarrista, indio nativo activista norteamericano, fue junto a otros nombres como los Extreme de Nuno Bettencourt o Dan Reed Network, precursor de un género más bien poco explotado al que se etiquetó como Funk Metal a finales de los 80s y primeros 90s.

En sus inicios jugaba en la misma liga que Tom Morello. Grabó varios discos con su banda, Colorcode, hasta que llamó la atención de artistas de la talla de George Clinton, Mick Jagger o Rod Stewart con los giró por todo el mundo. Llegado un momento paró y se dedicó a surfear y a viajar por el mundo hasta que fue culpado de la muerte de su novia, una modelo asiática, aunque al final todo quedó en un susto.

Perteneciente a la época de mayor apogeo de Stevie Salas Colorcode, es su disco de 1995, “Back From The Living”, un álbum que en Japón fue elegido como mejor disco de aquel año por encima de los de Rolling Stones y Aerosmith. Así era la fama de Stevie Salas en el país nipón. Es nuestro disco del recuerdo esta semana. En mitad de los noventas con Stevie Salas Colorcode…

En esta canción que acabamos de escuchar de Stevie Salas, participaba a la percusión un batería como Tal Bergman con quien también coincidiría junto a Rod Stewart. Y Tal Bergman es el principal artífice, el ideólogo, de una banda de musicazos como Rock Candy Funk Party.

Se presentaban hace un año con la edición de su primer disco y ahora vuelven en su versión en directo. Ellos son el citado Tal Bergman a la batería; Joe Bonamassa a la guitarra; Ron de Jesús también a la guitarra; Mike Merrit al bajo y Renato Neto a los teclados.

Prince, Chuck Berry, Simple Minds, Bruce Springsteen y una interminable lista de colaboraciones a las espaldas de estos cinco sensacionales instrumentistas.

Si su único trabajo en estudio ya tenía marchamo de jam, ahora presentan su doble CD y DVD en directo “Rock Candy Funk Party Takes New York – Live At The Iridium”.

En vivo desde un club de tradición Jazz. Grabado durante tres noches en junio pasado, para deleite, primero de los asistentes y ahora de los que podemos disfrutar de su despliegue de técnica y pasión por lo que hacen.

Improvisaciones y delirios varios. Es nuestro disco de portada… Rock Candy Funk Party.

(Además esta semana en Rocktopia: LESLIE WEST, STEVE OVERLAND, DANIELE LIVERANI, SEVENTH KEY, AEON ZEN y ANNEKE VAN GIERSBERGEN)

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Si la semana pasada nos acordábamos de esa respetable cantidad de proyectos corales que tuvieron lugar en los primeros años del nuevo siglo, en el programa de hoy vamos a continuar en la misma línea, en esta ocasión con uno de los muchos que apadrinó el entonces flamante sello discográfico Magna Carta. De esta compañía californiana salieron algunos de los más prestigiosos discos de tributo de la época, especialmente dedicados a históricos del Rock Progresivo -que para eso era su especialidad-, pero también, dejándose llevar por Trent Gardner, líder del grupo Magellan, quien tenía una gran presencia en Magna Carta. Él diseñó los trazos maestros de “Leonardo: The Absolute Man”, la historia conceptual de la vida de Leonardo Da Vinci contada a través de canciones en las que participaban importantes nombres del género progresivo norteamericano. Ahí estaba James LaBrie, dando vida vocal al propio Leonardo como principal protagonista, y también otros muchos como Mike Baker de Shadow Gallery, Steve Walsh de Kansas, el trabajador Robert Berry, o varios miembros de Dali’s Dilemma.

Un trabajo muy elaborado y de ciertas pretensiones, clasificado a partir del prestigio de sus protagonistas...

Dentro del amplio reparto de músicos que participaban en aquel “Leonardo: The Absolute Man”, había un hombre que pasaba casi inadvertido pero de cierta relevancia dentro del circuito de músicos de estudio de la zona; un tal Luis Carlos Maldonado. Guitarrista, bajista, cantante, ingeniero de sonido y por todo ello colaborador de Glenn Hughes, UFO o John Waite, además de liderar su interesante banda, Into The Presence; y desde hace algún tiempo miembro de un grupo de la valía de Bigelf.

Durante 2010 recibieron aplausos de crítica y público gracias tanto a su disco de aquel año como a las importantes giras que llevaron a cabo junto a Dream Theater y Porcupine Tree. Luego Bigelf pararon para tomar fuerzas y casi sin saber cómo, terminaron congelados, con Damon Fox como único superviviente de la formación original y con la banda durmiendo el sueño de los justos hasta nuestros días.

“Into The Maelstrom” significa el despertar de Bigelf, su renacimiento con todas las garantías y la inestimable ayuda de Mike Portnoy, quien amplía su interminable curriculum aportando su percusión más groovera para este trabajo que él mismo define como una combinación de The Beatles, Black Sabbath y Queen. Una mezcla imposible de sonoridad rugosa y setentera repleta de encanto. El concepto del viaje en el tiempo que se hace de notar en “Into The Maelstrom”...

(Además esta semana en Rocktopia: THE WINERY DOGS, ADRENALINE MOB, BUCKETHEAD, THE SAFETY FIRE, SMASH INTO PIECES y VAMPS)

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A comienzos del siglo XXI, cuando parecía que empezaba a calmarse la fiebre por el rock alternativo, el metal industrial y otros géneros voraces que habían emergido en la anterior década, fue el momento para el resurgir de estilos que habían permanecido agazapados, sobreviviendo en los tiempos más difíciles. Esa sensación de oportunidad hizo que se produjese la unión de músicos de discreta relevancia, en proyectos más bien humildes como el que va a abrir hoy el programa: Missa Mercuria.

Missa Mercuria se trató de la unión del esfuerzo de los miembros sobre todo de cuatro bandas: Pink Cream 69, Edenbridge, Silent Force y Vanden Plas. Todas ellas de marcado carácter europeo, aunque de sensibles diferencias estilísticas: del Hard melódico de Pink Cream 69, al Metal gótico de Edenbridge, pasando por el Power Metal de Silent Force, para terminar con los prog-metaleros Vanden Plas.

Todos unidos en este disco conceptual no demasiado pretencioso y de resultado tampoco especialmente espectacular, a pesar de que en su momento levantara ciertas expectativas.

Historias conceptuales acerca de dioses naturales: el viento, la tierra, el agua y el fuego al rescate de la especie humana. Es nuestro disco del recuerdo...

Esos Vanden Plas siempre han sido una banda muy interesada en las historias conceptuales. Desde su colaboración en musicales como “Rocky Horror Show” o “Jesuschrist Superstar” hasta sus últimos discos en estudio. Algo que no es una excepción en su nuevo “Chronicles Of The Immortals – Netherworld”. De hecho esta vez han ido aún más allá.

Estamos hablando de la colaboración de la banda de Kaiserslautern con uno de los escritorios más exitosos de Alemania, Wolfang Hohlbein, quien con sus más de 40 millones de libros vendidos en todo el mundo, es un declarado fan de Vanden Plas. Con ellos colaboró en la concepción de una ópera Rock, la cual representaron durante 25 funciones con todo vendido en su localidad natal. Esa misma obra, ha sido readecuada y re-arreglada para traducirla del ambiente de directo al formato de álbum. Ambiciosa propuesta que tendrá una segunda parte, la cual se publicará el año que viene.

Los mejores Vanden Plas en plena demostración de estilo, moviéndose con toda comodidad en la función de contar con su música, una historia de un escritor de prestigio. Seguramente un sueño hecho realidad y para nosotros el disco importante de la semana...

(Además esta semana en Rocktopia: SAGA, JULIEN LACHARME PROJECT, MATT SCHOFIELD, THE BURNING CROWS, CONTRABANDA y AJENDA)

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