Rocktopia

En el inicio de la edición de hoy del programa recordamos la agitada escena europea de mitad de los ochenta. Multitud de géneros musicales en pleno estado de ebullición afloraban desde todos los rincones del viejo continente. Holanda, país pequeño pero cuna de grandes músicos, fue el lugar de nacimiento de Adrian Vandenberg, pintor y guitarrista de la banda que llevaba su nombre, la cual se hizo acreedora de cierto éxito tras la edición en 1982 de su disco homónimo, sorprendentemente gracias a una balada bastante discreta como “Burning Heart”. Sin embargo Vandenberg eran mucho más que eso, y su crecimiento musical se demostró con sus posteriores lanzamientos, los cuales, curiosamente, lejos de cosechar mayor popularidad vieron como su éxito se debilitaba poco a poco. Paradójicamente cuanto mejor era el grupo peor era su promoción y menor su calado entre el público. De esa manera llegó en 1985 “Alibi”, el trabajo más completo de Vandenberg y a su vez el de menor repercusión, a pesar de su enorme categoría como álbum de Heavy Rock melódico en la línea de lo que entonces estaban haciendo bandas como Def Leppard, Heavy Pettin o el mismo Michael Schenker...

Adrian Vandenberg fue mano derecha de David Coverdale en Whitesnake durante años, después de clausurar su grupo y hasta que el cantante británico puso en stand-by su banda al comienzo de los 90s. Después prácticamente desaparecido en combate, Vandenberg se centró en su otra debilidad artística: la pintura.

Por el camino firmó un notable disco de Hard Rock visceral junto a otros ex componentes de Whitesnake en los efímeros Manic Eden. Y ahora vuelve recuperando precisamente ese mismo espíritu básico, rodeado de músicos jóvenes, en una nueva formación bautizada con el nombre de Vandenberg’s Moonkings.

Un soplo de aíre fresco de classic Rock en la vena de aquellos fugaces Manic Eden, recuperando ese gusto por lo elemental de otros guitarristas afines como John Norum.

Después de 17 años de silencio discográfico Adrian Vandenberg retorna con su nueva banda, apostando por las raíces de su inspiración y contando además con la colaboración de David Coverdale, con quien se marca una de sus canciones favoritas de su periodo con la serpiente blanca.

Feliz vuelta, la de Vandenberg y sus Mookings con su disco homónimo. Es el disco de portada en la edición de hoy de Rocktopia.

(Además esta semana en Rocktopia: KAMCHATKA, WE HUNT BUFFALO, TROBEN ENEVOLDSEN, SAFFIRE, UNTIL RAIN y ONLIRYCA)

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En el comienzo de cada edición del programa hacemos funcionar nuestro teletransportador temporal para viajar al pasado. Detenemos el calendario en el año 1975. En una noche neoyorkina en la que el diablo de Kiss, Gene Simmons, andaba alternando en un club nocturno en el que había música en directo. Simmons, siempre atento a lo que ocurría musicalmente a su alrededor, se fijó en aquellos cinco jóvenes vestidos inmaculadamente de blanco y que se hacían llamar Angel.

Los valores y la propuesta de Angel estaban en contraposición con los de los propios Kiss. Lo suyo era Hard Rock muy elaborado, repleto de melotrones y fantasía literaria, además presentado a través de su imagen pulcra y ciertamente andrógina, en conexión directa con su angelical nombre.

Por fin Simmons reclutó a Angel para el mismo sello discográfico con el que grababan Kiss, la mítica compañía Casablanca. Sin dejar pasar el tiempo, a finales de octubre de 1975, Angel publicaban su homónimo primer larga duración, plasmando en aquel vinilo todas esas características que los emparentaban con coetáneos del estilo de Styx o Kansas: Hard Rock elaborado, épico, y calificado en muchos casos como Pomp Rock, ese género nunca demasiado extendido y que tendría en Angel un abanderado circunstancial, especialmente en sus primeros años de existencia…

Los primeros álbumes de Angel descansaban en gran medida en el protagonismo de su teclista Greg Giuffria, quien le daba ese sentido más pomposo a la banda.

Con los años Greg Giuffria seguiría su trayectoria, primero formando su propia banda bautizada con su apellido, para luego más tarde unirse a otros músicos de su entorno formando otro super-grupo menor, de nuevo con el padrinazgo del Kiss Gene Simmons, y el nombre de House Of Lords.

Hace ya mucho tiempo que House Of Lords siguieron el camino sin un Greg Giuffria desaparecido en combate. Tras su reunión de primeros de siglo, House Of Lords han continuado con discos bastante discretos hasta llegar a la actualidad. En unos días se pondrá a la venta “Precious Metal”, el sexto álbum desde su reinicio, y se puede decir que el más acertado de todos ellos. Un trabajo que recuerda a sus dos primeros y excelentes discos, recuperando ese balance entre Hard Rock melódico y elegante; los riffs de guitarra consistentes y esa otra tesitura por la cual gustaban de adentrarse en terrenos más épicos. Vuelta a la forma, retorno a las raíces y sobre todo regreso del beneplácito de las musas para este “Precious Metal”…

(Además esta semana en Rocktopia: HEART, ROBBEN FORD, FÉLIX MARTÍN, SYNAESTHESIA, ORPHANED LAND y ALBERTO RIONDA ALQUIMIA)

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Arrancamos con uno de esos discos buscados y cotizados en el momento de su edición en vinilo en 1983. En la primavera de aquel año se ponía a la venta, solamente en Japón, un trabajo de un guitarrista idolatrado por aquellas tierras desde siempre: el tristemente fallecido Gary Moore. Su carrera en solitario como guitarrista de Hard Rock comenzaba a despegar de manera por fin consistente tras la publicación de “Corridors Of Power”. Las audiencias japonesas, siempre veneradoras de músicos de su clase, le abrieron las puertas de par en par durante las noches del 24 y 25 de enero de ese año, durante las cuales Gary Moore presentaba aquel disco en Tokio, y ya de paso, grababa aquellos dos shows con la intención de lanzar lo que sería “Rockin’Every Night”, uno de esos vinilos que aparecían entonces como codiciado, y caro, objeto del deseo en las tiendas de importación. Era uno de esos momentos en los que reivindicar la importancia de un músico como él indicaba estar al tanto de lo que ocurría ahí fuera, y además toda una aventura para los coleccionistas de su aún esparcida discografía en solitario.

Años más tarde “Rockin’Every Night” se editaría por fin en Europa, y ese encanto de la exclusividad quedó un tanto disipado, aunque la realidad es que en cualquier caso se trata de un álbum en directo, de los de aquella época, y además grabado en Japón como tantas obras en vivo imperecederas de aquellos años.

Formación de lujo con mención especial para los actuales Deep Purple Ian Paice a la batería y Don Airey a los teclados, además de contar con el vocalista John Sloman quien venía de Uriah Heep. Es nuestro disco del recuerdo: el inigualable Gary Moore.

Si hemos abierto con Gary Moore es porque él es una de las máximas atracciones de lo que va a ser el nuevo disco de su amigo del alma Don Airey, con quien aparecía en ese “Rockin’Every Night” y con quien tocaría en incontables ocasiones a lo largo de sus respectivas carreras.

“Keyed Up” es el nuevo álbum del teclista de Deep Purple, quien a pesar de serlo, continua con su carrera en solitario. El 17 de febrero se pone a la venta, con colaboraciones de lujo y ya irrepetibles como la de Gary Moore, y también la de otro ex de Rainbow como Graham Bonnet.

“Keyed Up” mezcla el aura a classic Rock propio e inseparable de Don Airey, con su faceta más sinfónica. Así lo atestigua una canción titulada “Mini Suite”; la revisión de la 9ª Sinfonía de Beethoven que ya hiciera con Rainbow, o la versión del “Adagio” de Albinioni en la que colabora, y de qué manera, el añorado Gary Moore, que es lo que escuchamos a continuación. Se publica en un par de semanas y es nuestro disco de portada…

(Además esta semana en Rocktopia: THE FLOWER KINGS, BRUCE BOUILLET, WITHIN TEMPTATION, RING OF FIRE, LARS ERIC MATTSSON y PERIPHERY)

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Para abrir el programa de esta semana, completamos nuestra "Disco del Recuerdo" con el primer trabajo de la formación actual de Marillion.

El trasiego de la salida de Fish, y su sustituto, Steve Hogarth se producía en un momento crítico como siempre es la grabación de un nuevo disco. Los procesos de creación estrictamente musicales estaban casi finalizados, cuando Fish dejaba a Marillion, llevándose con él las letras y melodías vocales que estaba a punto de aportar para “Seasons End”, el álbum que en aquel momento se encontraba ya en un estado de concepción bastante avanzado. La aparición de Hogarth le dio desde entonces al grupo un carácter más contemporáneo, no en vano él venía de orígenes emparentados con la New Wave, y no se cortó al reconocer que no poseía ni un disco de la banda. Ese nuevo punto de vista se cruzó en aquel mismo instante con un proyecto que en realidad todavía tenía mucho que ver con el pasado de la banda. Los dos mundos: el del futuro de lo que serían Marillion listo para hibridarse con los tiempos inmediatamente pretéritos; ambas facetas chocaron con fenomenal resultado convirtiéndose en uno de los álbumes más aclamados de la banda británica. Algo que a la postre resultó ser tristemente irrepetible...

Ante lo alejado de Marillion en la actualidad con respecto a su faceta primitiva plenamente emparentada con el Rock Progresivo, su bajista, Pete Trewavas, parece sacudirse su vena más retro-prog de cuando en cuando con la super-banda sinfónica Transatlantic.

Descarados en la forma de concebir su música, orgullosamente sinfónicos, presumiendo sin tapujos de épica rockera... Así se concibió Transatlantic con la llegada del nuevo siglo, y así continúan a día de hoy, además sin cambios en la formación, compuesta por Neal Morse a los teclados, Roine Stolt a la guitarra, Mike Portnoy a los tambores y el mencionado Pete Trewavas al bajo. Las partes vocales siguen viniendo mayormente de parte de Neal Morse, aunque Stolt cada vez tiene más presencia en ese sentido, y en esta ocasión hasta Mike Portnoy se ha atrevido a meter voces solistas en el nuevo “Kaleidoscope”.

La idiosincrasia de la formación se explica por sí sola cuando nos encontramos con un disco de cinco canciones, el cual descansa en dos temas que promedian media hora de duración cada uno... Es nuestro disco de portada.

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(Además esta semana en Rocktopia: AYREON, JAAKKO KETTUNEN, LOVE UNDER COVER, IMPERA, TRUCKFIGHTERS y NO SINNER)

El final de los ochenta fue un momento propicio para que se produjese la formación de distintas superbandas de músicos de Hard Rock. Una de las más exitosas fue sin duda Mr.Big, con su propuesta virtuosa, comercial y efervescente. Otra de las más sonadas de la época fue la de sus compatriotas Badlands…

Ozzy Osbourne se había ganado la reputación de descubridor de nuevos talentos guitarreros, por eso Jake E. Lee gozaba ya de su merecido nicho de fama y relevancia. Después de la gira de presentación de su último disco con Ozzy, Jake puso rumbo a su independencia musical, con la intención de formar su propio grupo.

Reclutó a un vocalista de prestigio incipiente como el ex Black Sabbath, Ray Gillen, quien se traería de la mano al batería Eric Singer. El bajista Greg Chaisson completaba estos nuevos Badlands.

En Junio de 1989, su primer disco homónimo se ponía a la venta. Todos los que habían acusado a Jake E. Lee de ser parcial responsable del endulzamiento de los últimos discos de Ozzy Osbourne tuvieron que callar al observar como la nueva banda del guitarrista huía de la comercialidad fácil y tan en boga en las bandas de su entorno. Badlands proponían una vuelta al pasado del Hard Rock, con claras inclinaciones hacia las vertientes de los años 70, con Led Zeppelin como clara referencia y, eso sí, una producción hecha a la medida del momento.

Así nacía exuberante, vitalista y lleno de feeling, uno de los discos más mágicos de aquellos últimos años de la feliz década de los ochenta.

La cifras de ventas no fueron tan benévolas como se merecían, pero al final este disco ha quedado con el paso de los años como una pequeña maravilla…

Después de aquello, Jake E. Lee pareció haber desaparecido de la faz de la tierra. Auto exiliado de la mundanal industria musical, Lee fue persuadido por su colega Ronnie Mancuso de la banda Beggars and Thieves para que sacara de su trastero guitarrero montones de riffs que tenía almacenados en sus dedos, y así darles vida, y basar en ellos las composiciones de una nueva banda, a la postre bautizada como Red Dragon Cartel.

Acompañando a Lee y a Mancuso aparecen dos afortunados músicos desconocidos, a los cuales han seleccionado nada menos que de entre más de 1000 candidatos a través de Facebook, curiosamente. Y por si fuera poco, en este disco homónimo de debut, encontramos las colaboraciones, entre otros, de Robin Zander de Cheap Trick; Paul Di’Anno, evidentemente ex de Iron Maiden; o la carismática cantante de In This Moment, Maria Brink. Aunque las colaboraciones son en realidad lo de menos, ya que la banda titular se basta y se sobra para rubricar varias de las mejores canciones de un disco en una línea muy de Heavy Rock americano compacto, corrosivo y poderoso en la guitarra de Jake E. Lee…

(Además esta semana en Rocktopia: KING’S CALL, FERGIE FREDERIKSEN, MICHAEL ANGELO BATIO, GRENOUER, THOUGHT CHAMBER y ANGRA)

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Existen discos que representan la cumbre de una evolución. Después puede que sean superados (o no), pero de lo que nunca podrán ser despojados es del cetro de su seminal influencia; de la cúspide puntual o simplemente de significar un antes y un después para una banda y para un género.

A finales de febrero de 1986 se editaba el tercer disco de Metallica: “Master Of Puppets”.

Detrás de su inquietante y concienzuda portada se escondía la pura esencia del pasado de la banda, conjugado perfectamente con el apunte de lo que sería su futuro más inmediato. Textos políticamente involucrados, rabia expuesta a través de agresividad controlada y porciones justas de progresividad y virtuosismo instrumental establecieron a “Master Of Puppets”, y por lo tanto a Metallica, en el Olimpo de la música de su generación. Viéndose refrendados desde el momento de su edición con flamantes críticas y una recepción por parte de su público, que a día de hoy es avalada por más de siete millones de copias vendidas. Algo inimaginable para un grupo de los inicios humildes y underground de Metallica. Ellos rompieron clichés, superaron logarítmicamente expectativas, y lo hicieron con canciones ya imperecederas…

Queríamos vincular, como es de rigor, nuestro disco de portada con nuestro disco del recuerdo. Y lo hemos hecho echando mano de las preferencias personales y a nivel de influencias de los miembros de una banda llamada Mustasch.

Tanto su fundador, guitarrista y cantante Ralf Gyllenhammar como su guitarra solista David Johannesson nombran a “Master Of Puppets” como uno de sus cinco discos favoritos de siempre. Algo que quizás no de forma descarada, pero sí bastante apreciable, se puede discernir escuchando la música de Mustasch.

Desde 1988 una especie de conglomerado de Hard Rock & Roll heaviero venido desde Gotenburgo. Reconocidos sobradamente en su país. Nominados varias veces para los premios Grammy suecos y ganadores en alguna ocasión, Mustasch, sin embargo, no gozan en nuestro país de toda la popularidad que deberían. Desde luego por méritos musicales no será. Algo que se vuelve a poner de manifiesto con el macizo y enérgico “Thank You For The Demon”, el cual se pone a la venta en estos días, con toda la impronta de gran grupo de Mustasch y sus señas características de identidad, esas que los pueden describir como un tipo de híbrido de los propios Metallica y The Cult. Es nuestro disco de portada…

(Además esta semana en Rocktopia: CASABLANCA, CONEY HATCH, ALEX MASI, FLYING COLORS, HAKEN y ASHA)

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Segundo programa del año nuevo en Rocktopia. Así que supongo que todavía estamos a tiempo de terminar de repasar 2013 antes de que parezca definitivamente lejano.

Recuperamos sonidos... los que presentaron en el programa algunos de los mejores discos publicados el pasado año.

Segunda y última parte.

Así que por fin dejamos atrás ese más bien complicado año 2013. Por suerte, y a pesar de los avatares de la realidad siempre nos quedará la música como vía de escape y de motivación.

Recapitulamos en forma de programa especial algunos de los momentos vividos en Rocktopia, presentando varios de los mejores discos publicados durante el recién difunto año. Primera parte de las dos que constará nuestro repaso anual.

¡Todo lo mejor para 2014!

Nos dejamos llevar una vez más por la corriente navideña, preparando con dedicación un nuevo especial de villancicos interpretados por algunos de nuestros héroes musicales.

Clave de Rock para nuestra particular tarjeta de felicitación sonora.

¡Feliz Navidad!

En un caso de un super-grupo menor como Alliance, uno puede echar la vista atrás hasta el año 1985, al momento en el cual Sammy Hagar se enrolaba en Van Halen abandonando su propia carrera en solitario. Aquella situación dejó a los miembros de su banda sin trabajo, así que, buscándose la vida, conocieron a un tal Robert Berry del cual tenían grandes referencias. La cosa no cuajó y hubieron de pasar otros ocho años hasta que Alliance comenzaran a trabajar en las canciones de su primer disco, muchas de las cuales curiosamente fueron compuestas en el sótano del propio Sammy Hagar.

El grupo quedó definitivamente formado por el propio Robert Berry (multiinstrumentista y cantante, miembro de los 3 de Keith Emerson y Carl Palmer entre otros), Gary Pihl (miembro de Boston y ex de Sammy Hagar), Alan Fitzgerald (ex de Montrose, Sammy Hagar y Night Ranger) y por fin David Lauser otro damnificado ex Sammy Hagar. Juntos se embarcaron en la concepción de su primer trabajo titulado simplemente “Alliance”, aunque previamente se habían editado en Japón algunos de sus temas casi a modo de maqueta.

Alliance se convirtió en una de esas gemas del Hard melódico, de no demasiada difusión, pero con gran encanto, calidad y buenas dosis de inspiración. La que incitaba a estos cuatro músicos a crear música juntos por el mero hecho de hacerlo.

En 1997, por fin veía a la luz este “Alliance”, primer trabajo oficial de la banda…

Ese Gary Pihl, guitarrista de Alliance, tiene el honor de aún hoy en día encontrarse entre la nómina de músicos pertenecientes a una eminencia musical de los quilates de Boston. El grupo liderado y monopolizado por Tom Scholz, quien prácticamente lo hace todo: tocar, componer, grabar y producir el nuevo disco, después de más de diez años, de Boston.

Grabado a la antigua usanza, de hecho utilizando los mismos equipos analógicos con los que se registraron los primeros trabajos del grupo, aparece “Life, Love & Hope”, el primer disco tras la desaparición de un miembro clave del universo Boston como el vocalista Brad Delp.

Hasta tres temas rescatados y remezclados de su último disco todavía con él. Con lo cual el número de canciones originales se ve sensiblemente reducido.

Preservando el espíritu original del grupo. Ese de los grandes arreglos, las melodías preciosistas y los estribillos memorables. Ese que los hace acreedores al título de grupo con el álbum de debut más vendedor de la historia de la música. Sólo que casi 40 años más tarde …

(Además esta semana en Rocktopia: DEEP PURPLE, THE BURNING CROWS, TOMÁS PÉREZ, CRONÓMETROBUDÚ, DREAM THEATER, QUEENSRYCHE y ANDI DERIS)

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