Rocktopia

Como cada verano, aprovechando nuestro parón vacacional, re-escuchamos algunos momentos vividos en el programa durante la pasada temporada. Momento para revisitar secciones, como nuestro departamento instrumental de cada semana, agrupado ahora en este monográfico presentado en dos partes. Esta es la primera de ellas.

(Esta semana en Rocktopia: APOCALYPTICA, BRUCE BOUILLET, YOSSI SASSI, ERIC JOHNSON, JULIEN LACHARME PROJECT, BUCKETHEAD y MARCUS JIDELL)

El verano es la estación de los festivales. Aunque la crisis golpea duramente nuestro país, todavía quedan valientes que se embarcan en la arriesgada tarea de traer grupos desde distintas partes del mundo, para que toquen en directo, con la esperanza de que la propuesta sea lo suficientemente atractiva como para que unos miles de fans pasen por taquilla y permitan al festival sobrevivir y, con suerte, continuar.

Este verano nos hemos encontrado con la valiente primera edición del “Be Prog My Friend! Festival”, el cual se estrenará el 12 de Julio, en un lugar especial como el Poble Espanyol de Barcelona. Su cartel aglutina, entre otros, nombres como Opeth, Pain Of Salvation, Anathema o Fish. Un festival audaz y sumamente interesante. Por eso le vamos a dedicar en su integridad nuestro programa de esta semana. Hoy desgranamos el festival Be Prog en Rocktopia.

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Muchas veces la fama repentina a edad demasiado temprana puede jugar malas pasadas.

Eric Gales era un prodigio de la guitarra desde muy corta edad. Cuando contaba con tan solo once años ganó su primer concurso, dejando estupefactos a propios y extraños con su estilo explosivo, y las influencias claras y aparentemente prematuras de Jimi Hendrix y de los grandes del Blues Rock americano. Venía de una familia de músicos de Blues. Sus hermanos lo eran y su abuelo había tenido el honor de tocar esporádicamente con leyendas como Howlin’ Wolf o Muddy Waters.

El niño prodigio no pasó inadvertido. La compañía discográfica puso sus ojos sobre él, para que en 1991, a los dieciséis años de edad, se publicara su primer disco bajo el nombre de The Eric Gales Band. Disco sin título de un imberbe Eric Gales que se dejó guiar por la veteranía de su hermano Eugene, quien compuso las canciones del álbum, además de cantarlas y tocar el bajo.

Era una época en la que los músicos de raza negra haciendo Rock estaban de moda, con Living Color, Dan Reed Network o Stevie Salas como otros ejemplos. El paso del tiempo enterró para la popularidad a la mayoría de ellos, incluido al propio Eric Gales, a pesar de habernos dejado obras de la categoría de éste, su formidable primer trabajo...

Eric Gales paró, desencantado de la industria musical, poco después de grabar su primer disco. Y no fue hasta el inicio del nuevo siglo cuando recuperó las ganas de hacer música. Inquietud musical que le ha traído entregando álbumes con regularidad últimamente, y hasta de forma continua si pensamos en su última aventura como miembro del trío Pinnick Gales Pridgen.

Hace poco más de una año que se presentaban en sociedad con su primer capítulo discográfico, y ahora vuelven con su segundo trabajo titulado simplemente “PGP2”. Dug Pinnick al bajo y la voz, de King’s-X o estrenándose hace semanas con KXM; Thomas Pridgen, batería de The Mars Volta; y el propio Eric Gales a la guitarra, y cantando también algunos temas en este nuevo trabajo del trío.

Pocos cambios estilísticos: mucho Blues Rock, mucho Hard Rock clásico y quizás algo menos de psicodelia que en su disco de debut. Mucha intensidad, y alma por los cuatro costados en lo nuevo de Pinnick-Gales-Pridgen, que aparece en el programa como disco de portada esta semana. Tan sólo una año después “PGP2”...

(Además esta semana en Rocktopia: THE WINERY DOGS, BLACK TRIP, CRIMSON PROJEKCT, MONUMENTS, ANUBIS GATE y MARILLION)

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En Rocktopia muchas veces nos tornamos defensores de causas difíciles, o si no, rescatadores de discos poco reconocidos, pero que sin embargo merecen o merecían mayor fortuna. Hoy abrimos con uno de ellos. Con el que probablemente sea el álbum menos valorado de toda la discografía de Steve Vai.

Corrían los primeros años noventa, una vez que el guitarrista neoyorquino hubo puesto el punto y final a su periplo con Whitesnake, cuando se le ocurrió la feliz idea de montar una banda propiamente dicha a su alrededor. Para ello contactó con el bajista TM Stevens y el batería Terry Bozzio. Stevens: bajista de gran reputación como músico de sesión (Joe Cocker, James Brown, Tina Turner…) al igual que el propio Bozzio quien, además, como Steve Vai, también había sido apóstol del mesías Frank Zappa. La formación la completaba un por entonces desconocido Devin Townsend, que hacía las veces de histriónico vocalista. La banda, bautizada como Vai, grabó un único disco. El titulado “Sex and Religion”. Álbum de gestación accidentada, que dejaría claro a todos sus participantes, que la cosa sería mejor dejarla sin continuidad, con la excepción de Devin Townsend, que acompañó a Steve Vai en la gira posterior.

Un experimento a mitad de camino entre lo personal y lo musical, que trajo consigo algunas de las canciones más directas de la historia de Vai, aunque siempre reviradas con su rúbrica intransferible. Un incunable, maltratado por la crítica, que sin embargo nos dejó canciones estupendas como “In My Dreams With You”…

Un concierto multitudinario como teloneros de Steve Vai se convirtió en un punto de inflexión muy importante para consolidar la trayectoria de Voyager.

Vienen desde Australia y con sus cinco discos registrados hasta la fecha son un fenómeno de culto en la escena de metal técnico-progresivo más vanguardista. Voyager comenzaron su andadura en 1999. A pesar de tantos años en la carretera no han conseguido el reconocimiento popular que sus competentes lanzamientos demandan, además de la unanimidad que existe al ensalzar sus directos, lo que les ha valido para ocupar plaza en festivales del prestigio de ProgPower.

“V” es su último lanzamiento. Sin grandes sorpresas, ahondando una vez más en su peculiar estilo. Ese que ellos mismos definen como “una mezcla de metal progresivo y Pop sintetizado de los 80s”. Una descripción la cual parece bastante ajustada efectivamente a los parámetros del grupo. De nuevo interesantes y accesibles en canciones como “Hyperventilating”…

(Además esta semana en Rocktopia: SAGA, INCURA, ERIC JOHNSON, BETH HART & JOE BONAMASSA, VALLEY OF THE SUN, NAZARETH e IMPERA)

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Hoy destapamos el tarro de las esencias guitarreras más sofisticadas y estilistas para abrir el programa con nuestro tradicional “Disco del Recuerdo”.

Cuando instrumentistas de la talla de Gary Moore, Eddie Van Halen o Joe Satriani lo nombran entre sus influencias y admiraciones, es que estamos ante algo grande. Algo tan grande y tan infra-conocido como Allan Holdsworth…

Allan Holdsworth nunca tuvo la aureola de estrella de la guitarra, como otros de su generación como Robert Fripp, Steve Howe o Steve Hackett. Él, contrariamente a ellos, no fue parte de ninguna banda multitudinaria y emblemática, lo que jugó en su contra en cuanto a popularidad, aunque eso sí, su legado estrictamente musical está fuera de toda duda.

A parte de sus recreos fugaces con grupos como U.K. o Soft Machine, Allan Holdsworth hizo de su relativamente minoritaria carrera en solitario su prioridad.

En 1985 publicaba una de sus obras más aclamadas. Un álbum denominado “Metal Fatigue”, enmarcado dentro de la fusión Jazz Rock en la que siempre se ha movido con toda comodidad. Minucioso, ultra-técnico, y abrumador en la exposición de herramientas musicales al alcance de muy pocos, y probablemente dirigido también a una inmensa minoría.

La capacidad incontestable de Holdsworth, hacía que dejase abierta la puerta a cortes más accesibles, dentro de unos límites, como la apertura del disco, que era además la que le daba nombre.

Lecciones intensivas de ejecución al máximo nivel…

Decíamos que Allan Holdsworth había sido venerado por algunos de los mejores guitarristas del planeta. Algo extensivo también para dentro de nuestras fronteras. Y es que Holdsworth es una de las debilidades reconocidas de Kike Caamaño. Lo sabemos por que él lo cuenta, y aún más porque como tenemos el honor de que sea amigo del programa, le hemos preguntado directamente a Kike por el disco que quería que sonase antes de presentar lo nuevo de su banda proyecto… Lo último de Asha.

Enfrentarse a cada nuevo trabajo de Asha es hacerlo a algo musicalmente retador, y “Emotional Intelligence” -que es como se titula su nueva obra- no es una excepción. Un álbum inquieto, nervioso… cuajado de detalles, como es de rigor en la firma de Kike Caamaño; como también lo es su alto nivel técnico.

En un mundo en el que priman la inmediatez y las prisas por encima de la calma y la observación sosegada, Asha propone más que nunca una experiencia exigente. Una suerte de Hard Rock matemático en el que los sentimientos y mensajes reflexivos no están excluidos ni mucho menos.

Con “Emotional Intelligence” Kike Caamaño y Asha se asientan confortablemente en la élite del Rock estatal. Sólo hace falta escuchar, y digo bien escuchar, que no oir, canciones como “Cry In Silence”. Es nuestro disco importante esta semana. Kike Caamaño a la multi-instrumentación y su colega Jacob Polsen a la voz. Lo nuevo de Asha…

(Además esta semana en Rocktopia: TERAMAZE, MARTY FRIEDMAN, ADRENALINE MOB, BIGELF y VANDENBERG’S MOONKINGS)

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A menudo hablamos en el programa de esas súper-bandas formadas por componentes de distintos grupos más o menos famosos, y que se hicieron populares en ciertos momentos de la historia del Rock. Y entonces hablamos, por ejemplo, de esa remesa que tuvo lugar en Estados Unidos a finales de la década de los 90, en clave de Hard Rock. Así se fundaron Mr.Big, Badlands, House Of Lords o unos que llegaron un poco más tarde como Bad English, o aún después como Damn Yankees.

Estos últimos estaban formados por Tommy Shaw de Styx, Jack Blades de Night Ranger, el batería de sesión Michael Cartellone y Ted Nugent a la guitarra. Su disco de debut se editaba en 1990. Quizás demasiado tarde para que su Hard Rock comercial y festivo, típicamente norteamericano, tuviese la oportunidad de resultar realmente exitoso de una forma mantenida y a largo plazo.

Todavía estaba ahí la MTV dando buena cuenta de sus video-clips. Su momento fue aprovechado por un instante, llegando a ser doble disco de platino con su primer trabajo; para luego bajar hasta el oro con su segundo álbum en 1992, y terminar abandonando, para dejar paso a la corriente alternativa de Rock duro que venía pisándoles los talones.

Aún les dio tiempo para dejar canciones como el single de su disco homónimo. El tema “Coming Of Age” con el que llegaron al número uno de las por entonces atareadas listas de Rock americanas…

Jack Blades se había ganado la fama con Night Ranger, lo que le había valido para ser miembro de interés en un súper-grupo como Damn Yankees. Night Ranger nunca fueron una banda de demasiado calado en Europa. Su forma de hacer música estaba directamente ligada al más celebrado American Way Of Life. Música de instituto, de universidad americana, elegida en más de una ocasión para formar parte de la banda sonora de películas juveniles de Hollywood. Desenfadados, optimistas y vitales… además de un gran equipo de estupendos músicos, en lo instrumental y en lo compositivo. Algo no al alcance de cualquiera.

Con algunas subidas y bajadas. Con cambios en la formación casi inevitables, con un parón de discográfico de casi diez años de por medio, pero Night Ranger han sabido sobrevivir, y llegar hasta nuestros días con su tercer disco en siete años. Probablemente el más inspirado y consistente en mucho tiempo. Se titula “High Road” y simboliza ni más ni menos que el viejo espíritu de Night Ranger pasado por el tamiz imperturbable del tiempo.

Un disco que posee homenajes a la generación que los ensalzó, la Generación-X, en un tema como “X-Generation”. Es nuestro disco de portada…

(Además esta semana en Rocktopia: TESLA, MUSTASCH, BRIAN MAILLARD, URIAH HEEP, MAGNUM y ANATHEMA)

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Buscamos en el amplio historial del guitarrista George Lynch para iniciar la edición de hoy del programa.

Evidentemente él se hizo popular gracias a su fundamental contribución al éxito medido de un grupo como Dokken, aunque su relación muy tormentosa con el propio Don Dokken hizo que el grupo no gozará de la continuidad creativa que hubiese merecido.

Una vez finalizada una de sus intermitentes épocas con Dokken, George Lynch puso en marcha diferentes proyectos como sus Lynch Mob, su carrera en solitario, o si no, ese esporádico proyecto que junto a su colega Jeff Pilson llevó el nombre de Lynch/Pilson a comienzos del nuevo siglo. Muchas han sido las colaboraciones de Lynch unido a los demás miembros de Dokken: tanto al batería Mick Brown, como al bajista Jeff Pilson… El caso es que, como casi siempre, la dirección era la esperable, y ese único disco de la dupla Lynch/Pilson, bautizado como “Wicked Underground”, conservaba intactas la mayoría de las trazas musicales deudoras de lo ya hecho en Dokken, aunque, si acaso, con un leve punto alternativo. Una sensación además acentuada por la voz de Pilson, sumamente similar a la de Don Dokken. Un buen trabajo en el que se probaba una vez más la solvencia de estos músicos sin la necesidad de su supuesto líder. Se publicaba hace once años, y es el disco del recuerdo de la edición de hoy de Rocktopia…

George Lynch no ha dejado de trabajar nunca… Hace algo más de un año editaba y grababa con el proyecto T&T, de nuevo junto a algunos ex-compañeros. En esa grabación colaboraba su amigo Dug Pinnick de King’s X. Con él asistió, poco más tarde, a una fiesta en casa del batería de Korn, Ray Luzier. Entonces fue cuando se produjo la conexión para que naciera un nuevo combo formado por los tres músicos. Un trío al que han llamado simplemente K.X.M. Con K de Korn, X de King’s X y M de Lynch Mob, juntos editan en estos días su primer y flamante álbum homónimo.

Todo lo que se podía esperar de ellos: la efervescencia guitarrera y los riffs inconfundibles de Lynch; el groove y cadencia casi Soul de Pinnick y los ritmos sincopados de un Luzier que brilla más que nunca. Hard Rock de primer nivel técnico, compositivo y de interpretación como prueban canciones con mensajes de esperanza como “Stars”.

Es nuestro disco de portada esta semana. K.X.M: Dug Pinnick, George Lynch y Ray Luzier.

(Además esta semana en Rocktopia: JAKE E.LEE’S RED DRAGON CARTEL, GUS G., CONQUERING DYSTOPIA, TURUNEN/TERRANA: BEAUTY AND THE BEAT, VANDEN PLAS y KIRK)

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Hoy comenzamos yéndonos hasta el año 1998, en un viaje a un pasado no demasiado lejano, pero que nos sirve para recuperar del olvido un disco que probablemente sea la obra cumbre de un grupo como Arena. Uno de los abanderados de una nueva generación de bandas británicas que tomaban el relevo de los grandes del rock progresivo de las islas; liderados y creados por el teclista Clive Nolan y el batería de Mike Pointer ex de Marillion.

Tras dos obras no demasiado espectaculares, Arena publicaban la que es considerada su obra maestra, y al decir verdad uno de los mejores discos en su estilo, dentro de aquella complicada década de los noventa. Un trabajo titulado “The Visitor”, en cuyo aire conceptual se movía para construir pasajes de fino rock sinfónico, de sonoridad sumamente pulcra. Además con la clase de la guitarra de John Mitchell.

Cierto halo de misterio, composiciones cerradas hasta el detalle, y la ejecución de músicos elegantes nunca demasiado efectistas, pero siempre apoyados en su condición de auténticas eminencias en la materia.

La historia de un hombre que caía en el interior de un lago cuya superficie helada se rompía. La vida en un instante en canciones como “In The Blink Of An Eye”…

En ese disco de Arena, podíamos encontrar las líneas de bajo firmadas por John Jowitt. Uno de los bajistas más reputados de esa escena, después de haber tocado también con Jadis, Frost o nuestros próximos invitados: IQ.

Si Arena es uno de los nombres referentes de la que se pudiera considerar la tercera hornada de bandas progresivas venidas de las islas británicas -siendo la primera la formada por los grandes clásicos-, y la segunda la compuesta por nombres como Pendragon, Marillion o IQ.

El nuevo disco de IQ se llama “The Road Of Bones” y es un digno continuador del legado de otros trabajos del grupo, como “Frequency?” o “Subterranea”. Una obra de in-crescendos pausados y misteriosos que van abriéndose paso hasta expandirse en el seno de algunas de las canciones de ambiente más oscuro de la trayectoria de IQ.

Una ejemplar rebanada del mejor neo-progresivo de efluvios retro, tal y como siempre es de esperar de un nombre magno del género como lo son IQ. Y por eso es nuestro disco de portada esta semana en Rocktopia…

(Además esta semana en Rocktopia: NEAL SCHON, JULIEN LACHARME PROJECT, DIESEL, HOLLYWOOD MONSTERS y METALLICA)

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Además del año del mundial de fútbol celebrado en España, 1982 fue también el año de la publicación de nuestro disco del recuerdo de esta semana. Un incunable que reunía a dos músicos como Glenn Hughes y Pat Thrall.

Tras su salida de Deep Purple en 1976, Glenn Hughes publicaría poco después un álbum en solitario con el nombre de “Play Me Out” en el que exploraba con más profusión que nunca su vena funk y soul. Poco o nada ocurrió con él, y Hughes se mudó a Los Angeles dejando aparcada su actividad musical durante años, hasta que en 1981 conoció al guitarrista Pat Thrall quien era relativamente conocido sobre todo por su trayectoria como miembro de la banda de Pat Travers.

Sin nada que perder, y tampoco demasiado ruido, Hughes y Thrall prepararon un puñado de canciones principalmente emparentadas con el Rock orientado para adultos, las cuales verían la luz en forma de disco durante el verano de 1982.

La producción correría a cargo de Andy Johns quien había trabajado como ingeniero en discos de Zeppelin y Rolling Stones; y producido álbumes para Free o Television. La obra final, simplemente titulada Hughes/Thrall, empaquetada tras una portada de dudoso gusto, se ha convertido con el paso del tiempo en un disco casi de culto, con varias de sus canciones formando parte del repertorio de Glenn Hughes en directo. Un álbum injustamente obviado, que recuperamos hoy en Rocktopia, como nuestro guiño al pasado de cada semana.

En el verano de 1982 se producía el descalabro de la selección española de fútbol, pero también la feliz edición de un disco de encanto como este homónimo Hughes/Thrall…

¡Qué lejos quedan los tiempos en los que Glenn Hughes esparcía sus lanzamientos! Casi desenganchado del mundo de la música y muy enganchado al uso de ciertas sustancias. Eso es historia desde hace muchas lunas. Glenn Hughes afortunadamente prosigue con su adicción sólo al trabajo.

Después del fiasco que significó la disolución de los brillantes Black Country Communion, Hughes no ha dejado pasar la oportunidad y ha seguido trabajando con el batería Jason Bonham para dar con la consecución de una nueva banda: California Breed.

A ellos se les ha unido un joven guitarrista llamado Andrew Watt, a quien acertadamente Hughes describe como una mezcla de Jimmy Page y Mick Ronson. California Breed y su disco de idéntico nombre cuenta con la producción de un muy actual Dave Cobb, quien ha dotado al álbum de un sonido de base rítmica muy Zeppelin, mientras las guitarras suenan básicas y ásperas. Un encuadre sónico por momentos algo turbio, para presentar a California Breed como una especie de Black Country Communion más básicos, más primitivos y por instantes más corrosivos. Momentos de Rock elemental y al grano como la magnífica “Midnight Oil” que es de la partida de este estupendo y rugoso álbum de debut de California Breed. Nuestro disco de portada.

(Además esta semana en Rocktopia: DON AIREY, W.A.M.I., ROCK CANDY FUNK PARTY, KAMCHATKA, TRANSATLANTIC y TRUCKFIGHTERS)

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Hay grupos que son tan fugaces que con el transcurrir del tiempo necesitas que alguien empuje tu recuerdo para poder rememorarlos. Grupos que llegan a tocar el cielo por un solo instante para inmediatamente desvanecerse. Hoy vamos a arrancar con uno de ellos, con Stiltskin.

Ellos llevaban desde algún tiempo atrás moviéndose en la escena underground escocesa, pero no fue hasta que reclutaron al vocalista Ray Wilson cuando por fin vieron completada su formación. Ya estaban listos para despegar y lo hicieron por todo lo alto con un número uno en el Reino Unido, gracias a un tema titulado “Inside” el cual fue elegido como banda sonora de un anuncio televisivo de la marca de ropa Levi’s.

Era el año 1994, así que Stiltskin se convirtieron de la noche a la mañana en una respuesta británica a la avalancha de bandas Grunge nacidas en Seattle. Uno de los escasos ejemplos de grupos de esa tesitura alternativa venidos desde el Reino Unido. Pero su condición de banda de “una sola canción” y las tensiones internas les llevaron a la separación tan solo un par de años después y en mitad de la consecución de su presunto segundo disco…

Ray Wilson pasó de puntillas por los Genesis sin Phil Collins y luego prosiguió con su carrera en solitario. Además de amigo, Ray Wilson se ha convertido en colaborador en estudio y en directo de nuestros próximos invitados: RPWL. Él fue el vocalista de algunas de las mejores canciones de unos RPWL que vuelven al negocio en estos días. Y lo hacen con un nuevo álbum titulado “Wanted”.

Estos alemanes que comenzaron su carrera como banda tributo de Pink Floyd no pueden evitar hacernos recordar los ecos de David Gilmour y Roger Waters -especialmente del primero- aunque lo cierto es que con el paso de los años son ya, desde hace tiempo, una auténtica realidad a la vanguardia del prog teutón. RPWL se han especializado en el complejo arte de exponer ideas profundas y de cierta sofisticación, pero envolviéndolo todo de una envidiable forma de accesibilidad y cercanía. Han sido capaces de imprimir a sus canciones momentos de indudable comercialidad, componiendo hits potenciales, pero sin desdeñar su filosofía primigenia. Los discos de RPWL son fáciles de escuchar y también se prestan al detenimiento, tal y como vuelve a ocurrir con este magnífico “Wanted”. Es nuestro disco de portada esta semana: lo nuevo de RPWL…

(Además esta semana en Rocktopia: GAZPACHO, SYNAESTHESIA, JAAKKO KETTUNEN, ARC ANGEL, WITHIN TEMPTATION y TIMO TOLKKI’S AVALON)

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