Secrets d'atelier

« Pour rejoindre l’atelier, laissez-vous porter par la Loire, jusqu’à l’extrême Ouest de Blois où, entre fleuve et forêt, Les Grouëts s’étalent. La tanière de notre hôte est blottie au rez-de-chaussée d’une maison à étage. Sans guide, nul n’entre. Du sol au plafond, une montagne de livres fait obstacle. L’odeur du papier jauni se propage tout du long. Un quartier d’été donne un avant-goût d’une signature artistique tournée vers la lumière. Puis, par l’entrelacs d’une porte, l’atelier et son âme se livrent intégralement. Enraciné dans une pièce étriquée, au septentrion, des bouquins et des bibelots sur une étagère, comme autant de cernes annuels, content l’histoire qui a façonné l’artiste et son art. Au midi, des pinceaux tête en l’air sous des fenêtres s’offrent un bain de soleil. Au centre, un tapis où une frêle table de pique-nique se déploie, fait office de plan de travail. Un miroir, portant à l’angle un regard attendrissant sur le passé, inspire le geste sensible d’une main rendant hommage à Dame Nature. De part et d’autre, des œuvres en cours d’achèvement lèvent le voile sur un potentiel onirique à venir. Conventionnels ou ronds, les tableaux sont une invitation sublime à l’errance. L’œil, un instant éphémère, quitte l’obscurité du premier plan attiré en profondeur par un principe lumineux. Ce mouvement rend soudain poreux la frontière entre réalité et imaginaire. On pénètre alors au cœur de la toile pour se rencontrer soi-même. La peinture, devenue tiers, réconcilie l’Homme et la Nature en un tout à nouveau fécond. Demandez la lumière, les huiles d’Isabelle GARNIER vous l’offrirons. »

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Pour rejoindre l’atelier, quittez la Loire au plus tôt, cap à l’Est, direction la Grande Sologne en un lieu naguère marécageux et couvert de bois, Marcilly-en-Gault. Prendre la rue où jadis le tramway circulait, l’atelier s’est blotti à l’étage d’une maison à colombage. Un entrecroisement de bois passant de l’horizontal à verticale donne le ton d’un art directionnel. Depuis le bureau d’une vaste pièce, le visiteur entrevoit à travers les poutres dressées à l’aplomb, le plan de travail où le peintre Philippe MOLLER façonne. Il n’y a pas de porte, l’atelier reste ouvert. Le regard est d’emblée attiré par l’arrière-plan où une filmothèque colossale remplace la brique. Vestige d’un temps passé où la transmission, dédié au septième art, occupait une place centrale dans la vie de notre hôte.

Dirigé vers la lumière, un tableau en chantier se pavane sur un chevalet. La matière cherche à s’extraire de la platitude de la toile pour s’élever. Des monticules colorés attendent sur la palette que les pinceaux du maître veuillent bien, sur les reliefs, se déployer. L’écriture picturale de l’artiste révèle l’illusion d’une scène rythmées, entrelacs méthodique de bandes noirs où chevauchent une juxtaposition de pavés polychromes qui s’opposent et s’unissent en un tout dynamique. La toile, un instant vitrail, s’anime et plonge le spectateur au cœur d’un mouvement. Le réalisme en héritage s’est effacé pour ne conserver que la quintessence d’une expression abstraite, laissant à l’imagination le soin de créer du lien et se recomposer librement. Un subtil sens des nuances au service d’une peinture en cadence.

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Alice ALVES, une artiste peintre contemplative des âmes.

« Pour rejoindre l’atelier, quittez la Loire avant son Lac puis remonter jusqu’à Vineuil. L’antre de l’artiste s’y est implanté depuis peu. Blotti dans une pièce à taille humaine, son apparente étroitesse ne l’empêche pas d’être compartimenté en quatre. Chaque recoin possède son plan de travail, ses propres outils où des œuvres entamées se dévoilent partiellement. Alice ALVES aborde l’art dans sa diversité, loin d’une signature technique recroquevillée sur elle-même. On l’imagine Globe-trotteuse, cheminant, la curiosité chevillée au corps, d’îlots en îlots. La préparation de l’œuvre est rigoureuse, chaque expression ayant fait l’objet d’une longue étude. Au centre de l’atelier, une peinture dressée sur un chevalet happe le visiteur. Pétrifié par l’intensité du regard, une âme susurre. La peinture d’Alice ALVES n’a pas connu de maître, le don s’en accommode. Sa peinture, assignée réaliste et expressive, regorge surtout de lumière et d’Humanité. L’élégance du trait est au service d’une sensibilité à fleur de peau qu’elle transfert sur la toile pour une invitation au voyage. L’huile entraîne le regardant vers les racines d’un être, emporté par l’émotion d’un visage venu d’ailleurs. A la croisé des regards s’ouvre un chemin de pèlerinage. Son art fait œuvre d’hospitalité, recevoir l’autre, se nourrir de son histoire, avant de repartir plus loin vers un autre bivouac. Une avancée par étape, dans la solitude, dans la silence, que l’on partage ensuite ou que l’on conserve précieusement, comme le doux souvenirs d’une belle rencontre. Alice ALVES, une artiste peintre, contemplative de l’âme humaine »

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« Pour joindre l’atelier, tournez le dos à la Loire et remontez à la perpendiculaire jusqu’à la vallée du Boulon où Azé s’est perché. L’atelier, loin de l’agitation, est niché au beau milieu de nul part, à la commissure d’une Grande Roche et de prés. Séparé de la demeure, un colosse métallique s’élève vers les étoiles, ouvert sur trois pans à tous les vents. Bordé d’un lagon de verdure, l’atoll de l’artiste se décompose en trois îlots ; L’un pour façonner le bois, l’autre pour polir la pierre et plus loin, celui pour modeler les métaux. La nature offre à Oliver Durand sa matière première qu’il glane avec soin au gré des chemins. Sous le hangar, les œuvres en devenir lorgnent sans impatience le retour du maître et de jours plus cléments. Les outils, quant à eux, patinés par l’usure des générations, attendent d’être manipulés. A l’aplomb de l’abri, l’oisiveté offre à l’artiste un observatoire sur la matière qui mature. Il pose alors le regard curieux et vif d’un cherchant en quête de vérité. Tous ses sens sont sur le qui-vive, à l’affût de lignes, de courbes, d’aspérités, de couleurs, d’anomalies qui tout à coup accaparent son imaginaire, son corps, ses mains pour y dénicher presque inconsciemment un joyaux caché. Il ne lui reste plus qu’à se laisser guider fiévreusement par la vibration des matériaux pour que son art s’assemble et s’exprime. Ces créations fusionnelles se veulent parfois figuratives ou expressément abstraites, toujours lumineuses. Olivier DURAND, un sculpteur des profondeurs en harmonie avec le tout. Belle plongée dans son univers".

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Pour joindre l’atelier de Gérard GUEGEN, tournez le dos à la Loire, remontez au plus près de Chambord jusqu’à Mont. L’atelier se trouve à la sortie du village, rue du 21 août 1921, stigmate du passage meurtrier, au hameau du Plein, des troupes d’occupation. L’athanor de l’artiste est attenant au salon. Il se révèle, discrètement, au travers d’une verrière. Cet aperçu offre à la curiosité les prémisses d’une palette chaleureuse d’où s’extrait à la proue, un bleu omniprésent. Les amarres, bien que larguées depuis la Bretagne natale il y a belle lurette, ne cesse d’occuper son art et sa pensée. Des ports, des chalutiers amarrés, des baraques qu’une mer descendante a couché sur le flan et ce bleu lumineux, emprunte d’un enracinement jamais oublié. Ici-bas, au sol, des lignes porteuses s’épaississent au grès des courbures d’une femme nu, beauté d’un corps tournant le dos à l’homme de Vitruve. L’artiste aime contempler, par plaisir, des scènes du quotidien que sa main restitue avec une poésie sincère, facile, que des couleurs chatoyantes viennent sublimer. Le trait est précis sans enfermer l’observateur dans une composition figurative stricte, un entre-deux qui lorgne furtivement vers l’abstraction sans jamais s’y confondre totalement. La passion du trait, que rien ne semble éroder, pas même les doutes, se perçoit dans le scintillement d’un regard aux aguets, comme prêt à se déverser sur la toile à la vitesse d’un galop. Je vous souhaite un beau voyage dans l’univers romanesque de Gérard Gueguen, le transmetteur d’une beauté ordinaire."

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Pour rejoindre l’atelier de la sculptrice Joss, remontez le val de Loire, gravissez le coteaux jusqu’aux hauteurs où Saint-Claude-de-Diray s’est déplacé. L’atelier se niche au premier étage d’une maison enserrée. Le cabinet de création est étroit. Il se présente ordonné. L’œil n’est pas tenté de se perdre dans un aménagement exubérant. Les murs sont blancs, les décors épurés, au centre, une modeste table de travail. Des outils dressés attendent que la terre noire de préférence, pétrie et façonnée par la main, s’offre pour recevoir la touche finale. Des pots de sire en enfilades viendront parfaire l’œuvre patinant d’une couleur discrète la matière une fois cuite. D’emblée, le regard est happé par les créations faisant fi de la pièce et de ses recoins. Une attraction irrésistible presque envoûtante opère. On se laisse envahir par l’émotion. Un pas de côté et voilà qu’une autre figurine vous submerge. Depuis le mur, Charlie Chapelin et l’enfant nous épient. Il existe un jeu en miroir entre les deux arts. Il se dégage du silence des statuettes une force expressive similaire au cinéma muet. Les émotions sont décuplées par une mise en scène qui transcende l’objet. La quintessence d’une émotion tout à coup se révèle dans la simplicité d’un mouvement. Joss capte l’invisibilité du sensible, la transfigure dans une attitude qui fait de la matière un corps parlant. Bouleversant. Les « cœur simple » sont d’une incroyable générosité. Ils offrent une liberté contemplative absolue. Chacun y trouvera sa vérité. Faites vos valises ou posez les, et bon voyage dans l’univers de Joss, une attrapeuse d’émotions."

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Pour rejoindre l’atelier, descendre le fleuve rive gauche jusqu’à Rilly-sur-Loire. L’atelier s’est enraciné sur les hauteurs, à l’écart du bourg, au lieu-dit la Halerie. Une douce lumière s’échappe d’une porte ajourée d’un corps de ferme s’apprêtant à hiberner. Des dépendances accolées s’amassent par sédimentation, apports successifs remontant au 15éme siècle. L’atelier racontent l’histoire d’une vie besogneuse. La façade est joliment ridée par le temps. Tommettes en terre cuite patinées, poutres apparentes, tout est dans son jus, authentique, sans chirurgie. Sur le parvis, une pelouse est traversée par une allée où s’expose en haie d’honneur des sculptures vivantes. Prémisse pour le visiteur de l’onirisme de notre hôte. Un œil métallique, qui s’anime au gré des éléments, nous épie. Symbole d’un regard singulier, celui du plasticien Cédo.M. C’est au détour d’une rencontre annonciatrice avec l’artiste belge qui occupait jadis les lieux, qu’il a reçu en héritage cette vision du monde. Les rêves, ensuite, ont sublimé des émotions en sommeil tout à coup fécondes. Le style artistique ne peut se réduire en une seule expression, le cadre serait trop étriqué tant la création est protéiforme. Sculpture métallique, bois travaillé par le feu, toile de jute, peinture colorée ou monochrome incrustée de matière, tout est sujet à création. Son art, par principe, est abstrait car il lui offre une liberté éparpillée qu’il revendique. Seul marqueur qui ne fait aucun doute, l’honnêteté du travail. Alice, dans cet atelier aux mille merveilles, s’y sentirait à son aise. Un art qui invite à passer de l’autre côté du miroir.."

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"Florence DIAS-LOOTEN, une peinture qui touche la mémoire universelle

Pour rejoindre l’atelier de Florence DIAS-LOOTEN, longez le fleuve royale jusqu’au port de Chambord, l’église Saint-Dyé, comme un phare sur la colline, signale la destination. La façade pittoresque d’une vieille habitation de bourg abrite l’athanor de notre hôte. L’épaisseur des murs ne fait aucun doute sur son âge. L’atelier est l’image de ce que l’on pense être l’antre d’une artiste peintre. Il y règne un désordre ordonné où les outils usés par le temps témoignent d’un labeur sans compromis. Poutres apparentes, cheminée généreuse, fauteuil invitant à l’oisiveté, le matou des lieux ne s’y trompe pas. Un coin dédié à la peinture à huile, un autre à l’encaustique et au milieu, des toiles en travaux attendent patiemment la dernière touche de l’artiste pour s’exposer.

Florence DIAS-LOOTEN contemple les scènes de la vie et trouve dans la banalité du quotidien des signifiants que d’aucuns jugeraient sans d’intérêts. Or, la peintre perçoit dans cette simplicité apparente, des joyaux pittoresques que son pinceau sur la toile rend exceptionnel. Son geste transforme le plomb en or. Elle fige dans la matière, des scènes intemporelles qu’un voile de pudeur recouvre discrètement. On navigue alors entre réalisme et impressionnisme, un entre-deux mystérieux et puissant où l’ombre et lumière se répondent en un tout transcendant. Il n’y a pas de tromperie, tout est juste. Une peinture bouleversante qui va chercher la mémoire du spectateur soudainement submergée par des souvenirs singuliers."

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"Pour rencontrer les artistes Michèle et Gérald VANDENBERGHE, direction Saint-Gervais-la-Forêt, à trois pas de la fosse carrée Vinolienne. Les ateliers sont peu avancés dans l’âge. Les gestes n’ont pas encore patiné les plans de travail, ni sédimenté la matière sur les surfaces. Bien qu’adossés, passer de l’un à l’autre sans fil d’Ariane relève d’une prouesse. Et le fil, ce n’est pas ce qui manque dans la fabrique de Michèle. Qu’il soit de soie, de lin, ou de coton, on le retrouve dans tous ses états avant d’orner ses tableaux. De récupération, de dentelles, cousus, brodés, déchirés, les tissus sont la matière première d’un art qui se revendique textile. Ces étoffes sont autant de trésors choyés par l’artiste qu’une main délicate déploie sous nos yeux en contant leur histoire. Le réalisme des premières peintures est remisé au profit d’une expression plus abstraite qui gagne en liberté. Les œuvres sont colorées, sensibles, délicates. Le feutre pourrait bien être le confluant à la croisée de leur chemin artistique. Le mouvement, c’est ce que tente de figer Gérald en sculptant des silhouettes qu’il décline au féminin. Sur le sol, point de scorie, ni de copeau, tout juste quelques fils échappés d’une pelote brute. Des croquis au crayon de bois recouvrent le plateau, tracé d’une pensée subtile qui servira de modèle pour façonner des corps molletonnées. Formes allongées, hanches généreuses, les statuettes surmontées d’une coiffure soignée marquent leur l’identité. Quant à la neutralité des visages, elle apporte aux sculptures une dimension universelle. Un duo de tisserands complémentaires et singuliers qui, avec beaucoup de talent, travaille et fige les fils du temps."

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Pour rejoindre l’atelier de Patrick DELATTRE, artiste peintre à Blois, il faut mettre le cap au nord. La fabrique est blottie dans les appartements supérieurs de La Goélette, un bâtiment amarré non loin du lac de la Pinçonnière. Au bout du couloir, une porte surmontée d’un écriteau vous souhaite un simple « Bonjour ». Une convenance sans artifice. Une trompette dans l’encadrement annonce le début du spectacle. Sous le chapiteau, on s’attend à voir surgir les frères Fratellini. L’ambiance colorée, comme les tableaux de notre hôte, oscille entre l’art du cirque et l’univers du brocanteur. L’atelier a visiblement été prévenu de notre visite. Le joyeux désordre qu’on s’imagine régner dans une loge d’artiste, à l’image des toiles du résidant, contraste avec l’ordre apparent du plan de travail. Tout est minutieusement rangé pour notre visite mais à bien y regarder, l’âme d’un art folâtre se révèle dans les bibelots exposés. Les affiches du carnaval de Blois forme une frise. La signature de Patrick Delattre est inscrit dans l’histoire festive de la ville et ses peintures vous semblent tout à coup familières. Les cartes de titis parisiens à la Poulbot illustrent à merveille la patte espiègle de l’artiste qui pose sur la société un sourire mordant. Il exploite avec humour et poésie les excès d’une époque par un trait subtile, au service d’une pensée onirique débridé. Les toiles sont un festival de symboles et de couleurs qui ne tombent jamais dans la lourdeur. « Un grand déballage » que l’artiste aborde avec amusement et légèreté. Patrick Delattre « vit au cœur d’là planète* », avec « dans la tête, un carnaval de confettis !* ». Entrez, la représentation va commencer...

*Chanson de l’artiste : « Le petit poinçonneur des Lilas », Serge Gainsbourg"

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