Secrets d'atelier

La pièce de vie offre une douce chaleur enveloppante, notre hôte, le photographe Anthony THENAISY y apporte de la bienveillance. Il fait bon vivre dedans comme dehors. Côté jardin, la nature est omniprésente, le corps de ferme trouvant harmonieusement sa place ; rencontre entre deux univers en symbiose, le monde naturel qu’il affectionne et le monde artificiel qu’il questionne. C’est à la jonction de ces mondes qu’il pose un regard nuancé et cultive son expression artistique. Ses photos clair-obscur flirtent parfois avec la mélancolie, sans verser dans la noirceur. L’humain peut s’y trouver présent ; il n’est alors qu’un détail voir une absence que l’on devine par ses empreintes. La délicatesse de l’artiste est généreuse, à fleur de peau ; Son art, humaniste, engagé et tourné vers un avenir à repenser. Il lui serait facile de montrer une réalité parfaite, la technique le permet, mais ce n’est pas la direction prise. Il entretient volontairement un flou romanesque, une confusion sensible ; la vérité objective de l’image n’offrant que trop peu d’ambiguïté à son goût. Or, l’équivoque se trouve au cœur de son art. Les rêveurs ne sont pas enfermés dans un cadre étriqué, au contraire, ses clichés libèrent l’imagination pour qu’elle se déplace à sa convenance. Parfois, un arrêt sur image fige les effets du temps qu’il interroge alors en grand reporter. A l’opposé, le hasard et les effets d’une mise en mouvement orchestrée laissent filer l’image sans clarté. Les arbres, les champs, l’improbable, l’absurde, les ruines, au final, un autre monde se révèle, se rêve, l’émergence sans doute d’un espoir...

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La poignée de main est chaleureuse, l’invitation à pénétrer au cœur de l’atelier tout autant. VEGOUZ possède le sens de l’accueil ; voie posée, mots mesurés, pensée claire et fluide. La posture est sans excès à l’image de ses œuvres. Bien qu’il revendique un art en rupture académique, émancipé d’un univers japonais qui a façonné sa jeunesse, elle se fait sans véhémence. La silhouette féminine accapare sa créativité ; il peint des visages universels, presque familiers sans vraiment l’être, un entre-deux qui fait la part belle au langage des corps. La dualité chromatique d’une palette noire et blanche, accentue les contrastes et sublime l’immaculé. La nuance des gris porte certains traits et offrent aux lignes une présence subtile. Leurs modularités, tantôt appuyées, tantôt supposées, créent un langage esthétique moderne et séduisant. Les regards s’expriment au premier tiers laissant au reste du cadre, une large place au buste. Parfois, l’angle change passant d’un plan poitrine à un biais plus serré, une vue intérieur où l’imagination vagabonde vers les non-dits du hors champ. Les corps, logés à l’arrière, laissent les lumières de l’avant-scène aux pieds. La pudeur se dévoile, l’artiste assume. Sa démarche ne trompe pas, elle est sincère ; le geste, un don de soi. Il en découle une puissance intérieure qui dépasse la simplicité apparente du dessin pour capter nos émotions et transposer nos rêveries vers un ailleurs. Le beau s’exprime subtilement, dépouillé de l’inutile. Une peinture en quête de quintessence où fragilité, harmonie et sensibilité s’entrecroisent pour exalter le principe féminin.

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Frappez à la porte de jacques Bardet, c’est la promesse d’une délicieuse rencontre. Une voix d’abord, flot d’une parole circulant avec emphase et poésie ; regard espiègle avide de curiosité ; écoute contemplative, l’œil sur le qui-vive quêtant la moindre beauté inspirante. Il a conservé des coulisses du théâtre, le goût et l’art de la mise en scène, la subtilité des mots, celle de son pinceau ainsi qu’une générosité contagieuse.

Résumer son art, c’est vulgariser une longévité artistique d’un demi-siècle et plus ; une gageure tant l’œuvre est prolifique. Jeune, il se délectait de croquer des portraits de son entourage, vint le temps du réalisme des paysages de sa Haute-Vienne et enfin la force épurée d’une abstraction lyrique. Il est bien difficile de contenir son langage dans un cadre convenu. Dès ses premiers pas, il a navigué entre réalisme et abstraction, trouvant dans cette oscillation féconde, le moyen de se réinventer, d’innover et de conserver intact sa passion.

Sa fragilité n’est qu’apparence ; à l’intérieur le créateur bouillonne, cherchant sans discontinu, une faille pour se déverser. L'artiste est un chercheur de lumière, il la révèle, elle le guide. Quel que soit la matière, l’harmonie et la flamboyance des couleurs sont au cœur de sa démarche. Le noir, écarté de sa palette, a fini par trouver sa place, profond, mystique, d’où jaillissent des éclats.

Il ne renie pas les maîtres qui ont façonné son geste et sa pensée à l’image d’Aimé Vallat; seulement il poursuit, déterminé, un chemin sans frontière. A qui sait lire derrière les évidences, une autre voie plus mystérieuse s’ouvre...

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En se rendant en Sologne, on s’imagine trouver l’artiste peintre Bernard LAFONT, à l’affût d’un clair nocturne aux abords d’un étang quand vient minuit ou encore plus tard, quand sonne midi à l’orée des bois, surprenant quelques silhouettes rieuses. Ses aquarelles sont poétiques, délicates, elles recouvrent le grain d’un voile de sensibilité ; des couleurs en demi-teintes se jouant de la lumière et de ses contrastes. On pense saisir l’artiste dans son essence puis la gouache, l’acrylique ou le crayon de bois invalident le truisme sur les murs de sa maison-atelier ; Une huile aux éclats chatoyants, un pinceau qui danse la samba, un voyage où se mêle le vert tropical, le jaune d’un Sud-ouest d’antan ou encore un bleu nuit d’Arles ! Puis, l’artiste lâche ses pinceaux, change de tablier, pour un tour de table où se déploie coupe-verre, pince, marteau et feuille de verre. L’espace est dédié au vitrail. Tous les supports sont prétextes pour ce chercheur de fragments de vérité, une traque jusque dans l’inconscient ; Sa démarche picturale ne se contente pas de rester en surface, il plonge vers l’autre soi, cet autre qui se dérobe. Il exploite alors les symboles, un moyen comme ce sablier au centre d’une toile grand format logée sur un chevalet, où un corps siphonné résiste à l’inévitable destin de l’Homme. Il cherche derrière l’image, la force de la justesse et la part d’universel. Le temps qui s’écoule apparaît évidant mais à bien y regarder, son art et sa pensée sont plus complexes, plus subtiles, une peinture presque métaphysique ; elle intrigue, questionne, offre à l’esprit matière à vagabonder.

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Avant de rejoindre les Jardins d’Hiver de la peintre Odile JACENKO, petit détour par un lieu de réflexion où trône l’une de ses œuvres ; souvenir de ses premiers pas consacrés à la peinture décorative et l’envie irrésistible de « pousser les murs ». Le trompe l’œil sur trois pans est bluffant, un travail de faussaire donnant l’illusion d’être entouré par un revêtement bois. Vouloir sentir le relief sous ses doigts est imparable ; il se produit une curieuse dissonance entre le toucher et la perception de l’œil. A bien y regarder, il ne s’agit du réalisme cloné d’un papier peint ou de la perfection d’une photographie. Il se glisse entre les veines du bois, la patte de l’artiste. Ses réalisations, que ce soit l’hommage rendu aux broderies de l’ethnie Miao ou encore ses grands panoramas de paysage romantique, ne sont pas des imitations. Ses gouaches, pastels ou aquarelles se démarquent du réel. Elle peint un entre-deux, une voie intermédiaire, qui offre à son identité picturale une résistance à la perfection du détail. Son art est tout en suggestion, il éveille l’intrigue, convoque la curiosité et instruit le regard ; comme ce mur, où des vêtements poussées par la brise sèchent sur un fil ; l’univers est joyeux, les couleurs sont profondes, ici de l’indigo, là du rouge garance ou du noir velouté ! L’œil peut être trompé mais ce qui émane des peintures d’Odile JACENKO, c’est l’expression vrai du cœur ; une peinture située au-delà des sens.

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La peinture d’ Annie RAVEAU se présente sous les traits d’un univers mystique ; un récit imaginaire s’y déploie exerçant une force émotionnelle puissante. Ses compositions se vivent comme une quête, l’observateur y pressent l’aboutissement d’un long parcours artistique presque initiatique. L’artiste propose une réflexion moderne et profonde sur la vie, l’au-delà, ce qui les relie, la fragilité des ossatures, l’usure du temps ou encore la splendeur des sommets. Autant de fenêtres invraisemblables ouvertes sur notre intériorité, pour débusquer ce qu’il y a de plus universel. Son art de la mise en scène est minutieusement théâtralisée pour appâter la curiosité ; le désir d’en savoir d’avantage pousse le lecteur à sonder les détails. A l’intérieur de la toile, notre propre conte, librement, s’écrit.

De tableau en tableau, des brèches obscures, comme autant de refrains picturaux, questionnent la vérité enfouie de l’artiste et en miroir la nôtre. Ici, la matière s’arrache du sol, s’élève au zénith puis flotte, des forteresses suspendues qui ne sont pas sans rappeler la poésie de Miyazaki ; La droiture des colonnes au premier plan tranche avec l’atmosphérique vaporeuse du fond de toile. Au cœur de cette dualité, des symboles invitent à se détourner du sens commun pour y trouver celui caché. L’œuvre se transmue alors en jeu de piste. La lumière sous forme d’apothéose se révèle flamboyante, tel un espoir émergeant du chaos. L’art d’Aline RAVEAU devient mystique et fascinante."

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On retrouve chez la Maître verrière Aline DEVOS l’empreinte de sa formation en architecture passée sur les rangs de l’école Boulle. C’est à cette période que sa passion pour le vitrail s’enracine. Son identité artistique se construira après la visite d’un édifice religieux. La lumière généreuse qui transperçait les vitraux pour se répandre et décorer l’intérieur, éveilla son âme d’artiste. Les colorations sur le sol, les variations de la lumière et les nuances de l’ombre, trouveront le chemin de sa création ; il ne restait plus qu’à traduire cette émotion du « derrière le vitrail » en art. Voilà comment l’ingéniosité d’associer deux médiums a fait son chemin, le vitrail et sa géométrie au premier plan, la peinture abstraite au second.

La singularité de son art, au-delà d’une maîtrise technique évidente, réside dans la profondeur du champ ainsi créé. L’espace entre le verre et le support génère un relief où s’opère la magie. Par cette fenêtre, le vitrail se comporte comme un pinceau ; il vient colorer le fond du cadre où la composition picturale reçoit son spectre. L’œuvre s’irradie, s’anime, se met en mouvement pour offrir au spectateur de vastes possibilités interprétatives. L’opposition du devant et de l’arrière se retrouve réunie en un tout lumineux, coloré et poétique.

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Il se dégage des tableaux du peintre Patrick PERRIN une atmosphère remplie de sérénité, de douceur renforcée par la présence d’un bleu pastel surfant sur le bien-être. La légèreté de la lumière, les ombres généreuses, la profondeur du champ, les lignes en harmonie accentuent la quiétude d’un état presque imperturbable ; première exposition avec l’œuvre, le peintre pose l’intrigue. Puis, s’en suit une irrésistible échappée de la pensée. La scène, bien qu’épurée, pose un nœud dramatique, elle s’empare du spectateur, d’une manière presque cinématographique pour stimuler sa curiosité et le propulser dans un imaginaire sans fond. Rien n’est imposé, tout est suggéré avec délicatesse. L’effet hors-champ prend tout l’espace. Les aménagements d’intérieur, l’architecture exhibent un puissant pouvoir d’évocation. L’artiste peint la possibilité d’un monde sans le dévoiler ; il suggère sans imposer, il offre à l’esprit les nuances d’interprétation. Entre ses murs, il sème ici et là, des indices ; un voile se déploie soulevé par la brise ; un drapé délicatement posé ; un chaise longue ; des talons aiguilles rouges enlevés précipitamment. Il n’y a pas de personnage, ce sont les objets, les lignes et les couleurs qui offrent le potentiel narratif. Que s’est-il passé ? A l’instant présent, le témoin opère des allers-retours de l’avant-scène à l’après-scène, l’artiste offrant à chacun, son propre dénouement. Une peintre hors-champs époustouflante.

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Pour cette rentrée artistique, nous avons eu le plaisirs de visiter l’atelier de la photographe Marie FROST. La photo, « une passion depuis toujours » qui s’est installée progressivement dans son quotidien pour occuper, à l’âge de la retraite, une place centrale. Cheminant aux quatre coins de l’hexagone, elle a affiné sa technique en quête d’une identité artistique. Elle la trouvera dans sa fascination pour les fleurs, « une création pure et parfaite synonyme d’harmonie ». Elle trouve, au travers de ce symbole de paix, la possibilité de toucher la sincérité des émotions. Depuis son atelier, elle compose à la manière d’un artiste peintre organisant le cadre d’une nature morte. Une scénette est minutieusement pensée, s’en suit un travail d’orfèvre extrêmement soigné et le tout, orchestré avec une poésie flagrante. La construction achevée, la lumière vient parachever la mise en scène ; un jeu de reflets et d’ombres valorisent les formes, les couleurs et les objets révélant la matière pour la transcender. Bien que les fleurs soient sorties de leur milieu naturel, sous l’agencement de la main et l’œil de l’artiste, la nature morte reprend vie, les fleurs renaissent plus radieuses que jamais et dévoilent une beauté fascinante ; l’image nous emporte alors, en silence, vers l’univers de la perfection.

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