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Female narrator: 这幅名为《镜前》的画作由法国画家爱德华·马奈创作于 1876 年。该画为布面油画，垂直向，高 3 英尺，宽略超过 2 英尺。

画中，一位中等身材的女子背对着观众，在一面看似是更衣室或卧室的镜子里端详自己。直立的人物占据了画布的很大一部分。她在画面中间偏左的位置：头顶距离画布的上边缘约 5 英寸，下半身被下边缘截到臀部以下的位置。镜子很大，也许是全身镜，看似靠墙而立。厚重的深褐色镜框几乎触及画布的上边缘，巧妙地框住了人物的头部和身体。房间的空间显得短浅，仿佛人物和镜子都紧贴着后墙。镜面朝向观众，但我们却无法看清人物的镜中影像；她的确切身份是个谜。正在更衣的女子身穿浅蓝色的紧身胸衣和飘逸的白裙。她裸露的白皙肩膀和脖子映衬着浓密的金棕色头发，在她的头上卷成一个时尚的发髻。她的右臂下垂，似乎在拉着从她松开的胸衣后面垂下的蕾丝。

正如标题所示，这幅画表现的是这位女子凝视镜中的自己。她的右侧也许是床篷的一部分，以跟胸衣相同的蓝色色调描画，暗示她可能是一个交际花。交际花的形象也在马奈其他作品中有所呈现。就像毕加索描绘落魄人物一样，马奈致兴于真实地描绘现代生活。

也可以说，这幅画的主题是油彩本身。作为印象派运动的重要人物之一，马奈探索了笔触的表现力。在这幅作品中，他的用色厚重、动感十足。油彩以粗细不一的笔触沿垂直、水平和对角方向运用，随意自然。丰满的油质让画面看起来闪闪发光，仿佛颜料仍然是湿的。马奈在许多颜色中都掺入了白色以营造光感。在右下角，艳丽多彩的笔触构成一个抽象的小团块——深绿色、棕红色、蓝色、黄色、紫色和棕色——或许是一束花。镜子后面的平面空间也以同样的方式描绘，或许是墙纸。镜中人也只是笔触模糊的油彩，呼应着人物皮肤、头发和衣服的颜色，而其面孔与身体却无从辨别。

爱德华·马奈 (Édouard Manet),《镜前》(Before the Mirror)，1876 年。布面油画，36 5/8 x 28 3/16 英寸（93 x 71.6 厘米）。古根海姆博物馆，纽约，坦恩豪瑟藏品，赠礼，贾斯汀·K·坦恩豪瑟，78.2514.27

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Female narrator: En 1904 el artista español Pablo Picasso pintó esta obra titulada "Mujer planchando". Es un óleo sobre lienzo de orientación vertical y mide casi 4 pies de altura y 2 ¼ pies de ancho (116,2 x 73 cm). La firma del artista, “Picasso,” aparece en la esquina inferior derecha.

Una mujer alta y muy delgada, con los brazos especialmente largos y rasgos angulosos, se inclina sobre una superficie plana mientras plancha. Es una figura grande y ocupa una extensión considerable del lienzo. La superficie sobre la que plancha, tal vez parte de una mesa, abarca todo el tercio inferior del cuadro y queda sobriamente representada mediante una línea recta y estrecha que discurre entre el borde izquierdo y el derecho. La figura está de pie a un extremo de la mesa, la cual no permite ver la parte inferior de su cuerpo desde la mitad del muslo hacia abajo. La mujer se encuentra en el lado derecho del lienzo. Encorvada por el cansancio; su cabeza agachada, con el cuello notablemente delgado, se estira hasta casi tocar el borde izquierdo del lienzo. Su hombro izquierdo se proyecta hacia el espectador, sus brazos atenuados caen hacia abajo y los dedos largos y delgados de su mano derecha se pliegan sobre la mano izquierda mientras agarran el asa de la pesada plancha. No se aprecia claramente qué es lo que está planchando.

La figura viste una prenda muy sencilla, ceñida, de color gris claro, con mangas hasta los codos y cuello en V. El rostro se muestra completamente de perfil, con la boca inexpresiva, la nariz y la barbilla puntiagudas, los mechones de pelo cayendo sobre la frente, el ojo no más que una cuenca oscura. La paleta es sombría: marrones cenicientos, grises y blancos se utilizan para describir casi todos los detalles de la pintura. Ciertos tonos amarillentos apagados emergen representando la piel de los antebrazos, el cuello y el rostro de la figura. Unas tenues líneas azul-grisáceas resaltan los mechones de su cabello castaño claro que caen, así como el leve contorno de su cuerpo. En la mesa, pueden apreciarse algunos toques de rosa melocotón. La textura de la superficie pictórica es como la tiza, el hueso o la piedra, seca y deslucida, pintada con pinceladas cortas y poco elaboradas.

La gran figura y la mesa parecen ocupar un espacio muy reducido, como si estuvieran pegadas a la pared del fondo. El fondo es anónimo, sin ningún rasgo definitorio. A la derecha de la figura se ve una forma imprecisa, tal vez una gran tela colocada sobre el respaldo de una silla. Un tazón pequeño sin adornos se encuentra junto a un trozo de tela arrugada sobre la mesa, en la esquina inferior derecha del lienzo. Destaca de forma especial una delgada línea de color rojo oscuro que comienza justo debajo de la cintura de la figura, recorre todo el contorno de su espalda y pasa por encima de su huesudo hombro izquierdo, el cual sobresale marcadamente hacia arriba. El hombro que sobresale, acentuado por la línea roja, marca un punto elevado en la composición, desde el cual el peso del resto del cuerpo parece desplomarse hacia abajo. La figura nos hace pensar en una prenda de vestir colgada de una percha. La figura no parece estar moviendo la plancha, sino más bien cargando el peso de todo su cuerpo sobre el asa. El gran tamaño de la figura y su proximidad al espectador crean una sensación de espacio compartido; nosotros, como espectadores, nos vemos inmersos en la situación de esta mujer.

Pablo Picasso, "Mujer planchando (La repasseuse)", París, 1904. Óleo sobre lienzo, 45 3/4 x 28 3/4 pulgadas (116,2 x 73 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Thannhauser, donación, Justin K. Thannhauser 78.2514.41 © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), Nueva York

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Female narrator: Esta obra, titulada "Ante el espejo", fue pintada por el artista francés Édouard Manet en 1876. Es un óleo sobre lienzo de orientación vertical y mide 3 pies de altura y poco más de 2 pies de ancho (93 x 71,6 cm).

En esta pintura, vemos de espaldas a una mujer de mediana estatura que se mira atentamente al espejo en lo que parece ser un vestidor o dormitorio. La figura, de pie, ocupa gran parte del lienzo. Se encuentra apenas a la izquierda del centro: la parte superior de su cabeza está a unas cinco pulgadas (12,7 cm) del borde superior del lienzo y la parte inferior de su cuerpo queda recortada justo debajo de las nalgas por el borde inferior del cuadro. El espejo es grande, quizás de cuerpo entero, y parece estar colocado justo delante de la pared del fondo. El grueso marco marrón oscuro del espejo casi toca el borde superior del lienzo y encuadra delicadamente la cabeza y el cuerpo de la figura. El espacio de la habitación parece poco profundo, como si la figura y el espejo estuvieran pegados a la pared del fondo. La superficie reflectante del espejo queda de cara al espectador, pero no se puede ver una imagen clara del reflejo de la figura; su identidad exacta se mantiene en el misterio. A medio vestir, la figura lleva un ceñido corsé azul claro y una vaporosa falda blanca. La porción desnuda y pálida de los hombros y el cuello da paso a una espesa cabellera de color castaño dorado, recogida en la cabeza en un peinado de moda de la época. Su brazo derecho apunta hacia abajo como si estuviera tirando de un lazo que cuelga de la espalda abierta del corsé.

Tal y como indica el título, el tema de esta obra es esta mujer mirándose al espejo. Puede que se trate de una cortesana, cosa que insinúa el dosel de la cama, pintado en el mismo tono azul que el corsé, que se ve parcialmente a la derecha de la figura. Manet escogió el tema de la cortesana en otras de sus obras. Al igual que Picasso, que pintó a los marginados, Manet se interesó por el retrato veraz de la vida moderna.

También se puede pensar que el tema de este cuadro es la pintura en sí misma. Siendo una figura destacada del movimiento impresionista, Manet exploró la expresión gestual de la pintura. En esta obra, la pintura es gruesa y dinámica. Ha sido aplicada de forma espontánea en movimientos verticales, horizontales y diagonales, con pinceladas tanto pequeñas como grandes, y la untuosidad del óleo hace que la superficie brille como si la pintura estuviera todavía húmeda. Manet ha mezclado el blanco en muchos de sus colores, lo cual aporta luminosidad. En la esquina inferior derecha hay una masa pequeña y abstracta de vigorosas pinceladas de distintos colores: verde oscuro, marrón rojizo, azul, amarillo, púrpura y marrón, la cual podría ser un ramo de flores. El espacio plano que hay detrás del espejo está pintado de la misma manera, describiendo tal vez un papel tapiz. El reflejo de la figura se presenta, no como una imagen coherente de una cara y un cuerpo, sino más bien como otra masa en cierto modo discreta de pinceladas en tonos que representan los colores de la piel, el cabello y la ropa de la modelo.

Édouard Manet, "Ante el espejo", 1876. Óleo sobre lienzo, 36 5/8 x 28 3/16 pulgadas (93 x 71,6 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Thannhauser, donación, Justin K. Thannhauser 78.2514.27

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Female narrator: En 1867 el artista francés Camille Pissarro pintó este paisaje titulado "La ermita de Pontoise". Es un óleo sobre lienzo de orientación horizontal y mide unos 5 pies de altura y 6.5 pies de ancho (150.3 x 200 cm), siendo una de las pinturas de mayor tamaño en esta galería.

La vista es de un día soleado en el pequeño y bucólico pueblo de Pontoise, Francia, donde Pissarro vivió por temporadas entre 1866 y 1883 cuando no estaba en París. El pueblo se encuentra al pie de una colina frondosa rebosante de verdes árboles y arbustos. El borde superior de la colina comienza aproximadamente a 10 pulgadas (25,4 cm) del marco superior de la pintura y desciende de forma natural de izquierda a derecha. Sobre la colina vemos un cielo azul resplandeciente con vaporosas nubes blancas. La fértil colina y el cielo azul sirven como telón de fondo de esta escena de la vida cotidiana rural. Un sendero en tono marrón claro serpentea a través de la aldea, comenzando desde la esquina inferior derecha de la pintura. En este punto, el sendero mide 16 pulgadas (40,64 cm) de ancho y se ofrece como vía de entrada al espectador, que puede imaginarse recorriéndolo a través del pueblo. A medida que el sendero se aleja en la distancia, su anchura disminuye. En primer plano, el camino de tierra está bordeado por zonas de abundante hierba pintadas con pinceladas anchas y sueltas de verdes luminosos. A la derecha del sendero aparece una hilera de árboles pintados con rápidas pinceladas de distintos tonos de verdes claros y oscuros que describen sus hojas, así como trazos delgados de color marrón que sugieren los troncos y ramas. Los árboles proyectan sombras largas y frescas hechas de verdes oscuros, indicando que la hora del día podría ser la tarde. Al seguir el camino que atraviesa la primera sección de la imagen, vemos dos grupos de figuras. El primero, situado en el centro en primer plano, lo conforman dos mujeres y un niño parados en medio del camino. Una de las mujeres sostiene una sombrilla blanca, mientras el niño, con delantal y gorro, tira de la larga falda gris de la mujer. Las dos mujeres parecen estar conversando. Un poco más adelante, a la izquierda del camino, aparece el segundo grupo de figuras, quizás un muchacho y una muchacha sentados en la hierba. No muy lejos, hacia la parte inferior izquierda del lienzo, se adivinan unas pequeñas flores blancas logradas con ligeros toques de pintura blanca. Los habitantes del pueblo visten ropas modestas para cubrir su cuerpo. El estilo y color de su vestimenta —en tonos apagados de gris, blanco, azul y marrón— hacen pensar que pertenecen a la clase trabajadora o media. Al igual que en la hilera de árboles y en las flores blancas, Pissarro aplica la pintura de forma rápida y con textura para representar a los aldeanos, omitiendo los rasgos precisos y confiriéndoles un cierto anonimato.

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Camille Pissarro, "La ermita de Pontoise (Les coteaux de l’Hermitage, Pontoise)", cerca de 1867. Óleo sobre lienzo, 59 5/8 x 79 pulgadas (151,4 x 200,6 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Thannhauser, donación, Justin K. Thannhauser 78.2514.67

Ascoltiamo perché questi due quadri sono abbinati insieme.

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Kid 1: Dovrebbe essere un solo dipinto oppure due?

Art: Entrambe le cose. Sono due dipinti della stessa scena. Si tratta del piccolo giardino che l’artista Édouard Vuillard vedeva dalla finestra del suo appartamento a Parigi. Inizialmente esistevano quattro pannelli e questi due erano quelli alle estremità. Per questo motivo non combaciano alla perfezione.

Kid 1: Perché dipingere la stessa scena ripetutamente? Ci sono così tante altre cose da dipingere!

Kid 2: Certo, ma questi due quadri in realtà sono diversi. Nel dipinto a destra l’erba è verde e gli alberi non hanno le foglie, quindi forse siamo a primavera. C’è meno luce. Ci sono più persone nel parco. Potrebbe essere tardo pomeriggio e tutti stanno per andare a casa per la cena! Chissà cosa mangiano i francesi a cena?

Art: Per i ragazzi che stanno ascoltando, , che differenze notate tra il dipinto a destra e quello a sinistra? Che ora del giorno pensate sia raffigurata in ognuno? Rappresentano la stessa stagione? Non abbiate fretta. Aspetteremo.

Kid 1: Mi sembra d’impazzire. Più cerco elementi diversi tra i due dipinti e più vedo cose uguali.

Art: Non stai diventando matto. Hai risposto alla tua stessa domanda.

Kid 1: Quale domanda?

Art: Perché un artista vorrebbe dipingere la stessa scena ripetutamente? Quando Vuillard guardava fuori dalla finestra del suo appartamento, osservava come il giardino cambiasse costantemente, a seconda dell’ora del giorno, o delle condizioni atmosferiche o della stagione. Ma era anche affascinato da ciò che non cambiava: alcune linee, forme e colori. Guardi fuori dalla finestra della tua stanza ogni giorno? Cosa vedi? In che modo cambia o rimane identico ciò che vedi nel corso dell’anno?

Édouard Vuillard, "Piazza Ventimiglia", 1909–10. Tempera su carta Kraft marrone, montata su tela, due pannelli, pannello a sinistra: 200,1 x 70 cm; pannello a destra: 200,2 x 70 cm, Museo Solomon R. Guggenheim, New York, Collezione Thannhauser, donazione di Justin K. Thannhauser, 78.2514.74 © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Parigi

Cerchiamo di immaginare i giocatori raffigurati in questo quadro.

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Kid 1: Stanno giocando a football?

Art: In realtà stanno giocando a rugby. La prima partita internazionale di rugby fu giocata nel 1908, lo stesso anno in cui Henri Rousseau dipinse questo quadro. Francia contro Inghilterra. La partita si svolse a Parigi, dove viveva Rousseau.

Kid 1: Veramente non ha l’aspetto di qualcosa accaduto realmente. Il tizio davanti è altissimo oppure gli alberi sono molto bassi?

Art: Quella si chiama “scala”. La scala è la dimensione di un oggetto rispetto a un altro oggetto. Allora non credi che la scala in questo dipinto sia accurata?

Kid 1: Per niente.

Art: E che altro?

Kid 1: È curioso, perché si possono vedere molti particolari minuziosi, ad esempio ogni foglia sugli alberi. Ma poi altre cose non si vedono. Ad esempio il terreno che è perfettamente liscio. Tutto è quasi troppo perfetto. È piatto.

Kid 2: Tocca a me! Sembrano due coppie di gemelli e pare che indossino il pigiama. Sono così felici di giocare a rugby. E mi piacciono molto i loro baffi!

Art: Stavo pensando di farmi crescere un paio di baffi uguali.

Kid 1: Arte. Seriamente. Cosa succede in questo quadro?

Art: Non c’è bisogno del mio aiuto. Voi due avete già capito tutto per conto vostro.

Kid 1: Dicci qualcosa!

Art: Vi dirò quello che le persone un tempo pensavano dei quadri di Rousseau. L’artista non aveva frequentato l’accademia per imparare a dipingere. Era un autodidatta e il suo stile è peculiare e insolito. All’epoca in cui dipingeva i suoi quadri, alcuni critici d’arte affermarono che Rousseau era un pessimo pittore per gli stessi aspetti che hai notato tu—le proporzioni in scala e il fatto che tutto appare così piatto.

Ma molti artisti lo apprezzavano. Rousseau aveva il coraggio di vedere le cose in un modo diverso e di dipingere come gli pareva. E altri artisti ammiravano quella dote.

Kid 1: Doveva essere un tipo in gamba!

Henri Rousseau, "I giocatori di football", 1908. Olio su tela. 100,3 x 81,1 cm. Museo Solomon R. Guggenheim, New York, 60.1583.

Cerchiamo di immaginare la storia della donna raffigurata in questo quadro.

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Kid 2: Però, che aria stanca, sembra che stia stirando da un milione di anni.

Kid 1: Pare che sia in questa stanza in un silenzio totale. E ha l’aria di una persona assorta.

Kid 2: Sembra triste.

Kid 1: Oppure… La sua mente vaga lontana? Difficile a dirsi. Non si riescono a vedere gli occhi.

Kid 2: Questo quadro ha bisogno di un po’ di arancione o rosa—qualcosa che lo ravvivi un po’.

Art: Veramente questo artista, Pablo Picasso, si è dedicato completamente al blu per un certo periodo. Non ha creato quasi nient’altro che opere blu per quattro anni.

Kid 1: Perché?

Art: Usava il colore per esprimere le emozioni. Prova a chiudere gli occhi e a immaginare lo stesso quadro in un colore diverso. Come cambia?

Kid 1: D’accordo, in rosso la donna è meno triste e più… arrabbiata. Ma è comunque stanca.

Art: Beh, prova tu a tenere la testa e le spalle in quella posizione, facendo pressione sul ferro. Dai provaci. Proviamoci tutti. Ignora le persone che ti guardano in modo strano. Aspetteremo. Capisci cosa intendo? L’angolazione del suo corpo, il modo in cui sta china sul lavoro. Anche questi particolari ti dicono un sacco di lei.

Kid 2: Ma chi è questa donna?

Kid 1: E perché mai Picasso ha scelto di dipingere una persona intenta a stirare?

Kid 2: Era forse una sua amica?

Art: Molto probabilmente si tratta di una combinazione di diverse donne che Picasso conosceva. Quando ha eseguito quest’opera era poverissimo e raffigurava la gente comune che gli viveva intorno. Alcune persone erano affamate e in difficoltà.

Kid 2: La donna si sta impegnando al massimo, ce la mette proprio tutta.

Art: Forse è per questo che l’ha dipinta. Ne ammirava il duro lavoro?

Kid 1: Forse. Che cosa pensano gli altri ragazzi?

Art: Ottima domanda. Voi tutti ragazzi presenti nel museo, cosa credete che stia pensando questa donna? Se poteste parlare con lei, cosa credete che vi racconterebbe della sua vita?

Pablo Picasso, "Donna che stira (La repasseuse)", Parigi, 1904. Olio su tela, 116,2 x 73 cm. Museo Solomon R. Guggenheim, New York, Collezione Thannhauser, donazione di Justin K. Thannhauser 78.2514.41 © 2019 Estate di Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Cerchiamo di immaginare come sarebbe entrare dentro a questo quadro.

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Art: Se tu potessi entrare in questo quadro, dove vorresti andare?

Kid 1: Proprio in cima alla collina a sinistra, così potrei vedere ogni cosa.

Kid 2: Avresti caldo.

Kid 1: Come fai a saperlo?

Kid 2: Guarda che sole! Nemmeno le nuvole aiutano. Sono come palloncini sospesi in cielo. Il sole picchia sul sentiero sterrato che porta al villaggio.

Kid 1: Il villaggio sembra immerso nella campagna. Ci sono alberi e cespugli che crescono ovunque e dei ragazzi seduti nell’erba... Ehi, tu dove andresti se fossi uno dei ragazzi nel dipinto?

Kid 2: Dentro quella casa che si trova al centro. Ha un’aria buia e fresca. Ci sono delle graziose tendine bianche alla finestra. Mi siederei dietro le tende a spiare tutti quanti.

Kid 1: Gli edifici mi sembrano vecchi, ma direi che si tratta di un normale paesino dell’epoca, con persone normali che vanno in giro e parlano con gli amici e i vicini di casa.

Art: È proprio questo che rendeva insolito il quadro quando fu dipinto. A quell’epoca di solito gli artisti raffiguravano persone ricche ed eleganti, in luoghi affascinanti. Tutto doveva apparire migliore rispetto alla vita reale. Questo dipinto era diverso perché l’artista invece ha scelto di rappresentare la realtà di tutti i giorni.

Kid 1: Come mai?

Kid 2: Forse gli piaceva!

Art: Credo tu abbia ragione. Gli piaceva questo paesino—Pontoise—e gli piacevano le persone comuni che vivevano lì. Per questo ha eseguito questo grande quadro che le raffigura. Le considerava importanti come chiunque altro. Il pittore si chiamava Camille Pissarro e ha dipinto questo quadro oltre 150 anni fa. È l’opera più antica della collezione del Guggenheim.

Camille Pissarro, "L'Hermitage a Pontoise (Les coteaux de l’Hermitage, Pontoise)", ca. 1867. Olio su tela, 151,4 x 200,6 cm. Museo Solomon R. Guggenheim, New York, Collezione Thannhauser, donazione di Justin K. Thannhauser 78.2514.67

Überlegen Sie sich mit uns, warum diese beiden Gemälde zusammengehören.

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Kid 1: Soll dies ein Gemälde oder sollen es zwei sein?

Art: Beides. Es handelt sich um zwei Gemälde derselben Szene. Dies ist der kleine Park, den der Künstler Édouard Vuillard vom Fenster seiner Pariser Wohnung aus sah. Ursprünglich gab es vier Tafeln, von denen diese beiden die äußeren darstellen. Deshalb passen die Tafeln nicht so perfekt zusammen.

Kid 1: Warum sollte man aber immer wieder denselben Ort malen? Es gibt so viele andere Dinge zu malen.

Kid 2: Ja, aber die beiden Gemälde hier sind tatsächlich unterschiedlich. Auf dem rechten Gemälde ist das Gras grün und die Bäume haben keine Blätter, es könnte also Frühling sein. Es ist dunkler. Es sind mehr Leute im Park. Es könnte nach Schulschluss sein, wenn alle zum Abendessen nach Hause gehen. Ich frage mich, was es in Frankreich zum Abendessen gibt?

Art: Kinder, wenn ihr zuhört, was ist der Unterschied zwischen dem Gemälde rechts und dem Gemälde links? Was glaubt ihr, welche Tageszeit es jeweils ist? Zeigen sie die gleiche Jahreszeit? Nur keine Eile. Wir werden warten.

Kid 1: Ich glaube, ich werde wahnsinnig. Je mehr ich nach Unterschieden zwischen den beiden Gemälden suche, desto mehr sehe ich das Gleiche.

Art: Du wirst nicht wahnsinnig. Du hast deine eigene Frage beantwortet.

Kid 1: Welche Frage?

Art: Warum sollte ein Künstler immer wieder die gleiche Szene malen? Wenn Vuillard aus dem Fenster seiner Wohnung blickte, beobachtete er, wie sich der Park je nach Tageszeit, Wetter oder Jahreszeit ständig veränderte. Aber er war auch fasziniert von dem, was gleich geblieben ist – einige der Linien, Formen und Farben. Schaust du jeden Tag aus dem Fenster in deinem Zimmer? Was siehst du? Was verändert sich alles im Laufe des Jahres, und was bleibt gleich?

Édouard Vuillard, "Vintimille-Platz", 1909 - 1910. Leimfarbe auf braunem Kraftpapier, auf Leinwand aufgezogen, zwei Tafeln, linke Tafel: 200,1 x 70 cm; rechte Tafel: 200,2 x 70 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Sammlung Thannhauser, Schenkung, Justin K. Thannhauser, 78.2514.74. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAPG, Paris

Stellen Sie sich gemeinsam mit uns die Ballspieler auf diesem Gemälde vor. 

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Kid 1: Spielen sie Fußball?

Art: Sie spielen eigentlich Rugby. Das erste internationale Rugbyspiel wurde 1908 ausgetragen, im selben Jahr, in dem Henri Rousseau dieses Gemälde schuf. Frankreich gegen England. Es fand in Paris, Frankreich, statt, wo Rousseau lebte.

Kid 1: Nun, es sieht nicht so aus, als wäre das im wirklichen Leben passiert. Ist der Typ da vorne wirklich so groß, oder sind die Bäume wirklich klein?

Art: Das nennt man „Maßstab“. Der Maßstab ist die Größe eines Gegenstands im Verhältnis zu einem anderen Gegenstand. Du glaubst also nicht, dass der Maßstab in diesem Gemälde richtig ist?

Kid 1: Auf keinen Fall.

Art: Was gibt es noch zu sehen?

Kid 1: Man kann viele winzige Details sehen, wie jedes Blatt an jedem Baum. Aber andere Dinge sieht man wiederum nicht. Der Boden ist zum Beispiel vollkommen glatt. Es ist alles fast zu perfekt. Er ist flach.

Kid 2: Jetzt bin ich dran. Sie sehen aus wie zwei Zwillingspaare, und es sieht aus, als hätten sie ihre Schlafanzüge an. Rugby spielen macht ihnen großen Spaß. Mir gefallen ihre Schnurrbärte sehr.

Art: Ich wollte mir auch so einen Schnurrbart wachsen lassen.

Kid 1: Kunst. Jetzt mal im Ernst. Was hat es mit diesem Gemälde auf sich?

Art: Ihr braucht mich nicht. Ihr beide habt so ziemlich alles selbst herausgefunden.

Kid 1: Erzählt uns etwas darüber

Art: Ich werde euch sagen, was die Leute früher über Rousseaus Gemälde dachten. Der Künstler ging nicht auf die Kunstschule, um zu lernen, wie man malt. Er war Autodidakt, und sein Stil ist eigenwillig und ungewöhnlich. Zu der Zeit, als er seine Bilder malte, sagten einige Kunstkritiker, Rousseau sei ein schrecklicher Maler, und zwar aus denselben Gründen, auf die ihr bereits hingewiesen habt: der Maßstab und wie flach alles aussieht.

Aber viele Künstler mochten ihn. Rousseau hatte den Mut, die Dinge anders zu sehen und zu malen, wie er wollte. Und andere Künstler bewunderten das.

Kid 1: Er muss ein ziemlich cooler Typ gewesen sein!

Henri Rousseau, "Die Ballspieler", 1908. Öl auf Leinwand. 100,3 x 81,1 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, 60.1583.