Stellen Sie sich gemeinsam mit uns die Frau auf diesem Gemälde vor.

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Kid 2: Meine Güte, sie sieht müde aus, als hätte sie ewig gebügelt.

Kid 1: Es scheint, als wäre sie in einem ganz stillen Raum. Und sie wirkt sehr konzentriert.

Kid 2: Sie sieht traurig aus.

Kid 1: Oder... ist sie in Gedanken ganz wo anders? Es ist schwer zu sagen. Man kann ihre Augen nicht wirklich sehen.

Kid 2: Dieses Gemälde könnte etwas Orange oder Pink vertragen – etwas, das es aufhellt.

Art: Aber dieser Künstler, Pablo Picasso, war eine Zeit lang ein großer Fan der Farbe Blau. Vier Jahre lang hat er fast nur blaue Bilder gemalt.

Kid 1: Warum?

Art: Er benutzte Farbe, um Gefühle zu zeigen. Schließe die Augen und stelle dir das gleiche Gemälde in einer anderen Farbe vor. Wie verändert es sich?

Kid 1: Stimmt, in Rot ist sie weniger traurig und... wütender. Aber sie sieht trotzdem müde aus.

Art: Versuche nun deinen Kopf und deine Schultern so zu halten und auf ein Bügeleisen zu drücken. Bleib in dieser Stellung. Lasst es uns alle ausprobieren. Ignoriere die Leute, die dich komisch anschauen. Wir werden warten. Seht ihr, was ich meine? Die Winkel ihres Körpers, die Art, wie sie sich über ihre Arbeit beugt. Das sagt auch eine Menge über sie aus.

Kid 2: Ich frage mich, wer sie ist?

Kid 1: Warum hat sich Picasso überhaupt entschieden, eine bügelnde Frau zu malen?

Kid 2: Vielleicht war sie seine Freundin?

Art: Sie war höchstwahrscheinlich eine jener Frauen, die Picasso kannte. Er war sehr arm, als er dieses Bild malte, und er stellte die einfachen Leute dar, die um ihn herum lebten. Einige von ihnen litten unter Hunger und hatten es nicht leicht.

Kid 2: Sie gibt sich sehr viel Mühe, als ob sie ihr Äußerstes geben würde.

Art: Vielleicht hat er sie deshalb gemalt. Bewunderte er ihre harte Arbeit?

Kid 1: Vielleicht. Was denken die anderen Kinder?

Art: Gute Frage. Ihr Kinder hier im Museum, was glaubt ihr, woran diese Frau denkt? Wenn du mit ihr sprechen könntest, was würde sie dir wohl über ihr Leben erzählen?

Pablo Picasso, "Die Büglerin (La repasseuse)", Paris, 1904. Öl auf Leinwand, 116,2 x 73 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Thannhauser Collection, Schenkung, Justin K. Thannhauser 78.2514.41 © 2019 Estate of Pablo Picasso/Artists Rights Society (ARS), New York

Stellen Sie sich gemeinsam mit uns vor, wie es wäre, in dieses Gemälde hineinzugehen.

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Art: Wenn du in dieses Gemälde hineingehen könntest, wo würdest du hingehen?

Kid 1: Bis zur Spitze des Hügels auf der linken Seite, so dass ich alles sehen könnte.

Kid 2: Es wäre dir warm.

Kid 1: Woher weißt du das?

Kid 2: Es ist sehr sonnig. Die Wolken machen dabei auch keinen Unterschied. Sie sind nur kleine Wattebällchen, die im Himmel schweben. Die Sonne scheint auf den Feldweg, der ins Dorf führt.

Kid 1: Das Dorf sieht aus, als wäre es auf dem Land. Es wachsen überall Pflanzen und Bäume, und Kinder sitzen auf der Wiese.... Wo würdest du hingehen, wenn du eines der Kinder auf dem Gemälde wärst?

Kid 2: In das Haus genau in der Mitte. Im Innern sieht es dunkel und kühl aus. Am Fenster hängt ein hübscher weißer Vorhang. Ich würde dahinter sitzen und alle anderen heimlich beobachten.

Kid 1: Die Gebäude sehen alt aus, aber ich würde sagen, dass es sich um eine ganz normale Ortschaft aus dieser Zeit handelt, in der ganz normale Leute herumlaufen und sich mit ihren Freunden und Nachbarn unterhalten.

Art: Genau das ist es, was dieses Gemälde zu seiner Entstehungszeit so ungewöhnlich machte. Damals malten die Künstler in der Regel reiche, schicke Leute und schöne Orte. Alles sollte besser aussehen, als es in Wirklichkeit war. Dieses Gemälde war anders, denn der Künstler entschied sich, stattdessen die Alltagswelt zu malen.

Kid 1: Ich frage mich, warum?

Kid 2: Vielleicht gefiel ihm das.

Art: Ich glaube, du hast Recht. Er liebte diese kleine Stadt – Pontoise – und er mochte die einfachen Leute, die dort lebten. Deshalb hat er dieses sehr große Gemälde von ihnen geschaffen. Er hielt sie für genauso wichtig wie alle anderen. Der Name des Künstlers war Camille Pissarro, und er malte dieses Bild vor mehr als 150 Jahren. Es ist das älteste Kunstwerk in der Guggenheim-Sammlung.

Camille Pissarro, "Die Eremitage von Pontoise (Les coteaux de l'Hermitage, Pontoise)", ca. 1867. Öl auf Leinwand, 151,4 x 200,6 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Thannhauser Collection, Schenkung, Justin K. Thannhauser 78.2514.67

Écoutez pourquoi ces deux tableaux sont présentés ensemble.

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Kid 1: S’agit-il d’un seul tableau, ou bien de deux distincts ?

Art: Les deux. Les deux tableaux représentent la même scène, le square parisien sur lequel donnait la fenêtre de l'appartement de l’artiste Édouard Vuillard. L’œuvre était à l’origine composée de quatre panneaux, et ces deux-là correspondent aux deux panneaux extérieurs. C’est pourquoi leur jonction est imparfaite.

Kid 1: Pourquoi peindre et repeindre la même scène ? Il y a tant de choses à peindre !

Kid 2: Oui, mais les deux tableaux présentés ici sont en fait différents. Sur celui à droite, l’herbe est verte et les arbres n’ont pas de feuilles, ce qui suggère le printemps. Le tableau est plus sombre. Il y a plus de gens dans le square. C’est peut-être l’heure de la sortie de l’école, quand tout le monde s'apprête à rentrer et à préparer le dîner !

Art: Les enfants, que dire du tableau de gauche, par rapport à celui de droite ? Selon vous, représentent-ils tous les deux la même heure de la journée ? La même saison ? Prenez votre temps pour répondre. Nous avons le temps.

Kid 1: Je crois que je deviens folle. Plus je cherche les différences entre les deux tableaux, plus je leur trouve des points communs.

Art: Tu n’es pas folle. Tu as trouvé toi-même la réponse à ta question.

Kid 1: Quelle question ?

Art: Qu’est-ce qui peut pousser un artiste à peindre plusieurs fois la même scène ? Quand Vuillard regardait par sa fenêtre, il observait la manière dont les choses changeaient constamment, en fonction du moment de la journée, du temps et des saisons. Il était aussi fasciné par ce qui ne changeait pas : certaines lignes, certaines formes, certaines couleurs. Vous regardez chaque jour le paysage depuis la fenêtre de votre chambre ? Que voyez-vous ? Qu’est-ce qui change, et qu’est-ce qui reste identique tout au long de l’année ?

Édouard Vuillard, "Place Vintimille", 1909-10. Détrempe sur papier Kraft marron, marouflée sur toile, deux panneaux. Panneau de gauche : 200,1 x 70 cm ; panneau de droite : 200,2 x 70 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, collection Thannhauser, Justin K. Thannhauser, 78.2514.74. © 2018 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAPG, Paris

Écoutez la description du tableau pour en imaginer les joueurs de football.

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Kid 1: Ils sont en train de jouer au football ?

Art: C’est en fait une partie de rugby. Le premier match international de rugby a été organisé en 1908, l’année où Rousseau a peint ce tableau. La France contre l’Angleterre. Ce match a eu lieu à Paris, en France, où vivait Rousseau.

Kid 1: On ne dirait pas une scène de la réalité. L’homme sur le devant semble être immense, ou bien ce sont les arbres qui sont tout petits ?

Art: C’est ce qu’on appelle « l’échelle ». L’échelle est la taille d’un objet par rapport à un autre. Tu n’as pas l’impression qu’il y a un problème d’échelle dans ce tableau ?

Kid 1: Impossible.

Art: Quoi d’autre ?

Kid 1: C’est drôle, parce qu’il y en a plein de détails minuscules, comme chaque feuille d'arbre. Mais on ne voit rien d’autre. On dirait que le sol est parfaitement lisse. Tout a l’air presque trop parfait. C'est plat.

Kid 2: C’est mon tour ! On dirait deux paires de jumeaux et on dirait qu’ils sont en pyjama. Ils sont heureux de jouer au rugby. J’adore leurs moustaches !

Art: J’aimerais bien me laisser pousser la même.

Kid 1: L’Art. Sérieusement. Qu’est-ce qui cloche dans ce tableau ?

Art: Vous n’avez pas besoin que je vous explique. Vous avez presque tout vu par vous-mêmes.

Kid 1: Expliquez-nous quelque chose, quand même !

Art: Je vais vous dire ce que les gens pensaient des tableaux de Rousseau à l’époque. Ce peintre n’a pas appris à peindre dans une école de beaux-arts. Il a appris tout seul, donc son style est original et excentrique. Du vivant de Rousseau, les critiques le décrivaient comme un très mauvais peintre, exactement pour les raisons que vous avez citées : l’échelle, et l’absence de reliefs dans ses tableaux.

Mais beaucoup d’artistes l’adoraient. Rousseau avait le courage de représenter les choses sous un angle différent et de peindre à sa manière. Les autres artistes l’admiraient pour cela.

Kid 1: Ça devait être quelqu’un de chouette !

Henri Rousseau, "Les Joueurs de football", 1908. Huile sur toile. 100,3 x 81,1 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, 60.1583.

Écoutez la description pour imaginer la femme de ce tableau.

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Kid 2: Oh la la, elle a l’air fatigué, on dirait qu’elle a repassé pendant des heures.

Kid 1: On dirait qu’il n’y a pas un bruit dans la pièce. Elle semble très concentrée.

Kid 2: Elle a l’air triste.

Kid 1: Ou bien, peut-être qu’elle pense à autre chose ? C’est difficile à dire. On ne voit pas vraiment ses yeux.

Kid 2: Il faudrait un peu d’orange ou de rose dans ce tableau, quelque chose pour l’égayer un peu.

Art: Il faut savoir que cet artiste, Pablo Picasso, a eu une période pendant laquelle il utilisait énormément de bleu. Il a presque tout peint en bleu pendant quatre ans.

Kid 1: Pourquoi ?

Art: Il se servait de cette couleur pour retranscrire des émotions. Fermez les yeux et imaginez ce tableau peint dans une autre couleur. Qu’est-ce qui serait différent ?

Kid 1: OK, en rouge, elle aurait l’air moins triste et plus... en colère. Mais elle serait toujours fatiguée.

Art: Et bien, essaie de te tenir comme elle, la tête et les épaules courbées pour appuyer sur un fer à repasser. Vas-y, essaie. Essayons tous. Tant pis si les gens vous regardent bizarrement. Prenons le temps. Vous voyez ce que je veux dire ? Les angles de son corps, la manière dont elle est courbée sur son travail. Cela en dit beaucoup sur elle.

Kid 2: Je me demande de qui il peut s’agir...

Kid 1: Et pourquoi Picasso a-t-il choisi de peindre une personne en train de repasser ?

Kid 2: Elle était peut-être son amie ?

Art: Il s’agit probablement d’un assemblage de plusieurs femmes que Picasso connaissait. Comme il était très pauvre à l’époque où il a peint ce tableau, il a choisi de représenter des personnes ordinaires du quotidien. Certaines personnes de son entourage ne mangeaient pas à leur faim et avaient du mal à joindre les deux bouts.

Kid 2: On voit qu’elle se donne beaucoup de mal. Elle semble à bout de force.

Art: C’est peut-être pour ça qu’il l’a peinte. Il admirait peut-être ses efforts.

Kid 1: Peut-être. Qu’en pensez-vous, les autres ?

Art: Bonne question. Vous, les enfants qui visitez ce musée, la femme du tableau réfléchit à quoi, selon vous ? Si elle pouvait vous parler, elle raconterait quoi de sa vie ?

Pablo Picasso, "La Repasseuse", Paris, 1904. Huile sur toile, 116,2 x 73 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, collection Thannhauser, don de Justin K. Thannhauser, 78.2514.41 © 2019 Ayants droit de Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Vous allez pouvoir imaginer que vous pénétrez dans ce tableau.

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Art: Si vous pouviez entrer dans ce tableau, où iriez-vous ?

Kid 1: Tout droit vers le sommet de la colline à gauche, pour voir tout le panorama.

Kid 2: Tu aurais chaud.

Kid 1: Comment tu sais ?

Kid 2: C'est très ensoleillé ! Et ce ne sont pas ces nuages qui vont rafraîchir l’air. Ce ne sont que des petits moutons flottant dans le ciel. Le chemin de terre qui traverse le village est en plein soleil.

Kid 1: On dirait un village de campagne. On voit des plantes et des arbres partout, et des enfants assis dans l’herbe. Hé, tu irais où, toi, si tu étais l’un des enfants de ce tableau ?

Kid 2: Dans cette maison au milieu. Elle a l’air sombre. Il doit y faire frais. J’aime le joli rideau blanc à la fenêtre. Je m'assiérais derrière pour espionner les gens.

Kid 1: Les bâtiments ont l’air vieux, mais je dirais que c’est un village typique de l’époque, avec des gens ordinaires qui se promènent et discutent avec leurs amis et voisins.

Art: C’était exactement là l’originalité de ce tableau quand il a été créé. À l’époque, les artistes peignaient des personnes riches et sophistiquées, ou encore des endroits magnifiques. Dans un tableau, tout était censé être plus beau que dans la réalité. Mais ce tableau est différent parce que l’artiste a choisi de peindre une scène de la vie de tous les jours.

Kid 1: Je me demande pourquoi.

Kid 2: Peut-être que c’est ce qu’il aimait !

Art: Je crois que tu as raison. Il était amoureux du petit village de Pontoise et de la simplicité de ses habitants. C’est pourquoi il en a fait un si grand tableau. Il pensait qu'ils étaient tout aussi importance que n'importe qui d'autre. L’auteur de ce tableau, peint il y a plus de 150 ans, s'appelle Camille Pissarro. C’est la plus ancienne œuvre de la collection Guggenheim.

Camille Pissarro, "Les côteaux de l’Hermitage," Pontoise, vers 1867. Huile sur toile, 151,4 x 200,6 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York, collection Thannhauser, don de Justin K. Thannhauser, 78.2514.67

尼克和娜奥米讨论《音服》(Soundsuit)。本楼层展出的这一系列作品展示了凯夫对未来的乐观。

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Naomi Beckwith: 展览的“将来”部分展现会令未来有所不同的作品。在这个展区，您将看到尼克的《音服》和他的巨型作品《圆画》，这些作品带来的问题是，我们正在建设怎样的未来？我们需要成为怎样的人，甚至是怎样的生物，才能带来一个更平等、公平和公正的未来？

Nick Cave: 我制作《音服》已有30年了，这让我感到难过：三十年来，我一直在谈论和面对的暴力事件不断地重复上演。

最初的一件《音服》制于92年，是对罗德尼·金被殴打的回应。当时，我身为一名年轻黑人男性，挣扎反思那一时刻，因为那是我们第一次在视频中捕捉到这种暴力。那是一个反思现实的关键时刻。

所以我制作了这件作品作为回应。作品基于我在媒体上所读到的内容：他们如何描述他的形象、他的性格。我尝试想象，那是怎样的？与此同时，我在思考我作为一名年轻黑人男性的身份，以及我从小对自己的信念：我是真诚和独特的，我的精神和存在都是非凡的。我试图在这两个时刻中找到平衡。

我在公园里看到地上的一根树枝，一种被丢弃、被忽视、令人不屑一顾的物体。我开始收集这些材料，然后回家开始制作这件作品。当时我没想到可以穿上它。

但后来，我试着穿上它的那一刻，我觉得受到了保护。我觉得那是针对外界的保护伞。然而，当我移动时，它又会发出声音。我意识到，我要通过抗议的形式进行表达。这就是我制作这些雕塑的初衷。

Naomi Beckwith: 设想一种持续处于暴力状态的现状，真是令人畏惧。但同时，我认为必须谨记，一个人的生命不会完全被创伤和屈辱所吞噬。只要活着，就会有梦想，也会有幻想。那么，一个人仍然可以在一个充满欢乐和庆祝的时空中。实际上，那与充满暴力的生活环境并没有区别。其实是相同的处境。

Nick Cave: 我们必须想办法重新站起来；要把握机遇，继承传统并勇于面对现状。

因此，尽管困难重重，我仍然会心怀梦想，想象未来的世界。

尼克和娜奥米讨论《晕船》(Sea Sick) 和《胳膊和平》(Arm Peace)。本楼层展出的这两件作品描绘了凯夫对创伤的反思, 和对我们当前共同承受的希望。

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Naomi Beckwith: “现在”着眼于当前的世界。我们现在的生活条件如何？暴力和创伤的状况如何？但同时，我们也展望希望和集体行动的可能性。

Nick Cave: 我的每件作品中，总有一样触发作品整体构建方式的物品。在《晕船》中，画框组成的架子上有一个陶瓷头像。这个有盖容器是一名黑人男性的形象，当我读到这件物品的描述时，上面写着“痰盂”。我很生气这件物品被这样对待。然后，我开始思考种族主义如何转移到消费主义和产品中。

于是我用了一双金色的祈祷之手。它们在《晕船》中的位置刚好是捂住头像的耳朵，阻隔噪音、痛苦、愤怒。最上面是一艘金光闪闪的船，把作品拉到我们现在所处的时刻。它被我在旧货店找到的这些以船为主题的绘画所包围。我们需要重新掌握和重新定位我们如何参与、体验和谈论这通往自由世界的旅程。一切都是可以质疑的，因为这些物品被重新配置，我要重新拟定它们今天所扮演的角色。所以，对我来说，这不是昨天。这绝对是今天。

当我看着这件作品时，我开始考虑到社区推广；毕竟我只是一个载体。我觉得，我被选中来完成这些任务。我有工作要做。我是很多人的代言人。我希望能够通过庆祝的方式来欣赏和尊重我们之间的不同之处。

我认为《胳膊和平》这件作品体现了这一点。我们如何在和平赠礼中平等面对彼此？我能带来什么样的赠礼？给予的姿态是什么样的？接受的姿态是什么样的？

我可以站在这里，您可以站在那里，我们可以在这个时刻共处；这个时刻，这就是我想要谈论的。

尼克和娜奥米讨论《一次又一次》(Time and Again) 和《TM13》(TM13)。本楼层展出的这两件作品来自凯夫过去的经历和早期的艺术实践。

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Naomi Beckwith: “过去”着眼于尼克作品的根源，追溯他早期作为一个装置艺术家、雕塑家，以及半农村的出身的背景。这部分展览还会揭示他如何巧妙、有力且明智地利用身边的材料；这是他从家人和在密苏里州的生活中学到的智慧。

Nick Cave: 我的祖父已经去世，他是我生命中非常重要的人物，对我的祖母也意义重大。他们是创造者：制作被子、家具、物品。我记得小时候看到工具墙，并且意识到这些东西是用来创造其他东西的，这对我是非常重要的启蒙，因为我如今正在以完全不同的方式来继承那种传统。

对于我来说，《一次又一次》这件作品的理念是服务和奉献；他们是农民，他们耕种田地，然后为社区提供蔬菜。因此，我将地上的犁刀片视为精神食粮的托盘。这件作品带有供奉的感觉，有神圣的意味。

《TM13》是我对特雷冯·马丁被杀的回应；标题来自当时的年份和他的姓名的首字母。在那段时期，发生了很多涉及警察和黑人的事件。特雷冯还那么年轻，我想到他在去世后也随之失去的一切。所以，这个人物被吹塑模具材料包裹着，这些形状展示了各种节日。您会看到一个圣诞老人。您会看到一只戴着面具的小熊拿着一个万圣节篮子。您会看到头部有一个圣母玛利亚的形象。这个形象的背后有一位天使。这些都是会被遗忘、失去的时刻。

整个人物被一个马珠串成的网状结构覆盖着。我的目的是试图掩盖他，试图包裹他的身体，保留他的精神，将他变成木乃伊来保护他。

起初这件作品是放在地面上进行创作，但我必须抬起它才能完成底部。我意识到那一刻很重要：我不再是俯视着他，而是抬头仰望。也是向他的生命致敬。

正是雕塑底部的运动鞋促成这一都市事件在时间中定格。有趣的是，它在展览的“过去”部分。这件作品所在位置背后的意义不言而喻，因为明天，我们也可以把它放在“将来”展区。我们不知道明天会发生什么。

请听尼克·凯夫和娜奥米·贝克维斯讨论凯夫的艺术实践和展览主题。

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Naomi Beckwith: 欢迎您来参观《长忆殊途人》：杰出艺术家尼克·凯夫30年创作的回顾展。我叫娜奥米·贝克维斯。我是所罗门·R·古根海姆博物馆和基金会副馆长，兼珍妮弗和大卫·斯托克曼首席策展人。

Nick Cave: 我是尼克·凯夫，艺术家。

这次展览体现了我的志趣，我一直追求将艺术作为治愈、原谅的载体，克服日复一日的欺压和攻击对黑人造成的创伤。

Naomi Beckwith: 在展览中，您会看到讨论暴力、不公正和创伤的作品，许多人都面临这些问题，尤其是穷人、黑人、酷儿。但您也会看到一种熠熠生辉的坚持；我们不必局限于那些困境。

Nick Cave: 美丽、装饰、点缀一直是我的反抗方法。这是我的抵抗措施。它为作品的阴暗面注入力量。它很神圣。但它代表希望和乐观。

我意识到，无论是此刻还是我之前的创作生涯，一直都是为了他人。对我来说，《长忆殊途人》是如此宏大，比我这个个体重要得多。它是我们通过共同体验相会的一种方式。它是一种治愈。