Treffpunkt Klassik

„Primavera“ („Frühling“), heißt ein Stück des Komponisten und Pianisten Ludovico Einaudi.

Ein liegender Streicherteppich, dazu ein paar gebrochene Akkorde am Klavier. Alles schön harmonisch. An diesem musikalischen Setting ändert sich erst einmal nichts. Erst nach und nach verändern sich die Klavierfigurationen leicht, die Streicher folgen.

Neoklassik: Eine umstrittene Musikrichtung

Für manche ist das Musik zum Einschlafen, für andere ideal zum Stressabbau. Doch vor allem Klassik-Puristen bekommen beim Hören dieser Klänge erst richtig Stress. Neoklassik heißt diese durchaus umstrittene Musikrichtung.

Ludovico Einaudi ist einer der ganz Großen in diesem Geschäft. Ja, es geht hier auch ums Geschäft: Einaudis Album „Divenire“ verkauft sich zig Mal besser als ein „normales“ Klassikalbum. Und auch ein Komponist wie Max Richter ist längst fest im Neoklassik-Business verankert.

„On the Nature of Daylight“ („Über die Natur des Tageslichts“) heißt ein Stück von Max Richter aus dem Jahr 2004. Ein Streichorchester spielt einfach nur traurige Akkorde.

Klingt wie ein Loop, also eine Wiederholung in Schleife, wie man es aus der Popmusik kennt. Nur dass Richter hier eben klassische Musikinstrumente verwendet.

Suhlen im Wohlklang?

Millionen Menschen weltweit hören diese Musik vor allem über Streaming-Plattformen im Internet. Geht es da ums Suhlen im Wohlklang? Oder wollen die Komponisten der herkömmlichen Kunstmusik-Avantgarde eins auswischen?

Ein präpariertes Klavier, ein paar jazzhafte Improvisationen und ein minimalistisches Klangbild: „4:33 (A Tribute to John Cage)“ heißt ein Stück des Berliner Musikers Nils Frahm. Hier bezieht er sich auf ein berühmtes Werk von John Cage.

Abgrenzung von der elitären Klassik

Auch Frahm ist einer der ganz Großen der deutschen Neoklassik-Szene. Wie viele seiner Kolleginnen und Kollegen will auch er von der Schublade „Neoklassik“ nichts wissen.

Der Begriff ist ja auch problematisch: „Klassik“ ist für die meisten schließlich immer etwas Herausragendes, Elitäres. Aber genau das wollen die Stars der Neoklassik eben nicht. Sie musizieren lieber bewusst weiter zwischen vielen, sehr unterschiedlichen musikalischen Stilen.

Der Neoklassik-Klangmix erweitert sich

„Only The Winds“ („Nur die Winde“) heißt ein Stück des Isländers Ólafur Arnalds. In der Frühzeit der Neoklassik, Ende der 1990er- bis Anfang der 2000er-Jahre, haben die Komponistinnen und Komponisten meist ausschließlich akustische Instrumente benutzt.

Inzwischen hat es sich geändert: Elektronische Sounds im Stil der Ambient-Musik und exotische Instrumente bereichern den Klangmix. So etwa bei dem Komponisten und Pianisten Volker Bertelmann, besser bekannt unter seinem Künstlernamen Hauschka.

Der „Neoklassiker“ Hauschka: typische Biografie

Hauschkas Biografie ist in gewisser Weise typisch für einen „Neoklassiker“: abgebrochenes BWL- und Medizinstudium, Gründung einer Hip-Hop-Formation mit seinen Brüdern in den frühen 1990er-Jahren, Auftritte als Pianist, Beschäftigung mit dem Werk des Minimalisten John Cage.

Als Komponist wird er einem breiten Publikum vor allem durch seine Filmmusiken bekannt. Auch bei ihm gilt: Schräge Harmonien oder komplexe Rhythmen sucht man in seiner Musik vergeblich.

Es herrschen ausgewogene Proportionen und ein gleichbleibender Rhythmus. Ein tänzerischer Dreier im Walzer-Style ist in der Neoklassik schon die große Ausnahme, wie bei Nils Frahm.

Auch das gehört zur Neoklassik: Nebengeräusche des Instruments und des Spielers oder der Spielerin. Sie werden zum wichtigen Bestandteil der Komposition. „Musique concrète“ hat man diese Stilrichtung mal in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts genannt.

Rückgriff auf idealisierte Vergangenheit

Und es gab in Europa schon einmal so etwas wie Neoklassik: den Neoklassizismus zwischen den Weltkriegen. Komponisten wie Igor Strawinsky haben damals tief in die Vergangenheit hineingelauscht und barocke Formen und Formeln für sich neu entdeckt und mit zeitgenössischen Elementen kombiniert. Etwa in Strawinskys „Pulcinella-Suite“.

Klar: Neoklassizismus klingt anders als Neoklassik. Aber beide haben etwas gemeinsam, was wir heute gerne „Retro“ nennen: den Rückgriff auf eine vielleicht etwas idealisierte Vergangenheit.

Neoklassik: Erfüllt viele Bedürfnisse

Generell scheint mir, dass unter dem etwas zu einfachen Label Neoklassik einiges zusammenkommt: das Bedürfnis nach etwas Vertrautem, die Sehnsucht nach Entspannung und Entschleunigung und vielleicht auch der Wunsch zur Neubelebung der angestaubten Klassik-Szene.

Ob einem die sanft plätschernden Klangkaskaden nun gefallen oder nicht: Neoklassik scheint jedenfalls den Nerv unserer hektischen und polarisierten Zeit zu treffen. Und wie so oft in der Musikgeschichte: auch hier wird sich irgendwann die Spreu vom Weizen trennen.

Lobeshymnen aus berühmtem Munde können zur Bürde werden für jene, die so in den siebten Himmel gehoben werden. Pianist Alfred Brendel etwa zählt zu den Urhebern einer solchen Laudatio: Kit Armstrong sei „die größte musikalische Begabung, der ich in meinem Leben begegnet bin.“

Dabei wollte Armstrong vor allem eines nicht sein: ein Wunderkind. Doch genau mit diesem Begriff ist nun ein Buch betitelt, das am 29. Februar über den gebürtigen Amerikaner erscheint.

Beim Takeover-Festival im Festspielhaus Baden-Baden 2024 hatten Teilnehmende eines Workshops die Gelegenheit, mit Kai Schumacher die Geheimnisse eines Konzertflügels zu erkunden.

Schumacher ist ein Grenzgänger der Genres. Einerseits hat er sich auf amerikanische Klaviermusik des 20. und 21. Jahrhunderts spezialisiert, andererseits komponiert er eigene Stücke – oder muss man sagen: „Tracks“?

„Brahms war unsere erste Liebe“, sagt Adrien Jurkovic, der 1. Geiger des Quatuor Agate. Das französische Streichquartett veröffentlicht in diesem Monat sein Debüt-Album – mit den Streichquartetten von Johannes Brahms.

Im Gespräch mit SWR2 erzählt Jurkovic, wie das junge Ensemble während seines Studiums in Berlin die deutsche Musiksprache kennenlernte und welche Erfahrungen es beim Heidelberger Streichquartettfest 2024 machte.

Quatuor Agate spielt Brahms' Streichquartett B-Dur op. 67

Das Abschlusskonzerts des Heidelberger Streichquartettfests im SWR2 Abendkonzert

„Diese Klänge sind unser Archiv!“

Nduduzo Makhathi sitzt mit knallrotem Filzhut und schwarzer Lederjacke am Klavier, improvisiert, kommuniziert mit seiner Band. Und immer wieder scheint es, als horche er den Signalen seines eigenen Spiels nach. Auch Gesang gehört für ihn dazu, in Zulu mit den charakteristischen Klicklauten.

Es geht da um viel mehr als einen aufregenden Klang, sagt Makhathini: „Diese Klänge gehören zu den ältesten Techniken unserer Vorfahren. Sie haben sie benutzt, um eine Richtung zu finden und um Information und Geschichte zu speichern. Diese Klänge sind unser Archiv!“

Nduduzo Makhathini: „Amathambo“ (2018)

Mit 17 findet er den Weg zum Jazz

In Makhathinis Spiel pulsiert mindestens so viel, afrikanisches Bewusstsein wie Jazz. Erst mit 17 Jahren hat er den Jazz als Musik-Sprache für sich erschlossen, später auch Jazz studiert. Die späte Entdeckung war kein Problem, im Gegenteil: Sie war ein Segen. 

„Ich war einfach ganz lange durchdrungen von den traditionellen Klängen. Musikalisches Repertoire war für mich eine Möglichkeit, kosmische Phänomene wahrzunehmen“, erklärt der Musiker.

Nduduzo Makhathini verbindet unterschiedlichste Sphären: Mal schimmern hymnische Akkordfolgen im Stil seines Vorgängers Dollar Brand durch, mal Strukturen, die auf Zulugesänge zurückgehen. Makhathini verwendet Zentraltöne, dann wieder bricht er in atonale Bereiche ohne Puls aus und landet in entrückten Passagen, die an John Coltrane erinnern. Vor allem fällt eines auf: Makhathini spielt all das mit einem gewinnenden Lächeln.

Spiritualität vor Musik

Das scheint in der Familie zu liegen. Es sei genau dasselbe Lächeln wie bei seiner Großmutter väterlicherseits, so Makhathini. „Es braucht Glückseligkeit, die deinen eigenen Körper durchdringt. Und dann erreichst du jeden damit. Der Körper animiert sich und drückt damit Humanität aus. Es ist eine kraftvolle Sache!“ 

Makhathini spricht im Grunde wenig über Musik, über Strukturen, über Vorbilder, aber viel über deren heilende Kraft. Seine Großmutter hat ihm schon als Kind Heilkräfte attestiert. Später wurde er zum traditionellen Heiler ausgebildet – und dann erst zum Jazzmusiker.

Darin liegt der Unterschied: Während Generationen von Jazzern ausgehend von ihrer Musik Spiritualität gesucht haben, war für Makhathini die Spiritualität der Ausgangspunkt und fand dann zu einer kraftvollen, energiegeladenen Musik. Nur darum geht es beim Heilen: um Energie.

Für Makhathini ist Jazz mehr afrikanisch als amerikanisch

„Ganz oft denken die Leute: ‚Ah, er ist ein Heiler, also wird er mich heilen.‘ Aber es geht vielmehr darum, dass er einen Raum öffnet für eine Anmut, die die Kraft hat, die gebrochenen Teile unserer Seele, unserer Körper wiederaufzuladen“, sagt Makhathini, „und Musik hat die Fähigkeit, den Geist der Menschen zu harmonisieren. Das ist der Grund, weshalb es mit Musik leichter ist zu heilen.“

Mit diesem Wissen ist Makhathini überzeugt: Die Geschichte des Jazz muss neu gedacht werden. Sie ist keine Erfindung der Amerikaner. Für ihn ist klar, wo der Jazz herkommt, aus Afrika nämlich.

Sprechen wir nur von amerikanischem Jazz, fürchte ich, dass wir der Geschichte Unrecht tun.

„Wir erkennen an, dass sich Jazz von Amerika aus manifestiert hat. Aber wir können nicht den transatlantischen Sklavenhandel ignorieren und von wo die Leute stammen“, erklärt Nduduzo Makhathini. „Wenn wir also von afrikanisch-amerikanischem Jazz sprechen, dann verorten wir wenigstens, wo die Menschen herkamen, als der Jazz entstand.“

Weg vom Eurozentrismus

Es ist die Arroganz des Westens, sich als Zentrum der Welt zu betrachten und die eigenen Werte als „universell“ zu definieren. Makhathini setzt dem das Konzept des „Pluriversalismus“ entgegen. Weg vom Eurozentrismus, weg von der Hierarchie, weg von der Hegemonie.

Nduduzo Makhathini plädiert für die gleichberechtigte Koexistenz der verschiedenen Kulturen: „Das bedeutet vor allem, jedem Ort seinen eigenen Weg zuzugestehen, sein eigenes Wissen, seine eigene Religion, seine eigenen Konzepte. Das steckt hinter der Idee dessen, was wir Pluriversalismus nennen“, erklärt der Musiker. „Was könnte das Zusammenschalten dieser Kräfte alles bewirken? Diese Idee finde ich unglaublich spannend.“

Operntenor Cyrille Dubois wagt sich an die „Winterreise“

Schon wieder eine neue „Winterreise“!  Diesmal mit einem Tenor, dem Operntenor Cyrille Dubois. Er ist eines dieser seltenen Exemplare, die über Leuchtkraft und Leichtigkeit eines „tenore di grazia“ verfügen.

Es gab nie viele davon. Alfredo Kraus war so ein „tenore di grazia“, Juan-Diego Florez passt in dieses Belcanto-Fach. Aber die beiden hätten sich niemals an das Allerheiligste deutscher Liedkunst gewagt. Cyrille Dubois dagegen singt Schubert – lupenrein und glasklar 

So klangschön, so jung und schnell bricht dieser Winterreisende auf, dass auf seinem „Weg, gehüllt in Schnee“ schier das Eis schmilzt.

Aussdrucksstark und beinahe akzentfrei

Cyrille Dubois singt beinahe akzentfrei. Nur bei wenigen Winzigkeiten, dem weichen „t“ in „gehüllt“ zum Beispiel, könnte man denken, dass er kein Muttersprachler ist.

Allerdings hat Dubois schon vor dieser  „Winterreise“ von Franz Schubert, nach Texten von Wilhelm Müller, Erfahrungen gesammelt mit deutschem Repertoire. Vor Jahren hatte er bereits Lieder von Franz Liszt aufgenommen, hauptsächlich deutschsprachige. Ein hoch gelobtes Album!

Sein individuelles Timbre fiel auf, seine Bardenstimme. Und seine Dynamik. Auch diesmal wieder, bei Schubert, ist die Vielfalt des Ausdrucks bei Dubois außergewöhnlich.    

Power und Schelz der Belcanto-Stimme

Dubois dringt tief ein in die für das Lied so wichtige Verschmelzung von Text und Musik. Fließende Veränderungen der Gestalt, der Akzente und Farben. Mit der Krähe spricht er intim, fast wie mit sich selbst und aus dem Sprechgesang wächst der Ton wie von selbst ins scharf pointierte Forte hinüber.

Dubois setzt sogar Power und Schmelz seiner Belcanto-Stimme ein, wenn ihm die romantischen Todes-Metaphern so etwas abverlangen wie Emphase oder Spott oder Zorn.

Anders als andere Schubertsänger heutzutage setzt Cyrille keine Triller, Doppelschläge und andere historisch beglaubigte Verzierungen ein. Doch er singt, wie im Belcanto der Schubertzeit üblich, auch Portamenti.

Eine Aufnahme wie eine kleine Oper

Und er gestaltet die Handlung der „Winterreise“ wie eine kleine Oper, mit Ariosi und Rezitativen. Auch der Stillstand der „Reise“, gemeinsam mit der Pianistin Anne Le Bozec, gespiegelt, in langen Fermaten. Die beiden nehmen sich Zeit, für Rückblick und Erinnerung.

Anne Le Bosec nutzt das Pedal, sie spielt einen Steinway. Sie ist eine gefragte Liedpianistin und Dirigentin, Professorin in Paris, hat auch in Deutschland gelernt und gelehrt. 

In Okzitanien, irgendwo auf dem Lande, leitet Le Bosec ein feines, kleines Kammermusikfestival. Und hier, in La Grange de Mels nahe Aubrac, ist während der Pandemie diese Aufnahme entstanden, abgeschieden von der Welt. Auch das hört man.

Cyrille Dubois bietet eine ergreifende Lesart

Viele große Tenöre haben diese 24 schauerlichen Lieder schon gesungen. Diese neue Einspielung, mit einem französischen „ténor de grâce“ hat einen ganz besonderen Reiz.

Die sehr helle, leidenschaftliche Lesart von Cyrille Dubois vermittelt den vormärzlichen Eindruck, dass sich hier ein noch junger, zorniger Mensch von der Gesellschaft entfernt. Eine ergreifende Lesart. Muss man gehört haben.

„Ich agiere immer mit den Hörenden auf Augenhöhe“, sagt der Komponist Martin Kohlstedt. Schon die Begriffe Pianist und Neoklassik schaffen für ihn Grenzen in den Köpfen. Beim Takeover-Festival im Festspielhaus Baden-Baden möchte Kohlstedt aber frei von diesen sein.

Was kann sich die klassische Konzertszene davon abschauen? „Musik walten lassen“ ist ein Leitspruch von Kohlstedt, den er Ulla Zierau im Gespräch näher erläutert.

YouTube-Video: Martin Kohlstedt und der GewandhausChor

Wenn von den großen Pionieren des Klavierspiels die Rede ist, denkt man an Chopin und Liszt, an Debussy und Skrjabin. Der Spanier Enrique Granados gehört aber auch in diese Reihe.

Seine „Goyescas“, die er 1911 vollendete, bereichern die Tastenkunst mit iberischem Kolorit. Und dann braucht man für die Interpretation auch noch eine lässige Nonchalance. Das Urteil von SWR2-Musikkritikerin Susanne Stähr: „Ein Triumph des Klavierspiels.“

Zwei herausragende und angesagte Musiker des polnischen Jazz haben das Album „Passacaglia“ realisiert, das am 26. Januar erschienen ist: Geiger Adam Bałdych und Pianist Leszek Możdżer. Eine gute Gelegenheit, einen Blick in die polnische Jazz-Szene zu werfen.

YouTube-Video: „Passacaglia“

Konzerterlebnisse als Versuchsreihe

Kammermusik von Brett Dean. Fünf Streicher spielen auf der Bühne, das Publikum sitzt im Zuschauerraum, still und konzentriert. Es ist ein klassisches Konzert wie man es kennt. Mit einem Unterschied: Alle Besucher sind verkabelt, Monitore und Infrarotkameras zeichnen auf, wie die freiwilligen Versuchsteilnehmer im Radialsystem in Berlin das Konzert erleben.

Gemessen werden Körperbewegungen, Mimik, Herzschlag, Puls und Atemfrequenz. Forscher vom Max-Planck-Institut für empirische Ästhetik Frankfurt und Universitäten in Friedrichshafen, Bern und York können später daraus ablesen, wie sich während des Konzerts der Herzschlag von Besuchern mit dem Herzschlag anderer Besucher synchronisiert. 

Musikwissenschaftler, Kultursoziologen, Ingenieure und IT-Spezialisten forschen gemeinsam

Rund 800 Konzertbesucher in elf Live-Konzerten an zwei Berliner Konzerthäusern haben an dem Projekt des interdisziplinären Forscherteams aus Musikwissenschaftlern, Kultursoziologen, Konzertdesignern, Ingenieuren und IT-Spezialisten teilgenommen.

Wissen wollten die Forscher, ob klassische Musik anders wahrgenommen wird, wenn sich die Rahmenbedingungen verändern. Wie beeinflusst eine Konzerteinführung, ein Programmhefttext, eine Licht- oder Videoinstallation das Musikerleben? Man glaubt es kaum: Die verschiedenen Settings haben kaum messbare Effekte auf das Musikerleben der Teilnehmer. Das überraschte und wurde von den Teilnehmenden des Symposiums in Friedrichhafen kontrovers diskutiert.

Ganz handfest ließen sich anhand der Forschung außerdem vier verschiedene Typen von Konzertbesuchern unterscheiden: Musikenthusiasten, Konzertbegleiter, Social-Event-Besucher und Musikliebhaber. Ergebnisse, die der Konzertdesigner und Künstlerische Leiter des Forschungsprojekts, Folkert Uhde für seine künftige Arbeit hilfreich findet: „Das finde ich sehr inspirierend, dass man vielleicht aufhören sollte zu denken, das Publikum ist eine homogene Masse, alle sind gleich interessiert und gleich aufmerksam. Schön, das wissenschaftlich sortiert zu bekommen.“

Emotionaler Bezug als neues Konzept für Konzertformate

Wer sich hierfür kreative Ideen holen wollte, wurde beim Symposium in Friedrichshafen fündig. Vorgestellt wurden aus der Konzertpraxis Formate, wie etwa klassische Musik über erzählte Geschichten näher mit dem Leben und Erleben von Konzertbesuchern verbunden werden kann. Stichwort Storytelling.

Hier beeindruckte eine Kooperation zwischen der Universität Maastricht und der Philharmonie Zuidnederland. Der Ort ist ein altes Fabrikgebäude, Sofas und Tische stehen fürs Publikum bereit, Musiker sprechen über Musik, die für sie persönlich im Leben besonders wichtig gewesen ist und spielen anschließend dieses Werk, das durch ihre persönliche Erzählung besonders berührt.

Oder die Montforter Zwischentöne in Feldkirch. Unter dem Motto „Über das Beginnen“ wurden Menschen im Vorfeld des Festivals nach dem Moment befragt, wann sie sich in ihren Partner, ihre Partnerin verliebt haben. Während des Konzerts wurden sie mit ihren Antworten in kurzen Videoclips zugespielt, während Musiker dazu barocke Liebeslieder spielten.

Künstliche Intelligenz hilft bei der Visualisierung von Emotionen

Um Nähe und Beziehung zum Publikum geht es auch der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz. Intendant Beat Fehlmann stellte beim Symposium in Friedrichshafen das digitale Projekt „ViaVisuals“ vor. Eine Software erfasst über die Kameras von Laptops und Tablets biometrische Daten von Zuschauenden und Dirigent. Künstliche Intelligenz verwandelt diese Daten in ein digitales Gemälde aus Farben und Formen.

„Da ging es um die Visualisierung von Emotionen: von den eigenen Emotionen und Emotionen der anderen Zusehenden und Emotionen unseres Chefdirigenten“, erklärt Fehlmann. „Und das visualisiert zu bekommen ist natürlich erst mal eine unglaubliche Rechenleistung, weil das in Echtzeit passiert. Aber auf der anderen Seite führt es ja auch dazu, dass ich mir meiner Emotionen bewusst werden kann. Ich sehe plötzlich durch diese Übersetzung in eine Visualisierung, was quasi in mir drin passiert.“

Beim Streaming fehlt Gemeinschaft, aber auch der Stress des Umfelds

Spätestens seit die Corona-Pandemie schauen sich sehr viel mehr Menschen als vorher Konzerte digital zuhause an. Mit der Studie „Digital Concert Research“ hat das Forscherteam untersucht, welchen Unterschied es macht, wenn ausgewählte Versuchspersonen das Kammerkonzert im Berliner Radial-System nicht live, sondern als Stream am Computer erlebten. 

Ergebnis: Wenn es um das gemeinsame soziale Erleben ging, wurde das Live-Konzert wenig überraschend deutlich besser bewertet als das gestreamte Konzert. Am digitalen Format schätzten Teilnehmende dagegen, dass sie die Uhrzeit frei wählen konnten, es keinen Dresscode gab und sie nicht von raschelndem Bonbonpapier des Sitznachbarn gestört wurden.

Für Melanie Wald-Fuhrmann, Direktorin der Musikabteilung am Max-Planck-Institut für empirische Ästhetik in Frankfurt am Main, sollten die Potentiale neuer Konzertformate künftig stärker in den Blick genommen und das traditionelle klassische Konzert an heutige Bedürfnisse und Gewohnheiten angepasst werden.

„Das Konzertformat ist entstanden zu einer Zeit, da konnte man große sinfonische Musik nur live hören, weil es keine Tonaufzeichnungen gab. Das heißt, man wollte damals mit diesen Verhaltenskonventionen etwas erzeugen, was wir heute besser erleben können, wenn wir uns zu Hause die Musik anmachen“, so Wald-Fuhrmann. „Wenn ich ohne die Störung von anderen intensiv Musik hören will, dann muss ich nicht ins Konzert gehen dazu. Und deswegen stellt sich für mich die Frage: Was kann das Konzert aufgrund seiner Eigenschaften, was vielleicht Musikhören von CDs so nicht kann oder ein Low-Quality-Stream, und das dann ein bisschen mehr in den Vordergrund bringen?“