Treffpunkt Klassik

Trans-traditionelle Avantgarde-Musik ist eine Wortkombination, die man nicht allzu oft sieht. Dahinter verbirgt sich die Vernetzung verschiedenster Musikensembles, die europäische und außereuropäische Musik verbinden. Ketan Bhatti vom Trickster Orchestra erzählt, wie das funktioniert und was man beim Konzert am 23.02.2024 in Ludwigshafen erwarten kann.

Im Verlag Königshausen-Neumann ist vergangenes Jahr ein Buch erschienen, das die europäische Musikgeschichte kritisch nacherzählen will: „Vom Sinn der Klänge“ von Klaus Peter Richter bleibt dabei allerdings ein Loblied auf die Grandiosität der klassischen europäischen Musik.

Beethoven mit einem ganz unaufdringlichen Radulović

Ah, Beethoven! Das Violinkonzert. Diese Paukenschläge zu Beginn, dann das Thema mit Oboen, Klarinetten, Fagotten. So schön, so oft schon gehört. Sehr behutsam phrasiert klingt das hier, sauber ausformuliert.

Und endlich, nach drei Minuten, tritt der Protagonist auf den Plan. Das tut er nicht etwa mit Pauken und Trompeten. Sondern ganz leise und behutsam. Anders als viele andere Geiger. Gestatten: Nemanja Radulović.

Beethoven mit Geschmack und Eigenart

Kompliment! Das hat Idee, Geschmack und Eigenart. Radulović, der auf den Konzertbühnen mit Vivaldis „Vier Jahreszeiten“ als exzentrischer junger Wilder bejubelt wurde, drängt sich hier überhaupt nicht auf.

Ja, er wagt Extremes, aber er begründet jede gestalterische Entscheidung aus der Musik heraus. Und sucht mit feinem Ton nach der Geschichte hinter den Klängen.

Das Violinkonzert überzeugt mehr als die Kreutzer-Sonate

Das klingt deutlich überzeugender als Beethovens Kreutzer-Sonate, die auf dieser CD auch zu hören ist. In der Bearbeitung für Solovioline und Streichsextett wirkt sie wie ein verdecktes Solokonzert mit weich gezeichneten Kontrasten.

Besondere Kultur des Leisen

Gehen wir lieber zurück zum Violinkonzert. Denn im Mittelteil des langsamen Satzes bezaubert Nemanja Radulović mit einer ganz besonderen Kultur des Leisen. Was für ein ätherisches, dabei substanzreiches und singendes Piano! 

Beethovens Larghetto als versponnene, frei schwingende Traumsequenz, extrem verlangsamt, aber eine in sich schlüssige andere Welt. Radulovićs Beethoven-Konzert ist gewagt, in Dynamik, Tempi und Balance manchmal exzentrisch, aber in seinem gestalterischen Freiheitsdrang rundum authentisch.

Das schlimmste Dazwischenklatschen gibts bei Tschaikowsky

Ja, es gibt Dazwischen-Klatschen, das direkt aus der Hölle kommt. Zum Beispiel, wenn eine Pianistin oder ein Pianist direkt aus tief versunkenem Klavierspiel gerissen wird, oder aus einem durchkomponierten Zyklus. Und dann muss dieser arme Mensch sich in verzweifelter Hast verbeugen, um bloß so schnell wie möglich zurück in den Tunnel zu kommen und weiterspielen zu können.

Das schlimmste Reinklatschen überhaupt aber ereignet sich oft in Tschaikowskys 6. Sinfonie, der „Pathétique“: Wenn sofort nach dem effektvollen Schluss des sich überschlagenden Scherzo-Marsches ein Riesenapplaus losbricht und der Sturz ins totale Depri-Finale zerstört ist. 

Man muss allerdings dazu sagen: Oft ist daran nicht das ahnungslose Publikum schuld, sondern ein leichtsinnig fuchtelnder Dirigent. Dabei sollte der doch Bescheid wissen, welche Gefahr an dieser Stelle der „Pathétique“ droht!

Nichts für schwache Nerven bei Dazwischenklatschern

Eigentlich kein Vergehen, sondern ganz sympathisch

Ansonsten gehört für mich das vielgescholtene „Klatschen zwischen den Sätzen“ zu den lässlichen Sünden. Ja, eigentlich ist es überhaupt kein Vergehen, sondern ganz sympathisch.

Es gibt wirklich jede Menge unflätige Konzertstörungen, wie ruchloses Rumhusten, fieses Geflüster, hundsföttisches Handyfilmen. Aber fröhliches, dankbares oder begeistertes Klatschen nach einem herrlichen Haydn-Allegro, einem mirakulösen Mozart-Adagio, einem beißenden Beethoven-Scherzo? Zu deren Lebzeiten war das ja noch gang und gäbe. Aber auch bei Brahms, Bruckner oder Mahler stört es mich kein bisschen.

Im Gegenteil, ich freue mich, dass da offensichtlich jemand im Konzert ist, der sich all diese Sinfonien noch nicht zu Tode gehört hat. Und der auf Schönheit noch spontan reagiert. 

Starr und sinnlos überkandidelt

Das Klatschverbot gehört zu den starren Regeln im klassischen Konzertleben, die sinnlos überkandidelt sind. Der Geiger Daniel Hope hat mal einen Wegweiser für Konzertgänger geschrieben, der den Titel trägt: „Wann darf ich klatschen?“ Kann es wirklich wahr sein, dass uns das als erstes einfällt, um es einem neugierigen Neukonzertbesucher auf den Weg zu geben?

Manchmal würde ich mir wünschen, es würde sogar mitten in einem Satz nach einem grandiosen Solo geklatscht. Wie im Jazz. Grund dafür gäbe es, oft genug!

Das Klatschen, weil’s einem gefallen hat, ist eine wunderbar natürliche Reaktion. Es ist musikalischer als das ewige Händestillhalten, diese erdrosselnde Etikette ohne ästhetischen Sinn. Ich glaube, es würde auch uns total ausgebufften Konzertgängern öfter mal guttun, von der Unbefangenheit derjenigen Hörer zu lernen, die „die Regeln“ nicht kennen.

Die vergessenen Komponistinnen des italienischen Barock

Die herzergreifende Canzona „Che si pò fare?“ komponierte Barbara Strozzi im 17. Jahrhundert. Strozzi ist die vielleicht bekannteste und am meisten aufgeführte Komponistin des italienischen Barock. Schon zu Lebzeiten war sie berühmt als Tonsetzerin und Sängerin.

Weniger bekannt und weitaus seltener zu hören sind die geistlichen Werke von Vittoria Raffaella Aleotti, einer Augustiner-Nonne aus Ferrara. Dabei war sie die erste komponierende Frau Italiens, die eine Sammlung religiöser Polyphonie veröffentlichte, die „Sacre cantiones”.

Auch Isabella Leonarda war eine komponierende Ordensfrau. Die Tochter eines Grafen konnte als Mutter Oberin eines Klosters relativ frei von gesellschaftlichen Zwängen ihrer Zeit als Komponistin arbeiten. In ihrer Heimatstadt Novara war sie eine Berühmtheit. Auch deshalb, weil sie nicht nur Kirchen- sondern auch Kammermusik komponierte.

Im übrigen Italien kannte man sie so gut wie gar nicht und noch heute zählt Isabella Leonarda zu den eher unbekannten komponierenden Frauen des italienischen Barock. Und damit zu einer großen Mehrheit musizierender und auch singender Frauen, die eigene Werke vertonten, aber in Italien musikwissenschaftlich nur wenig erforscht sind.

Komponierende Adelsdamen, Nonnen und Kurtisanen

 „Ich kann leider nicht sagen, wie viele und welche Komponistinnen dieser Epoche wir noch nicht wissenschaftlich erforscht haben”, sagt der Musikhistoriker Gregorio Moppi „weil die meisten dieser Frauen des 17. und frühen 18. Jahrhunderts vollkommen unbekannt sind. Erst seit einigen Jahren werden Italiens Musikarchive nach komponierenden Frauen untersucht. So wurde zum Beispiel die Ordensfrau Raffaella Aleotti aus Ferrara wiederentdeckt”

Interessant ist, dass die Mehrheit der komponierenden Frauen des italienischen Barock entweder den gehobenen Schichten – dem Adel, dem wohlhabenden, gebildeten Bürgertum oder dem Klerus – angehörten, oder auch der Halbwelt als Kurtisanen. Sie waren keine einfachen Prostituierten, sondern so genannte „cortigiane oneste” (ehrbare Kurtisanen), die in ihrer Zeit nicht nur für ihre Schönheit und ihre Fähigkeiten in der Liebeskunst, sondern auch für ihre Bildung berühmt waren.

Wie etwa Nina Barcarola, die bekannteste Kurtisane Roms im 17. Jahrhundert. Sie war die Geliebte von Kardinal Antonio Barberini, einem ausgewiesenen Musikliebhaber. Für ihn komponierte und sang sie. Nina Barcarola wurde eines Abends, nachdem sie ihren Geliebten verlassen hatte, verhaftet. Man warf ihr vor, satirische Canzone gegen Donna Olimpia, die allmächtige Cousine des regierenden Papstes Innozenz X., komponiert und gesungen zu haben.

Die Musikforschung Italiens setzte sich erst spät mit Komponistinnen auseinander

Von diesen singenden Kurtisanen ist dokumentarisch bisher nichts bekannt, was musikwissenschaftlich von Interesse sein könnte. Die an der Universität von Palermo forschende Musikwissenschaftlerin Ilaria Grippaudo ist seit Jahren auf der Spur vergessener barocker Komponistinnen: „Die Musikforschung Italiens hat sich erst sehr spät des Themas komponierender Frauen des Barock angenommen.”

Es waren, so Grippaudo, zunächst ausländische Musikwissenschaftler*innen, die in Italien nach den Werken komponierender Nonnen zu forschen begannen. 

Ilaria Grippaudo hat sich auf Komponistinnen in Palermo spezialisiert. Sie ist davon überzeugt, dass es da in den vielen Archiven von Palästen und Klöstern, zum großen Teil noch gar nicht wissenschaftlich erforscht, einiges zu entdecken gibt: „Das Musikleben in Palermos Klöstern war damals sehr reich und doch habe ich noch keine eindeutigen Hinweise auf komponierende Palermitaner Ordensfrauen finden können”, erklärt Grippaudo.

Isabella Leonardas Triosonaten, interpretiert vom Ensemble Giardino di Delizie

Auf der Suche nach einer komponierenden Nonne in Palermo

Die müsse es aber geben, Indizien habe sie viele, meint Grippaudo: „Etwa die Existenz einer Komponistin, eine Nonne des Klosters der Unbefleckten Empfängnis, das 1735 für die Krönung Karls III. von Spanien ein musikalisches Fest ausrichteten. Das Libretto des dafür von den Nonnen organisierten Oratoriums stammte von einer der Ordensfrauen. Wer die Musik komponiert hat? Sicherlich eine andere Nonne, deren Namen aber von zeitgenössischen Chroniken verschwiegen wird.”

Musikwissenschaftlerin Grippando vermutet, dass im damaligen Sizilien die Namen der religiösen Komponistinnen verschwiegen wurden, weil es sich nicht gehörte, dass die adligen Damen im Kloster als Tonsetzerinnen öffentlich in Erscheinung traten. Und genau deshalb wühlt sich Grippando durch die immensen Dokumentenbestände der Klöster Palermos. Immer in der Hoffnung, schon bald Hinweise auf namentlich genannte Komponistinnen und ihre barocken Werke des Barock entdecken zu können.

Ab September 2024 zweite Dirigentin in Boston

Noch keine 30 Jahre alt, doch Anna Handler kann bereits auf eine beeindruckende Liste von Engagements zurückblicken: In Salzburg dirigierte sie Ravel und Orff, sie arbeitete bereits mit dem Los Angeles Philharmonic Orchestra und dem Münchner Rundfunkorchester.

Dass es Handler, die zur kommenden Saison die Assistenz von Andris Nelsons beim Boston Symhony Orchestra übernimmt, in die USA verschlägt, war Zufall, verrät die Dirigentin im Gespräch mit SWR2.

Während der Pandemie sei in ihr der Wunsch gewachsen, mehr Auslandserfahrung zu sammeln. Dass sie dann an der renommierten New Yorker Juilliard School tatsächlich ein Vollstipendium erhielt, habe sie selbst überrascht. Sie sei aus allen Wolken gefallen, es sei einer der Höhepunkte in ihrem Leben gewesen, so Handler.

Anna Handler im Porträt bei ARD Alpha (2020):

„Ich hab auch von Lehrern gesagt bekommen, ich sei nicht begabt genug“

In den vergangenen Jahren konnte Handler immer wieder Erfahrungen als Assistentin bekannter Dirigentinnen und Dirigenten sammeln. Sie assistierte Kirill Petrenko, Daniel Harding, Barbara Hannigan und Oksana Lyniv, aktuell ist sie als Dudamel Fellow in Los Angeles.

Doch auch bei ihr verlaufe der Erfolg nicht immer so geradlinig, wie das der Anschein habe. „Ich hab auch von Lehrern gesagt bekommen, ich sei nicht begabt genug“, verrät Handler.

Mit 15 Jahren sei in ihr der Wunsch entstanden, zu dirigieren. Sie habe das Glück gehabt, dass ihr Geigenlehrer ihr Talent erkannte und sie in Richtung Dirigat förderte. Sie habe die richtigen Mentoren an der Seite gehabt, so Handler.

„Das ist wie bei Kindern, man kann nicht fragen: Was ist dein Lieblingskind?“, so antwortet Nicole Braunger auf die Frage, welche Händel-Oper sie am liebsten mag.

Am 16. Februar starten die Händelfestspiele 2024 in Karlsruhe mit „Siroe“, doch auch Metal-Fans können dieses Jahr auf ihre Kosten kommen, erzählt die Operndirektorin des Badischen Staatstheaters im Gespräch.

Wie wohl keiner anderen Komponistin gelingt es der Komponistin und Pipa-Spielerin Yang Jing, die Musiksprache Chinas mit der Westeuropäischer Klassik zu verschmelzen.

Jetzt haben die Festival Strings Lucerne Chamber Players zusammen mit Jing selbst neun Werke von ihr eingespielt. Hannah Schmidt hat sich die CD angehört.

Novum an der Stuttgarter Musikhochschule: Ein Countertenor wird Rektor. Axel Köhler war bereits Intendant der Oper Halle und führte bei über 50 Opern und Operetten Regie. Am 1. Dezember 2023 hat er sein neues Amt angetreten.

Er schätzt den ständigen Dialog mit den Studierenden und Lehrenden, an der Musikhochschule will er nun die „Grundmusikalisierung“ aufrechterhalten, denn „alle Menschen, die musizieren, sind für die Gesellschaft eine gute Energie.“

Der „Maestro“ am Pult ist das Mensch gewordene Symbol für eine Kultur, mittels derer sich diejenigen, die über die größte gesellschaftliche Macht verfügen, in ihrer Macht bestätigen und die über Generationen gewachsenen Machtverhältnisse vor sich selbst legitimieren.“  

Warum lassen sich noch heute die Frauen am Pult an den Fingern von zwei Händen abzählen? Und warum reagieren viele von ihnen so gereizt, wenn man sie danach fragt, was sie anders machen als ihre männlichen Kollegen?

Diese und andere Fragen stellen die Autorinnen und Autoren der Aufsätze und die Interviewten im Buch „Dirigent*innen im Fokus“.

Stimmen weiterer Minderheiten im Klassik-Betrieb

Sie tun das aus unterschiedlichen Perspektiven: als Künstler, Manager, Funktionäre. Die Vielstimmigkeit ist die größte Qualität in diesem Buch, und zu dieser Vielstimmigkeit gehören auch Stimmen anderer Minderheiten im Klassik-Betrieb.

So kommen etwa auch non-binären Personen oder People of Colour zu Wort. Sie weiten den Blick des Buches über das Gender-Thema hinaus, und das macht die Sache noch spannender.

Macht im Klassik-Betrieb heißt: Männlichkeit

Skizziert wird ein durch und durch verkrusteter Betrieb rund um die klassische Musik und Macht heißt hier: Männlichkeit. Eigentlich müsste das Buch nicht „Dirigent*innen im Fokus“ heißen, sondern „Das Patriarchat im Fokus“.

Norbert Trawöger, unter anderem künstlerischer Leiter des Bruckner-Orchesters Linz, formuliert das so:

Das Patriarchat ist noch in Vollblüte, da brauchen wir uns nichts vorzumachen. Frauen in Führungsrollen müssen Supermänner sein, um die Legitimation zur Führung zu erlangen.

Wo man hinschaut: Männer

Allgemein wird festgestellt: Die Werke auf dem Spielplan wurden überwiegend von weißen Männern komponiert, Intendantenposten sind fast ausschließlich männlich besetzt, Solistenstellen im Orchester und leitende Funktionen im Betrieb überwiegend auch.

Gleiches gilt für die Gremien bei Aufnahmeprüfungen an Musikhochschulen, für Findungskommissionen und für Jurys. Orchester und Opernhäuser sind zudem streng hierarchisch organisiert.

Keine einfache Lösung in Sicht

Was ist zu tun? Eine einfache Lösung gibt es nicht, so die These des Buchs. Ein wachsendes Bewusstsein für die Problematik sei unerlässlich. Quoten könnten hilfreich sein, auch weibliche Vorbilder und Netzwerke.

Tatsächlich aber scheint das Thema „Frauen am Pult“ nur die Spitze des Eisbergs zu sein. Der Klassik-Betrieb als Ganzes müsse sich verändern, um in einer sich rasant wandelnden Gesellschaft nicht an Relevanz zu verlieren.

Flache Hierarchien, neues Musik-Repertoire

Dazu gehörten flache Hierarchien, demokratische Strukturen und ein Repertoire in Konzert- und Opernhäusern, das nicht nur Geschichten von überholten gesellschaftliche Ideen und Strukturen thematisiere.

Auf den Punkt bringt es der Komponist und Gitarrist Marc Sinan:

Wir sollten immer und immer weiter ausdifferenzieren. Lasst uns dabei die Künste und die Kultur spielerisch als Modell für Gesellschaft betrachten. Und wenn die Kräfte umverteilt sind und wir genauso mitgestalten können, wie die bislang Mächtigen, werden wir uns nicht an uns selbst berauschen, sondern die anderen mit Begeisterung und Freude mitnehmen.