Treffpunkt Klassik

Ich höre den ganzen Tag Musik. Manchmal sogar, wenn ich komponiere. So ein Finale von Tschaikowskys Fünfter bringt mich richtig in Wallung. Danach tänzele ich mit einem Bleistift, Härtegrad 6B, um meine Partitur herum und – baddabumm – irgendwas Fettes wird mir fürs Blech dann schon einfallen.

Bei mechanischen Arbeiten helfen Durchhalteparolen von Bach bis Eisler ganz gut. Wenn ich in der beginnenden Fastenzeit also auf etwas verzichten sollte, was wirklich ein bisschen schmerzt, dann müsste ich meinen Spotifyzugang ein paar Wochen abmelden.

Mit Essen von Musik ablenken

Vor ein paar Jahren habe ich das – so ähnlich – einmal ausprobiert. Ich war mit der Familie in Taiwan und wenn mich etwas von Musik abzulenken weiß, dann gutes Essen. Und meine Güte: das kann man dort.

Wer noch nicht auf dem Nachtmarkt Takoyaki gegessen und Wassermelonensaft dazu getrunken hat ... Ich schweife ab. Ich konzentrierte mich damals also auf mein leibliches Wohl und hörte absichtlich keine Musik.

Musikentzug steigert Musikgenuss

Zuhause angekommen: Kopfhörer auf und eine Mozart-Sinfonie gehört, die Linzer war’s. Und ich übertreibe nicht, wenn ich sage: das pustet einem – jawohl – die Birne weg! Gottlob, dachte ich, ist Mozart schon legalisiert, ganz ungefährlich kann das ja eigentlich nicht sein!

Ich habe für die kommende Fastenzeit also ein paar schlichte Vorschläge: löschen Sie Ihre Playlist für ein paar Wochen und schauen Sie später wieder hinein. Sie werden plötzlich Mittelstimmen hören, die sie jahrelang überhört hatten. Es wird ganz und gar herrlich sein, wirklich!

Vor allem Meisterwerke fasten

Und wenn ich auch Gefahr laufe geteert, gefedert oder gevierteilt zu werden: Ich wünsche mir auf den Spielplänen der einschlägigen Institutionen, so sehr ich sie alle von Herzen liebe, ein etwas längerfristiges Meisterwerkefasten.

Wir haben jetzt 2024. Bei den üblichen Vorlauf- und Planungszeiten im Kulturbetrieb ahne ich, dass die Vorbereitungen fürs – oh je „schon wieder“ – Beethovenjahr 2027 bereits laufen. Ach, denke ich, machen wir doch wenigstens bis dahin Beethovenfasten. Keine Sinfonien. Keine Sonaten, kein Fidelio. Nix.

Lücken mit Unbekanntem füllen

Die Lücken füllen wir mit Unbekanntem! Ein bisschen wie Intervallfasten: 16-8. Von 16 bekannten Stücken ziehen wir acht ab und machen Platz für acht neue. Zunehmen durch Fasten, fantastisch!

Natürlich habe ich noch ein paar Fastenvorschläge: Die Zauberflöte etwa. Ich liebe Mozart. Wirklich. Aber die Welt dreht sich auch mal zwei Spielzeiten ohne Zauberflöte weiter. Außerdem: Freischütz, Carmen, und La Traviata. Und – ich weiß, jetzt wird es echt ungemütlich: ein bisschen weniger Gustav Mahler wäre schon ganz ok. Und zwar gerade weil ich diese Musik wie wenig andere liebe.

Auf Gewohnheiten und Pessismismus verzichten

Aber, jaja, schon klar: Die gefühlt 30 immer wiederkehrenden Stücke in Dauerschleife machen den Saal voll und bei Auslastungszahlen wird nicht gefastet. Was aber, wenn das gar nicht stimmt?

Vielleicht drehen’s mal alle um, machen Gewohnheits- und Pessimismusfasten und wagen noch mehr Unbekanntes. Beethoven, denke ich, ist nicht neidisch, der freut sich über Abwechslung, ganz sicher!

Es läuft nicht so in der Liebe? In diesen sechs Opern ist man mit seinem Frust nicht alleine:

„Platée“ von Jean-Philippe Rameau: Ausgetrickst

Platée ist echt sauer. Kein Wunder: Blumen hat es zwar gegeben, auch Liebessäuseln, sogar vom obersten der Götter – Jupiter. Aber alles nur, damit seine Gattin Juno eifersüchtig wird. Und dann soll diese auch noch von ihrer Eifersucht geheilt werden, indem sie Jupiters angebliches Objekt der Begierde erblickt: Platée, die hässlichste Nymphe im Teich in Jean-Philippe Rameaus Oper, gesungen von einem Mann.

 

„La Rondine“ von Giacomo Puccini: Trennung aus Liebe

In Giacomo Puccinis Oper „La Rondine“ („Die Schwalbe“) hat sich der junge Ruggero in die von einem wohlhabenden Bankier ausgehaltene Magda verliebt. Und die lässt sich in Erinnerung an eine gescheiterte Beziehung in ihrer Jugend darauf ein. Dann will er sie heiraten.

Und weil sie so arg verliebt ist, will sie sein Leben nicht zerstören und erklärt ihm: es geht nicht. Sie sei eine Gefallene, nicht gut für seinen Ruf und verlässt ihn – aber mit dem schönsten „Ach“ der Operngeschichte.

 

„The Rake’s Progress“ von Igor Strawinskys: Mehr Aufmerksamkeit

Geld regiert die Welt. Das weiß auch Tom Rakewell, die Hauptfigur in Igor Strawinskys Oper „The Rake’s Progress“ („Die Karriere eines Wüstlings“). Und in der Welt der Popkultur hat man ein gutes Einkommen, wenn man genug Aufmerksamkeit erzeugt.

Aufsehenerregend ist also die Heirat mit einem Freak aus dem Zirkus, einer Frau mit Bart, „Baba the turk“ genannt. Die glaubt sich von diesem Tom Rakewell wirklich geliebt und flötet ihm beim gemeinsamen Frühstück zu. Den genervten Melancholiker tröstet sie mit verliebten Tönen, erntet aber einen Sitzverweis.

 

Es folgt Ausrasten und zertrümmertes Geschirr. Der Abgewiesenen stopft man das Wutmaul, indem Tom ihr einfach die Tischdecke über den Kopf zieht. Und wieder wünscht sich Tom, nein keine Liebe, sondern Geld.

„Rheingold“ von Richard Wagner: Liebe nur Spott

Ein haariges, aber liebesbedürftiges Monstrum ist der kleinwüchsige Nibelung Alberich am Beginn der längsten Operngeschichte der Welt, Richard Wagners „Der Ring des Nibelungen“. Das titelgebende Objekt ist reine Sublimation. Denn der Zwerg hat sich ausgerechnet in drei Damen eines Unterwasserballetts verknallt. Und die treiben ihren Spott ganz schön mit ihm, spielen ihm Liebe vor, um ihm dann den Spiegel seiner Hässlichkeit vorzuhalten. 

Kein Wunder, dass er dem erotischen Begehren abschwört und ihnen ihr Rheingold-Spielzeug klaut, um daraus den Ring der Macht zu schmieden. Daran soll dann eine ganze Welt zugrunde gehen. Das dauert rund 13 Stunden. Jedenfalls wird Liebe durch Geld sublimiert.

 

„Falstaff“ von Guiseppe Verdi: Das Geld lockt

Liebe durch Geld sublimieren – das braucht auch der bankrotte, versoffene und fette Ritter Falstaff. Er plant, den Hahnrei zu spielen bei wohlhabenden Damen aus Windsor und sich ins gemachte Nest zu setzen. Und so säuselt er ihnen nicht nur Liebe vor, sondern dass im dicken Kerl noch immer der niedlich schlanke Page des Herzogs von Norfolk steckt, den man kaum von der Bettkante schubsen kann.

Die lustigen Frauen in der englischen Provinz haben nicht nur Humor, sondern sind auch nicht blöd. Sie lassen aus dem Aufgeblasenen die Luft raus, und wer den Schaden am Ende hat, hat auch den Spott. Der Abgewiesene trägt’s in Giuseppe Verdis „Falstaff“ mit Humor.

 

„Der Rosenkavalier“ von Richard Strauss: Gegen die Sexgier

Über Humor verfügt auch ein gewisser Ochs von Lerchenau, zumindest in seiner eigenwilligen Form. Nomen est Omen. Dieser stierhafte Dickwanst bespringt in der Oper „Der Rosenkavalier“ von Richard Strauss jedes Dienstmädchen, das ihm in seine glitschigen Hände gerät.

Als armer Landadliger muss auch er zu Geld kommen und beschließt, ein reiches Stadtmädel zu heiraten. Den Liebesgruß als Heiratsantrag soll der gezuckert und gepuderte Rosenkavalier Octavian in Form einer parfümierten, silbernen Rose überreichen. Eine Art Valentinsgruß im Rokoko-Kostüm.

Dieser Blumenkavalier will gerade dem Ochs unerkannt nach einer durch ihn gestörten, ziemlich intensiven Liebesnacht entwischen. Die Orchester-Einleitung der Oper schildert recht eindeutig einen Liebesrausch mit geglücktem Orgasmus. Octavian verkleidet sich also als Dienstmädchen Marianderl und fällt damit exakt in das Beuteschema des Ochs.

Und jetzt wird’s echt kompliziert. Denn der Octavian ist eine Hosenrolle, wird also von einer Frau gesungen, die einen Mann darstellt, der ein verkleidetes Mädchen spielt. Um dem Ochs eins auszuwischen, ihn als Schürzenjäger zu entlarven und entschieden sein Liebeswerben zurückzuweisen, lädt ihn das Marianderl zu einem Tête-à-Tête in ein Wiener Vorstadt-Beisel ein.

Die Frau, die ein Mann ist, der ein Mädchen spielt, gibt sich geziert und lässt sich nicht so recht vom Ochs mit Wein abfüllen, damit er sie in komatösem Zustand mit seiner Liebesglut überwältigen kann.

 

Mit allerlei Höllenspuk zahlt es das Marianderl dem Sexmonster heim und outet sich am Ende als seinen Rosenkavalier, der jetzt selbst die für den Ochs mit künstlicher Blume angeworbene Braut heiratet. Eine Art lesbische Ehe? Also man weiß es jetzt nicht so genau. Der Ochs jedenfalls hat erst einmal gründlich genug von Heirat, Liebe und vor allem von Blumen aller Art.

Der „Partyschlager“ — ein verkanntes Phänomen?

Ende der 90er Jahre ist es so weit: Der gute, alte Schlager wird von findigen Produzenten generalüberholt und auf eine spezifische Zielgruppe abgestimmt. Sogenannte „Partyschlager“ bringen jetzt Feierwillige in balearischen Großraumdiscos in Wallung.

Als seelenloses Geballer und Gegröle wird der „neue Schlager“ schon rasch geschmäht, sein Image ist nicht sonderlich gut.

„Geh mal Bier hol'n“: Nur scheinbar schlicht!

Aber worum geht es in dieser Musik, die sich ja auch als eine Kunst der Reduktion begreifen ließe: überschaubare Formen und Metren, schnörkellose Melodien und Texte, die sich nur scheinbar schlicht geben.

Dabei tauchen auch hier die großen Themen auf, die existenziellen Erschütterungen, die Hinterfragung der Conditio humana. So, wie in dem Song „Geh mal Bier hol'n“ von Mickie Krause, in der das lyrische Ich die Suche nach der Schönheit anspricht.

Es geht um die Sehnsucht nach Schönheit und Jugend – stets fragil im bittersüßen Moment zwischen Versagung und Erfüllung, gesetzt in ein denkbar unprätentiöses Melos.

Mickie Krause ins Fin de siècle gesetzt

Dem Münchner Komponisten und Musiktheoretiker Simon Mack ist das allerdings nicht genug. Er sieht in den Zeilen von Mickie Krause viel mehr: eine ebenso verheißungsvolle wie beunruhigende Expressivität, Anklänge an Schnitzler oder Hoffmannsthal womöglich, aufgehoben im Kolorit des Fin de siècle. Und dementsprechend hat sich Simon Mack an eine andere Melodie für Mickie Krauses Text gewagt.

Wo Mickie Krause die Unabwendbarkeit in eine schlichte Kadenz fasst, unternimmt Simon Mack einen Versuch des Entkommens, bevor auch seine Melodie in ihr Zuhause findet.

Was heißt „Hulapalu“?

Am Ende muss es doch sein — so groß die Sehnsucht nach dem Unerreichbaren, nach der „Blauen Blume“ oder dem „Zauberwort“, das alles zum Singen bringt, auch sein mag. Andreas Gabalier weiß um ein solches Wort — kennt aber seine Bedeutung nicht; er vermag es auszusprechen, ohne zu wissen, was er sagt.

Auch der vorsichtig tastende Sänger in Simon Macks Version scheint nicht zu wissen, was dieses geheimnisvolle „Hulapalu“ meint. Aber dennoch hat er es unbeschwert auf den Lippen, und letztlich scheint ihm der Gang ins Abenteuer reizvoller als die Frage nach dem Sinn. 

Saufen im barocken Stil

Wo bei Andreas Gabalier noch eine Ambiguität beansprucht wird — die Bedeutung des „Hulapalu“ bleibt im Dunkeln —, liegt das Objekt des Begehrens im Lied von Ingo ohne Flamingo denkbar offen.

Ingo ohne Flamingo will saufen — sich betäuben, sich den Weltläufen im Dämmerschlaf entziehen. Dass Simon Mack sich in seiner Version des Lieds für das Gefäß der barocken Arie entscheidet, mag mit deren formaler Strenge zu tun haben. Wo keine Aussicht auf Tröstung mehr ist, wo allein das Sich-Ergeben bleibt, gibt Simon Mack dem Sänger einen letzten Halt im Gerüst der Musik.

Die lichte Klarheit des Satzes kann nicht darüber hinwegtäuschen, dass der Protagonist sein Heil im Unheil sucht: im laufenden Hahn, diesem verhängnisvollen Quell, der in der scheinbar mühelosen Mechanik der Begleitstimme seine Entsprechung findet. Was aber ist, wenn der Hahn stoppt — oder gar dreimal kräht?

Zehn nackte Friseusen in der Zweiten Wiener Schule

Erneut ist es Mickie Krause, der zwischen flagranter Provokationslust und geradezu Mallarméschem Symbolismus changiert. Um dieser Stimmung kongenial gerecht zu werden, hat sich Simon Mack bei seiner Neuvertonung für eine musikalische Umgebung entschieden, die gleichermaßen eine gewisse Abgründigkeit in sich trägt: für die irisierende Klangwelt der Zweiten Wiener Schule.

Der „Partyschlager“ — ein verkanntes Phänomen? Erst recht, was die textliche Ebene anbetrifft. Denn wo in anderen Popgenres findet sich eine Sprache, die unter einer vermeintlich banalen Oberfläche derartige Brüche aufweist? Simon Mack hat den ersten Schritt getan, um dem zu Unrecht geschmähten Genre zu neuer Anerkennung zu verhelfen.

Wenn Pianisten komponieren, dann kommt dabei erst mal tolles Virtuosenfutter heraus: schwer Spielbares, passagenreiche Kraftakte, aus der Improvisation heraus entwickelt. Das kann man bewundern.

Lieben kann man es erst, wenn daraus Musik wird – das ist der zweite Schritt. So war es bei Liszt, so war es bei Busoni und auch bei Rachmaninow.

Marc-André Hamelin: Ein großer Pianisten-Komponist

Einer der wenigen großen Pianisten-Komponisten, die es heutzutage noch gibt, ist Marc-André Hamelin. Er hat jetzt zum zweiten Mal eine CD mit eigenen Kompositionen eingespielt, die in den letzten Jahren entstanden sind. Eleonore Büning hat sich das angehört – sie liebt es.

Der polnische Pianist Piotr Anderszewski ist eher ein stiller Vertreter seiner Zunft, der am liebsten nur durch sein Klavierspiel zu uns spricht. Er liebt das Ungefähre, den Raum zwischen den Dingen, das Ungesagte, vielleicht auch Unsagbare, Ungehörte.

Jetzt hat er ein Album vorgelegt, dessen Werke „durchdrungen von Rebellionsgeist“ sind, wie der Pianist selbst behauptet. SWR2-Musikkritiker Christoph Vratz überzeugt das nur selten.

George Gershwin konnte nur durch einen Trick zur Arbeit bewogen werden. Die Zeit für ihn und das Orchester war extrem knapp bemessen. Das Konzert, als „Experiment in Modern Music“ angekündigt, fand in der New Yorker Aeolian Hall statt, im Publikum lauerten Showbiz-Größen wie Strawinsky, Kreisler, Heifetz und Rachmaninow, dazu 25 Zeitungskritiker. Dennoch wurde die „Rhapsody in Blue“ ein Welterfolg.

Bertrand Chamayou stellt Satie und Cage gegenüber

Ist es Erik Satie? Oder nein. Da ist zwar der Dreiertakt, da ist der Wechsel zwischen Basston und gehaltenem Akkord in der linken Hand, aber aus Saties schlichtem Wechsel zwischen G-Dur und D-Dur werden jetzt vier Akkorde. Auf der CD gibt es sie beide, John Cages „All Sides of the Small Stone“ ...

... und Erik Saties Original, seine erste „Gymnopédie“.

Bertrand Chamayou hat auf seiner neuen Solo-CD nicht nur Stücke von Satie aufgenommen, darunter einige der viel gespielten „Gymnopédies“ und „Gnossiennes“, sondern er stellt sie Klavierwerken von John Cage gegenüber. 

Hörbare Seelenverwandtschaft

Die Idee, Cage und Satie zusammenzubringen, ist überzeugend. Nicht nur, weil Cage ein großer Bewunderer Saties war, sondern auch, weil die Seelenverwandtschaft hörbar ist. Beiden Komponisten geht es um die Spannung zwischen Klang und Stille.

Und beide, schreibt Chamayou im Booklet zur CD, hätten letztendlich ja Konzeptkunst geschaffen, also Werke, die mehr von ihrer Idee leben als von ihrem künstlerischen Inhalt. Tatsächlich ist auch eine musikalische Nähe zwischen Satie und Cage hörbar.

Verwandtschaft zeigt sich in Tanzformen 

„All Sides of the Small Stone“ heißt dieses Stück, das sich in einem Notenordner des Komponisten James Tenney fand. Tenney war mit John Cage befreundet, und das Stück wird heute Cage zugeschrieben. Seine Vorlage ist Saties erste „Gymnopédie“.Die schlichten Melodien und wiederholten Begleitfiguren dreht und wendet Cage hier hin und her wie einen kleinen Stein, der so auf neue Weise zu glitzern beginnt.

Die Verwandtschaft zwischen Cage und Satie zeigt sich auch in ihrem Spiel mit Tanzformen. So beginnt Erik Saties „Tango perpetuel“:

Und so nehmen die ersten Takte von John Cages „Perpetual Tango“ Saties unendlichen Tango auseinander:

Zum Schluss ein Stück von James Tenney

So lebhaft geht es auf dieser CD allerdings selten zu. Auf „Letter(s) to Erik Satie“ gestaltet Bertrand Chamayou die stillen, reduzierten Klänge von Cage und Satie mit viel Ruhe und ohne aufgesetzte Attitüden.

Bis am Ende noch Cages Freund James Tenney ein bisschen Wirbel ins überwiegend kontemplative Spiel bringt – auch mit Hilfe eines präparierten Klaviers. Tenneys „3 Pages in the Shape of a Pear“ („Drei Seiten in Birnenform“) sind Erik Satie gewidmet.

Der Organist kann auch zu Hause bleiben

Dass man den Organisten beim Orgelkonzert erst bei der Schlussverneigung zum Applaus sieht, ist eigentlich ein ziemlich normales Phänomen. Im Großen Saal der Würzburger Musikhochschule könnte Konzertbesuchern künftig aber noch eine ganz andere Erfahrung dräuen: Der Organist bleibt gleich zuhause —  spielt aber trotzdem.

Die neue, insgesamt 2,5 Millionen Euro teure Orgel der Hochschule macht es möglich. Aber das ist nur einer der Reize dieses multipotenten Instruments. Christoph Bossert, Professor für dieses Instrument in Würzburg, und Leiter der Abteilung Kirchenmusik, bezeichnet es als „eierlegende Wollmilchsau“.

Sein künstlerisch-ästhetisches Konzept für die Orgel: „Genau das ist die Herausforderung, deshalb habe ich versucht dafür zu sorgen, das wir einen klar definierten Kern haben, der sich insbesondere an der Ästhetik von Johann Sebastian Bach festmacht, aber auch mit den süddeutschen Barocktraditionen zu tun hat, aus denen sich die süddeutsche romantische Tradition weiterentwickelt hat.“

Orgel mit digitaler Schnittstelle 

Mitentwickelt und umgesetzt hat dieses Konzept Andreas Saage, Intonateur bei Klais und besonders glücklich über eine technische Neuerung: „Das ist eines der wenigen Instrumente in Europa, das über eine elektronische Proportionaltraktur verfügt. Das heißt, da arbeitet im Inneren ein Magnet, der genau vollzieht, was der Organist an der Taste macht, was ein Organist normalerweise bei einer mechanischen Verbindung mit einer Taste tun kann.“

Der gerade für Laien wohl revolutionärste Aspekt dieser Orgel ist aber sicher ihre digitale Schnittstelle, die, platt gesagt, künftig ermöglichen würde, dass der Organist zu Orgelkonzert und Meisterklasse nicht mehr anreisen muss, sondern von zu Hause auf einem vernetzten Keyboard oder einem anderen Instrument mit entsprechender Schnittstelle orgelt. Zum Beispiel, wenn die Bahn streikt.

Technische Möglichkeiten über das Analoge hinaus

Für diesen digitalen Aspekt ist in Würzburg Hannes Ritschel zuständig, Professor für Orgelkunst, Kreativitätskonzepte und Künstliche Intelligenz an der Hochschule, außerdem promovierter Informatiker.

„Es geht darum, technische Möglichkeiten zu schaffen, wie man dieses Instrument durch Technik neu erleben kann“, so Ritschel, „welche Möglichkeiten jetzt machbar sind, die man analog nicht hätte, weil man hat nur zehn Finger hat und nur zwei Füße.“

Nun werden Orgeln traditionell für Jahrhunderte gebaut. Ein digitales Telefon kann man dagegen nach fünf Jahren nicht mehr updaten. Wird man diese digitalisierte Orgel also in 30 Jahren überhaupt noch reparieren — und sichern — können?

 Ja, sagt Hannes Ritschel, denn die Orgel funktioniere über Microcontroller: „Wir haben da nicht die Komplexität, die in einem Betriebssystem drinsteckt. (...) Da kann es gut sein, dass es in 30 Jahren nicht mehr genau die Hardware gibt, die im Moment verbaut ist, aber dafür wird es irgendeine andere Lösung geben.“

 Ab 2025 Vernetzung mit Hamburg und Passau möglich

Bislang allerdings gibt es weltweit nur eine Handvoll anderer Orgeln, mit denen sich die Würzburger zum gemeinsamen Spiel vernetzen könnten, keine davon in Deutschland, gibt Christoph Bossert zu.

Aber das wird sich hoffentlich bald ändern: „Wir haben im Blick, dass wir in etwa bis 2025 in Hamburg, Passau und Würzburg drei Orgeln zusammenschalten können, die dann diese Technik haben, und mit denen wir dann etwas tun können“, so Borrert weiter. „Also, da ist sehr viel denkbar und mit Sicherheit wird es sehr lebendig sein und sehr spannend!“

Vor fünf Jahren hat Christine Lemke-Matwey den Komponisten Arvo Pärt in Estland besucht. „Kommen Sie gerne“, schrieb Pärts Ehefrau Nora im Vorfeld, „aber nicht als Journalistin. Arvo gibt keine Interviews.“ Ein paar Sätze konnte unsere Autorin dann doch mit ihm wechseln, was eindrücklich genug war.

Jetzt ist bei ECM Pärts neue CD erschienen, „Tractus“.

Perfektionierte schräge Musik

Robert Frank ist der Hauptorganisator des internationalen Treffens in Schwäbisch Gmünd. Für die Guggenmusik werden extra Arrangements bekannter aber auch volkstümlicher Lieder geschrieben, damit die Musik schräg – und dennoch erkennbar klingt.

Früher musste man etwas länger zuhören, bis man die Lieder erkannte: Vor Jahrzehnten wurde noch auf selbstgemachten Instrumenten aus Abwasser- oder Ofenrohren oder Gartenschläuchen gespielt. Diese Tradition ist laut Frank verloren gegangen. Die schräge Musik wurde sozusagen perfektioniert.

Internationale Gäste und wenig Probleme mit Nachwuchs

International wird das Treffen nicht nur durch die Teilnahme der Schweizer Nachbarn, aus England reiste die Guggen-Band „Frumptarn“ an. Sie stammt aus Barnsley, der Partnerstadt Schwäbisch Gmünds. Zunächst gab es nur eine Reisedelegation, die lediglich als Zuhörer zum Guggenmusik-Treffen kamen, wurden dann aber vom „Guggenmusik-Virus infiziert“, scherzt Robert Frank. Sie sind seit 2003 regelmäßig als Band beim Treffen vertreten.

Auch an deutschem Nachwuchs mangelt es nicht. Es gebe stets genügend Nachwuchs erzählt Frank, auch wenn sich ein paar Kapellen aufgrund des fortgeschrittenen Alters auflösen müssten.

Das internationale Guggenmusik-Treffen in Schwäbisch Gmünd