Treffpunkt Klassik

Der tschechische Pianist Jan Čmejla wird ab Januar 2026 drei Jahre lang als SWR Kultur New Talent mit Konzertengagements, Studioproduktionen und Medienpräsenz gefördert. Die Förderung als New Talent hat seit 2013 schon zahlreiche Musikkarrieren befördert wie die des Cellisten Lionel Martin, des Trompeters Simon Höfele, des vision string quartets oder des Pianisten Robert Neumann. Der 2003 in Prag geborene Pianist Jan Čmejla studiert seit 2022 an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Mannheim und ist zu Gast im Musikgespräch.

Album zur Mozartwoche 2026

Mozarts Violinkonzert G-Dur gespielt vom Mozarteumorchester Salzburg lebt von der Aura des Authentischen! Der Orchesterdirektor, Siegwald Bütow, zitiert gern den Werbespruch: „Wir sind das Original“. Nicht zu Unrecht, denn schließlich reicht die Traditionslinie zurück bis zum Jahr 1841, als Constanze Nissen, Mozarts Witwe, das Mozarteum mit begründet hatte.

Pünktlich zur Eröffnung der Salzburger Mozartwoche 2026 präsentiert das Mozarteumorchester jetzt Mozarts fünf gesichert authentische Violinkonzerte. In einer Aufnahme, bei der sich der neue Chefdirigent des Orchesters, Roberto Gonzáles-Monjas, 37, in seiner zweiten Saison noch einmal solistisch präsentiert.

Barockgeige statt Mozart-Original-Instrument

Gonzáles-Monjas hatte seine Karriere als Konzertmeister unter Antonio Pappano und als Solist begonnen. Er leitet das Orchester von der Geige aus – so, wie es zur Mozartzeit üblich war. Allerdings benutzt er hier nicht die Mittenwalder Original-Geige Mozarts, die vom Mozarteum aufbewahrt und ausgestellt wird. Gonzáles spielt auf seiner eigenen Guarneri.

Einen nobles Klangprofil hat diese Violine. Sie klingt glänzend, gesanglich und kraftvoll. In der Mittellage ist sie satt, im Diskant brillant. Sie wurde vom Cremonenser Geigenbauer Giuseppe Giovanni Guarneri gebaut um 1710. Roberto Gonzáles-Monjas spielt sie, als Leihgabe der Rychenberg-Stiftung Winterthur, schon seit etlichen Jahren.

Keine unnötigen Experimente

Selbst die sparsam dosierte Ornamentik hat González-Monjas perfekt auf den Punkt platziert. Das zeugt von profunder Kenntnis der historischen Aufführungspraxis. Trotzdem handelt es sich um hier eine eher klassische Interpretation, die vor allem der unverwüstlich ewigen Schönheit dieser Musik huldigt, mit der der junge Wolfgang Amadeus Mozart eine neue Ausdrucksdichte entwickelte, die den Anfang seines Abschieds aus Salzburg ankündigt.

Das charismatische G-Dur-Konzert ist unter den Violinkonzerten das wohl meistgeübte, auch meistgeliebte. Kaum eines seiner Konzerte sonst ist so populär. Das gilt auch für die anderen vier, insbesondere das A-Dur-Konzert. Da liegt die Frage nahe: Wozu schon wieder eine Neu-Aufnahme?

„Ein echter Meilenstein“

Es gibt eine Überfülle von Lesarten der Mozartschen Violinkonzerte, darunter etliche Aufnahmen, die für sich ebenfalls Authentizität in Anspruch nehmen können. Zuletzt hat Renaud Capuçon vor zwei Jahren eine preiswürdige Gesamteinspielung herausgebracht, er dirigiert ebenfalls von der Solo-Violine aus.

Und dann gibt es auch noch eine Gesamtaufnahme mit Mozarts eigner Violine. Christoph Koncz, Stimmführer der Wiener Philharmoniker, spielte sie 2020 für die Sony ein. Warum hat Roberto González-Monjas auf das Privileg verzichtet, diese heiligen Reliquie des Mozarteums zu benutzen? Er sagt: Das Instrument noch einmal wieder zu beleben, hätte zu viel Aufwand verlangt, versicherungstechnisch und musikalisch. Ihm sei es vor allem anderen wichtig gewesen, diese Konzerte mit seiner „eignen Stimme“ und damit der eigenen Violine zu gestalten.

Letztlich zählt in der Musik der lebendige Klang und da liegt ganz offenbar die Guarneri vorn. Insofern war die pragmatische Entscheidung von Roberto González-Monjas die einzig richtige. Für das Mozarteumorchester ist diese Gesamtaufnahme mit ihm jedenfalls ein echter Meilenstein.

Energieschub dank Gonzáles-Monjas

Sie schließt eine Serie von sechs CDs ab, die mit Mozarts Salzburger Serenaden KV 239 und KV 203 begann und, unter diversen Gast-Dirigenten, demonstrieren sollte, welche Bandbreite dieses Orchester abdecken kann, von Richard Strauss bis Hans Werner Henze.

Nicht jedes dieser Projekte hat den hohen Anspruch so perfekt eingelöst, wie das jetzt González-Monjas mit den Violinkonzerten gelingt. Dieser smarte neue Chefdirigent ist ein Glück: Er hat dem Mozarteumorchester in kürzester Zeit einen kräftigen Energieschub verpasst. González-Monjas wird am 23. Januar die Salzburger Mozartwoche eröffnen, wenn dieses Album auf den Markt kommt: Da musiziert er mit seinem Orchester die Premiere der „Zauberflöte“.

2026 ist ein Jubiläums-Jahr des Jazz: im September wäre Saxofon-Star John Coltrane 100 geworden, im Mai feiert die Szene den 100. von Trompeter Miles Davis, und jetzt ist der 100. Jubeltag von Jazzmusikerin Melba Liston. Wer das ist, erzählt Jazzredakteurin Julia Neupert.

Ganze Sendung zum 100. Geburtstag von Melba Liston

Er gilt als Meister des Leisen und Langsamen, als Komponist, der die Musik fast zum Stillstand gebracht hat: der US-Amerikaner Morton Feldman, der heute vor 100 Jahren in New York geboren wurde und 1987 gestorben ist. Etwa fünfeinhalb Stunden dauert zum Beispiel sein Zweites Streichquartett aus dem Jahr 1983. Da wird das Zuhören zur Herausforderung!

Demokratie kann man nicht lehren, sondern sie muss erlebbar sein. Wie kann das im Unterricht möglich gemacht werden, besonders im Musikunterricht? Elisabeth Theisohn, Professorin für Musikpädagogik an der Musikhochschule Karlsruhe, hat den Ars Legendi Preis 2025 für exzellente Hochschullehre zum Thema Demokratiebildung erhalten. In SWR Kultur erzählt sie, wie Demokratie in der Bildung ihren gerechten Platz findet.

Um Leben und Tod

Im Untergrund hört man es brodeln, die Musik drückt größte Anspannung aus, die Anspannung derer, die bei dieser Szene hier dabei sind. Niemand sagt etwas, alle halten den Atem an. Und dann?

Erleichterung und Freudenrufe, denn Wilhelm Tell hat getroffen! Er hat mit einem Pfeil den Apfel vom Kopf seines Sohnes geschossen. Ein Kunstschuss des Meisterschützen: der Apfel ist durchschossen, alle können aufatmen. Es ist die wohl berühmteste Musikszene mit einem Apfel.

Volksweise modern interpretiert

Weiter geht’s nach England. Auch hier hat der Apfel Spuren in der Musik hinterlassen. Auf ganz zarte und liebliche Art in einer traditionellen Volksweise.

Benjamin Britten hat diese Volksweise aus dem 15. Jh. arrangiert – ein Lied, in dem der Liebende seiner Liebsten einen Apfel überreicht und sich ihr damit sinnbildlich hingibt. 

Apfeltanz

In Tschechien wiederum hat Antonin Dvorak Volkslieder für sich entdeckt. Und weil der Apfelanbau in Mähren Tradition hat und die Landschaft prägt, muss es uns nicht wundern, wenn ein Lied den Titel „Der Apfel“ trägt. Das Duett wurde auch ins Deutsche übersetzt.

Wenn Dvorak Volkslieder bearbeitet, dann gewinnen die alten Lieder an Glanz und Raffinesse. Wie Äpfel liest er sie auf, verleiht ihnen seine eigene Handschrift und überführt sie zur hüpfenden Klavierbegleitung in eine fröhliche Tanzszene.  

Der Apfel als Belohnung

Eine ganz andere Apfelszene ist in Igor Strawinskys Ballett „Der Feuervogel“ zu finden. Hier gibt es im ersten Bild das „Spiel der Prinzessinnen mit den goldenen Äpfeln“, das Jeu des princesses avec les pommes d’or. Wie das Spiel aussieht? Die Musik malt es vors innere Auge. Man hört die Äpfel, wie sie über den Boden purzeln, wie sie sich die Prinzessinnen vielleicht auch gegenseitig zuwerfen, sie auffangen oder fallen lassen.

In der Oper: „Il pomo d’oro“ von Antonio Cesti wirft Eris, die Göttin der Zwietracht, einen goldenen Apfel in den Ring, mit der Aufschrift „Für die Schönste“ unter den feiernden Göttern des Olymps. Paris wird dazu bestimmt, ihn einer der Göttinnen zu überreichen. Kann man es Paris verdenken, dass er sich ausgerechnet für Aphrodite entschieden hat, die Göttin der Schönheit und der Liebe? Natürlich gehört ihr der goldenen Apfel!

Die Musik zeigt es: Äpfel können nicht nur gut schmecken, sondern auch gut aussehen und in gewisser Weise auch gut klingen.

Traumatische Vergangenheit

Ab den 1950er Jahren zog John William als erster Schwarzer Chansonnier Frankreichs ein Millionenpublikum in den Bann. Nicht nur mit Chanson-Klassikern, sondern auch mit Coverversionen von Kino-Soundtracks wie zum Beispiel „James Bond – Goldfinger“.

Zudem war er der erste, der den Bossa Nova in Frankreich populär machte. Dass der großgewachsene Afro-Franzose, der sich auf Plattencovern gerne in elegantem schwarzen Anzug präsentierte, 1944 von den Nazis wegen Unterstützung der Résistance in das KZ Neuengamme bei Hamburg deportiert wurde, erfuhr das Publikum erst am Ende seiner Karriere – unter anderem durch Dokumentarfilme der Journalisten Serge Bilé und Alexandre Rosada.

Geisel der Gestapo

Geboren wurde John William 1922 in der damaligen französischen Kolonie Elfenbeinküste. Seine Mutter stammte von dort und war Schwarz, sein Vater ein weißer Franzose aus dem Elsass.

In Paris absolviert William Ende der 1930er Jahre eine technische Ausbildung als Mechaniker bei Renault. Als die Nazis Frankreich besetzen, muss er in einer Firma arbeiten, die Suchgeräte für Flugzeuge herstellt. Nachdem ein Kollege dort Sabotage verübt, wird William mit 12 weiteren Arbeitern von der Gestapo als Geisel genommen. 

Inhaftiert, gefoltert. Man wollte den Namen des Saboteurs herausfinden, er hat ihn aber nicht verraten und er ist dann über das Durchgangslager Compiègne im Mai 1944 nach Neuengamme gekommen.

Mit im Konvoi waren zehn weitere Schwarze Häftlinge aus Frankreich und den Niederlanden, von denen die meisten ebenfalls Widerstand gegen die Nazis geleistet hatten.

Die Zeit nach dem KZ

John William hatte Glück im Unglück: In Neuengamme wird er in der Rüstungsproduktion eingesetzt, wo die Überlebenschancen größer waren. Nach der Befreiung kehrt er nach Paris zurück, nimmt Gesangsstunden und beginnt dann in Bars und Cabarets aufzutreten, mit Jazz-Standards.

Seinen Durchbruch erzielt er aber indem er Titelmelodien von Hollywood-Kinofilmen auf Französisch interpretiert, darunter viele Westernsongs. Sein größter Hit wurde „La Chanson de Lara“ aus dem Kino-Liebesdrama „Dr. Schiwago“. 1966 erhielt William für seine Interpretation den Preis für die meistverkaufte Schallplatte des Jahres. 

Schweigen über die Vergangenheit

Erst in den 1990er Jahren erzählte John William ausführlicher über seine Zeit im Konzentrationslager – unter anderem in seiner Autobiographie „Si toi aussi tu m´abandonne“. 

Danach tritt er als Zeitzeuge in Film und Fernsehen auf. Und bei Gedenkveranstaltungen von KZ-Überlebenden und Résistance-Mitgliedern, wo er unter anderem das antifaschistische Lied „Die Moorsoldaten“ vorträgt – auf französisch. 

2005 – sechs Jahre vor seinem Tod – wird John William für seine Verdienste zum Ritter der französischen Ehrenlegion ernannt. In Deutschland wird seit einigen Jahren in der Dauerausstellung der KZ-Gedenkstätte Neuengamme an sein Schicksal erinnert – und an das seiner Schwarzen Mithäftlinge.

Ein Musiker von erstaunlicher Vielfalt

Schon auf den letzten Seiten des Buchs wird klar: César Franck war ein Musiker von erstaunlicher Vielfalt. Das umfangreiche Werkverzeichnis am Ende des Buches offenbart eine Fülle an Kompositionen, die viele überraschen dürfte. Es lohnt sich, hier zu beginnen, um die Dimension seines Schaffens zu erfassen.

Noch ein Tipp: Das Vorwort des Autors sollte keinesfalls übersprungen werden. Matthias Kornemann warnt seine Leser: „Auf erlösende Lichtstrahlen muss [man] lange warten in dieser Erzählung.“ Doch wer sich auf Francks trostlosen Weg einlasse, werde Zeuge einer extremen Form künstlerischer Existenz.

Matthias Kornemann will wissen warum Leben und Werk sich derart verstörend anschweigen. Deshalb dreht der er bei dieser Biografie buchstäblich jeden Stein um, untersucht alles, was es an Quellen gibt.

Der Germanist und Musikwissenschaftler präsentiert alles, was den Komponisten über Briefen, Kritiken, Notizen greifbarer macht und bezieht dabei auch die gravierenden politischen und gesellschaftlichen Veränderungen des 19. Jahrhunderts mit ein. All das verbunden mit einem genauen Blick auf Francks Musik.

Vom Wunderkind zum Getriebenen

Die ungemein farbige Orchestrierung seiner d-moll Sinfonie habe seinen Ursprung in Francks Kindheit in Lüttich. Franck tourte als Wunderkind durch Europa. Doch mit Größen wie Chopin oder Liszt konnte er nicht mithalten. Sein Studium brach er ab, und erst später konnte er sein Talent entfalten.

Ein Grund dafür: die enge Kontrolle seines Vaters. Kornemann beschreibt, wie Francks Leben minutiös durchgetaktet war, vom Klavierunterricht bis hin zu den täglichen Wegen durch Paris. „Das unentrinnbare, manische Zeit- und Geldregiment dieser väterlichen Zwangsherrschaft prägte sich tief in Francks Wesen ein.“

Die Klangwelten eines Ausnahmetalents

Auch wenn César Franck bis heute für seine Orgelwerke, Sinfonien und Oratorien bekannt ist, zeigt Kornemann auch eine andere nur wenig beachtete Seite des Musikers.

Etwa das kleine, oft übersehene Werk „Andantino quietoso“ von 1843. „Ein eigenartiger Duft von Weihrauch und Lilien weht durch dieses kleine Stück, als wisse es nicht, ob es in die Kirche oder den Salon gehöre“, beschreibt der Autor poetisch.

Genau diese treffend bildhafte Sprache ist es, die diese Biografie trotz ihrer enormen Fülle über 300 Seiten so lesenswert macht. Die Welt des César Franck erschließt sich dabei nachvollziehbar biografisch, musikalisch wie auch historisch.

Paris im Wandel der Zeit

Jenseits der der Welt des César Franck, die vom Unterrichten und Orgelspielen geprägt ist, ist Frankreich politisch wie wirtschaftlich im Umbruch. Franck erlebt, wie französischen Großbanken, opulente Kaufhäuser und Eisenbahnlinien entstehen, die das Leben rasant verändern.

Das Paris, das wir heute wie einen nostalgischen Sehnsuchtsort betrachten, hatte für die Zeitzeugen nur noch geringe Ähnlichkeit mit ihrer vertrauten Lebenswelt.

Auch Francks geliebte Orgel wurde revolutioniert. Neue bautechnische Entwicklungen eröffneten ihm ganz neue klangliche Möglichkeiten, jetzt konnte er quasi sinfonisch für die Orgel komponieren.

Der Blick auf den ganzen Menschen

Wer César Franck als bisher vor allem als „frommen Orgelmann“ abgespeichert hatte, der bekommt bei Matthias Kornemann den Blick auf den ganzen Menschen. Einen, der kaum von sich reden macht und eher still sich treu bleibt.

Ein Musiker, der sich nach und nach zwischen Salons, Boulevards und Orgelbank im Spiegel der Zeit entwickelt hat. Warnt der Autor seine Leserinnen und Leser am Anfang, dass es eine steinige Zeitreise werden würde, sieht man am Ende einen Weg, der sich gelohnt hat.

Der Pianist Friedrich Gulda war zeitlebens ein Zerrissener und Getriebener, ein Hyperkreativer ohnehin. Der legendäre Pianist und Komponist diente nur sich selbst und seinen bevorzugten Komponisten. Werktreue war für ihn, der auch das Schrille und Schräge liebte, dabei nicht immer wichtig. Auf 84 CDs und einer DVD sind jetzt zum ersten Mal Guldas gesammelte Aufnahmen in einer Box erschienen, die zu spannenden Vergleichen und unerhörten Entdeckungen einlädt. SWR-Kritiker Manuel Brug ist begeistert.

Manchmal reicht eine einzige Entscheidung, um einen Ort für Jahrhunderte zu prägen. Mittenwald in Bayern ist so ein Fall: Seit dem späten 17. Jahrhundert steht der Ort für Geigenbau. Aus Norditalien brachte ein Handwerker das Wissen mit nach Hause – und legte damit den Grundstein für eine Tradition, die bis heute Musikerinnen und Musiker weltweit versorgt. Lukas Fleischmann war vor Ort.