Treffpunkt Klassik

Erstmals aufgeführt wurde Gottfried Heinrich Stölzels Oratorium „Der für die Sünde der Welt gemarterte und sterbende Jesus“ am Karfreitag 1725 in der Kapelle von Schloss Friedenstein im thüringischen Gotha. Heute ist das Stück besser bekannt unter dem Namen seines Textdichters: Brockes-Passion.

Viele Zeitgenossen Stölzels vertonten den Text des Hamburger Dichters, unter ihnen Telemann (1716, überarbeitet 1722), Händel (1719) oder Johann Sebastian Bach, der Auszüge aus Brockes' Texten in seiner Johannes-Passion verwertete.

Erstmals in Stuttgart zum 300. Jubiläum

In Stuttgart wird nun Jörg-Hannes Hahn die Aufführung mit dem Bachchor und dem Bachorchester dirigieren. Er habe die Idee einer Stölzel-Aufführung schon lange im Kopf gehabt, so Hahn. Ein Student habe ihm schließlich eine Version der Passion vorgelegt, die ihn überzeugte, das Werk zur Aufführung zu bringen.

Dass diese nun ausgerechnet zum 300. Jubiläum der Uraufführung stattfindet, sei ein glücklicher Zufall, erzählt Hahn im Gespräch mit SWR Kultur.

Von Bach für seine Kompositionen verehrt

Die Musik von Stölzel sei ganz eigenständig, erklärt der Dirigent. Bach habe den Kollegen, der ab 1719 herzoglich-sächsischer Hofkapellmeister in Gotha war, verehrt. Man merke der Musik an, dass sie sehr fantasievoll und tief empfunden werde, so Hahn.

Die Arien seien wesentlich kürzer als in den Bach-Passionen, jedoch sehr farbenreich. Hahn erzählt von den berührenden Arien des Werks: Wenn etwa Maria mit Jesus singt „Soll mein Kind mir wirklich sterben“, getragen von Pizzicato der Streicher, dann, so Jörg-Hannes Hahn: „Das Herz stockt, wenn man das liest.“

Auch Jesus singt in Stölzels Passion nicht nur Bibel-Verse. Er hat auch eigene Arien. Dass der Komponist die Streicher in norddeutscher Besetzung spielen lasse – zwei Violinen, zwei Bratschen und Continuo – ergebe einen unheimlich schönen, seidigen Streicherklang.

Wiederentdeckung in einer Truhe hinter der Orgel

Viele Kompositionen von Gottfried Heinrich Stölzel sind über die Jahrhunderte verschollen. Die Passion ist heute nur dank einem Zufall überliefert: Eine Kopie wurde 1870 im Hoftheater Sonderhausen entdeckt, wo sie in einer Truhe hinter der Orgel verstaut und vergessen worden war.

Diese wurde vom deutschen Dirigenten und Cembalisten Ludger Rémy im 20. Jahrhundert neu vertont und 1997 vom Telemannischen Collegium Michaelstein eingespielt. In Stuttgart ist allerdings eine andere Vertonung zu hören.

Mein Hals-Nasen-Ohren-Arzt meinte einmal, ich hätte Stimmbänder wie Drahtseile. Davon abgesehen, dass Sie sich jetzt selbst überlegen können, ob das ein Kompliment war oder nicht, war dies als auftretender Künstler fast 30 Jahre lang eine Art Berufsunfähigkeitsversicherung für mich.

Trotz 150 Auftritten im Jahr hielt meine Stimme immer durch. Bis zum letzten Winter. Da erwischte auch mich mal eine Stimmbandentzündung. Und abgesehen davon, dass ich auf der Bühne für zwei Wochen klang wie der uneheliche Sohn von Tom Waits, hatte ich ja noch Glück im Unglück: Ich musste ja nur sprechen.

Was, wenn ich statt Satiriker Sänger geworden wäre? Ich hörte ja, wie die hohen Vokale meiner Sätze wegbrachen und jeder kunstvoll rhythmisierte Satz wie eine zerkratzte Schallplatte holperte und sprang.

Gewaltiger Respekt vor Bühnen-Sängern

Und jetzt eine kleine Beichte: Ja, ich habe, trotz meiner begrenzten Musikalität, auch schon auf der Bühne gesungen. Als Schauspieler, z.B. in „My Fair Lady“ oder der „Dreigroschenoper“.

Gut, bei Kurt Weill könnte man jetzt ketzerisch sagen, sind auch schiefe Töne mit eingepreist, aber spätestens seit diesen Bühnenerfahrungen habe ich gewaltigen Respekt vor Menschen, die auf der Bühne singen. Auch inhaltlich manchmal.

Denken Sie an Sätze aus Wagners Werken wie: „Erquickung schaff ich. Labung biet ich dem lechzenden Gaumen. Wasser, wie du gewollt!“ Das kann ich gerade mal sprechen, aber singen? Unvorstellbar! 

Zähneputzen für vollmundigen Klang

Und ich frage mich, was Sänger tun, um ihre Stimmen fit und geschmeidig zu halten. Enrico Caruso wird nachgesagt, er hätte sich vor einem Auftritt sehr ausgiebig die Zähne geputzt, Alice Cooper isst haufenweise Lakritz, Mariah Carey nur lila Lebensmittel, soviel Aufwand für eine bessere Stimme.

Gut, es gab auch noch die Tradition der Kastratensänger, die auf sehr viel mehr verzichten mussten. Das ginge mir persönlich aber doch zu weit.

Unsere Stimme ist einzigartig

Als beruflich Sprechender frage ich mich ja immer wieder, wie meine Stimme auf andere Menschen wirkt. Mehr noch: Wie meine Sprache auf andere wirkt. Das Deutsche, dem ja nicht immer ein besonders betörender Klang nachgesagt wird. Aber so geht es uns ja auch mit uns unbekannten Sprachen.

Klingt Japanisch nicht immer ein wenig wütend? Sprechen alle Italiener in schnellem Vorlauf? Und finden Sie nicht auch, dass selbst die fröhlichsten Sätze im Russischen klingen, als wäre ihr Sprecher von tiefer Melancholie gebeutelt? 

Die Sprachen der Welt klingen auf uns so unterschiedlich wie die Stimme jedes Einzelnen. Selbst der gewiefteste Stimmenimitator der Welt wird durch ein Spektrogramm entlarvt, so einzigartig sind Artikulation, Tonhöhe, Farbe und Rhythmus unserer eigenen Stimme. Sie macht uns zu etwas Einzigartigem wie der Finger- oder Ohrabdruck.

Wenn wir ganz ehrlich sind, müssen wir Menschen aber dennoch erkennen, dass wir auch in Sachen Stimme nur zweitklassig sind. Vögel zum Beispiel können bis zu drei Töne gleichzeitig singen. Das hat nicht mal die Callas hingekriegt.

Selbst die schönste Musik kann nichts tun gegen ihre eigene Vergänglichkeit. Kaum, dass die Töne da sind, sind sie verklungen. Eben noch Gegenwart, ist der musikalische Ton schon wieder Vergangenheit.

Viele Philosophen haben sich diesem geheimnisvollen Wesen der Musik angenommen. Christoph Türcke aber geht in seiner „Philosophie der Musik“ noch einen Schritt weiter. Er zeigt eindrucksvoll: Nicht nur die Musik an sich, sondern auch musikalische Kunstwerke, führen ungezählte Vergangenheiten mit sich:

Wo die Musik ganz Gegenwart ist, ist sie nicht nur ganz Gegenwart. Wo immer sie Unerhörtes erklingen lässt, schwingt auch Nicht-mehr-Hörbares und Verstummtes mit.

Prinzessinnengehör statt Erbsenzählerei

Dafür seien alle großen Komponisten der Neuzeit empfänglich geblieben, so Türcke, und zieht Vergleiche zu einer Figur des berühmten dänischen Märchendichters: „Wie Hans Christian Andersens Märchenfrau, die durch all die Matratzen hindurch, auf deren oberster ihr das Nachtlager bereitet wurde, dennoch die kleine Erbse spürte; nur dass da etwas war, was sich durch alle Dämpfungen hindurch mitteilte. Das war der Test, der sie als ‚echte‘ Prinzessin erwies.“

Schöner hätte der Autor sein eigenes Vorhaben kaum in Worte fassen können. Wo manche Musik-Geschichtsschreiber nur Erbsen zählen oder versucht sind, die Prinzessin auf den Boden der Tatsachen zu holen, da geht Christoph Türcke ganz weit zurück.

Er horcht wie mit einem Prinzessinnengehör tief hinab zum Ursprung der Musik, tief hinein in die Ur-Geschichte des Menschen. Nicht umsonst nennt er sein Vorhaben eine „musikarchäologische Expedition“. Und er zeigt dabei, wie in musikalischen Kunstwerken archaische Grundstrukturen und uralte mentalitätsgeschichtliche Traditionen fortwirken.

Warum klingt der Doppelschlag bei Mahler nicht banal?

Zum Beispiel bei Gustav Mahler. Da stößt uns Christoph Türcke auf eine an sich ganz lapidare Verzierungsfigur, den Doppelschlag: vier Töne, die einen Grundton umkreisen . Etwa im „Lied von der Erde“, aus Mahlers Spätwerk:

„Warum klingt der simple Doppelschlag bei Mahler nicht banal? Warum mutet er an wie eine archaische rituelle Formel, die ‚von weit, weit her‘ kommt und den Komponisten lediglich zu ihrem Mundstück erwählt hat?“, fragt Türcke.

Er kommt zu folgendem Schluss: „Offenbar weil diese simple Figur […] tatsächlich Ältestes chiffriert: den Namen. Wenn Opferkollektive ihre Auserwählten umringten und überwältigten, so übertönten und umkreisten sie deren Schreien zugleich durch […] das Namenstremolo. Mit dessen Dehnung und Ausgestaltung zur Klage begann Musik.“

So begann auch Mahlers eigener Weg als Komponist – nämlich mit der Kantate „Das klagende Lied“. Christoph Türcke durchleuchtet auch sie, die auf dem Märchen „Der singende Knochen“ beruht, der wundersamen Geschichte einer Knochenflöte, die nah angesiedelt ist am Ursprung der Musik. In der Figur des Doppelschlags wird sich, laut Türcke, in Mahlers späteren Werken alle Klage bündeln und zusammenziehen. In seinem Opus 1 erscheint sie noch zu einem ganzen, klagenden Lied ausgedehnt.

Nähe von Mahler zu ältesten Knochenflöten

„Der Spielmann schnitzt den Knochen zur Flöte, setzt an – und bläst ein Lied, das nicht seines ist, sondern ihn mit unwiderstehlich fremder Macht aus der Vergangenheit überkommt“, so Türcke. „Wie weit sind Mahlers atemberaubende Tonlagen von den ältesten Knochenflöten aus der Schwäbischen Alb entfernt, und wie nah sind sie ihnen doch!“

Nur eine Musik, die sich in dem wörtlichen Sinne aufrührerisch zur Vergangenheit verhält, dass sie unerledigtes Altes wieder aufrührt, hat die Kraft für Neues. Unerhört Neues muss nicht zwingend besonders dissonant klingen. Entscheidend ist, dass es „von weit, weit her“ kommt; ob aus versunkener Vergangenheit oder unentdeckter Zukunft ist beim ersten Hören oft kaum entscheidbar.

So auch in Mozarts „Zauberflöte“. Auch in ihr entdeckt Christoph Türcke Rückgriffe auf Uraltes, Ur-Menschliches. Dann etwa, wenn dem Naturburschen Papageno zur Strafe ein Schloss um die Lippen gehängt wird. Der kann daraufhin weder sprechen noch recht singen:

„Dies verhinderte Singen im Andeutungsmodus wirkt ebenso anrührend wie komisch“, erklärt Türcke. „Es ist in einen vormenschlichen Zustand zurückversetzt, wo es noch nicht eigentlich Melodie, sondern gerade noch Naturlaut ist, der […] fernste Vergangenheit nachklingen lässt: jene Artikulationsweise, die den Hominiden einst durch aufrechten Gang und abgesenkten Kehlkopf zuteil wurde: das Hmmmmm.“

Diese Lektüre ist eine lohnende Herausforderung

Überraschende Einsichten wie diese machen die Lektüre dieser „Philosophie der Musik“ zu einem echten, inspirierenden Erlebnis. Wie oft bleibt die Deutung von Musik im enggesteckten Rahmen rein musikgeschichtlicher Erklärungsmuster hängen oder verpufft im Klein-Klein musiktheoretischer Analyse.

Nicht so bei diesem Autor: Noch in einigen herausragenden Beispielen des Jazz, der Rock- und Popmusik erkennt Christoph Türcke Spuren und Strukturen frühester Menschheitsgeschichte und macht damit hellhörig für das, was sich in der Musik geschichtet hat an Jahrtausende alter Geschichte.

Ein monumentales Buch von knapp 500 Seiten Umfang, geschrieben in einer wohltuend eleganten Sprache, die auch immer wieder dem Staunen des Autors Ausdruck verleiht . Das sind keine Selbstverständlichkeiten bei einem Vertreter der akademischen Zunft. Wer Christoph Türckes „Philosophie der Musik“ liest, der nimmt zweifellos eine Herausforderung an, wird aber reich belohnt. Und kommt dem Geheimnis der Musik vielleicht sogar einen kleinen Schritt näher.

Edith Wiesmüller spricht mit Malte Hemmerich über ihre Erfahrungen als Musiktherapeutin in der Arbeit mit traumatisierten Menschen. Ob die Musik ihnen nicht nur helfen, sondern sogar gefährlich werden kann und welche besondere Kraft die Musik von Johann Sebastian Bach hat, das verrät Edith Wiesmüller im Gespräch.

„Sie sind unser Mensch!“: Mit diesem Satz begann einst die Zusammenarbeit zwischen dem Bariton Benjamin Appl und dem Komponisten György Kurtág. Der Satz stammt von Márta Kurtág. Jetzt hat Appl ein neues Album veröffentlicht und widmet es dem legendären Musiker-Ehepaar. Lieder von Kurtág und Schubert finden sich darauf. Bei zweien, ganz am Schluss, sitzt der heute 99-jährige Komponist sogar selbst am Klavier.

Die Osterfestspiele 2025 stehen in Baden-Baden auch im Zeichen des Abschieds: Es werden die letzten Festspiele mit den Berliner Philharmonikern sein. Walter Küssner ist seit 1989 Bratschist und zudem Archivar bei den Berliner Philharmonikern und blickt im Musikgespräch auf die vergangenen Jahre des Spitzenorchesters in Baden-Baden zurück.

Im Berlin der 1920er- und frühen 1930er-Jahre war Hanns Eisler einer der führenden kreativen Künstler-Köpfe, auch später im amerikanischen Exil. Bekannt geblieben ist Eisler vor allem als Komponist der DDR-Nationalhymne, dabei haben ihn auch seine Lehrjahre bei Arnold Schönberg wesentlich geprägt.

Jetzt hat der Pianist Steffen Schleiermacher eine Aufnahme mit Eislers Klavierwerken vorgelegt.

Die erste Gesamtaufnahme

Alessandro Scarlatti steht heute etwas im Schatten seines hochbegabten Sohnes Domenico, der als Genie der Cembalo-Sonate in die Musikgeschichte einging.

Doch auch der Vater konnte komponieren und schrieb im ersten Jahrzehnt des 18. Jahrhunderts in Rom, wo damals die Oper verboten war, zahlreiche Oratorien.

Unter ihnen ist auch „Il Giardino di Rose“ – „Der Rosengarten“, von dem jetzt die erste Gesamtaufnahme erschienen ist. SWR-Kultur-Kritikerin Susanne Benda hat sich sofort in die Musik verliebt.

Es gibt mindestens fünf verschiedene Josephine Bakers: die hungernde Straßengöre von St. Louis, das schwarze Sex-Symbol im Bananenröckchen, die „Familien-Josephine“ mit ihrer vielen Adoptivkindern, die Freiheitskämpferin und natürlich: „La Baker“, die Diva.

Das Sex-Symbol

Sie ist schrecklich. Sie ist hinreißend. Ob sie schwarz ist oder weiß, ob sie Haare oder einen schwarzbemalten Schädel hat, niemand weiß es. 

So zitiert Maurice Sauvage in einer von insgesamt fünf Autobiografien einen Premieren-Besucher der „Revue nègre“ vom 2. Oktober 1925 in Paris. Ein 19-jähriges Broadway-Sternchen kann darin, so heißt es in einer Zeitung von Oktober 1925 „ihren Körper nahezu unbegrenzt verrenken und dazu Schielaugen machen.“

Es ist das Publikum, das Stielaugen macht – mit wenig auf ihrer dunklen Haut triggert eine Tänzerin, was unter der hellen ihres Publikums liegt: kolonialistische Sehnsüchte nach Sinnlichkeit und Sex, Urwald und Exotik – gefeiert als Göttin, begafft wie ein Tier.

Aufgeregte Öffentlichkeit

Josephine Baker zieht gegen Voyeure blank, Presse und Publikum loben und toben; hier stellvertretend der französische Autor Pierre de Régnier: „Dieser Tanz von seltener Unanständigkeit ist ein Triumph der Geilheit.“

In Wien gibt es Gottesdienste gegen Josephine Bakers Auftritte, in Argentinien präsidiale Verfügungen dafür – auf einem Bananenröckchen baut die Tänzerin eine Weltkarriere auf, komplettiert sich durch Gesangs- und Schauspielunterricht zur bestbezahlten Entertainerin der Alten Welt.

In den Berliner Magazinen und Zeitungen stand, ich sei eine Gestalt des zeitgenössischen deutschen Expressionismus, des deutschen Primitivismus und so weiter ... Sie sind schon witzig.

Die Stil-Ikone

Josephine Baker wird zur Stil-Ikone: Paul Colin, Raoul Dufy und Kees van Dongen malen sie, Cocteau und Covarrubias entwerfen Bühnenbilder und Kostüme, Adolf Loos gleich ein ganzes Haus für sie.

Henri Matisse hängt einen lebensgroßen Scherenschnitt von ihr in seinem Schlafzimmer auf. Alexander Calder baut sie als Drahtfigur, Charlotte Perriand designt eine Möbelserie nach ihrem Haarschnitt.

Dazu Maurice Sauvage in Bakers Memoiren: „Josephine Baker verkörpert etwas Außergewöhnliches, und ihr Erfolg stellt etwas ebenso Außergewöhnliches dar – diese besondere intuitive Lebendigkeit und Intelligenz, mit der sie sich immer auf wunderbare Weise anzupassen wusste, ohne sich je zu unterwerfen.“

Kampf gegen Rassismus

Im Krieg spioniert Josephine Baker für die Résistance, macht öffentlich Truppenbetreuung, versteckt Waffen und Flüchtlinge, erhält mehrere Orden, doch später sagt sie: „Als ich die Freiheitsstatue am Horizont verschwinden sah, wusste ich: Jetzt bin ich frei!“

1936 und 1951 wird sie auf US-Tourneen rassistisch angefeindet. 1963 spricht Josephine Baker vor 200.000 Menschen beim Marsch auf Washington, direkt vor Martin Luther Kings berühmter „I Have a Dream“-Rede: „Dies ist der glücklichste Moment meines ganzen Lebens“

Mit zwölf Adoptiv-Kindern aus aller Welt setzt Baker Rassismus ein starkes Statement entgegen.

Geldsorgen

Für diese Kinder braucht sie aber Geld. Immer wieder von der Pleite bedroht und 1964 endgültig aus ihrem Schloss in der Dordogne vertrieben, muss sie immer wieder auf die Bühne.

Ich habe dieses künstliche Leben satt, das grelle Scheinwerferlicht. Als Bühnenstar habe ich mich niemals wohlgefühlt.

Die Diva

Gleichzeitig aber ist sie „La Baker“, die Diva, die etwa 1950 den Hamburger Konzertveranstalter Kurt Collien strapaziert:

„Ich stand gestern mit meinen Blümlein am Flughafen – wer nicht ausstieg, war Josephine Baker! Dann rief ich sofort Paris an: Sie führe mit dem Nachtzug, das sei angenehmer. Wir stehen heute früh wieder am Bahnsteig 4 – Josephine Baker ist nicht da! Wir hatten vereinbart in der vorigen Woche telefonisch, dass heute früh um elf Uhr die Proben sein sollten. Punkt viertel vor elf fährt sie mit einem Wagen vor – da ist sie diese 1.000 km von Paris heute Nacht durchgefahren: ‚Ich habe vier entzückende, zauberhafte neue Kleider mitgebracht.'“

20.000 Menschen bei Beerdigung

Am 8. April 1975 begeht Josephine Baker in der Pariser Music Hall „Bobina“ ein letztes Comeback. Der französische Staatspräsident Giscard d‘Estaing schickt ein Glückwunschtelegramm, die Presse lobt: „Josephine Baker scheint die Schönheit und die Vitalität der Jugend gepachtet zu haben.“

Vier Tage später ist die 69-Jährige tot – ein Schlaganfall. 20.000 Menschen geben ihr das letzten Geleit. 46 Jahre später, am 30. November 2021, wird Josephine Baker in die französische Ruhmeshalle, den Panthéon, aufgenommen.

Mit lauter und rythmischer Musik zum Erfolg

„Studien belegen, dass Parkinson-Betroffene beweglicher werden, wenn sie nur zehn Minuten lang laute, rhythmische Musik hören“, sagt Professor Stefan Mainka.

Der Musiktherapeut und Rehabilitationswissenschaftler arbeitet in einer Parkinson-Fachklinik in Brandenburg und berichtet am Welt-Parkinson-Tag über die erstaunlich positiven Effekte von Musik in der Parkinson-Therapie.