Treffpunkt Klassik

In den deutschen Radios ist Adolf Hitler das letzte Mal am 30. Januar 1945 zu hören. Der Rundfunk solle einmal mehr seine propagandistische Kraft entfalten und die Deutschen mit Durchhalteparolen auf den beharrlichen Widerstand einschwören. Mit dem „Sender Werwolf“ wird dafür am 1. April 1945 sogar ein Untergrundradio etabliert. Einen Monat später begeht Hitler Selbstmord. 

Verklärungspropaganda nach Hitlers Tod 

Im Reichssender Hamburg erklingt das Adagio aus der siebten Sinfonie von Anton Bruckner. Danach wird Hitlers Tod am 1. Mai 1945 um 22:25 Uhr vermeldet. 

Aus dem Führerhauptquartier wird gemeldet, dass unser Führer Adolf Hitler heute Nachmittag, bis zum letzten Atemzuge gegen den Bolschewismus kämpfend, für Deutschland gefallen ist.

Die Verklärungspropaganda wird am Tag darauf vom Reichssender Böhmen in Prag aufgegriffen. Anschließend spielt der Sender Franz Schuberts Sinfonie Nr. 7, die „Unvollendete“.  

Kapitulation und Funkstille beim Reichssender Flensburg 

In den folgenden Tagen übernehmen die Alliierten die Rundfunksender. Einzig in Flensburg existiert noch eine aktive deutsche Radiostation.

Am 7. Mai verkündet Lutz Graf Schwerin von Krosigk die bevorstehende „Bedingungslose Kapitulation der Wehrmach“ und mahnt in einer bizarren Rede deutsche Tugenden an. Anschließend wird Bruckners siebte Sinfonie gespielt. Es ist wieder diese Sinfonie, die den Zusammenbruch des sogenannten „Dritten Reichs“ untermalt. 

Am 9. Mai folgt die letzte Ausstrahlung des Reichssenders Flensburg. Nach der Funkstille erklingt als allerletztes Musik: der zweite Satz aus Joseph Haydns Streichquartett in C-Dur, dessen Melodie für die Deutsche Nationalhymne verwendet wird.

Schwungvolle Eleganz, markante Rhythmik

An den Anfang seines Albums stellt das Kebyart Ensemble Ravels Evergreen „Le Tombeau de Couperin“. Dieses Arrangement für Saxofon-Quartett fließt so natürlich, dass man meinen könnte, Maurice Ravel hätte es für diese Besetzung geschrieben. Schwungvolle Eleganz, markante Rhythmik und plaudernde Melodien – es sind gleich alle Zutaten dabei, die das Kebyart Ensemble zu einem gefeierten Saxofon-Quartett machen. 

Technische Virtuosität und guter Geschmack zeichneten auch den Jubilar Ravel aus, der als Komponist ebenso wie als Klaviervirtuose Erfolge feierte. Seine musikalische Liebe galt jedoch dem Holzbläserklang in seiner ganzen Vielfalt, dazu gehört auch das Saxofon.

Auf diesem Album kann die Schönheit dieser Instrumentenfamilie bewundert werden: Vom goldschimmernden Sopran über die warmen Mittelstimmen von Alt und Tenor bis zum sonoren Schnarren des Baritons.

Erstaunlich authentisch

Mit „Le Tombeau de Couperin“ hat Ravel der französischen Barockmusik ein Denkmal gesetzt. Das Kebyart Ensemble folgt diesen Spuren und hat seinerseits eine Cembalo-Suite von Jean-Philippe Rameau arrangiert. Obwohl es das Saxofon zu Rameaus Lebzeiten noch gar nicht gab, klingt diese Bearbeitung erstaunlich authentisch.

Der Sound erinnert an das Chalumeau, einen Vorläufer der Klarinette. Stimmig wird die Einspielung jedoch vor allem dadurch, wie das Kebyart Ensemble spielt: Ganz im Sinne historischer Aufführungspraxis atmen die Melodien, wobei sich die Stimmen im polyphonen Geflecht flexibel umspielen. 

Spanische Musiker spielen spanisch/französische Komposition

Den Höhepunkt des Albums bilden zwei zeitgenössische Kompositionen, sie sind eigens für dieses Projekt entstanden und wurden inspiriert von den beiden Komponisten Ravel und Rameau. Die erste stammt von Mikel Urquiza. Er kommt wie das Kebyart Ensemble aus Spanien, hat jedoch am Pariser Konservatorium studiert und ist eng mit der französischen Kulturszene verbunden. Das bezeugt auch sein Werk „Les Perfectibilités“.

Alles passt!

Die zweite Neukomposition des Albums stammt von Joan Pérez-Villegas, ebenfalls aus Spanien. Er stellt mit „Debout, Maurice“, übersetzt „Aufwachen, Maurice!“ eine kreative Frage: Wie würde Ravel klingen, wenn er heute leben würde? Die Antwort mischt auf originelle Weise Ravel-Zitate mit moderneren Musikstilen.

Auf diesem Album stimmt einfach alles: „Unraveled“ kombiniert höchstklassiges Ensemblespiel mit einer cleveren Album-Dramaturgie und zwei wertvollen Neuschöpfungen für die Gattung Saxophonquartett.

Die Musik, mit der sich das NS-Regime feierte, kommt monumental und pathetisch daher. So auch eine Passage aus Franz Liszts „Les Préludes“. Mit Beginn des sogenannten „Russlandfeldzuges“ im Juni 1941 wird Liszts Komposition kurzerhand zur „Russland-Fanfare“ umgewidmet.

Wo die Historie nichts Passendes hergibt, wird selbst komponiert. Vermutlich finden sich in der kompletten Musikgeschichte nicht so viele „Fanfaren“, wie in der Zeit zwischen 1933 bis 1945.

Schlager vom Tanz- und Unterhaltungsorchester

Im Tagesgeschäft des Rundfunks dominiert eine andere Musikfarbe. Neben den unvermeidlichen Militärmärschen soll es hier leicht und heiter sein. Das eigens dafür ins Leben gerufene Deutsche Tanz- und Unterhaltungsorchester spielt Schlager, die dezent „angeswingt“ sind – trotz offiziellem Jazzverbot.

Eine der beliebtesten Radiosendungen ist das „Wunschkonzert für die Wehrmacht“. Hier konnten Soldaten per Feldpost Musikwünsche äußern.

Die launig präsentierte Musik sollte die Anmutung erzeugen, dass der Krieg mit einem netten Liedchen viel leichter von Hand geht. Selbst das Sterben an der Front wird mit rührseligen Schlagern bedacht.

Die Kriegsrealität holt die Radios ein

Je weiter der Krieg voranschreitet, desto mehr scheint diese Flucht ins Triviale unangebracht. Im Mai 1941 wird das „Wunschkonzert“ eingestellt.

Die Realität des Kriegs wird auch im Radio immer greifbarer. Luftlagemeldungen und ein deutlich reduziertes Programmangebot sprechen von den Bombardements und dem Vorrücken der Alliierten.

Leon Botstein ist Gründer des „The Orchestra Now“, ein Orchester das in den gesamten USA bekannt ist. Nun sind sie auch in Deutschland bei einem Konzert in Koblenz zu hören und der Dirigent Leon Botstein erklärt, wieso er dieses Orchester gegründet hat. Im Musikgespräch erzählt er außerdem, wie die Lage der Musik unter Donald Trump ist und wie er den Zugang zu Klassischer Musik von deutschen Komponisten gefunden hat.

Lebendig, lässig und zeitgemäß

Wenn es mir schlecht geht oder ich traurig bin, gibt mir die Musik sofort einen Kick: Ich fühle mich besser, Ängste und Sorgen rücken in den Hintergrund.

Musik hat für die empfindsame Sängerin und Songschreiberin Kat Eaton eine enorme Kraft. Musik gibt ihr Trost und hat eine äußerst positive Wirkung auf ihre Stimmung. Musik ist ihr Leben. Mit ihrem aktuellen Album „Honestly“ knüpft sie an den Vorgänger „Talk To Me“ an und führt ihre musikalische Arbeit konsequent fort: Neben dem Blues sind es auch Soul- und Gospel-Elemente, die Eaton in den Sound einfließen lässt: wie etwa Bläser und Gospel-Chöre. Das Ganze klingt lebendig, lässig und zeitgemäß. 

Im Song „Addicted“ auf „Honestly“ zeigt Keaton sich von einer feinfühligen Seite. Sie weiß, wie schnell man in eine toxische Beziehung gerät. Deshalb warnt sie davor, dem Partner zu verfallen.

Frühe Inspiration

Immer ist Musik um Eaton. Jeden Sonntag schwingen die Wände ihres Elternhauses zum Rhythmus der Schallplatten, die ihr Vater gegen sieben Uhr morgens auflegt. 

Es waren wunderbare Momente mit meinem Vater. Eine meditative Atmosphäre, diese Schallplatten mit ihm zu hören, die Plattencover vor mir zu haben und die Liedtexte intensiv zu studieren. 

So lernt Eaton diverse Künstler, viele Bands und verschiedene Sounds kennen: Mit noch nicht einmal zehn Jahren ist sie schon mitten der Musikszene der frühen Neunziger. Sie entdeckt immer mehr ihre Liebe zu Blues, Soul, Jazz und Gospel.

Learning by Doing

Das Debütalbum „Talk To Me“ legt 2021 den Grundstein ihrer Karriere und macht Eaton in Großbritannien bekannt. Sie hat kein Studium der Musik gemacht. Learning by Doing heißt ihre Lernmethode, experimentieren und selbst ausprobieren.  Ab und und zu hatte sie mal ein paar Gesangsstunden.

An ihrer wunderbaren Stimme will sie weiterarbeiten, sich intensiv mit Jazz beschäftigen und unbedingt das Scatten lernen. Das ist eine spezielle Form des improvisierten Gesangs im Jazz und Gospel, bei der der Sänger Silben und Wortfragmente verwendet, um instrumentale Phrasen nachzuahmen. Nun gibt Eaton am 1.05. ein Konzert in Stuttgart. 

Eaton verwendet Live-Instrumente. Sie greift den klassischen Vintage-Sound auf und aktualisiert ihn für das 21. Jahrhundert mit zeitgenössischen Verzierungen. Sie setzt sich in ihren Songs mit wichtigen Themen auseinander, die uns alle angehen – und das mit einer umwerfenden Stimme.

Ein eigenes, unveröffentlichtes Stück mit dem renommierten SWR Symphonie Orchester gemeinsam an der Musikhochschule Freiburg inszenieren: Dieser Traum geht derzeit für eine Hand voll Musikerinnen und Musiker aus aller Welt in Erfüllung. Sie haben sich in einem internationalen Wettbewerb durchgesetzt und dürfen ihre Werke am 1. Mai beim Abschlusskonzert einem großen Publikum präsentieren. Damiàn Correa Koufen mit einem kleinen Werkstattbericht von den Proben in Freiburg.

Cornelia Bend ist die neue künstlerische Leiterin der Schwetzinger SWR Festspiele. Die ersten Festspiele unter ihrer Leitung tragen das Motto „Verführung“. Das Festival wird am 1. Mai eröffnet und endet am 31. Mai. Auf welche verführende Musik man sich freuen darf und welche Ideen sie für die Festspiele mitgebracht hat, erzählt sie im Musikgespräch.

Die Komödie „Adam und Eva“ von Peter Hacks ist wunderbare Vorlage für eine Oper, dachten sich die Librettistin Anne-May Krüger und ihr Mann, der amerikanische Komponist Mike Svoboda. Und haben nun für die Schwetzinger SWR Festspiele ein neues Musiktheaterstück geschrieben – passend zum diesjährigen Festival-Motto „Verführung“.

Am 2. Mai wird die Oper „Adam und Eva“ im Rokokoschloss Schwetzingen uraufgeführt.

Bei der GEMA wird zwischen „Ernster“ und „Unterhaltungs-“ Musik unterschieden. Begrifflichkeiten, die den Komponisten und Präsidenten des Deutschen Komponist*innenverbands Moritz Eggert schon immer gestört haben.

Nun will die GEMA die Ausschüttung reformieren, doch sie wirft mit falschen Zahlen um sich, meint Eggert. Eine Reform sei prinzipiell notwendig, doch in anderer Form als angedacht, erzählt er im Gespräch.

Mit dieser Personalie hat wohl niemand gerechnet: Friedrich Merz will den konservativen Publizisten und Verleger Wolfram Weimer zum Kulturstaatsminister machen.

Der ist bisher allerdings wenig mit Kulturinteresse aufgefallen, anders als seine Vorgängerinnen und Vorgänger. Dafür umso mehr als konservativer, wirtschaftsliberaler Manager von Zeitschriften. Hannah Schmidt fragt sich in einem persönlichen Essay: Wohin soll das führen?