Treffpunkt Klassik

Am Staatstheater Stuttgart feiert diesen Sonntag Verdis „Otello“ Premiere – ein Werk, in dem aus heutiger Sicht jede Menge Zündstoff steckt: Manipulation, Rassismus und Femizid. Die neue Inszenierung von Regisseurin Silvia Costa will daher die Figur Otello auch aus einer postkolonialen Perspektive hinterfragen. Was das genau bedeutet und welche unlösbaren Probleme dabei aufkommen, erzählt Ulrich Wiederspahn.

Pietari Inkinen war seit 2017 Chefdirigent bei der Deutschen Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern. Jetzt geht die Zusammenarbeit zu Ende und der Dirigent widmet sich seinen internationalen Verpflichtungen. Mit Mahler und Bruckner endet die Ära bei der DRP für ihn. Im Musikgespräch erzählt er über diese Zeit und was er vermissen wird.

Wie ein Lauffeuer musizieren Raphaël Pichon und sein Ensemble Pygmalion das Gloria aus Bachs h-Moll-Messe: Die Flammen schlagen empor, sie entfachen einen Flächenbrand, mit dem der heilige Geist sich ausbreitet.

Sie rufen die frohe Botschaft hinaus in die Welt. Buchstäblich begeistert, sodass es gar nicht schnell genug gehen kann. Alle sollen es wissen!

Ein Kollektiv entflammter Individuen

Dabei führt Pichon weder das Orchester noch den mit 30 Stimmen schlank besetzten Chor wie einen Block. Man hört eher ein Kollektiv vieler entflammter Individuen: Jede Stimme zählt bei diesem unablässigen Rufen und Antworten. 

Es entsteht ein tänzerischer Strom rotierender Bewegungen. Das Musizieren wirkt frei und aktiv, es ist ereignisreich bis ins kleinste Detail. Und auf eine mitreißende Art beschwingt.

Kreuzigung als handgreifliches Drama

Wie aber funktioniert das Konzept, wenn es brutal zur Sache geht? Pichon vergegenwärtigt das Crucifixus als handgreifliches Drama. Er führt uns das Einhämmern der Nägel und die qualvolle Prozedur der Kreuzigung drastisch vor Ohren. 

Auch der Lamento-Bass klingt wie eine gnadenlose Misshandlung, Schlag um Schlag. Der Chor ist dagegen auf das menschliche Mitgefühl ausgerichtet. Er bringt mit schmerzerfüllten Melodiebögen die Trauer und Empörung zum Ausdruck.

Und doch erwächst aus der ohnmächtigen Qual neuer Trost: die Kraft der Mitmenschlichkeit. Die Gemeinde versammelt sich um das Kreuz im geteilten Leid. Ein humanes und solidarisches Musizieren.

Schwereloser Auferstehungsjubel

Aber dann fliegen sie davon. Als tönende Himmelfahrt gestaltet Pichon die Auferstehung im luftigen, schwerelosen Auftrieb. Die ganze Last der Hinrichtung Christi fällt in sich zusammen, nichts drückt die Musik jetzt mehr zu Boden. 

Und diese ausgelassene Unbeschwertheit übersetzt er in flotte, zündende Tempi. Pichon feuert die Sängerinnen und Sänger an, die selbst die schwierigsten Koloraturen so virtuos ausführen, dass alles schwerelos voraneilt. Der Auferstehungsjubel findet kein Halten mehr. Was zählt, ist das Wir.

Nicht auf Überwältigung angelegt

Das Sanctus ist bei Pichon keine ferne himmlische Erscheinung, sondern verströmt Wärme und Zusammenhalt.

Nichts ist hier auf Überwältigung angelegt. Die Musik geht von Herz zu Herzen, sie schwillt wellenartig an und ab, wie bei einem Reigen. Wir haken uns unter. Das Heilige wird nicht von oben verfügt, es entsteht als Graswurzelbewegung von unten. Und so endet alles im vollkommenen Glück.

Raphaël Pichon gestaltet die h-Moll-Messe warm und einladend

Eine unwiderstehliche Aufwärtsbewegung zieht uns mit bei dieser inständigen Bitte um Frieden. Raphaël Pichon gestaltet sie leuchtend, befreiend und warmherzig. Das Ideal bleibt der Gesang, bleibt das menschliche Maß. Und jeder kann mit einstimmen.

Diese Deutung der h-Moll-Messe ist einladend und aufbauend. Man wird nicht eingeschüchtert oder unterworfen, sondern aufgerichtet. Was für ein Gewinn!

Charles Tournemire war zu Lebzeiten vor allem als brillanter Organist bekannt. Doch er schrieb auch Sinfonien und sogar vier Opern, von denen jedoch nur eine zur Aufführung kam. Tournemires bis dato unbekannte „La Légende de Tristan“ wurde im Theater Ulm bereits 2022 uraufgeführt, nun folgt „Le petit pauvre d'Assise“.

Kay Metzger führt Regie und sieht es gewissermaßen als seine Aufgabe, diese Stücke auf die Bühne zu bringen. Wie die Lebensgeschichte von Franz von Assisi auf der Opernbühne gezeigt wird und warum er bei der Aufführung recht nervös ist, erzählt er im Musikgespräch.

Perfekte Bedingungen für den musikalischen Ausflug

Strahlender Sonnenschein, blauer Himmel, 25° Celsius und nur leichter Wind aus dem Osten waren perfekte Voraussetzung für das Bachradeln am zweiten Sonntag im Mai 2025. 36 Radfahrerinnen und Radfahrer haben sich vor dem Durlacher Bahnhof versammelt und die 30 Kilometer lange Tour durch den Karlsruher Landkreis anzutreten.

Circa 50% E-Bikes und ein Tandem starteten gegen 14 Uhr in gemütlichem Tempo vorbei an Feldern und Wäldern Richtung Weingarten. Dort lernte man direkt eine Besonderheit über die Kirchen: Direkt an der katholischen Kirche St. Michael grenzt der Bau der evangelischen Kirche an. Und bis Zerstörung durch die Nationalsozialisten verlängerte auch eine Synagoge den Bau.

In der kühlen Kirche folgte das erste Orgelkonzert des Tages. Bezirkskantor Patrick Fritz-Benzing eröffnet mit der Toccata, Adagio und Fuge in C-Dur, BWV 564. Für diese Tour ist solch ein Stück mit einem kleinen Risiko für die angestrengten Beine verbunden, denn kurz nach Beginn spielen die Füße am Pedal ein Solo.

Musik in der Kleinode

Nach gut 15 Minuten ging es weiter Richtung Staffort. Zu dieser Jahreszeit ist der kleine Ort mit knapp 2.000 Einwohnern vor allem bei Spargelliebhabern bekannt, doch auch Musikliebhaber kommen hier in der evangelischen Kirche auf ihre Kosten, denn sie hat eine besondere Orgel, wie Fritz-Benzing vor Ort erzählte. Eine Restaurierung im Jahr 2012 von der Orgelbauwerkstatt macht die pneumatische Orgel wieder spielbar. Eine Besonderheit in der Region. 

Besondere Orte kennenlernen, die man nicht auf dem Schirm hat und auch mal kleinere Orgeln zu hören, das ist der Reiz am Bach-Radeln und das Konzept hinter dem Bachradeln, erzählt der Organisator Fritz-Benzing.

Die Idee ist: Kleinode, spezielle Kirchen und Instrumente mit reinzunehmen, auf die man sonst nicht kommen würde. Einfach eine schöne Tour zu planen, gute Instrumenten kennenzulernen und dann eine Stunde Bach hören.

Mit gemütlichen 15km/h geht's durch den Landkreis

Zum dritten Mal findet das Bach-Radeln in Karlsruhe statt, mit jeweils einer Wiederholung. Das Programm und die Kirchen sind von Jahr zu Jahr verschieden, beim ersten Mal 2022 ging es an den Altrhein, bei der zweiten Edition nach Ettlingen, dieses Jahr geht die Runde über Weingarten und Stutensee.

Die dritte Station in diesem Jahr ist in St. Hedwig in der Waldstadt, durch den Hardtwald radelten die 36 Radfahrerinnen und Radfahrer zum nächsten Programmpunkt. Dort wurde es kammermusikalisch. Der Organist Stefan Fritz spielte zusammen mit der Geigerin Jessie Ramsay die Sonate e-Moll für Violine und Basso continuo, BWV 1023.

Eine Wiederholung pro Jahr

Seinen Abschluss fand das Bach-Radeln in der kleinen Kirche am Karlsruher Marktplatz. Dort steht eine beschauliche Orgel. Sie wurde erst vor 6 Jahren neu gebaut von der Firma Lenter aus Großsachsenheim. Das Finale wurde vom Kantor Lucas Bastian mit Johann Sebastian Bachs Fuge in e-Moll präsentiert.

Auch nächstes Jahr wird es wahrscheinlich ein Bach-Radeln in Karlsruhe geben. Interessierte können sich dieses Jahr schon für eine Wiederholung der Tour im Juni anmelden.

Die Melodie, die Barbara Hannigan singt, ist fast tausend Jahre alt – sie stammt von Hildegard von Bingen, der großen Komponistin, Philosophin, Malerin, Schriftstellerin und Mystikerin, die im frühen Mittelalter gelebt hat.

Mischung aus echten und elektronisch nachgeahmten Instrumentalklängen

Die Klänge, die diese im Hall verfließende Melodie begleiten, sind modern. Eine Mischung aus echten und elektronisch nachgeahmten Instrumentalklängen und saftigen Bässen, wie sie nur synthetisch erzeugt werden können.

Ausgehend von gemeinsamen Improvisationen haben die Sopranistin Barbara Hannigan, der Komponist und Musiker David Chalmin und das Klavierduo Katia und Marielle Lebèque diese Klänge entwickelt. In einer Interpretation wie der von „O vis aeternitatis“ durchlaufen die Musikerinnen dabei verschiedene Ästhetiken.

Mittelalterliche Stimmführung verwoben mit Ambientmusik

Die mittelalterliche Stimmführung passt dabei überraschend gut zu den Klängen der Ambientmusik, die David Chalmin durch seine Bearbeitung, Mischung und Komposition entwickelt.

Beide Ästhetiken fließen ganz organisch zu einem neuen Ganzen zusammen. Das liegt auch an Barbara Hannigans einfühlsamer Art, die alten Melodien wie Geschichten zu erzählen.

Das Album bleibt aber nicht in diesem Stadium meditativer Wolkenmusik stehen. Stücke wie „Che t’ho fatt’io?“, eine Komposition von Hannigan und Chalmin, begeben sich zum Beispiel ganz bewusst auf den Weg elektronischer Downtempo-Tanzmusik mit minimalistischen Sounds, saftigen Bässen und zwar gebrochenem, aber pulsierendem Rhythmus, über dem Barbara Hannigans Gesang schwebt.

Illusionen und einzigartige Räume durch Sounddesign

Das Album beeindruckt nicht nur mit seinem experimentellen Konzept und der Virtuosität der Musikerinnen. Sondern auch mit einer hochqualitativen Produktion. Die Musikerinnen erzeugen innerhalb dieses Sounddesigns einzigartige künstliche Räume.

Wie im zweiten Teil von „Che si può fare?“, einem Werk nach der Barockkomponistin Barbara Strozzi. Der Hall auf Stimme und Klavier suggeriert eine Kathedrale, gleichzeitig versetzen uns zwitschernde Vögel in einen Garten. Barbara Hannigans unterschiedlich effektierte Stimme aus verschiedenen Richtungen macht die Illusion perfekt.

Auf diesem Album passiert so viel auf so vielen unterschiedlichen Ebenen, dass man bei jedem Durchlauf neue Feinheiten und Sounds wahrnehmen kann. Hannigan, Chalmin und Katia und Marielle Lebèque wecken, ganz feinsinnig, die Ohren auf – und das zu hören macht einfach nur Spaß.

Die neue Bundesregierung ist formiert und auch die Kulturszene hat ihre Erwartungen an sie. Sechs Seiten widmet der Koalitionsvertrag von CDU/CSU und SPD der Kultur- und Medienpolitik. Er setzt auch Schwerpunkte bei der Förderung von Kultureinrichtungen, der freien Szene und kultureller Bildung.

Wir sind voller Spannung, wie denn diese angesprochenen Themen dann auch wirklich gelebt werden.

Auf der einen Seite ist Freude beim Deutschen Musikrat. Die wichtigsten Themen, wie gerechte Honorierung von Kulturschaffenden oder Bundes-Kulturfonds, stehen im Koalitionsvertrag. Allerdings seien es keine wirklichen Versprechungen, findet Antje Valentin, da häufig nur von „Prüfen“ und „Anstreben“ zu lesen sei.

Fonds für Amateurmusik überschaubar

Für Antje Valentin ist klar, dass die Amateurmusik in ihrer Fülle und gesellschaftlichen Bedeutung durch die Bundesregierung anerkannt und sichtbar gemacht werden muss. 16,3 Millionen Laienmusizierende gibt es in Deutschland. Im Verhältnis sei der Fonds dafür mit 5 Millionen Euro sehr überschaubar. Da sieht der Deutsche Musikrat viel Luft nach oben.

Hoffnung auf gerechte Honoraruntergrenzen auf Bundesebene

Der Deutsche Musikrat hat Empfehlungen für Honorar-Untergrenzen von selbstständigen Musikerinnen und Musikern erarbeitet. Nun wird sich von der neuen Bundesregierung erhofft, dass das auch weiterhin Maßgabe für bundesgeförderte Kultur, Veranstaltungen, Projekte und Institutionen bleibt.

Weltweit einmaliges Biotop der Musik

Deutschland habe die weltweit umfassendste und größte Musikszene. Dieses einmalige Biotop der Musik, wie Antje Valentin es nennt, müsse gefördert und geschützt werden.

Ich bezeichne uns gerne auch als Arche Noah der Musikwelt. Inzwischen flüchten aus vielen Ländern Musikerinnen und Musiker zu uns, die dort gar nicht mehr musizieren können.

Mangel an Musikpädagogen besorgt Musikrat

Viele Schulen beklagen einen Mangel an Musikpädagogen. Antje Valentin sieht die große Gefahr, dass ohne musikalische Bildung ganzen Generationen ein wichtiges kulturelles Selbstverständnis fehlt.

Eigentlich ist Bildungspolitik Ländersache. Deshalb wünsche sich der Musikrat, musikalische Bildung als zentralen Bereich kultureller Bildung auf Bundesebene zu verankern. Es brauche jetzt ein starkes Signal für musikalische Bildung in der Kultur-, Minister- und auch Kultusministerkonferenz.

Musik wäre da eine Antwort für ein besseres soziales Klima in der gesamten Gesellschaft, findet Antje Valentin. Das werde aber nicht so gelebt, wie sich das der Musikrat vorstelle: „Musik gehört zu Menschen. Es gibt keine Gesellschaft, keine Kultur auf diesen Planeten, die ohne Musik funktioniert“.

Eigentlich bräuchte es für ein paar stützenden Akkorde unter dem Chor nicht einen der versiertesten Klavierspieler der Welt. Aber dem norwegischen Pianisten Leif Ove Andsnes war es ein Herzensanliegen, dieses selten gespielte, durchaus etwas sperrige Werk „Via Crucis“, zu Deutsch „Kreuzweg“, von Franz Liszt aufzunehmen.

Begegnung mit Liszts Seele

„Wie eine Begegnung mit Listzs Seele“, so beschreibt Andsnes, wie sich dieses Werk für ihn anfühlt. Liszt komponierte „Via Crucis“ von 1866 bis 1879, uraufgeführt wurde es erst 1929 – alles andere als ein schneller Hit also.

Das gilt auch fürs heutige Hören. Karfreitagszauber auf originelle, persönliche Liszt-Art: spirituell und experimentell, eher herb, aber auch befremdlich. Der Beginn mit nachgemachter Gregorianik erinnert ein wenig an nazarenische Malerei.

Außerhalb der Solo-Abschnitte stellt Andsnes sich völlig in den Dienst des vorzüglichen Norwegian Soloists‘ Choir unter der Leitung von Grete Pedersen – und immer in den Dienst des Werks, das in der Osloer Ris Kirke eingespielt wurde.

Leidensweg Jesu in musikalischen Stationen

Franz Liszts „Via Crucis“ ist dem katholischen Kar-Ritual nachempfunden, an vierzehn Stationen von Jesu Leidensweg innezuhalten, bis zur Grablegung. Es ist religiös, aber überkonfessionell, und daneben auch eine künstlerische Komposition für sich, die von menschlichem Leiden überhaupt handelt.

Mitten im Lateinischen ist plötzlich auch mal deutscher Text zu hören. Musikalisch ist das in seinem Mix aus provozierender Schlichtheit und harmonischem Wagemut ein Fall für fortgeschrittene Liszt-Liebe.

Weil das Chorwerk nur eine gute halbe Stunde dauert, sind dem Album noch einige Solo-Klavierstücke beigegeben. Stilistisch passender, wenn auch schwerer verkäuflich, wäre vielleicht weiteres spät-lisztsches Knäckebrot.

Aber die sechs innigen „Consolations“ von 1850 passen insofern, weil sie Personalstil, in dem Fall des frühen Liszt, mit persönlicher Andacht verbinden. Und auch, weil sie für Liszts Verhältnisse technisch reduziert sind.

Anspruchsvolle Solo-Klaviermusik

Pianistisch am anspruchsvollsten sind sicher die beiden Stücke aus den „Harmonies poétiques et religieuses“, die Liszt ab 1853 schrieb. Darunter das Miserere nach Palestrina.

Dazu steht im Harenberg-Klaviermusikführer, dieses Stück sei ein „Zeugnis jener eigentümlichen Durchdringung sinnlicher und religiöser Gefühlssteigerung, die sich bei Liszt oft in der Ähnlichkeit der Höhepunktsepisoden sowohl liebesbezogener als auch andachtsgeprägter Kompositionen äußert“.

„Via Crucis“ als Herzensangelenheit von Andsnes

Für Leif Ove Andsnes ist dieses Album sehr spürbar ein persönliches Anliegen. Die „Via Crucis“ mit dem Chor ist das Herz dieses Albums.

Von Liszts „innerer Suche nach Transzendenz und der Verbindung mit dem Heiligen“ spricht Andsnes. Und die Suche großer Künstler ist bekanntlich auch dann, wenn sie einem gelegentlich wie ein seltsames Irren vorkommt, aufregender als alle öde Treffsicherheit von Kleingeistern.

Die „Orgelsinfonie“ von Camille Saint-Saëns gilt als „mit das Schönste“, was der französische Komponist je geschrieben hat. Ihre eingängige Melodie lädt zum Mit- oder Nachsingen ein. Die Melodie kommt einem vielleicht bekannt vor.

Ein Schweinchen namens Saint-Saëns

„If I Had Words“ von Ivonne Keely und Scott Fitzgerald wurde 1977 veröffentlicht. Der Song hat es in den Abspann eines Kinderfilms von 1995 geschafft: „Ein Schweinchen namens Babe“ – allerdings in der hohen Mäuseversion.

Ob die australischen Filmemacher überhaupt noch an Camille Saint-Saëns gedacht haben, der die berührende Melodie schon 1886 geschrieben hatte? Wer weiß. Jedenfalls ist er einer dieser Komponisten, die bis heute besonders beliebt sind, wenn es ums Zitieren und Samplen geht.

„Karneval der Tiere“ im Hiphop und Neo-Soul

Saint-Saëns’ mit Abstand bekanntestes Werk ist seine satirische Suite „Karneval der Tiere“. In der Popwelt gesamplet wurde zum Beispiel das „Aquarium“ daraus – etwa 2012 von dem britischen Hiphopper Plan B in „I am the Narrator“.

Ein anderes Stück aus dem „Karneval der Tiere“ und absolutes Highlight der Celloliteratur ist „Der Schwan“.

Auch vor diesem Thema macht die Popwelt natürlich nicht Halt. Manchmal aber ist ein Zitat so subtil oder gut versteckt, dass es am Ende unklar bleibt, ob hier nicht doch der Zufall am Werk war.

Vielleicht hatte 2012 einfach jemand ein Melodiefragment im Kopf, das über hundert Jahre vorher eben jemand anders schon mal aufs Notenpapier gebracht hatte. So wie im Fall des australischen Neo-Soul-Quartetts „Hiatus Kaiyote“.

Obwohl: Kann es wirklich Zufall sein, wenn selbst die Tonhöhe im Song die gleiche ist wie bei Camille Saint-Saëns?

Seine Meinung dazu werden wir nicht mehr erfahren. Und das ist wohl auch der Segen für alle Popkünstler, die jahrhundertealte Kunstmusik als Inspirationsquelle für sich entdeckt haben.

Die Schriftstellerin und Performerin Mara Genschel geht den versteckten Gefahren der klassischen Musik nach. Bei ihrer Spurensuche ist sie jetzt beim Buchstaben F angekommen. Und in ihren Blick fällt dabei ein völlig unterschätztes Phänomen. Der Keks, den Mara Genschel da jetzt gleich zu Anfang genüsslich kaut, der wird noch eine Rolle spielen.