Treffpunkt Klassik

Alle sechs Jahre veranstaltet die Bundesvereinigung Deutscher Musikverbände das "Deutsche Musikfest" – ein großes Treffen der Blasmusikszene. Dieses Jahr findet es in Ulm und Neu-Ulm statt.

Die Dimensionen sind rekordverdächtig: Die Zahl der Teilnehmenden geht in die Tausende, und die Veranstalter erwarten mehr Besucher als Ulm Einwohner hat (und das sind immerhin schon 125.000).

Das Motto spielt auf die Verbindung der beiden Städte rechts und links der Donau an: "Musik baut Brücken". Es werden sogar neue Brücken gebaut - aus viel Licht und Klang.

Die audiovisuellen "Sound Bridges" sind ein Beitrag der beiden Städte zum Musikfest. Rainer Schlenz gibt einen Überblick über ein Festival, das einen großen Bogen von Blasmusiktradition bis zum Experiment spannt.

Dietrich Fischer-Dieskau ist 22 Jahre alt, als er seine erste Winterreise aufnimmt. 1947 ist das beim RIAS in Berlin und schon da ist klar, dass ein Jahrhundertsänger die Bühne betreten hat: Eine von Beginn an unverwechselbare Stimme.

Dietrich Fischer-Dieskau war zweifellos auch einer der bedeutendsten Opern- und Konzertsänger des 20. Jahrhunderts. Der Bariton Benjamin Appl war sein letzter Schüler: Der einstige Regensburger Domspatz hat bis zu dessen Tod 2012 bei Fischer-Dieskau studiert und ist inzwischen selbst einer der gefragtesten Lied- und Opernsänger.

Zum 100. Geburtstag erzählt er über die erste persönliche Begegnung mit Fischer-Dieskau und seine Hommage an ihn.

Herkunft und Heimat sind in einer globalisierten Welt zu wichtigen Begriffen geworden, die vor allem in der Kultursoziologie verhandelt werden. Je größer die Welt ist, die sich uns eröffnet, desto wichtiger werde die eigene Identität, findet der Musikpsychologe Daniel Müllensiefen von der Universität Hamburg. Wie wirkt sich diese Entwicklung auf den Musikgeschmack aus?

Musikgeschmack wird durch Herkunft geprägt

Klar ist: Die Herkunft bestimmt den Musikgeschmack. Studien zeigen, dass sich der Musikgeschmack vor allem zwischen dem 15. und 25. Lebensjahr entwickelt: „Wenn Leute in unterschiedlichen Gegenden, Schichten und zu unterschiedlichen Zeitperioden aufwachsen, sind sie an andere Musikrichtungen gewöhnt“, sagt Müllensiefen.

Daneben präge auch die Muttersprache unser Musikverständnis. Studien legen nahe, dass die Sprache, der man von Kind an ausgesetzt ist, die musikalische Hörfähigkeiten beeinflussen. Das hänge vermutlich mit den unterschiedlichen Eigenschaften zusammen, die die jeweiligen Sprachen haben, so der Musikpsychologe.

Sprachen beeinflussen unser Musikverständnis

Beispielsweise gebe es tonale Sprachen, in denen über die Tonhöhe über Sinn und Semantik vermittelt wird. Beispiele dafür sind Chinesisch, Vietnamesisch und viele afrikanische Sprachen. „Diese Art von verbaler Eigenschaft, die für das Sprachverständnis sehr wichtig ist, schult natürlich auch unser Gehör für ansteigende und fallende Tonhöhen“, so Müllensiefen.

Das werde dann auch auf die Musik übertragen. Muttersprachler von tonalen Sprachen hören eher, ob ein Sänger oder eine Sängerin richtig intoniert oder ob es Schlenker in der Intonation gebe, die vielleicht einen emotionalen Gehalt ausdrücken.

Neben der Musikwahrnehmung beeinflusst die Sprache zu dem auch Kompositionen. Hier verhalte es sich aber eher so, dass die Komponistinnen und Komponisten bewusste Elemente der Sprache nutzen, wie Rhythmen oder Akzente, um sie in ihre Musik einfließen zu lassen.

Wie Sprachmelodien Musik beeinflussen

Die deutsche Sprache sei eine sogenannte „stressed-time-language“, erklärt Musikpsychologe Müllensiefen. Im Deutschen bestehen also ungefähr gleiche zeitliche Abstände zwischen den betonten Silben. „Ein relativ gleichmäßiger Puls ist etwas, auf das wir in der Sprache achten, was wir erwarten und was dem Verständnis hilft.“

Dieser Puls lasse sich auch in der Musik finden. Müllensiefen spekuliert, dass es vermutlich kein Zufall sei, dass Techno oder der 4/4-Takt in deutscher Musik sehr prominent sei. Denn diese Musik liege dem deutschen Sprachrhythmus sehr nahe.

In der Neuen Aula der Universität Heidelberg ist an einem Sonntagvormittag im Mai richtig was los: Vorne auf der Bühne steht Paul Smith, klatscht und schnippst – 300 Sängerinnen und Sänger machen ihn nach. So werden sie auf spielerische Weise schnell zu einem Kollektiv, finden einen gemeinsamen Rhythmus.

Hochwertiger Chorklang durch spielerischen Ansatz

Es geht darum, sich gegenseitig zuzuhören und achtsam aufeinander zu sein. Das schafft Paul Smith mit Humor und Spielen. Er ist dabei so unterhaltsam, dass man kaum merkt, wie schnell ein hochwertiger Chorklang entsteht.

Paul Smith merkt schnell, diese Gruppe hat schon einige Chor-Erfahrung und ist enthusiastisch dabei. Für ihn ist klar: „Menschen lernen am Besten, wenn sie Spaß haben.“ Das sei auch eine Hauptphilosophie von Voces8.

Das ersehnte Treffen auf Voces8

Nach drei Stunden Workshop geht es für einen Teil der Gruppe in die Jesuitenkirche. 100 Sängerinnen und Sänger werden dort gemeinsam mit dem Weltklasse-Gesangsensemble Voces8 ein Konzert singen. Für alle 300 Workshop Teilnehmenden wäre in der Jesuitenkirche als Mitsingchor kein Platz gewesen.

Für den Studenten Jonas Holstein war das ein großer Traum: „Ich hab mich heute gefühlt wie ein Kind, dass seine Superhelden getroffen hat.“ Voces8 habe ihm beigebracht, dass man die großartigsten Dinge schaffen könne, wenn man sich gegenseitig zuhöre.

Gemeinsam einatmen und sich gegenseitig zuhören

Gemeinsam Einatmen, sich gegenseitig zuhören, das ist die Grundphilosphie von Voces8. Und so klappt auch das gemeinsame Singen mit 100 Leuten – ganz ohne Dirigenten. Der Gruppe macht es Spaß mit anderen Menschen zu singen. Für Barnaby Smith immer wieder eine besondere Herausforderung. Er singt gerne mit anderen Menschen zusammen. Das Beste sei für ihn, wenn er sieht, wie die Menschen, mit denen sie arbeiten, gestärkt herausgehen.

One of the nicest things is to see how empowered the people are, when we work with them.

Im Konzert dürfen die 100 Sängerinnen und Sänger erst die Klänge von Voces8 genießen bevor sie zwei Stücke selbst mitsingen dürfen. Diese Erfahrung wird den Sängerinnen und Sängern noch lange in Erinnerung bleiben. Viele waren sehr gerührt von dem erlebnisreichen Tag.

Auch Intendant Thorsten Schmidt gerührt vom Workshop

Der Intendant des Heidelberger Frühlings, Thorsten Schmidt, war selbst auch ganz gerührt von diesem Tag. Er ist davon überzeugt, dass man Menschen am Besten zum Lied führen könne, indem sie selbst singen. „Insofern ist dieses Projekt vielleicht sogar ein bisschen mit das Zentrum des Lied-Festivals.“

Workshop und Konzert haben auf jedenfall wieder bewiesen: Singen macht glücklich. Paul Smith denkt, wenn alle auch nur im Ansatz so viel Spaß hatten wie er, war es ein großartiger Tag.

165 Vorhänge in 67 Minuten, das ist der Applausrekord von Luciano Pavarotti. Ganz so extrem geht es natürlich nicht immer zu, aber dennoch beschweren sich gelegentlich Musiker, die auch einfach nur Feierabend machen wollen, oder ein müdes Publikum über zu lange Applaus-Ausbrüche. Albrecht Selge ist das nun mehrfach passiert. In seinem Kommentar bespricht er sein ambivalentes Verhältnis zu Standing Ovations und überschwänglichen Applaus-Orgien.

Das Bildungsbürgertum des 19. Jahrhunderts hatte einen ganz eigenen, damals Maßstäbe setzenden Musikgeschmack. Welche Rolle bürgerliche Konzertgesellschaften dabei spielten, hat jetzt der Musikwissenschaftler Sebastian Hansen in seinem Buch „Die poetische Konzertgesellschaft“ untersucht. Für SWR-Rezensent Jan Ritterstaedt liefert es auch eine Reflexion über unseren heutigen Umgang mit dem Phänomen „Klassisches Konzert“.

Der zweite Satz aus der „Orchestersuite Nr. 3 in D-Dur“ von Johann Sebastian Bach, auch bekannt als „Air“, entstand um etwa 1720. Das etwa 300 Jahre alte Stück scheint in allen möglichen Pop-Genres als Sample beliebt zu sein.

„Everything’s gonna be alright“ von „Sweetbox“ aus dem Jahr 1997 ist eine Mischung aus R&B, Soft-Hiphop und Popballade. Hier ist die Bach-Vorlage ganz eindeutig erkennbar. Es wurde nicht auf eine bestehende Orchesteraufnahme zurückgegriffen, sondern das Deutsche Filmorchester Babelsberg hat Bachs „Air“ nochmal extra für den Song eingespielt.

Auch Basslinie wird im Pop aufgegriffen

Das „Air“ ist vor allem wegen seiner charakteristischen Melodie bekannt. Aber im Song „A Whiter Shade of Pale” von Procol Harum fällt die Parallele zum stufenweise absteigende Bass auf. Und auf die Frage: „War das Zufall oder Absicht?“, hat der Sänger der Band eine eindeutige Antwort geliefert: Er sagte, es sei Absicht gewesen. Zwar wollte er Bach nicht direkt zitieren, aber die Musik des großen Barockkomponisten sei „einfach in ihm“ gewesen.

Ob das nicht eher nachträgliches Storytelling ist, um eine gute Geschichte zu verkaufen kann man die Band nicht mehr fragen.

Bach im K-Pop

Bachs „Air“ ist auch bis in die unmittelbare Gegenwart beliebt. Zum Beispiel im K-Pop, also im koreanischen Pop.

„Feel my rhythm“ von 2022 ist ein Song der Girlband „Red Velvet“ – eine Horde leicht bekleideter Mädchen in Fruchtquark-Farben, die sich im Musikvideo in einer Mischung aus SciFi-Prinzessinenschloss, Blumenparadies und Luxushotel aufhalten und von Champagner, Party und „sweet emotions“ singen.

Weshalb Johann Sebastian Bachs Musik in eine solche Umgebung verpflanzt wurde, wissen wird nicht. Aber es wird klar: Die Popwelt – auch auf der anderen Seite des Globus – liebt diesen Komponisten.

Als Liedsänger ist er bis heute unübertroffen: Über eintausend Lieder hatte Dietrich Fischer-Dieskau in seinem Repertoire – und das in einer vollendeten Einheit von Text und Musik. Hinzu kamen nahezu alle bedeutenden Opernpartien für sein Fach. Mehr als 40 Jahre währte die künstlerische Laufbahn des Jahrhundertsängers.

Am 28. Mai feiert die Musikwelt den 100. Geburtstag des Ausnahmekünstlers.

Im Projekt „Podium Gegenwart“ vom Deutschen Musikrat lernen Schülerinnen und Schüler Neue Musik kennen. Dafür kam der Hamburger Komponist Benjamin Scheuer an die Albert-Magnus-Schule in Viernheim. Musiklehrerin Maria Schneider wurde vom Deutschen Musikrat angefragt und sagte sofort zu.

Nachdem Benjamin Scheuer als geeignter Komponist vorgeschlagen wurde, entschied sich die Musiklehrerin für die Kompositionen „Bahnhof“ und „Paperwork“. Diese seien für ihre Schülerinnen und Schüler am spannendsten, da es viel mit der eigenen Lebenswelt zu tun habe.

Komponieren mit Zeitung, Back- und Geschenkpapier

Angelehnt an Scheuers Kompositionen „Paperwork“ und „Bahnhof“ komponierten die Fünftklässler in Gruppenarbeit einen ganzen Vormittag lang eigene Stücke. Dafür bekommen sie Tipps von Lehrerin Maria Schneider und Komponisten Benjamin Scheuer: Das Stück sollte eine Form mit Einleitung und Schluss haben. Und man könne ruhig mit der Lautstärke oder Besetzung experimentieren.

Quietscheentchen als Instrument

Vom Deutschen Musikrat gibt es während des Projekttages noch ein Geschenk: Kleine, gelbe Quietscheentchen. Kaum ausgehändigt geht ein riesen Lärm durch das Klassenzimmer. Die Kinder sollen die Entchen mit in ihre Kompositionen einbauen.

Das ist nicht nur eine Inspiration für die Fünftklässer, sondern auch für den Komponisten. Benjamin Scheuer freut sich, wie viele spannende Ideen die Schülerinnen und Schüler innerhalb kürzester Zeit entwickelt haben. Dass die Kinder mit so einer Offenheit und Spaß an die Kompositionen herangehen, stimme ihn sehr positiv.

Musik mit Alltagsgegenständen als niedrigschwelliger Einstieg

Für Benjamin Scheuer ist die musikalische Arbeit mit solchen Alltagsgegenständen sehr wichtig: „Man denkt ja immer bei gerade bei Musik, dass man eine unglaubliche Vorbildung braucht, um überhaupt in der Lage zu sein, einen Ton zu komponieren.“ Viele Kinder mit denen Benjamin Scheuer in seinen Vermittlungsprojekten zu tun hat, könnten kaum oder gar keine Noten lesen.

Das sei aber nicht schlimm, denn mit solchen Objekten könne man auch sofort Klänge erzeugen und sofort etwas komponieren. „Dieser niedrigschwellige Einstieg, der ist total wichtig.“, findet der Hamburger Komponist.

Zum krönenden Abschluss kombinieren die Schülerinnen und Schüler die Papiere, Quietscheentchen und die Kazoos. Wie bei einem Referat kamen die Gruppen von jeweils vier bis sechs Schülerinnen und Schülern nach vorne und feiern ihre ganz unterschiedlichen Uraufführungen.

Die Kantate „Amor vincitore“ von Johann Christian Bach wird bei den Schwetzinger SWR Festspielen als Hörtheater inszeniert. Das Werk des jüngsten Bach-Sohnes blieb 250 Jahre ungehört. Jetzt wird es am Ort seiner deutschen Erstaufführung wiederaufgeführt. Mit dabei: der Sopranist Maayan Licht. Doris Blaich spricht mit dem Sänger über seine Rolle, das Stück voller Liebe und Schmerz – und über die von ihm geliebten Triller.