Treffpunkt Klassik

Sieben Stimmen, eine Bühne. Keine opulenten Kostüme, kein Orchestergraben, kein Dirigent. Stattdessen: pure vokale Energie, die sich zu packenden Miniatur-Dramen verdichtet. So klingt vokales Kammermusiktheater – ein Genre, das die Neuen Vocalsolisten Stuttgart vor 25 Jahren aus der Taufe hoben.

Konzert und Theater gleichzeitig und doch etwas ganz Eigenes

Die Kunstform sprengt den Konzertrahmen, ist mehr als reiner Ensembleklang: Die Persönlichkeit jedes Einzelnen steht im Rampenlicht. Die Stücke leben von Charakteren, verbinden Gesang mit Geste und Aktion. Es ist Konzert und Theater gleichzeitig und doch etwas ganz Eigenes. Zeitgenössische, oft vertrackte Vokalmusik so aufzuführen, ist die Königsdisziplin – erst recht ohne Dirigenten.

Jedes Mitglied übernimmt volle Verantwortung und kennt die gesamte Partitur. Es sei sehr schwer, einen gemeinsamen Impuls zu finden, erklärt Bassist Andreas Fischer, weil es gerade in moderner Musik oft komplexe Rhythmen gebe.

Ensemble gründet sich im Jahr 2000

Die Wurzeln des Ensembles reichen 40 Jahre zurück, damals noch als größerer Chor mit Dirigent, gegründet und 15 Jahre geleitet von Manfred Schreier. Geprägt von Clytus Gottwalds Schola Cantorum Stuttgart, bringt Schreier Erfahrungen mit bahnbrechenden Solostimmen-Werken ein, eine Befreiung der Stimme, die das Individuum ins Zentrum stellt.

Im Jahr 2000 kam der entscheidende Schritt zur heutigen Form: Aus zwölf Sängern wurden sieben. Sopranistin Susanne Leitz-Lorey ist seit 1991 dabei: „Es gibt neue Stücke, die noch niemand aufgeführt hat und wir kreieren das. Das war für mich auch eine Art Befreiung.“

Enge Zusammenarbeit mit Komponistinnen und Komponisten

Eine enge Partnerschaft mit den Komponistinnen und Komponisten ist das A und O. Die Werke sind oft wie maßgeschneidert. Christine Fischer ist seit Gründung Managerin des Ensembles und damit Strippenzieherin für solche kreativen Prozesse.

Komponisten werden meistens vom Ensemble eingeladen, bevor sie mit dem Komponieren beginnen, weiß Fischer. „Da muss man ein bisschen aufpassen, weil oft Stücke entstehen, die genau abrufen, was die Sänger bei beim Ausprobieren anbieten.“ Das Ensemble hat dadurch eine fast intime Verbindung zur Musik und ihren Schöpfern.

Neue Werke weiterleben und entdecken

Die Neuen Vocalsolisten arbeiten frei, oft finanziert durch selbst eingeworbene Fördergelder. Umso erstaunlicher ist diese Kontinuität, diese glühende Leidenschaft für immer neue Kompositionen.

Das Ziel ist klar, so Christine Fischer: Das Genre des vokalen Kammermusiktheaters weitertragen, auch über Besetzungsänderungen hinaus. Mit ihrer Pionierarbeit prägen die Neuen Vocalsolisten Stuttgart nicht nur ein Genre, sondern schaffen einen lebendigen Kreislauf, der Werke weiterleben und neu entdecken lässt.

Atmosphäre ist ein schwer zu fassender Begriff. Obwohl alle verstehen, was Atmosphäre ist, sei es schwierig diese zu beschreiben oder fassbar zu machen, findet Cornelia Wild. In ihrem Buch versucht sie, dem ein Stück näher zu kommen. Darin beschreibt und gestaltet Wild unterschiedliche Vermittlungsformate.

Neue Konzertformate statt klassischem Stillsitzen

In den letzten Jahren habe sich der Begriff „neue Konzertformate“ etabliert, sagt Wild gegenüber SWR Kultur. Gemeint seien damit innovative Umgangsformen mit verschiedenen Parametern des Konzertes, vor allem im Kontext der klassischen Konzerthäuser. Denn dort habe sich das klassische Konzert etabliert, das mit einer speziellen Rezeptionshaltung verbunden ist: konzentriert zuhören und still sitzen.

Neue Formate können ganz unterschiedlich aussehen, erklärt die Musikpädagogin. „Es gibt Formate, die spielen mit Licht, mit räumlichen oder performativen Elementen.“ Ein wichtiger Faktor für Wild sei dabei die Übertragung des Musikmachens und Mitmachens ins Publikum, also die Interaktion.

Andere Rezeptionshaltung durch räumliche Veränderungen

Musik kann auch außermusikalisch mithilfe des Raums anders vermittelt werden. Cornelia Wild erklärt, dass schon durch eine Positionsveränderung im Raum die Rezeptionshaltung geändert werden könne. Zum Beispiel, wenn man die Möglichkeit hat, sich frei im Raum zu bewegen oder die Musiker durch den Raum gehen. Bisher werde das vom klassischen Publikum aber oft mit Unsicherheit aufgefasst.

Es sei nicht einfach das Publikum zu erreichen, wenn man anfängt an der klassischen Konzertform zu rütteln. „Diese Aufgabe sehe ich tatsächlich als Herausforderungen und auch Abenteuer“, sagt Cornelia Wild. Ihre Vision ist dabei eine Vielfalt von Formaten zu schaffen. Wild möchte unterschiedlichen Menschen unterschiedliche Zugänge zur Musik ermöglichen.

Publikum mit einfachen Mittel anregen

Da gehöre das klassische Konzert genauso dazu wie Formate, die mit unterschiedlichen Mitteln versuchen, andere Zugänge anzuregen. Cornelia Wild sagt, dass es dabei gar nicht immer ganz große multisensorische oder interaktive Konzerte sein müssen. Manchmal würden schon einfache Möglichkeiten reichen, wie ein Konzert im Liegen zu hören.

Auch die Veränderung des Umfelds könnte Musik für eine breitere Gesellschaft zugänglich machen. Wild ist überzeugt, dass alleine durch die Wahl auf Orte, in denen Menschen sich mehr zu Hause fühlen, die Hemmschwelle für klassische Konzerte sinkt.

„Die Idee dieser Aufführung ist auch, dass wir damit in kleinere und mittlere Städte auf Tournee gehen. Und zwar so, dass wir die Werke für ein Publikum mit Familien präsentieren können“, erklärt Alexandre Dratwicki, Direktor des Zentrums für französische romantische Musik Palazzetto Bru Zane.

Das Bizet-Jubiläum wolle das Zentrum nicht nur nutzen, um Bizets sinfonische, große Opern-Musik für ein ganz ‚normales‘ Publikum zu präsentieren, so Dratwicki. „Daher haben wir diese Aufführung so anlegt, dass sie geteilt werden kann: ‚L'Arlésienne‘ erklingt vor der Pause und ‚Docteur miracle‘ danach, es sind zwei voneinander unabhängige Werke.“

Zum ersten Mal wendet sich „der Palazzetto“ mit einer Produktion besonders an Familien und spricht so das Publikum von morgen an. Und dann bleibt man der Maxime treu, unbekannte oder vernachlässigte Musik ins Bewusstsein zu rufen. Denn, Hand aufs Herz, was kennt man von Bizet? Seine Oper „Carmen“! Und dann?

 

Bekannte Suite trifft Jugendwerk

Natürlich, mancher kennt die „Arlésienne“-Suite. Aber wer weiß, dass das Auszüge aus Bizets Theater-Musik zum gleichnamigen Schauspiel von Alphonse Daudet sind? Über 50 Minuten Instrumentalmusik hat Bizet da 1872 geschrieben. Das meiste davon ist kaum bekannt. „Arlésienne“ meint eine „Frau aus Arles“. Ein Mann vom Land ist in sie verliebt, wird aber zurückgewiesen und bringt sich um.

„‚Arlésienne‘ und die Oper ‚Carmen‘ sind ganz anders als ‚Docteur miracle‘, musikalisch ist das wirklich echter Bizet“, sagt Dirigentin Sora Elisabeth Lee „mit etwas Verismo, es ist ‚realistischer‘. Auch inhaltlich sehr dramatisch, alles ist viel intensiver geworden.“ Lee dirigiert die Aufführung am Pariser Théâtre du Châtelet mit Bizets „L'Arlésienne“ und „Le Docteur miracle“.

„Le Docteur miracle“ in der Produktion von Palazzetto Bru Zane

Ein 19-jähriger Bizet auf der Suche nach seinem Stil

Bizet schrieb „Le Docteur miracle“, als er 19 war und versuchte, seinen Stil zu finden, erklärt die Dirigentin. Die Oper hat noch einige musikalische Anspielungen an Rossini.

Ein junger Soldat, Silvio, möchte Laurette, die Tochter des Bürgermeisters heiraten. Doch der hat eine Aversion gegen das Militär und verbietet die Heirat. Mit einem Trick wird Silvio Diener unter falschem Namen im Bürgermeister-Haus und serviert dort eine verdorbene Omelette.

Alle scheinen daran umzukommen, doch Silvio taucht als Wunderdoktor auf, kuriert alle und bekommt dann doch Laurette zur Frau. Im Zentrum von „Le Docteur miracle“ steht das Omelette-Quartett.

Das Omelette-Quartett aus „Le Docteur Miracle“

„Jeder Charakter ist als Karikatur angelegt“

„Dieses Quartett ist etwa neun Minuten lang. Es geht um eine Omelette. Jeder Charakter ist als Karikatur angelegt, mit unterschiedlichen Stimmfärbungen. Der Text ist witzig“, so Mezzosopranistin Héloïse Mas. Sie singt die Frau des Bürgermeisters in „Le Docteur miracle“ und auch im solistischen Chor bei „L'Arlésienne“.

Mas ist begeistert, wie Regisseur Pierre Lebon mit spritzigen Aktionen und bunten Kostümen beide Werke umsetzt. Im „Docteur miracle“ spielt die Szene in einer Art Straßentheater. „L'Arlésienne“ zeigt ländliche Elemente, auf einem großen Wagen ist ein Haus aus Brettern montiert. Auf dessen Rückseite: eine Mühle.

Hat die Fassung am Châtelet das Zeug, öfter gespielt zu werden?

Die besondere Fassung im Théâtre du Châtelet hat der Musikwissenschaftler und Bizet-Biograf Hervé Lacombe erstellt. Die Pariser Aufführung lebte durch den facettenreichen Erzähler Eddie Chignara. Regisseur Pierre Lebon lässt das Stück pantomimisch von Tänzern spielen, mit perfekten Choreografien, nur das Vokalquartett singt dabei.

Möglicherweise hat Bizets Musik mit der besonderen und kürzeren Version des Schauspiels von knapp 90 Minuten eine Chance, öfter gespielt zu werden. Dem Palazzetto Bru Zane und dem Théâtre du Châtelet ist mit der Kombination der frühen Oper „Le Docteur miracle“ und der späten, reifen Schauspiel-Musik zu „L'Arlésienne“ ein spannender und auch unterhaltsamer Abend gelungen, der das große Potenzial des jungen und die Meisterschaft reifen Komponisten Georges Bizet zeigt.

Musikalische und persönliche Verflechtungen

Wie klingt jüdische Musik? Gibt es etwas, das die Werke etwa von Mendelssohn, Mahler, Zemlinsky, Weinberg, Gershwin, Schulhoff und Korngold verbindet? Die neue CD des Jewish Chamber Orchestra Munich kann eine Antwort liefern und beginnt mit vier Liedern aus den Walzer-Gesängen von Alexander Zemlinsky.

Zemlinsky hat „Blaues Sternlein“ 1898 komponiert, ein Jahr vor seinem Austritt aus der jüdischen Gemeinde und zwei Jahre bevor er Alma Schindler kennenlernte, die ihn später verließ, um Gustav Mahler zu heiraten.

Eine Musik voller Leid

Gustav Mahler war 1897 vom Judentum zum Katholizismus übergetreten. 1902 heiratete er Alma Schindler. Als er 1910 seine zehnte Sinfonie zu komponieren begann, hatte Alma ein Verhältnis mit dem Architekten Walter Gropius begonnen, Gustav steckte also tief in einer Ehekrise.

Mit einem langen Viola-Solo beginnt der Adagio-Anfangssatz von Gustav Mahlers unvollendeter zehnter Sinfonie, und man hört: Das ist eine ganz andere Musiksprache. Hinter den Tönen steckt sehr viel Leid.

Jeder kennt jeden

Der dritte große Name auf dieser CD lautet Erich Wolfgang Korngold. Der Komponist war auch als Pianist hochbegabt. Schon den Zehnjährigen hat Gustav Mahler zum Genie ausgerufen und ihn Zemlinsky als Schüler empfohlen. Damit wäre das Beziehungsgeflecht der CD fast komplett.

Fehlt nur noch ein Lied von Josefine Winter, einer Bekannten der Mahlers. Und es fehlt auch noch eine kleine Serenade von einem Pianisten und Komponisten, dessen Familie eng mit Mahlers Herkunftsfamilie verbunden war: Alfred Grünfeld.

Kein gemeinsamer musikalischer Nenner

Die CD „Jewish Vienna“ ist ein bunter Blumenstrauß. Das Orchester spielt unter Daniel Grossmanns Leitung genau und mit hörbarer Hingabe, und die Sopranistin Chen Reiss verlässt nie den Rahmen des Einfachen, Schlichten, den die Lieder von Korngold und Zemlinsky vorgeben.

Um die Eingangsfrage zu beantworten: Dass alle Komponierenden einen jüdischen Hintergrund haben, hört man den Werken nicht an. Aber dieser Hintergrund ermöglicht einen faszinierenden Ausflug in das auf persönlicher wie auf künstlerischer Ebene vielfältig verflochtene Wiener Musikleben um 1900.

„Eine unglaublich originale Musik, die neue Wege gefunden hat“, so beschreibt Pianist Pierre-Laurent Aimard die Musik von Boulez im Musikgespräch. Was er und viele junge Musiker von Pierre Boulez gelernt haben, wie die beiden zusammenarbeiteten und was der Komponist und Dirigent für ein Mensch war, erzählt er zum 100. Jubiläum von Boulez, das bei den Pfingstfestspielen noch einmal groß gefeiert wird.

Die Sängerin Awa Ly hat sich in der französischen Musikszene, aber auch international einen Namen gemacht und überschreitet mit ihrer einzigartigen Stimme musikalische Grenzen. Sie wurde 1977 in Paris geboren und ist dort auch aufgewachsen. Seitdem kommt sie viel in der Welt herum: sie hat zwei Jahre International Business in den USA studiert, über 20 Jahre in Rom als Schauspielerin gearbeitet und ist auch als Sängerin und Songschreiberin tätig. Inzwischen lebt sie wieder in Paris, aber ihr mobiles Zuhause liegt für Awa Ly im Jazz und Folk, wie auch im Soul, RnB oder Afropop. Marlene Küster stellt ihr neues Album „Essence & Elements“ vor.

Im Song des Monats Mai beschäftigt sich Lars Reichow mit einem oft unterschätzten Drama. Wenn ein Mann in Rente geht, ist das eine einschneidende Veränderung im Leben seiner Frau. Plötzlich muss sie alles mit ihm teilen. Auch den Tag.

„Tacet“ kennen wir als Vortragsanweisung aus Partituren, als Synonym für das Pausieren. Die Choreografin Eva Baumann hat ihr neues Stück für vier Tänzerinnen und eine Cellistin ebenso genannt: „tacet_“. Darin spielen das Schweigen, Stille und das gegenseitige Zuhören die Hauptrolle. Es ist das letzte Stück ihrer Trilogie ZEIT/GEIST, in der sie in den beiden ersten Teilen Entfremdung und Trauma behandelt hat, und sich nun der Stille in bewegten Zeiten zuwendet. „tacet_“ wird am Freitag, 30. Mai im Projektraum des Kunstvereins Wagenhallen uraufgeführt, zwei weitere Veranstaltungen sind am Wochenende zu erleben. Sophie-Caroline Menges war im Vorfeld bei einer Probe dabei und berichtet von ihren Eindrücken.

Am 31. Mai beginnen die Pfingstfestspiele im Festspielhaus Baden-Baden. Dort dreht sich in dieser Ausgabe alles um den Jubilaren Pierre Boulez, der in diesem Jahr 100 Jahre alt geworden wäre. Mit dabei ist unter anderem der Pianist und Boulez-Experte Pierre-Laurent Aimard, das SWR Sinfonieorchester, das London Symphony Orchestra unter Antonio Pappano und Ensemble Recherche. Bernd Künzig und Ilona Hanning sprechen darüber, auf welche Perlen und Überraschungen man sich bei den Pfingstfestspielen freuen darf.

Die Mezzo-Sopranistin Lucile Richardot ist in der französischen Barockopernszene schon seit längerem eine vielbeschäftigte Diva. Sie war eine Spätzünderin: Bis zu ihrem 27. Lebensjahr arbeitete sie als Journalistin, bevor sie sich dazu entschloss, Sängerin zu werden.

Ausgebildet wurde sie unter anderem an der Maîtrise Notre Dame de Paris, als Solistin entdeckt wurde sie von John Eliot Gardiner. Jetzt kommt ihr inzwischen zweites Soloalbum auf den Markt.

Das Programm dazu hat sie wieder selbst recherchiert und kuratiert, das Ensemble Correspondance ist mit von der Partie, Sébastien Daucé hat sich an der Recherche beteiligt. „Northern Lights“ heißt dieses Album, das ins Musikrepertoire des schwedischen Hofes unter Karl XI führt. Ein CD-Tipp von Eleonore Büning.