Treffpunkt Klassik

Eine Komponistin in politisch angespannten Zeiten

„Gerade in der Rezeption der Opern zeigte sich (aber) äußerst klar, wie sehr die sich wandelnde politische Situation in den Jahren 1902 bis etwa 1914 Einfluss auf ihren Erfolg als Komponistin nehmen konnte“, schreibt Angelika Silberbauer in ihrem Buch über die britische Komponistin. Was bedeutet das?

Ethel Smyth kommt während des viktorianischen Zeitalters, im Jahr 1858 in England, zur Welt und erlebt als junge Frau den Wandel ihres Heimatlandes zur imperialen Großmacht. Die Zeiten, in denen sie als Komponistin aufs Parkett tritt, in Deutschland studiert und vermehrt um Aufmerksamkeit ringt, sind also politisch angespannt.

England, Deutschland, Frankreich, sie alle fürchten den wirtschaftlichen und politischen Bedeutungsverlust und reagieren mit Expansion, Konkurrenz und Krieg.

Ethel Smyth: Britin in Deutschland

Angelika Silberbauer steigt in ihrer Dissertation „Die Kultur der Anderen“ tief in diese hochkomplexe Materie ein. Sie untersucht nicht nur, wie Ethel Smyth sich in diesem Umfeld als britische Nationalkomponistin zu positionieren versucht und damit Erfolge erzielt.

Sondern auch, wie genau dieses Bestreben dazu führt, dass ihre künstlerischen Arbeiten auf unterschiedliche Weise symbolisch abgewertet werden: „Sobald sie sich etwa als Dirigentin abbilden ließ, wurde sie nicht nur als Frau in einem männlichen Berufsfeld, sondern gleichzeitig als Britin in Deutschland als ‚anders‘ wahrgenommen.“

Smyth kämpft gegen misogyne und nationalistische Stereotype

In Deutschland gilt Smyths Musik zunächst als „typisch britisch“ – ebenso wie in England nach dem Ersten Weltkrieg. Doch mit der Zeit und den politischen Konflikten wandelt sich das Bild: In ihrer Heimat wird ihr Stil zunehmend als „Deutsch“ abgewertet.

Je länger sie öffentlich sichtbar ist, desto stärker erlebt sie Diskriminierung, erläutert Silberbauer: „Smyth war von Beginn ihrer Karriere an mit Kritik ohne ‚logische‘ Begründungen konfrontiert, die Abwertung ihrer Musik erfolgte vielmehr pauschalisierend durch misogyne und nationalistische Stereotype.“

„Die Nationsidee war stets von Sexismen geprägt“

Im Kontext ihrer nationalen Selbstverortung ergibt sich bei Ethel Smyth ein ebenso wirkungsvoller wie problematischer „Cocktail“: England bemüht sich im 19. Jahrhundert, als es noch als „Land ohne Musik“ galt, um kulturelle Aufwertung durch Investitionen in die Kunst.

Gleichzeitig, wie Angelika Silberbauer zeigt, ist dieser Prozess eng mit der Abwertung von Frauen verknüpft: „Die Nationsidee war stets von Sexismen geprägt“, schreibt die Autorin, „sei es aufgrund der unterschiedlich zugewiesenen Geschlechterstereotype, unterschiedlicher Behandlung vor dem Gesetz, wirtschaftlicher oder medizinischer Unterschiede, aber auch von Unterschieden im Ausbildungsbereich, die grundsätzlich allesamt negiert wurden.“

Zuschreibungen von Geschlechterstereotypen, erläutert Silberbauer, solllten vor allem Frauen unsichtbar und damit politisch handlungsunfähig machen.

Musikalisch trifft Ethel Smyth den Nerv ihrer Zeit

Ethel Smyths Absichten haben sich zu damaliger Zeit also irgendwie widersprochen: Ihre Musik trifft eigentlich genau den nationalen Nerv ihrer Zeit: Sie schreibt Opern – das Genre im Zentrum des Nationaldiskurses – mit traditionellen Melodien, militärischer Ästhetik, Chormusik und Renaissancebezügen. In ihren Texten bekennt sie sich offen zum Patriotismus.

Aber sie ist eben eine Frau: „Aufgrund ihrer Geschlechtszugehörigkeit zur Kategorie Frau erfolgte ihre Selbst-und Fremdverortung als britische Komponistin anders als bei ihren männlichen britischen Berufskollegen. Beginnend mit der Uraufführung ihrer Messe zeigte sich die Rezeption vor allem irritiert. (…) Die meisten Kritiken sprachen ihr das Können ab.“

Keine einfache, aber eine lohnende Lektüre

In ihrer Dissertation untersucht Angelika Silberbauer nicht nur Smyths außermusikalischen Strategien zur Selbstpositionierung als Nationalkomponistin, sondern sie analysiert auch im Detail ihre Opern „Der Wald“, „The Wreckers“, „The Boatswain’s Mate“ und „The Beggar’s Opera“. Dabei arbeitet sie für jedes Werk spezifische nationale Deutungsmuster heraus.

Sie zeigt: Egal, wie kunstvoll, wie öffentlichkeitswirksam oder absolut „britisch“ ihre Musik war, die misogyne Öffentlichkeit fand immer einen Weg, sich irgendwie von ihrer Komponistin zu distanzieren. Statt Smyth wurde ein anderer zum Nationalkomponisten erkoren: Edward Elgar.

Mit ihrem Text schließt Angelika Silberbauer eine Forschungslücke. Sie zeigt am Beispiel Ethel Smyths, warum und wie die Musikgeschichte des 19. und 20. Jahrhunderts die Arbeit von Frauen unsichtbar macht. Zum Lesen braucht es Konzentration, „Die Kultur der Anderen“ ist ein wissenschaftlicher Text. Aber jede Zeile lohnt sich.

Der 21. Juni ist der längste Tag des Jahres und trotzdem oder vielleicht auch deshalb der Tag des Schlafes. Welche Rolle spielt die Musik im Schlaf? Können wir mit ihr besser einschlafen, und falls ja, welche Musik hilft? Die Antwort ist – wie so oft – es kommt drauf an. Außerdem können wir mit Musik das Erlernte vom Tag nachts besser speichern, mit der passenden Musik, erklärt der Leiter des interdisziplinären Schlafmedizinischen Zentrums der Charité Prof. Dr. med. Ingo Fietze im Musikgespräch.

Karl Böhmer: Die Idee hat sehr viel mit den Festivals des SWR zu tun, die sich hauptsächlich in Baden-Württemberg bewegen, zum Beispiel die Schwetzinger SWR Festspiele oder auch Donaueschingen. Es fehlte etwas analoges in Rheinland-Pfalz und ganz besonders im Norden von Rheinland-Pfalz.

Damals wurde dem Mittelrheintal gerade das Prädikat UNESCO Welterbe verliehen. Diese beiden Dinge wollte man zusammenführen. Eine Dame vom SWR kam noch auf die glorreiche Idee, dass ein Festival für Vokalmusik fehle.

Diese drei Dinge, zusammen mit dem Interesse der Kommunen, am Mittelrhein ein Festival in ihren schönen Kirchen und ihren schönen Sälen unterzubringen, führte dann zu RheinVokal.

Das Publikum wünscht sich Alte Musik und Experimentelles

Karl Böhmer: Das kann man so nicht sagen. Die erste Ausgabe war unglaublich fett, wenn ich nach heutigen Maßstäben beurteile. Da spielten sieben oder acht Orchester, mehrere SWR-Orchester und Barockorchester, die ganz großen Programme.

Es dauerte ein bisschen, bis wir das Festival auf das eingegroovt hatten, was das Publikum eigentlich möchte. Das ist A-cappella-Musik der Renaissance, weil es das in den Konzertsälen in Rheinland-Pfalz sonst gar nicht gibt.

Gewünscht ist auch Experimentelles mit Neuer Musik. Dafür steht vor allen Dingen das SWR-Vokalensemble. Das war ein weiterer Gründungsgrund für das Festival. Denn das SWR-Vokalensemble hatte noch keine feste Anbindungen an eine Veranstaltungsreihe. Seit Beginn ist das sozusagen unser Haus-Ensemble.

Besondere Momente mit aufstrebenden Talenten

Karl Böhmer: Für uns ist immer ganz großartig, wenn wir zum Beispiel aufstrebende Stimmen ganz am Anfang ihrer Karriere entdecken und die sich bei uns so richtig entfalten können.

Toll sind auch immer Einspringer-Konstellationen. Ich denke da an letztes Jahr, wo wir eine italienische Primadonna für ein Händel-Programm verpflichtet hatten, die dann aber wegen Nierensteinen absagen musste. Stattdessen kam eine blutjunge Chinesin, die diese berühmte Sängerin so fantastisch ersetzt hat, dass das Publikum ganz aus dem Häuschen war.

Karl Böhmer: Das kann man überhaupt nicht voneinander trennen. Boppard ist zum Beispiel eine Stadt zu beiden Seiten des Rheins, die aber allein durch die Kirchen schon viel Geschichte ausstrahlt.

Wenn man da konzertiert, spielt der Raum fast schon die Hauptrolle. Man muss immer den Raum zum Klingen bringen, mit etwas, das genau hineinpasst. Das ist uns glücklicherweise in den letzten Jahren des Festivals, glaube ich, sehr oft geglückt.

Händel, der ewig Junggebliebene, im Fokus

Karl Böhmer: Ich würde noch den Schwerpunkt Händel hinzufügen. Man muss sagen: Der einzige Komponist, der seit dem achtzehnten Jahrhundert immer jung geblieben ist und ununterbrochen gespielt wurde, war Händel. Das ist unser heimlicher Hauptkomponist im Programm.

Für den Schwerpunkt Karibik steht die fantastische Sängerin Ana Carla Maza. Sie trägt die Musik ihrer Heimat im Herzen. Daneben haben wir auch viele andere Schwerpunkte im Festival. Es ist wirklich sehr vielfältig in unserer Jubiläums-Saison.

Das Festival RheinVokal

In der Aula des Collegium Academicum in Heidelberg herrscht gedimmtes bläuliches Licht. Auf dem Boden sind Isomatten, Schlafsäcke oder Matratzen. Im hinteren Teil des Raumes wurden sogar zwei Hängematten zwischen den Säulen aufgehängt. Ganz wenige sitzen wie im klassischen Konzert auf Stühlen.

Die Nacht ist eine unerforschte Zeit

Etwa 30 Personen haben in dieser Nacht dem Konzert gelauscht oder dazu geschlafen. Die Idee dazu hatte der junge Cellist Joe Pritchard. Für ihn eine absolut lohnende Erfahrung: „Ich wollte schon immer ein Konzert in der Nacht machen, weil ich glaube, dass das eine unerforschte Zeit ist.“

Es sei schließlich die einzige Zeit, in der wir nicht von Terminen getrieben werden. Bei manchen entsteht während des Konzerts ein Gefühl der Zeitlosigkeit. Man wechselt zwischen Wach- und Schlafphasen, immer geborgen von der Musik.

Das geplante Programm muss spontan geändert werden

Joe Pritchard hat sich zusammen mit seinen Mitmusikanten vom Festivalcampus-Ensemble ein etwa achtstündiges Programm für die Nacht überlegt. Mit zwei Geigen, Bratsche, Cello, Kontrabass, Klarinette und Klavier spielen die Musikerinnen und Musiker in immer wechselnden Besetzungen.

Das Programm wird in der Nacht jedoch immer wieder umgeworfen, denn viele der Zuhörenden schlafen schneller ein als gedacht. Das Konzert geht um 23:00 Uhr los. Die Musikerinnen und Musiker haben damit gerechnet, die ersten ein bis zwei Stunden noch lautere Stücke spielen zu können.

Nachts ist eine andere Spielweise gefordert

Geigerin Emily Turkanik erinnert sich noch, dass sie ihre ganze Spielweise anpassen mussten. Statt wie am Tag virtuos, war in der Nacht leises und nicht zu hektisches Spiel gefragt. Außerdem erkannten die Musikanten Stille als störenden Faktor. Sie improvisieren viel zwischen den verschiedenen Stücken, damit die Musik durchgängig fließt.

Im Laufe der Nacht legen sich die Ensemblemitglieder nach und nach auf den herumstehenden Sofas schlafen. Die Besetzung wird immer kleiner, bis nur noch Joe Pritchard übrig ist. Das war genau sein Konzept für die Nacht.

Solistische Celloklänge in den frühen Morgenstunden

Um sechs Uhr beendet der Cellist sein Spiel. Bis dahin hatte er für etwa anderthalb bis zwei Stunden die Cellosuiten von Johann Sebastian Bach gespielt. Mit Dämpfer klangen die Solosuiten sehr besonders und intim.

So leise und zurückhaltend zu spielen, sei körperlich sehr anstrengend, sagt Joe Pritchard hinterher. Er sei zwar physisch müde, dafür aber psychisch sehr angeregt gewesen.

Viele im Publikum sind beim Aufwachen am Morgen wahnsinnig dankbar. Manche sprechen mit Tränen in den Augen von einer einmaligen Erfahrung. Auch wer die ganze Nacht wachgeblieben ist, kam auf seine Kosten. Wegen der besonderen Atmosphäre hat sich die Musik auf völlig neue Weise entfaltet.

Aufkleber sind oft verführerisch. Denn sie sind so schön einfach, ihre inhaltliche Botschaft leicht verständlich. Doch oft führt dieser Inhalt am Kern der Wahrheit auch vorbei. So wie bei Joseph Haydn. Oft hat man ihm das Etikett vom „Papa Haydn“ angeheftet und damit den Eindruck erweckt, seine Musik sei gemütlich und betulich. Ein großer Irrtum. Der Faszination Haydns möchte nun ein neues Buch auf die Schliche kommen. Dieses Buch ist weder Biografie noch wissenschaftliche Abhandlung. Was also? Christoph Vratz hat die Antwort.

Hiob ist noch nicht von aller Welt verlassen: Seine vielen Kinder wurden zwar von Gott dahingestreckt, sein Haus zerstört und er und seine Frau leiden fürchterlich. Aber Freundinnen und Freunde kommen zu Besuch, helfen mit Kleidung und Essen und bleiben sieben Tage und Nächte an ihrer Seite.

Sie reden Hiob gut zu: „Siehe, wohl dem Menschen, den Gott straft! Darum verwirf die Züchtigung des Allmächtigen nicht!“

Jede musikalische Wendung hat eine eigene Bedeutung

Jedes einzelne Instrument, jede Stimme, jede musikalische Wendung hat in Judith Weirs Oratorium „The Land Of Uz“ eine eigene Bedeutung.

Der gezupfte Kontrabass und die unbekümmert tanzende Saxophon-Melodie geben dem hoffnungsfrohen Zuspruch der Freundinnen und Freunde einen jazzigen Unterton, darüber singen sie ihre Melodie in versetzten Quarten wie im gregorianischen Organum.

Die Bratsche als Alter Ego von Hiob

Wenn Hiob einsetzt, verändert sich die tonale Stimmung komplett. Im Duett mit der Bratsche erzählt er von seinen Leiden. Das Instrument fungiert im gesamten Oratorium als sein wortloses Alter Ego.

Durch diese vielen instrumentalen, musikalischen und ästhetischen Wechsel hört sich das Werk an wie ein musikalischer Krimi. In der kleinen Besetzung mit Orgel, Bratsche, Saxophon, Trompete, Kontrabass und Tuba bleibt die Musik stets durchsichtig.

Es ist fast so, als würden alle Stimmen und Klangfarben wie eigene Charaktere auf einer imaginären Bühne auf- und abtreten. Ohne Bilder gezeigt zu bekommen, entstehen so lebendige Szenen vor dem inneren Auge.

Technisch teilweise sehr schwer zu singen

Judith Weir schreibt, dass das Werk, das sie für die BBC Singers komponiert hatte, technisch teils extrem schwer zu singen ist: Um diese Musik umzusetzen, braucht es also ein wirklich herausragendes Ensemble.

Die Schola Cantorum, die David Hill leitet, besteht zwar aus Studierenden der Yale University, aber das macht auf dieser Aufnahme überhaupt keinen qualitativen Unterschied zu etablierten Profi-Ensembles.

Die Musikerinnen meistern nicht nur die technisch kniffligen Momente souverän, sondern spielen und singen dazu noch mit bemerkenswertem kollektivem Ausdruck. In „Where Is Wisdom?“ klingen sie wie ein Solistenensemble auf einer Opernbühne.

Ebenfalls auf dem Album: Amy Beachs „The Canticle of the Sun“

Auf ihrem Album stellen die Musikerinnen Judith Weirs Oratorium neben die 90 Jahre ältere Hymne „The Canticle of the Sun“ von Amy Beach. Das Werk basiert auf dem Sonnengesang von Franz von Assisi, in dem er Gott für die Natur dankt, aber auch über das menschliche Leiden und den Tod nachdenkt.

Amy Beach schreibt einen siebensätzigen Lobgesang, unter anderem auf die, „die Schwäche und Trübsal ertragen (…), die friedlich ausharren, denn Du, der Höchste, wirst ihnen die Krone geben.“

Regt zum Nachdenken über den Hiob in uns selbst an

Die beiden Werke antworten inhaltlich und ästhetisch aufeinander. Wie auch Hiob trotz seines Unglücks nicht vom Glauben abfällt und seinen Gott nach wie vor preist und anbetet, so tut das auch die Kirchenmusik.

Diese Aufnahme lädt dazu ein, über den Hiob in uns selbst nachzudenken oder einfach nur ein fantastisches Oratorium kennenzulernen, das hoffentlich noch öfter zu hören sein wird.

Einschlafhilfe Wagner

Nessun dorma – keiner schlafe! Wer kennt sie nicht, die viel zu viel gesungene und dennoch wunderbar gebliebene Arie aus Puccinis Turandot. Eigentlich, so denke ich mir manchmal, hätte die Arie eher von Wagner sein müssen. So als Intermezzo, alle paar Stunden. Als Durchbrechen der vierten Wand und direkte Ansprache ans Publikum: Parsifal, erster Akt – immer mal ein Nessum dorma einstreuen. Ein Held nämlich, wer im Parsifal noch nicht weggedämmert ist und Fluchtreflexe hatte!

Beim eigenen Stück eingeratzt

Oh, was bin ich schon in Opern eingeratzt! Schlimmstes Beispiel: meine eigene. Ich sag nicht wo. Ich war in fernem Land und hatte dort eine unheimliche Begegnung mit nicht wirklich frischen Muscheln. Sehr lecker, aber auch sehr unfrisch. Am nächsten Tag Generalprobe an anderem Ort, nach schlimmer Nacht.

Rein ins Flugzeug, direkt zur Probe. Licht aus, Komponist aus. Ich habe bis jetzt noch keine Ahnung, wie die Probe war. Jedenfalls glaube ich, dass der Opernschlaf das letzte Tabu im Bereich des Musiktheaters ist.

Live-Piercings, Blut, schwarze Messen, allerlei Schweinkram: kein Problem. Aber einschlafen im Parsifal: das entehrt die Kunst und verachtet den Meister! Doch was, wenn die Luft fehlt und das Herz erstickt. Na und, sag ich mir, wer schläft, schreibt keine Verrisse, also ruhet wohl, ihr müden Glieder!

Perfekte Vorbereitung für den Opernschlaf

Ich wünsche mir daher bei jedem Opernbesuch neben Opernglas und Brezel, ein schniekes Nackenkissen, ein Anti-Schnarchspray und vielleicht noch eine dieser heizkissenartigen Vorrichtungen mit eingebauter Vibrationsfunktion, die einen sanft wachrüttelt, damit man den Karfreitagszauber nicht auch noch verschläft.

Zum Traum wird hier die Zeit – die Stelle möchte man dann schon hören. Ich will eine Kuschelloge statt einer Königsloge, mit Wärmflasche und allem Schnickschnack.

Der Schlaf: ein Kompliment an die Musik

Der Opernschlaf, ist er endlich enttabuisiert, wird zum ästhetischen Schlaf. Nicht die Langeweile hat einen niedergestreckt, sondern die Wucht der Kunst! Und ist es nicht auch eine Form von Hingabe, der Musik so sehr zu vertrauen, dass man ihr sogar im Tiefschlaf begegnet?

In einer Wagner-Oper gelassen von Verdi zu träumen und mit La Traviata im schlafenden Ohr durch ein mächtiges Rums-Bums in der Götterdämmerung zu landen: das wäre mal eine Opernerfahrung, man erschnarcht sich seine eigene Regie!

Konzentration bei Gordon Kampe!

Wer aber in einer meiner Opern einschläft, der – das ist klar – bekommt Ärger. Ich schreibe doch nicht jahrelang an einer 12 Meter Partitur, damit man einratzt. Ich träume also von irgendeiner geheimen Technik, die mir die Hirnströme meines Publikums misst. Und wenn die Daten sagen „Schnarchgefahr im Parkett!“ werden Tempo und Dynamik ebenso erhöht, wie der Ausstoß an Kunstblut.

Insofern: Der Opernschlaf ist ein interessantes und unterforschtes Phänomen. Probieren Sie das gern mal aus. Aber bitte nicht bei mir. Also: Vorhang auf, Augen zu, gute Nacht.

Susanne Pütz berichtet vom Deutschen Orchesterwettbewerb im Livegespräch mit Katharina Eickhoff.

Diese Woche zeigt sich mal wieder, wie viel Jazzpreise es in Deutschland gibt. Sowohl der SWR Jazzpreis 2025 und der Deutsche Jazzpreis werden innerhalb dieser vergeben. Wozu braucht es überhaupt so viele Preise? Ist das sinnvoll? SWR Kultur Jazzredakteurin Julia Neupert erklärt die Hintergründe und gibt ihre Prognosen für den Deutschen Jazzpreis bekannt, der am 13. Juni in Köln in vielen Kategorien vergeben wird.

Über 10% der Lehrkräfte in RLP sind Seiten- oder Quereinsteiger, mehr als doppelt so viele wir noch vor zehn Jahren. Besonders im Musikunterricht fehlt der Nachwuchs. Damit die Lehrkräfte gut vorbereitet sind, gibt es in Rheinland-Pfalz eine besondere Ausbildung. Robert Tophofen stellt sie im Musikgespräch vor.