Treffpunkt Klassik

William Shakespeares Komödie „A Midsummer Night’s Dream“ spielt zur Sommerzeit im antiken Athen und einem nahen verzauberten Wald und hat viele Komponisten inspiriert: Henry Purcell hat den Stoff in „The Fairy Queen“ vertont. Auch Carl Maria von Weber, Ambroise Thomas und Benjamin Britten, ebenso Michael Tippett und Carl Orff haben sich eine musikalische Umsetzung gewagt. Am berühmtesten aber ist die Musik von Felix Mendelssohn-Bartholdy. Jetzt liegt das Werk in einer neuen Aufnahme mit dem Freiburger Barockorchester vor.

Der Kabarettist und SWR Kultur-Glossist René Sydow macht sich Gedanken über den Geist und Ungeist in den sozialen Medien. Wie steht es in ihnen um die klassische Kultur, die klassische Musik? Und welche großen Geister von einst wären wohl heute TikTok-Stars?

Seit 1985 zählt das alljährlich stattfindende Musik-Festival Styriarte zu den Säulen des reichen Kulturlebens von Graz. Nikolaus Harnoncourt hat Styriarte gegründet und war bis zu seinem Tod 2016 die prägende Figur des Festivals. In diesem Jahr feiert es seinen 40. Geburtstag mit einem breit gefächerten Programm unter dem Motto „Raum und Klang“. Regine Müller war vor Ort.

84 Jahre wird Jordi Savall in diesem Sommer, aber der katalanische Gambist und Dirigent ist schier unermüdlich geblieben. Noch immer wagt er sich auf Neuland vor und überrascht mit Entdeckungen. Wie bei seinem neuen Album, das er „Symphonie oubliées“ genannt hat, „vergessene Symphonien“. Da kombiniert er Schumanns unvollendete g-Moll-Symphonie, mit der von Anton Bruckner annullierten d-Moll-Symphonie, die eigentlich seine Zweite war und heute als die „Nullte“ bezeichnet wird. Das Ergebnis ist verblüffend, findet Susanne Stähr.

Ein Telefonat in die Vergangenheit

Im Robert-Schumann-Museum in Zwickau kann man originale Möbel des Komponisten sehen und auch einen Eindruck von seinen außerordentlichen Instrumenten, zum Beispiel einem Flügel mit Pedalen wie an einer Orgel, bekommen. Neu hinzu kommt nun ein Telefon aus dem 19. Jahrhundert. Kein gewöhnliches Telefon, sondern ein Telefon, über das man sich mit Clara Schumann, Roberts Frau, Komponistin und Pianistin, verbinden lassen kann.

Beim Abnehmen des Hörers, so erklärt Sven Hellbach – der zusammen mit Studenten der Westsächsischen Hochschule Zwickau dieses Projekt auf die Beine gestellt hat – wird man mit einem „Fräulein vom Amt“ verbunden, Telefonnummern wie man sie heute kennt waren damals schließlich noch nicht verbreitet. Die Verbindung zu Clara Schumann dauert nur wenige Sekunden und schon kann man mit „ihr“ sprechen.

Liebesbriefe als Trainingsmaterial

Zwei Jahre lang wurde das Projekt mit Bachelor- und Masterstudierenden der Westsächsischen Hochschule Zwickau entwickelt. Am anderen Ende der Leitung ist eine künstliche Intelligenz, die auf ChatGPT basiert. Trainiert wurde sie vor allem mit Liebesbriefen zwischen Clara und Robert Schumann, damit solle eine möglichst reales Bild von Clara Schumann gezeichnet werden, erklärt Hellbach. Auch Briefe zwischen der Komponistin und Johannes Brahms wurden als Trainingsmaterial genutzt.

Auf Wunsch des Museumdirektors Dr. Synofzik spricht die KI mit einem Leipziger Akkzent, schließlich wurde Clara dort geboren. Eine Leipziger Schauspielerin diente der KI als Sprachmodell. Doch die KI gibt nicht auf alles eine Antwort, einige Guardrails – also Absperrungen – wurden vorgegeben, so wird Politik zum Beispiel von der künstlichen Clara Schumann nicht thematisiert.

Neueste Technologien im Robert-Schumann-Museum Zwickau

Perfekt ist natürlich auch die KI-Schumann nicht, hin und wieder werden kleinere Fehler in ihren Antworten noch ausgebessert. Zudem soll an einer englischen Version gearbeitet werden, damit die Telefon-Schumann auch auf Reisen gehen kann.

Während man im Schumann-Museum Clara zuhören kann, wird Robert Schumann dank Augmented-Reality-Brille in seinem Geburtszimmer sichtbar. Durch die Brille sieht man ihn umherwandern, am Flügel oder am Schreibtisch. Eine Zeitreise ist zwar nicht möglich, doch ein bissche näher kommt man den zwei Musikern auf jeden Fall.

Mehr als 80 Grundschulkinder sind im Probesaal der Pariser Philharmonie. Sie stimmen sich bei der Generalprobe ein für das große Konzert am nächsten Tag.

Mattia Bornati leitet das Kinderorchester. Er fühlt sich gut vorbereitet. Die Kinder seien in gewisser Weise aber auch unvorbereitet. „Sie wissen noch gar nicht, was ein Konzert ist.“, erklärt der Orchesterleiter. Die Kinder spielen erst seit einem Jahr im Orchester.

Kinder kennen weder Orchester noch Instrumente

Die ersten Proben haben ohne Instrumente angefangen, erzählt Bornati. Für ihn sei das ziemlich kurios gewesen: „Da kommst du als Orchesterleiter zur Probe und siehst aber keine Instrumente.“ Die Kinder wüssten zunächst einmal nicht, was ein Orchester ist und welche Instrumente es überhaupt gibt, erinnert er sich.

Bei den ersten Übungen ging es darum, ein Gespür für die Gruppe zu bekommen und mit dem Körper Klänge zu erzeugen, zu tanzen und zu singen. „Dann haben wir uns an die Instrumente gewagt und auf drei Töne geeinigt, die alle unisono gespielt haben. Es klang richtig gut nach gerade einem Monat mit Instrument.“, freut sich der Orchesterleiter.

Jugendzentren in sozialen Brennpunkten wählen Kinder aus

Die Kinder proben bis zu dreieinhalb Stunden in der Woche, meistens in kleineren Gruppen mit Musiklehrern. Klassische Musik ist für die Kinder neues Terrain.

Die Chance im Orchester zu spielen, verdanken sie Jugendzentren in sozialen Brennpunkten. Diese wählen die Kinder aus. Dabei achten sie darauf, dass sich die Bevölkerungsstruktur im Viertel widerspiegelt.

Musik soll für alle da sein

Vor fünfzehn Jahren ging es mit vier Orchestern im Pariser Raum los. Inzwischen gibt es über 50 sogenannte Demos-Jugendorchester in ganz Frankreich. Ein zentrales Credo: Die Familien der Kinder sollen aktiv miteinbezogen werden, etwa im Eltern-Chor. Öffentliche Gelder, Mäzen und kleine Privatspenden fördern das soziale Projekt.

Gilles Delebarre ist der Ideengeber hinter dem Projekt. Er ist der Meinung, dass insbesondere klassische Musik nicht einem kleinen Teil der Bevölkerung, die ein gehobenes Einkommen hat, vorbehalten sein dürfe. „Wir haben festgestellt, dass Kinder, die eingewandert sind, erst im Projekt das Gefühl bekommen, endlich dazu zu gehören.“

Am Tag vor dem Konzert proben die Kinder alle Abläufe minutiös. Dann kommt der große Konzerttag. Die Philharmonie von Paris lädt zum Galaabend ein. Das Debüt hat allen Lust auf mehr gemacht. Nach der langen Sommerpause können die Kinder ihr zweites Jahr im Orchester kaum erwarten.

Ein Konzert für den Frieden gab das Rivne Philharmonic Orchestra am Sonntag, 22. Juni beim Festival „Rivne Classical Residence”. Musikalische Unterstützung aus Stuttgart gab es durch die Dirigentin Friederike Kienle und die Pianistin Sophia Weidemann. Auf dem Programm: Robert Schumanns Klavierkonzert und Beethovens 3. Sinfonie „Eroica“. Friederike Kienle berichtet von diesem Erlebnis im SWR Kultur Musikgespräch.

Emotion pur: „All by Myself“ von Eric Carmen ...

Mit Liebeskummer auf der Couch, ein Glas Wein oder einen Rieseneisbecher in der Hand, die Tränen rinnen die Wangen herunter …

Auch wenn es diese Szene so wahrscheinlich nur im Film gibt und es im richtigen Leben oft weitaus unspektakulärer zugeht: Der Song „All by Myself“ passt perfekt zu einem Gefühlskosmos, den wir alle kennen.

Es trieft nur so vor Emotionalität, die Gefühle müssen raus. Und manche Künstler finden dafür einfach genau den richtigen Tonfall. So wie Eric Carmen 1975 mit seiner einmaligen Song-Idee. Aber Moment: Wie einmalig ist eine Idee, wenn sie jemand anders schon 75 Jahre vorher hatte?

... und Rachmaninows Vorlage

Der Komponist Sergei Rachmaninow war es, der die gefühlvollen Klänge schon im Jahr 1901 auf die Bühne brachte. Sein Opus 18 ist für viele bis heute das romantische Klavierkonzert überhaupt. Entsprechend zahllos sind die Filmsoundtracks und Popsongs, in denen die liedhaft-elegischen Themen aus dem Werk auftauchen.

Eric Carmen allerdings hat auch noch in anderen Rachmaninow-Stücken Passagen gefunden, die ihm gefielen – etwa in der 2. Sinfonie.

Daraus wurde ein ähnlich dramatischer Songtext wie bei „All by Myself“ – nämlich „Never Gonna Fall in Love Again“. Diese sehr eingängige fallende Sequenz begeisterte auch Chet Baker. Der erfand sogar einen syntaktisch ähnlichen Titel wie Eric Carmen: „You Can’t Go Home Again“.

Auch Frank Sinatra kopierte Rachmaninow

Aber nochmal zurück zu Rachmaninows 2. Klavierkonzert: Dessen Potenzial hat die Musikwelt wirklich vollständig ausgeschlachtet. Denn auch der dritte und der erste Satz blieben in Sachen Kopieren und Zitieren nicht unberührt. Da wäre etwa Frank Sinatra mit „I Think of You“ von 1957.

Auch nach 100 Jahren ist Rachmaninow Pop-relevant

Das ist nicht der einzige Sinatra-Song, in dem Rachmaninow zitiert wird. Es scheint, als gäbe es eigentlich keine Phrase oder Melodie aus dem Klavierkonzert, die nicht von anderen Musikern aufgegriffen wurde.

Auch der dramatische Anfang des Konzerts im ersten Satz findet Fans und Nachahmer. Und das auch noch nach der Jahrtausendwende. Denn die Leidenschaft und Hingabe, die aus Sergei Rachmaninows Werk spricht, ist auch 100 Jahre später kein bisschen weniger spürbar.

Das gilt für das Feld der schnulzigen Crooner-Balladen genauso wie für die Rockmusik, zum Beispiel die der Band Muse.

Liedbegleitung: Nach wie vor eine Männerdomäne

Die Liedbegleitung ist seit dem 20. Jahrhundert aus ihrem Schattendasein getreten und zu gleichberechtigten künstlerischen Partnern der Sängerinnen und Sänger geworden. Doch bis heute scheint die Liedbegleitung vor allem eine Männerdomäne zu sein.

Elenora Pertz will das ändern. Sie ist selbst eine gefragte Liedbegleiterin, leitet die Klasse für Liedgestaltung an der Musikhochschule Bremen und hat vor vier Jahren den Verein „Lied the Way“ gegründet, der ein Netzwerk für Frauen in der Kunstliedszene sein will.

Frauen waren immer sehr präsent in der Liedbegleitung

Mit der Liedbegleitung verhalte es sich ein bisschen anders als mit der Sichtbarkeit von Dirigentinnen oder Komponistinnen, erklärt Pertz. Während wenige Frauen Dirigieren und Komposition studiert hätten, habe es immer genauso viele Frauen gegeben, die Liedbegleitung studierten, wenn nicht mehr.

Warum dennoch zumeist Männer sich in diesem Bereich hervortun, erklärt sich Pertz wie folgt: Die Karriere als Liedbegleitung schlagen Musikerinnen und Musiker meist im Alter jenseits der 30 ein, eine Zeit in der viele Frauen Mütter werden. Es gebe zudem keine Festanstellungen, Liedbegleitung sei generell eine freiberufliche Tätigkeit. Frauen scheitern zudem häufiger als Männer an unternehmerischen Hürden, so Elenora Pertz.

Zudem gebe es festgefahrene gesellschaftliche Vorstellungen: Viele Liedbegleiter arbeiten mit vielen unterschiedlichen Sängerinnen und Sängern zusammen. Männern gestehe man diesbezüglich auch im Beruflichen mehr Partnerwechsel zu als Frauen.

Valerie Eickhoff und Elenora Pertz interpretieren Korngolds Lied „Sommer“

„Lied the Way“ versucht, neue weibliche Netzwerke zu knüpfen

Darüber hinaus sei auch das Repertoire etwas ausgrenzend, erklärt Pertz weiter. Viele Lieder, insbesondere des 19. Jahrhunderts, seien von Männern geschrieben worden, nach lyrischen Texten von Männern. Frauen im Liedfach würden häufig den Einstieg durch feministische oder als feministisch besprochene Programme finden.

Auch im Bildungsbereich seien Frauen in Sachen Lied nach wie vor unterrepräsentiert: In Deutschland habe es noch nie eine weiblich besetzte Professur für Liedgestaltung gegeben, so die selbst unterrichtende Liedbegleiterin.

Mit ihrem Verein „Lied the Way“ will Pertz Frauen in der Kunstliedbranche zusammenbringen und berufliche Netzwerke knüpfen. Einmal im Jahr organisiert der Verein Workshops und ein Festival in Florenz, das zwischen dem 8. und 13. Juli in der Fondazione Masacarade stattfinden wird. Nicht nur Pianistinnen, sondern auch weibliche Liedduos sind in diesem Jahr eingeladen. Die zentrale Frage dabei: Wie können Frauen im Liedfach besser kollaborieren und weibliche Perspektiven in die Welt des Kunstlieds tragen?

Klangerzeugung zwischen Knochenflöten und Schwirrhölzern

Es könnte ein Luftzug sein, der um einen Berg und in eine Höhle pfeift. Erzeugt wird das Geräusch mit einiger Übung durch ein Schwirrplättchen: ein handgroßes Plättchen aus Holz, das an einer Schnur im Kreis durch die Luft geschleudert wird.

Die beiden Musikarchäologen haben auch noch andere prähistorische Gegenstände dabei, die Geräusche erzeugen: Knochenflöten, Klangsteine, Rasseln aus Muscheln und aus Zähnen von Wildtieren der Altsteinzeit.

Arnd Adje Both hat eine Muschelrassel ums Handgelenk gebunden: „Es ist immer die Frage: Musikinstrument, Statussymbol, Schmuck, oder alles gleichzeitig? Die Interpretation ist immer sehr offen. Aber die Geräte klingen auf jeden Fall – und sie klingen auch sehr schön.“

Machten die Menschen der Altsteinzeit tatsächlich Musik?

Die beiden Forschenden sprechen nicht von Musikinstrumenten, sondern von Klangartefakten. Waren diese nicht verrottbaren Gegenstände wie Klangsteine, Zähne oder Knochen die einzigen Klangerzeuger der Altsteinzeit? Wenn denn tatsächlich Musik-Ähnliches auf ihnen erzeugt worden sein sollte.

Trommeln und Holzratschen etwa würde man heute nicht mehr finden. Immerhin nur halb verschwunden und eindeutig von menschlicher Hand bearbeitet: eine altsteinzeitliche Flöte. Dafür ist Anna Friederike Potengowski zuständig. Sie ist nicht nur Musikarchäologin, sondern als Musikerin auf flötenähnliche Instrumente spezialisiert – auf Knochen.

Wie spielten Steinzeitmenschen die Knochenflöte?

Potengowski zeigt ein Instrument, das aus dem Flügelknochen eines Geiers gefertigt wurde: „Hier waren fünf Löcher erhalten. An dem einen Ende gibt's sowas, das sieht aus wie eine tiefe Kerbe: Das ist ganz klar menschlich bearbeitet, sie ist aber nicht anspielbar. Von der anderen Seite, mit einer gerade abgeschnittenen Kante als Schrägflöte geht es ganz gut zu spielen.“

Man weiß nicht, von welcher Seite diese Knochenflöte geblasen wurde. Mit historischer Aufführungspraxis ist es in der Musikarchäologie also nicht weit her. Sämtliche greifbaren Informationen über das Musikmachen vor etwa fünfzigtausend Jahren fehlen.

Anna Friederike Potengowski spielt eine rekonstruierte Knochenflöte

Höhlen: Klangräume mit Geräuschkulisse

Was nicht fehlt: die Räume, in denen Musik in der Altsteinzeit erklungen sein könnte – Höhlen. Sie sind allerdings, wenn sie jemals Kulturraum waren, auch zugleich immer Naturraum geblieben.

„Wenn wir von Klangräumen sprechen: Die sind ja nicht artifiziell gemacht, sondern die bestehen einfach“, erklärt Anna Friederike Potengowski. „Das heißt, in dem Fall muss man berücksichtigen, die ein eigenes Umgebungsgeräusch, was zu diesem Klangraum gehört.“

Bei Höhlen seien dies ganz klar Tropfgeräusche, erläutert die Forscherin. Im Außenbereich kämen Geräusche vom Wind oder den Tieren hinzu. „Das sind eben nicht diese reinen Klangräume, wie wir die heute kennen, wo weitestgehend Stille herrscht“, so Potengowski. „Die Umgebungsgeräusche haben möglicherweise einen Einfluss auf die Musik, die gemacht wurde.“

Die Höhle als Klangraum hatte wohl Einfluss auf die Steinzeit-Musik

Der Höhlenraum dürfte bei den Menschen der Altsteinzeit bestimmte Vorstellungen ausgelöst haben. Auch solche Vorstellungen hatten vermutlich Einfluss auf die jeweilige Musik, von Raum zu Raum einen unterschiedlichen.‘‘

„Ich beschäftige mich mit den Blasinstrumenten von der Schwäbischen Alb“, erklärt die Musikarchäologin Anna Friederike Potengowski, „die sind zwar ganz eindeutig mit den Höhlen assoziiert. Das heißt, die hängen zusammen mit dem Hohlen Fels und dem Geißenklösterle. Das sind Höhlen im Achtal.“

„Das eine Instrument aus Geierknochen ist auch wirklich in situ in der Höhle gefunden worden. Und nicht weit davon entfernt tatsächlich auch eine Figurine, die Venusfigurine – also ich glaub, so weniger als einen Meter entfernt.“

Dennoch, so Potengowski, könne man nicht einfach von Zusammenhängen ausgehen: „Die hätten sogar durch Sedimentverschiebung irgendwie zufällig in dieselbe Fundschicht geraten können. Also man kann eigentlich über die Anlässe, zu denen musiziert wurde, nachweislich nichts sagen.“

Kann Musikarchäologie helfen, Höhlenfunde zu interpretieren?

Deshalb können Musikarchäologen auf ihren Klangartefakten auch einfach ein bisschen herum-jammen – und spielen, was sie wollen. Mit einem solchen musikantischen Ansatz nähert man sich in der Musikarchäologie nicht nur den Klangerzeugern, sondern auch den Höhlen.

Tief im Berginneren wurde 1994 in Südfrankreich die Chauvet-Höhle entdeckt, die seitdem für ihre unberührten, 30.000 Jahre alten Höhlenmalereien berühmt ist. Bei ihrer Erkundung ist auch ein französischer Kollege des Musikarchäologen Arnd Adje Both mit von der Partie – musizierend und singend.

So nähert sich die Musikarchäologie zum Beispiel den rätselhaften roten Farbmarkierungen, denen die konventionelle Archäologie oft keine Bedeutung zuordnen kann, erklärt Both: „Er geht einfach mit seiner Stimme in diese Räume, er ist ausgebildeter Sänger.“

Steinzeit-Menschen markierten Resonanzräume in den Höhlen

Der französische Forscher habe einige dieser roten Farbmarkierungen tatsächlich gefunden: „Plötzlich gab es eine Resonanz – und genau über ihm ist ein roter Punkt, der anderen Höhlenforschern bislang noch gar nicht aufgefallen war. Er hat sogar Höhlenbilder erstmals entdeckt auf dem Weg der akustischen Untersuchung dieser Höhlen.“

Es könnten Bilder an Stellen gemalt worden sein, von wo aus die Höhle besonders gut klang. Das sind aber bisher ebenfalls nur Vermutungen. Die Erforschung des Zusammenspiels von Klangartefakten und Klangräumen der Altsteinzeit steht noch ganz am Anfang.

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