Treffpunkt Klassik

Dieses Album fällt schon durch sein kurioses Cover auf: Ist das ein flämisches oder spanisches Gemälde? Eine schwarzgewandete Frau ist darauf mit flämisch-spanischer Halskrause, aber einer Art Roboter-Arm. Keine KI ist das, sondern intelligente Künstlichkeit. Die Frau ist die israelische Tastenkünstlerin Tamar Halperin, „Ground“ heißt ihr neues Album, und Albrecht Selge hat es sich angehört.

Wenn in Rom das sommerliche Wetter beginnt, organisiert die Stadtverwaltung Freilicht-Kino-Bühnen, die ein großer Erfolg sind. So ähnlich funktioniert der Lastwagen, den das Opernhaus Rom in die Außenbezirke schickt. Zu erleben noch bis Ende Juli: Figaro! nach dem Barbier von Sevilla. Kulturmission ist angesagt und Thomas Migge war dabei.

Wer kennt das „Havelberger Konzert“ von Johann Sebastian Bach? Christoph Hein hat diesen Titel für sein neuestes Buch gewählt. 5 Novellen rund um das Leben des Komponisten. Diese ganz eigene Sicht ist jetzt im Inselverlag erschienen. Susanne Pütz hat die 5 Novellen gelesen.

Mit einem Schlag ist sie da, diese fremde, karge Klanglandschaft: metallisches Scheppern, gedämpfte Glockenklänge und ein klagender Bogenstrich in hoher Lage. Hier spielen Christopher Dell am Vibrafon, Christian Lillinger am Schlagzeug und Jonas Westergaard am Kontrabass. Dem eng verzahnten Zusammenspiel der Drei liegt ein recht strenges System zugrunde.

Musik mit immer anderen Perspektiven

Es gebe einen Strukturkern auf den sich alles beziehe, erklärt Christopher Dell. „Den analysieren wir auf unterschiedliche Möglichkeiten in unterschiedlichen Taktarten.“ Es geht in dieser Musik um immer andere Perspektiven und Beleuchtungen eines gleichen Grundobjektes.

Diese Vielzahl von Perspektiven in der Musik sind bei Christopher Dell auch biographisch begründet. 1965 wurde er in Darmstadt geboren, verbringt aber seine ersten fünf Lebensjahre im indischen Ranchi. Dort wurde der Unterricht gelegentlich von Musikern unterbrochen, die gerade an seiner Klasse vorbeikamen, erzählt der Vibrafonist. „Da hat man einfach gespielt und gesungen.“

Über Schlagwerk zu Vibrafon und Jazz

Nach seiner Rückkehr nach Deutschland besucht Dell als Teenager die Konzerte der Darmstädter Ferienkurse für Neue Musik. Über das Schlagwerk im Orchester kommt er zum Vibrafon und mit diesem Instrument zum Jazz.

Im Berklee College of Music in Boston studierte er beim Großmeister des Jazz-Vibrafons Gary Burton. Diese Zeit war eine prägende Erfahrung, mit ihm studierten dort zur selben Zeit Leute wie der Pianist Brad Mehldau, der Trompeter Roy Hargrove oder der Saxofonist Donny McCaslin.

Den Spirit des Berklee-College bringt Christopher Dell Anfang der 1990er Jahre mit in die deutsche Jazzszene. Sein Spiel hat einen extremen rhythmischen Drive und scheint technisch vollendet. Das ist auf über 80 Tonträgern festgehalten. Dell arbeitet solistisch und mit Ensembles an der Schnittstelle von Jazz und Neuer Musik.

Leidenschaften neben dem Jazz

Neben der musikalischen Karriere macht Christopher Dell auch eine akademische. Er promoviert im Fach Organisationspsychologie und habilitiert als Kulturwissenschaftler mit dem Schwerpunkt Architektur und Städtebau. Ihm sei dadurch auch viel bewusster geworden, wie sehr Orte und Umgebungen sein Vibrafon-Spiel beeinflussen, sagt Dell. Diese Rahmung werde im Konzertbetrieb oft vernachlässigt, bemerkt er.

Umgekehrt könne er auch seine Erfahrungen aus der Musik in die Architektur übertragen. Dell ist es wichtig, seine Werke immer wieder zu überarbeiten und zu reflektieren. In seinem Projekt „Das Arbeitende Konzert“ ist zum Beispiel jede der mittlerweile neun vorliegenden Fassungen mit unterschiedlichen Besetzungen entstanden.

Langsam kommt er angekrochen, dieser Trauerzug; unaufhörlich kommt er näher. Die Musik wird lauter und klingt nun trotzig und stolz.

Dieser Trauermarsch hat Chopins zweite Klaviersonate weltberühmt gemacht – sogar bei Staatsbegräbnissen wird er gespielt. Die Aufnahmegeschichte ist entsprechend reich an Beispielen, wo diese Musik sich krampfhaft dehnt oder hysterisch zu schreien beginnt.

Bei Benjamin Grosvenor ist beides nicht der Fall. Zum Glück. Denn der Brite trifft den Puls einer langsam-schreitenden Bewegung genau und gestaltet die Steigerungen organisch. 

Trauermarsch mit Hingabe

Die Herzkammer dieses Trauermarsches bildet der Mittelteil, ein verträumtes Intermezzo in Dur, eine Insel des Trostes. Grosvenor deutet diese Stelle mit Hingabe: zart, innig, poetisch. 

Dieser Trauermarsch mit all seinen Kontrasten gewinnt erst an Bedeutung, wenn man sich die dramaturgische Umgebung innerhalb dieser zweiten Chopin-Sonate genauer anschaut. Ihm voraus geht nämlich ein wildes Scherzo: auch hier klingen die ersten Takte trotzig und stolz. Doch es ist ein Aufbegehren der anderen Art.

Im besten Sinne unbeirrbar

Benjamin Grosvenor spielt das im besten Sinne unbeirrbar. Er lässt sich nicht zu Effekten hinreißen, sondern bleibt nah am Notentext und lotet die Stimmungen dieser Musik genau aus. Und das schon in den ersten Takten des Kopfsatzes: düster und dramatisch klingen die ersten Akkorde, betont nervös die dann folgende Passage.

Der dramatische Bogen führt von diesem nervös-unruhigen Beginn unmittelbar zum Finale. Das ist ein rätselvoller Satz, nur anderthalb Minuten kurz, ein permanentes Raunen, ohne Richtung, ohne Ziel, ein gespenstisches Irrlichtern – und genau so gestaltet Benjamin Grosvenor dieses Finale.

Melancholie und Trost gehen Hand in Hand

Einen Gegenentwurf zu diesem Schluss der zweiten Sonate bildet das Scherzo in Chopins dritter Klaviersonate. Die unruhevolle Bewegung ist von ihrem Grundpuls her ähnlich, doch statt eines dunklen Raunens hören wir, wie Grosvenor die Musik funkeln und blitzen lässt.

Ständige Bewegungen hier, markant kantige Rhythmen dort. Das Largo beginnt wie ein Schrei der Verzweiflung.

Grosvenor fängt die anschließende Verwandlung geschickt ein. Innerhalb weniger Takte sind wir in einer völlig anderen Region: Melancholie und Trost gehen sanft Hand in Hand. 

Nicht die spektakulärste Aufnahme, aber eine Suche nach Chopins Wahrhaftigkeit

Es ist ein großes Verdienst dieser Aufnahme, dass Benjamin Grosvenor nie nach Übertreibungen sucht. Entsprechend natürlich klingt sein Klavierspiel.

Gewiss, es gibt deutlich spektakulärere Aufnahmen dieser beiden Klaviersonaten. Grosvenor jedoch sucht nach ihrem Kern, und damit nach Wahrhaftigkeit in dieser Musik. Das macht das Album so interessant und wertvoll.

Auch die Ergänzungen – Chopins Berceuse, die erste Ballade und zwei Nocturnes – besitzen einen eigenen Wert, denn auch hier bleibt Grosvenor sich und seinem Ansatz treu.

Johann Sebastian Bach zählt zu den beliebtesten Komponisten der klassischen Musik. Vor allem im Jazz bedienten sich etliche Musikerinnen und Musiker an seiner Musik und auch im Pop findet man bei genauem Hinhören den barocken Bach in vielen Songs. Leonie Reineke hat sich auf Spurensuche begeben.

Er sei zwar Literat, mehr aber mehr noch Musiker, sagte Thomas Mann einst über sich selbst. Welche Rolle die Musik in seinem Leben tatsächlich gespielt hat und wie viel man heute noch davon erleben kann, erzählt Steven Walter, derzeitiger Thomas-Mann-Fellow in L.A. Er lebt dort im ehemaligen Haus von Thomas Mann und blickt im Musikgespräch auch auf die derzeitige politische Situation in den USA.

Im Rahmen der Pfingstfestspiele steht am 7. Juni im Festspielhaus Baden-Baden ein besonderes Konzert auf dem Programm. „Salon 1955“ verbindet ein Werk von Pierre Boulez mit Uraufführungen von Kompositionsstudierenden aus Freiburg und Karlsruhe. Nicola Mai hat mit den Beteiligten gesprochen und herausgefunden, was es mit dieser Kombination auf sich hat.

Eine Opernkritik, die vergangene Woche auf der Plattform „Der Opernfreund“ erschienen ist, hat eine Debatte über Bodyshaming ausgelöst: Der Rezensent Dieter David Scholz kommentiert darin nämlich nicht nur den Gesang und das Schauspiel der Sopranistin Friederike Meinke, sondern auch ihren Körper. Was ist in der Opernkritik noch vertretbar, und wo werden Grenzen überschritten? Darüber hat Hannah Schmidt nachgedacht.

Benjamin Appl startet das Album ganz bewusst mit Franz Schuberts „An die Musik“. Dieses Lied gipfelt in dem Satz „du holde Kunst, ich danke dir“. Damit formuliert es das Credo dieser Jahrhundertfigur als Botschafter des deutschen Liedes: Immer kleiner bleiben als das Werk, in dessen Dienst man sich stellt.

Lieder erzählen Leben des Sängers nach

„Für Dieter“ erzählt auf so ehrliche wie kluge und berührende Weise das Leben dieses sehr besonderen Sängers in 32 Liedern nach. Benjamin Appl hat aus Fischer-Dieskaus immensem Repertoire ausgewählt, um biografische Stationen und Schlüsselmomente zu beleuchten.

Dem jungen Dietrich Fischer-Dieskau schrieb sein Bruder Klaus Lieder. Zum Beispiel „Wehmut“ nach einem Goethe-Gedicht. Eine der vielen Überraschungen, die dieses Album samt seinem mustergültigen Booklet zu bieten hat.

Schüler macht dem Meister alle Ehre

„Für Dieter“ bietet feine, vielfach Fischer-Dieskau-Briefe zitierende Texte Appls an. Das ist frisch gesungen, mit dem versatilen James Baillieu am Klavier. Der Schüler macht dem Meister alle Ehre, kann dem heiklen Vergleich als moderner, reflektierender Interpret durchaus standhalten.

Man braucht also keine hunderte von Silberscheiben, um sich an das große Können, die einzigartige Meisterschaft und die Mission Dietrich-Fischer Dieskaus zu erinnern. Diese Sammlung schafft es spielerisch-ehrerbietig als Nussschale und Nukleus.