Treffpunkt Klassik

Das Staatsorchester Rheinische Philharmonie Koblenz bekommt eine neue musikalische Leitung: Ab der Spielzeit 2026/27 übernimmt die polnische Dirigentin Marzena Diakun den Chefposten in Koblenz. Die 44-Jährige ist dem Orchester bereits durch gemeinsame Konzerte vertraut. Ursula Barzen hat sie getroffen.

Die Konzerte im Nirgendwo vereinen in einem musikalisch-literarischen Wechselspiel Texte und Musik aus mehreren Jahrhunderten zu einem besonderen Programm. Es sind drei Konzerte mit wechselnden Besetzungen in der beliebten Mainzer Bar Nirgendwo, die das Publikum auch während der Veranstaltungen kulinarisch begleitet. Jeder Abend folgt einem gesellschaftlich relevanten Thema, das in verschiedenen kammermusikalischen und textlichen Zusammenhängen ausgeleuchtet wird. SWR Treffpunkt Klassik Moderator Martin Hagen spricht darüber mit dem Musikredakteur Konrad Bott.

Wenn zwei musikaffine Spanier ihren kleinen Sohn Pablo nennen, dann muss er wahrscheinlich Cellist werden. Pablo nach Pablo Casals. Bei Pablo Ferrández war das so. „Ich bin Pablo und ich spiele Cello – das war für mich das Normalste auf der Welt“, sagt der heute 34-Jährige. Jetzt legt er ein neues Album vor, sein viertes bei Sony, und diesmal ist sein Thema: der Mond.

Sprungbrett in die Musikkarriere

Insgesamt drei Probentage stehen den Gewinnern des ARD Musikwettbewerbs für ihre Deutschlandtour zur Verfügung. Nicht viel Zeit, um ein komplettes Programm einzustudieren. Am Klavier sitzt bei den Proben und Konzerten Johannes Obermeier, Preisträger aus dem Jahr 2022. Für ihn war die Auszeichnung beim ARD Musikwettbewerb ein wichtiger Meilenstein, er studierte sowohl Klavier als auch BWL. Nach dem Gewinn kamen Veranstalter auf ihn zu mit Konzertanfragen: „Also so gesehen hat sich quasi alles geändert in der beruflichen Perspektive.“

Auch dabei in Baiersbronn sind Ilyes Boufadden Adloff an der Oboe, Haesue Lee an der Bratsche, die Sopranistin Aurora Marthens, und der Cellist Alexander Warenberg. Bei der ersten Probe stehen fünf Fantasiestücke für Klavier, Oboe und Bratsche von August Klughardt auf dem Programm. Für Haesue Lee ist die Besetzung eine Premiere. Das Stück kenne sie zwar, jedoch nicht in dieser Besetzung.

Neues Repertoire

Zwölf Konzerte sind für die Tour geplant. Die Programme sind bunt gemischt. Gespielt werden Stücke von Beethoven, Mozart und Brahms, aber auch von Amy Beach, Paul Hindemith und Dora Pejačević. Zwar hatten die Musikerinnen und Musiker keinen Einfluss auf die Auswahl, dafür war der Überraschungseffekt umso größer erzählt Oboist Ilyes Boufadden Adloff.

Der ARD-Wettbewerb hat die Stücke ausgesucht. Aber es ist gut für mich, weil alle Stücke neu für mich sind. Ich bin also froh, dieses neue Repertoire zu entdecken.

Kennenlernen im Pool

Nicht nur die Stücke sind neu, auch die Musikerinnen und Musiker spielen heute zum ersten Mal zusammen. Ein Sprung ins kalte Wasser, der aber gut gelingt. Das Hotel in Baiersbronn bietet die perfekte Umgebung fürs Kennenlernen.

Dadurch, dass wir uns gestern schon kennengelernt haben, auf der entspannten Art, das heißt, wir waren im Pool zusammen. Wir haben sehr viel und sehr gut gegessen, auch heute früh. Und dadurch haben wir uns persönlich irgendwie schon mal ganz gut angenähert. Und dann ist es auf der musikalischen Ebene viel leichter, sofort zusammen zu finden.

Viele Klangfarben vereint

Es wird in wechselnden Besetzungen gespielt, es müssen also nicht immer alle bei allen Proben dabei sein. Für das nächste Stück von Paul Hindemith kommt Sopranistin Aurora Marthens dazu. Auf den Hindemith freut sie sich ganz besonders.

Ich habe nicht so viele solcher Kammermusikstücke früher gemacht als normalerweise ist ein Klavier dabei. Und jetzt mit Oboe und Cello ist dieser Hindemith sehr interessant und spannend.

Die Preisträger in Schwetzingen

Projekte wie diese sind für die fünf jungen Musikerinnen und Musiker eine wertvolle Erfahrung, von der sie viel mitnehmen können, meint Johannes Obermeier. Persönliche Beziehungen, Kontakte und vielleicht sogar Freundschaften könnten bei dieser Tour entstehen, die Tour sei ein wahnsinnig großer Luxus.

Die fünf Musikerinnen und Musiker sind bei den Schwetzinger SWR Festspielen am 24. und 25. Mai 2025 zu erleben. Am 26. und 27. Mai folgen Konzerte beim Schwarzwald Musikfestival.

Sie gilt als die wichtigste deutsche Komponistin des 19. Jahrhunderts, hat Sinfonien, große Orchesterwerke und Kammermusik komponiert – und doch wissen wir kaum etwas Privates über Emilie Mayer. Das ist für die Musikwissenschaft ein Verlust, für die Prosa aber ein Geschenk – denn es öffnet ganz viel Raum für Fiktion. Den nutzt die Autorin Gitta Martens jetzt mit ihrem Text „Emilie Mayer. Componistin“ und schreibt ein fiktives Tagebuch. Kann das angehen? Hannah Schmidt hat es gelesen.

Antje Valentin: Es sind unterschiedliche Gründe. A erster Stelle steht einfach der finanzielle Rahmen. Wenn Sie bedenken, dass wir seit einigen Jahren in der Projektgesellschaft des Deutschen Musikrats die gleiche Fördersumme für die Durchführung des Bundeswettbewerbs „Jugend musiziert“ bekommen, bei steigenden Kosten.

Dann merkt man ganz klar: Irgendwann kann man nicht mehr einfach alles auffangen, sondern muss auch Grenzen setzen. Diese Grenzen sind auch gesetzt worden, um eine höhere Qualität in der Durchführung zu erreichen. Man kann durchaus trotz Einsparungen immer mehr aufnehmen, aber die Qualität leidet.

Zum Beispiel, wenn Beratungsgespräche nicht mehr stattfinden können, weil Jurys, Jurorinnen und Juroren sich Wertungsspiele in einem Umfang anhören müssen, dass überhaupt keine Zeit mehr bleibt, abends noch Beratungen anzubieten. Beratungen, das sagt auch der Förderer des Bundesjugendministeriums, sind aber ein absoluter Kernpunkt von „Jugend musiziert“.

Wenn man Jurys verkleinern muss, weil die Kosten für Reise und und Hotelunterbringung einfach zu hoch sind, ist das auch wieder ein Qualitätsminderung. Es ist ein Riesenunterschied, ob man nur mit drei Jurorinnen und Juroren oder zu fünft die Ensembles oder die jugendlichen Solokünstlerinnen und -künstler anhört.

Es ist natürlich auch so, dass wir im Rahmen des Bundeswettbewerbs von „Jugend musiziert“ im Grunde ein Fest der Jugend machen wollen. Damit man sich gegenseitig wahrnehmen kann und damit man Begegnungsräume und Workshops hat. Oder dass es Open-Air-Bühnen in der durchführenden Stadt gibt.

All das sind natürlich Dinge, die Zusatzkosten verursachen und die in den letzten Jahren gar nicht mehr gelebt werden konnten. Das hat dazu geführt, dass eine Obergrenze eingeführt wurde.

Antje Valentin hofft auf Neuaufstellung der Gremien

Antje Valentin: Das ist eine sehr gute Frage, die ich noch gar nicht richtig beantworten kann. Denn der Unmut über die dieses Jahr eingeführte Obergrenze, die so genannte Kontingentierung, ist ja auch entstanden, weil das der Einschätzung der Gegner der Kontingentierung zufolge einfach von oben herab durch unsere Projektgesellschaft geschehen ist.

Der Punkt ist nur, dass derjenige, der die Kosten trägt, natürlich auch irgendwie sicher sein muss, nicht insolvent zu gehen, weil plötzlich etwas über die Maßen teurer wird. Deswegen war das eine Art Notbremse.

Für die Zukunft erhoffe ich mir, dass wir in einer Neuaufstellung der Gremien, die jetzt über Inhalte und Verfahren in „Jugend musiziert“ auf allen Ebenen diskutieren, auch gemeinschaftlich Lösungswege finden. Wie wir das ganze Konstrukt „Jugend musiziert“, das aus über 190 Einzelwettbewerben besteht, noch mal neu denken, sodass wir gemeinschaftlich gute Lösungen finden.

Ich glaube es ist für jeden nachvollziehbar, dass Wachstum ins Unendliche bei begrenzten Ressourcen einfach nicht möglich ist.

Zerstört die Kontingentierung den Wettbewerb?

Antje Valentin: Wir haben als deutscher Musikrat daraus gelernt. Uns ist so ein Shitstorm, der sich dann auch durch die Kommentare gebildet hat, nach meiner Kenntnis noch nie passiert. Wir lernen daraus gerade, wie wir uns künftig besser vorbereiten, wenn wir erwarten, dass negative Resonanz erfolgt.

Zum anderen, glaube ich, müssen wir lernen, besser miteinander umzugehen und kluge Formen der Kommunikation zu finden, die sich vielleicht nicht immer durch Ergüsse im Internet und auf YouTube ergeben.

Der Pianist Yevgeny Sudbin stammt aus Russland, ist der Sohn zweier Pianisten, hat in Berlin und in London studiert, wo der 55-Jährige bis heute mit seiner Familie lebt. In Deutschland ist Sudbin vergleichsweise selten zu erleben und relativ wenig bekannt – was wundert, angesichts einer umfangreichen und preisgekrönten Diskographie. Darin widmet er sich oft Werken russischer Herkunft: Rachmaninow, Medtner – und Alexander Skrjabin. Bereits im Jahr 2007 hat Sudbin ein Solo-Album mit Musik von Skrjabin veröffentlicht, jetzt legt er eine weitere Aufnahme vor.

Anne-Sophie Mutter: Bei John Williams ist es ja sehr glückhaft, dass seine Filmmusik absolute Musik ist. Ich glaube, es geht vielen Fans so, dass sie seine Musik auch abseits der Leinwand genießen können, weil sie eine in sich geschlossene Struktur hat. Sie hat einfach eine Gefühlsdichte und eine Erzählkraft, die weit über das Begleitende eines Films hinausgeht.

John Williams' Filmmusik: Ein wunderbarer Begegnungsort

Anne-Sophie Mutter: Ich weiß, dass es Musiker gibt, die selbst bei der sogenannten absoluten Musik Bilder sehen oder die Tonarten als Farben wahrnehmen. Bei den meisten von uns ist das aber nicht so. Auch bei John Williams läuft bei mir nicht der Film ab.

Wenn ich an Williams‘ Debüt mit den Wiener Philharmonikern zurückdenke, bei dem ich dabei sein durfte. Da haben wir unter anderem „Hedwig’s Theme“ aus „Harry Potter“ gespielt, dieses große Thema für die weiße Eule.

Ich stand auf der Bühne, das Orchester begann, und ich sah meine Kinder im Publikum. Ich habe fast losgeweint, weil ich mich natürlich an diese wunderbaren Filmerlebnisse mit meinen Kindern erinnert habe. Aber das hatte weniger mit dem Film an sich zu tun als einfach mit dem gemeinsamen Erleben und dem Rückerinnern an das, was dieser Film uns als Familie bedeutet hat.

Ich glaube, das macht Filmmusik auch zu einem so wunderbaren Begegnungsort, weil wir losgelöst in Erinnerungen schwelgen können. Ich glaube, für das Publikum und für die vielen Williams-Fans ist es auch eine wunderbare Gelegenheit, diese gesammelten Erinnerungen noch einmal in sich aufsteigen zu fühlen.

Eine Einladung an Menschen mit Berührungsängsten zur Konzertmusik

Anne-Sophie Mutter: Filmmusik schafft es, eine Brücke zu bauen zwischen dem sogenannten traditionellen Konzertpublikum und anderen Musikliebhabern. Ich sehe das als eine wunderbare Möglichkeit, das Interesse für die Geige und für Musik generell zu erweitern und auch Menschen einzuladen, die sonst eine gewisse Schwellenangst haben vor dem traditionellen Konzertsaal.

Der hat erstaunlicherweise immer noch auf manche Menschen eine leicht abschreckende Wirkung, obwohl es da drinnen sehr spaßig und emotionsgeladen zugeht. Aber es gibt eigentlich keinen schöneren Platz, als unter einem Sternenhimmel zu musizieren und Musik zu erleben.

Anne-Sophie Mutter: Gottseidank haben wir heutzutage Soundsysteme. Ich werde mit meinem Tonmeister reisen. Er ist immer da, wenn es um meinen Klang geht. Vor zwanzig Jahren habe ich mich in einem Open-Air-Setting überhaupt nicht wohlgefühlt, weil ich mich im Klang nicht wiedergefunden habe.

Nun ist das aber so weit entwickelt, dass man bei einem Open-Air-Konzert oft ein besseres Klangerlebnis hat als in einem akustisch nicht idealen Konzertsaal.

Ich liebe die Natur und ich liebe es, in freier Wildbahn musizieren zu dürfen. Natürlich ist es eine besondere Atmosphäre, eine vielleicht auch festlichere, lockerere und emotionalere Atmosphäre, in der auch beim Publikum eine größere Offenheit da ist, sich an dem Geschehen zu beteiligen. Es gibt mehr Interaktion vom Publikum hoch auf die Bühne und nicht eben nur von der Bühne zum Publikum.

Ich hatte einmal ein Konzert in Südfrankreich. Da stand ich in Konkurrenz zu den Grillen. Ich muss gestehen: Die Grillen haben gewonnen. (lacht)

Einen Klang in Referenz zum Original entwickeln

Anne-Sophie Mutter: Die wichtigste Arbeit muss natürlich der Komponist leisten, indem er aus seinem Riesen-Œuvre Werke aussucht, die für diese Umwandlung geeignet sind. Viele der heroischem Dauerthemen bei John Williams sind ja für Blechbläser geschrieben, etwa für French Horn. Deshalb ist dieser Auswahlprozess unfassbar wichtig.

Daraus erwächst aber auch meine Aufgabe, in einer Art und Weise zu spielen, dass ich wie ein French Horn klinge oder, dass ich den glasklaren Klang einer Celesta imitiere. Das macht es natürlich auch für mich als Interpretin wahnsinnig spannend, innerhalb dieser kurzen, aber sehr prägnanten Filmthemen die Stimmung auf den Punkt zu bringen, immer in Referenz an das im Original angedachte Instrument.

Anne-Sophie Mutter: Es ist eine Sprache, mit der ich im Kino als Zuschauerin aufgewachsen bin, aber nicht als Musikerin. Und darin liegt natürlich auch die große Herausforderung.

Wir sollten aber das Violinkonzert auch nicht ganz unter den Tisch fallen lassen. John Williams schrieb es für mich und es wird einen ganz zentralen Platz im Reigen des Abends einnehmen. Es ist eine Referenz an den Jazz.

John Williams weiß um meine Liebe zum Jazz. Es gibt auch ein weiteres Jazz-Thema an dem Abend: „Nice to Be Around“ aus dem Film „Cinderella Liberty“. Er hat mir später gestanden, dass er doch etwas nervös war, als ich in der Probe anhob, dieses Jazzthema zum ersten Mal zu spielen. Immerhin ich bin im Schwarzwald geboren, das ist natürlich ziemlich weit weg von New Orleans.

Solidarität mit der künstlerischen Diaspora in den USA

Anne-Sophie Mutter: Man kann das aus mindestens zwei verschiedenen Perspektiven sehen. Man kann aus Protest nicht in den USA auftreten, weil man die politische Führung unter Umständen nicht brillant findet. Dann stellt sich die kritische Frage: Welche Länder würde man denn noch bereisen wollen und können?

Man kann auch ein Augenmerk auf die 48 Prozent der Amerikaner richten, die sich eine andere politische Führung gewünscht haben. Man kann auch zu Kollegen stehen, die jetzt in einer künstlerischen Diaspora leben und deren künstlerische Freiheit möglicherweise eingeschränkt wird.

Es ist richtig, dass das Kennedy Center jetzt unter politischer Führung steht und künstlerisch nicht komplett unabhängig ist. Richtig ist aber auch, dass große andere Institutionen und Orchester, da sie hauptsächlich privat finanziert werden, bisher in ihrer Programmgestaltung nicht tangiert wurden.

Ich persönlich finde es besonders wichtig, dass man jetzt als Europäer nach Amerika reist und denen beisteht, die im Protest sind gegen die kulturellen Kürzungen, die beispielsweise auch den öffentlichen Rundfunk betreffen. Es ist ein Protest, dafür zu sorgen, dass das kulturelle Leben in seiner Fülle so lange wie möglich weiter existiert.

Für sein Lebenswerk erhält Simon Rattle den Ernst von Siemens Musikpreis, der mit 250.000 Euro dotiert ist. Nicht zuletzt für das Musikleben in Deutschland war und ist Simon Rattle prägend. Als Chefdirigent der Berliner Philharmoniker erweiterte Rattle das Repertoire des Spitzenorchesters nachhaltig und stieß mit einem großen Tanzprojekt für Berliner Schüler eine neue Art der Vermittlung klassischer Musik an. Danach war Rattle bis 2023 Chef des London Symphony Orchestra, heute leitet er das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks in München.

Bei den Schwetzinger SWR Festspielen gibt es unter der neuen Leitung von Cornelia Bend einige Neuerungen. Zum Beispiel ein Besuch von Festivalkünstlerinnen und -künstlern an Schulen vor Ort unter dem Titel „Mittendrin“.

Am Donnerstag gab es eine solche Mittendrin-Veranstaltung am Schwetzinger Hebel-Gymnasium. Dazu kamen rund 70 Schülerinnen und Schüler der 11. Klasse im Alter von rund 16 Jahren. Also genauso alt wie der Müllergeselle aus Schuberts Liederzyklus, um den es geht.

Julian Prégardien, lässig gekleidet, setzt sich erstmal auf den Bühnenrand und erklärt kurz das damalige Handwerkerwesen; insbesondere die Situation des jungen Mannes auf der Walz: „Er ist wie jeder 16- oder 17-Jährige dabei, sich von Zuhause loszulösen. Und er ist vor allem dabei, sich selbst zu entdecken.“

„Die schöne Müllerin“ als Coming-of-Age-Story

Julian Prégardien findet: „Die schöne Müllerin ist ja explizit eine Coming-of-Age-Story, wie wir sie alle von Netflix kennen. Wie wir sie alle von Songs kennen.“ Für ihn ist der besondere Vorteil der Gattung Lied, dass man nur zu zweit ist. Kein Autotune, keine elektronisch produzierten Sounds. Diese beiden Elemente, glaubt er, gehen mehr ans Herz oder haben zumindest das Potential dazu. 

Immer wieder wendet sich Julian Prégardien mit Fragen an die Schülerinnen und Schüler: Was, denkt ihr, erhofft sich der Müllergeselle vom Leben? An wen wendet ihr euch, wenn ihr Rat braucht in Sachen Liebe? Die Elftklässler sind anfangs noch etwa zurückhaltend, werden aber mit der Zeit etwas lebhafter.

Insgesamt ist die Stimmung locker und konzentriert zugleich. Die Zeit vergeht so schnell, dass gar nicht alles besprochen werden kann. Musiktheoretische Erklärungen und Einordnungen gibt es keine, es ist die Geschichte, die im Mittelpunkt steht und natürlich die Musik.

Julian Prégardien singt Schubert Liederzyklus „Die schöne Müllerin“

Vermittlungsformate selbstverständlich mitdenken

Julian Prégardien lässt sich gerne auf dieses Mittendrin-Format ein. Er wünscht sich, dass es noch flächendeckend mehr zum Job gehöre, Vermittlungsformate ganz selbstverständlich mitzudenken.

Ich glaube, dass vielleicht sogar das größte Problem der sogenannten klassischen Musik ist, dass man in der Bubble ausgebildet ist und für die Bubble weiterproduziert und denkt. 

Die Schülerinnen und Schüler sind beeindruckt

Den Schülerinnen und Schülern hat es jedenfalls gut gefallen. Die Musik und Hintergrundinfos waren für sie spannende neue Eindrücke. Trotzdem wollen sie weiterhin lieber moderne Musik wie Rock und Pop hören.

Für Sebastian Bauer, Verantwortlicher für Musikvermittlung bei den Schwetzinger Festspielen, ist das völlig in Ordnung. Mit einem Format wie „Mittendrin“ gehe es nicht direkt darum, für die Zuhörerschaft des klassischen Konzerts von morgen zu sorgen. Was die Schülerinnen und Schüler erlebt haben, die Eindrücke, die sie gewonnen haben, genau das sei schon das Ziel.

Julian Prégardien bei den Schwetzinger SWR Festspielen im FAQ

Mehr Schubert-Fans als Taylor-Swift-Fans

Julian Prégardien ist auch davon überzeugt, dass bei all der vielen Musik, die aktuell auf den Markt kommt, ein Liederzyklus wie die „Schöne Müllerin“ weiterhin eine Zukunft hat: Schubert habe sich seit 200 Jahren pausenlos bewährt.

Unterm Strich gibt es mehr Schubert-Fans als Taylor-Swift-Fans. Das ist eine zeitlose Musik. In 20 Jahren wird man von Taylor Swift als ein Phänomen der 2010er-Jahre sprechen.

Aber wer weiß schon wirklich, welche Musik und welche Lieder überdauern werden oder nicht? Für den Augenblick allerdings kann man wohl sagen: ein Lied wie „Trockne Blümlein“ hat auch nach zweihundert Jahren nichts von seiner tiefen Traurigkeit und Schönheit verloren.