Treffpunkt Klassik

Vor zwei oder drei Jahren war ich mal in einem Konzert meines Lieblingsgeigers. Es war der helle Wahnsinn – wie schön man spielen kann, unfassbar!

Ich war offensichtlich nicht der Einzige, der das so empfand. Jedenfalls lagen sich plötzlich wildfremde Menschen in den Armen – tobten, schnappten nach Luft, warfen mit Sachertorten und Teddybären. Es folgte die Zugabe. Das Publikum tobt weiter.

Der Solist aber schmollt. Geht raus, kehrt sofort um und winkt den Applaus ab. Er sei, sagt er, nicht ganz zufrieden mit sich gewesen. Und deshalb spiele er jetzt noch was. Was ein Typ, denke ich da: jauchzet, frohlocket!

Abschlusskonzert der Donaueschinger Musiktage 2024

In der Neuen Musik sind Zugaben ein seltenes Ritual

Dass diese Anekdote sich vermutlich nicht bei einem Konzert sogenannter „Neuer Musik“ ereignete, ist – das ist mir, als ich drüber nachdenke, sofort ziemlich klar. Zugaben sind hier ein recht seltenes Ritual und eigentlich finde ich das ziemlich schade. Meine vielleicht noch nicht ganz zu Ende gedachte Vermutung ist: hier, insbesondere bei Uraufführungen, gilt es dem „Werk“ und weniger den Ausführenden. Was übrigens schade ist.

Zugabe hieße hier womöglich Wiederholung des ganzen Stückes – und ... naja ... wer will denn sowas? Draußen warten die Bockwürstchen und der Abend war ohnehin schon wieder zu lang. Außerdem: Zugaben spielt man ja gern nach Virtuosenkonzerten – und da die ja gelegentlich nach 19. Jahrhundert riechen, röchen Zugaben – so vermute ich, denkt der gestrenge Purist – vermutlich ähnlich.

Ich will mehr Zugaben hören!

Wie immer, werde ich mich nicht durchsetzen, aber fordern kann man es ja mal: Ich will mehr Zugaben hören! Wenn es kein Virtuosenkonzert war, macht ja nix. Dann spielt die Zugabe zum Beispiel mal die zweite Oboe oder das dritte Horn. Gibt es denn ein Gesetz, in dem steht, dass nur Solistinnen und Solisten Zugaben geben dürfen? Nö.

Und wo, wenn nicht im Bereich Neuer Musik, könnte man das Format Zugabe mal ausprobieren und nagelneu justieren? Vielleicht hilft das ja auch, die Ohren nochmal durchzupusten. Beispiele: Die Holzblasfraktion muss den halben Abend nur Quieken, Röcheln oder sich irgendwie Schubbern – jetzt aber: Baddabumm, in der Zugabe heißt es, eine Linie so schön zu spielen, dass der eingefleischteste Geräuschzausel sich heimlich nach einer schönen Melodey sehnt.

Reichlich Platz für Säge-Soli und Vibraslap-Etüden

Oder: der halbe Abend war wieder nur Adagio – weil Neue Musik ja meistens tiefgründig und folglich oft sehr, sehr langsam ist – und danach eine freakige Prestissimo-Zugabe von Jean, Jacques und Françoise, den drei für die Zugabe extra aus Paris angereisten Ondes-Martenot-Stars! Hier wäre auch reichlich Platz für Sägesoli und Vibraslap-Etüden der immer coolen Schlagzeuger oder für spontane Tutti-Raummusiken: alle wuseln durcheinander und bewerfen sich mit Mettbrötchen. Wunderbar! Konfetti für alle!

Die Zugabe nicht als ritualisierte Angeberei, sondern als Ort der Anarchie oder, wie bei meinem Lieblingsgeiger, als Ort des Unfertigen. Also, zack, zack – traut Euch und gebt es zu: Zugaben sind spitze.

Patricia Kopatchinskaja: Mein Gefühl vor einem solchen Projekt ist immer eine große Aufregung und eine Angst, dass ich es nicht schaffe. Ganz egal, wie viel Erfahrung ich schon auf der Bühne gesammelt habe, es ist immer wieder eine Überwindung.

Wenn man einmal auf der Bühne gestanden ist, angestarrt von vielen Menschen, und keine Fehler machen darf … das bleibt bis ans Lebensende, fürchte ich. Dieses Lampenfieber kann man aber auch positiv umsetzen. Das wirkt wie ein Zahnrad, das mich immer wieder nach vorne treibt. Es nagt aber auch an mir.

Das Konzert am 14.02.2025 im Livestream:

Zusammenarbeit mit dem SWR Symphonieorchester: „Eine lange, tiefe Freundschaft“

Patricia Kopatchinskaja: Als ich jung war, dachte ich, es sei das Allerwichtigste, was ich mache. Und erst dann mit wem. Jetzt habe ich das umgedreht.

Mit dem Alter habe ich verstanden, dass es das Allerwichtigste ist, mit welchen Menschen ich ein Projekt umsetze. Es wird dann gut, wenn man mit Freunden auf der Bühne ist.

Das SWR Symphonieorchester und ich, wir kennen uns seit der Geburt meiner Tochter und sogar noch früher. Ich war hochschwanger, als ich kam, und ich war ganz erstaunt, wie vor allem die Musikerinnen des Orchesters auf mich zukamen und meinen Bauch bestaunten. Da war ich schon ziemlich breit. (lacht)

Es ist eine richtig lange, tiefe Freundschaft. Das Orchester ist mein Zuhause, meine Familie. Ich kenne sehr viele Mitglieder sehr gut. Wir haben auch zusammen Kammermusik gespielt und es gab gewagte Projekte in der Vergangenheit – und wir haben noch einiges vor. Deswegen: Es ist eigentlich eine reine Freude.

Zivilcourage, Andersdenken, Protest – Vermächtnisse von Schostakowitsch und Ligeti

Patricia Kopatchinskaja: Der rote Faden ist etwas, was uns beschäftigt. Was mich und, so denke ich, die meisten Menschen auf dieser Welt derzeit beschäftigt, was zwischen uns und um uns herum passiert. Wohin führt diese ganze Unruhe und moralische, menschliche, geografische und politische Destabilisierung?

Als Musiker ist man dazu angehalten, einfach die Töne zu spielen, die auf dem Papier stehen. Und doch sind es nicht einfach nur diese schwarzen Pünktchen. Es ist immer etwas, was den Komponisten sehr bewegt hat. Ein Komponist ist man aus Not und nicht aus aus Überfluss.

Ich glaube, dieses Programm, das wir einstudieren, ist wirklich eine Reflexion dessen, was wir alle empfinden.

Es geht darum, wie die Komponisten mit ihrer Zeit umgegangen sind: mit dem, was passiert ist, was sie gesehen haben und was sie einsehen mussten. Jeder von ihnen war ein sehr mutiger Mensch, zumindest in den Gedanken. Diese Zivilcourage, dieses Andersdenken, dieses sich Wehren!

Und wenn es nicht anders geht, dann einfach zu verstummen und ins innere Exil zu gehen – dass ist auch ein Protest. Ein sehr persönlicher Protest gegen das Böse.

Diktatur, Machtmissbrauch, Tyrannei – das alles sehen wir schon um uns herum. Es bebt unter uns, es gibt tektonische Bewegungen, die wir alle wahrnehmen, aber nicht recht wissen, wie wir damit umgehen sollen.

Ich glaube, es ist unsere Pflicht als Musiker, das auf die Bühne zu bringen, in Klänge umzusetzen und unsere Seele und unser Herzblut hineinzulegen und nochmal diese Zustandsräume zu erforschen und in unsere Zeit zu übersetzen.

„Man kann die Hölle unterschiedlich beschreiben“

Patricia Kopatchinskaja: Man kann die Hölle natürlich unterschiedlich beschreiben. Der eine leidet allein in seinem Kämmerlein, wie Schostakowitsch. Er sieht Schatten, beschreibt seinen Zustand, ruft zu Gott und fragt nach dem Warum. Der andere ist sarkastisch. Das ist Schostakowitsch zwar auch, aber Ligeti geht da noch weiter.

Das wird dann ins Komische geführt. Man kann lachen und weinen gleichzeitig. Es geht darum, wie die Künstler mit Machtmissbrauch umgegangen sind. Und irgendwie wird dieses Lustige bei Ligeti zur Farce.

Das ist, was jetzt immer wieder rund um uns herum passiert. Ein Politiker sagt einfach, er möchte ein Land kaufen und man glaubt, sich tatsächlich in einer komischen Oper zu befinden. Oder er möchte aus einem zerstörten Land ein Resort machen, um Profit daraus zu schlagen. Also, wenn ich diese „Mystery of the Macabre“ spiele, komme ich mir da gar nicht so fantastisch vor. Es ist ganz realistisch.

Kopatchinskaja und das Tokyo Metropolitain Symphony Orchestra spielen Ligetis „Mystery of the Macabre“

Patricia Kopatchinskaja: Das ist natürlich eine sehr gute Frage. Ich kann sie nicht genau beantworten, denn ich weiß nicht, wie es wirken wird, schließlich bin ich auf der Bühne. Ich denke, wenn ich in so ein Konzert gehe, würde es mich aufwühlen, amüsieren, aber auch sehr zum Nachdenken anregen.

Und das ist, was ich mir eigentlich wünsche in einem Konzert. Es muss mit einer Reflexion konfrontieren, mit dem, was uns wirklich etwas angeht.

Wir leben nicht in der Vergangenheit. Wir können nicht immer wieder die gleichen Stücke auf der Bühne spielen und dann auch noch auf die gleiche Weise. Das ist museal.

Ich glaube, Musik muss sehr viel mehr aussagen. Und dafür sind wir auch da, um mit Menschen zusammen eine Atmosphäre zu schaffen, wo wir viel näher an die Gefühle rangehen, auch an unsere emotionale Wunden. Und gleichzeitig braucht es auch Trost und Humor. Man kann vielleicht nicht alles mit Worten fassen, aber in einer guten Musik ist das eigentlich alles da.

Ein junger Pianist stellt sich vor. Sein Name: Roman Borisov. Morgen kommt sein erstes Soloalbum heraus. Er hat es: „Chiaroscuro“ genannt, zu deutsch: hell-dunkel.

So wird die berühmte barocke Maltechnik von Caravaggio oder Rembrandt genannt. Sie baut auf harte Kontraste, doch das hat mit dieser Musik hier gar nichts zu tun. Da gibt’s kein Dunkel, nur „chiaro“ (Licht).

Diese Melodie ist sehr berühmt, Sie heißt „Folia d’Espagne“ (Wahnsinn aus Spanien), kommt aber aus Portugal. Wer sie erfand, ist unbekannt. Dutzende von Komponisten haben sich schon damit befasst: Vivaldi, Scarlatti, Corelli, Salieri, Chopin, Schubert, Liszt ... Einer der letzten, der „Folia“-Variationen schrieb, war Sergej Rachmaninow.

Bitteres, Böses, Stürmisches, Süßes, Braves, Lyrisches und Tastenlöwiges

Es gibt kaum ein anderes Werk, das gerade von jungen Pianisten so geliebt und so gefürchtet wird, wie diese späten Rachmaninow-Variationen. In allen Klavierwettbewerben werden sie, meist im Semifinale, rauf und runtergespielt.

Sauschwer, aber ungeheuer dankbar.  Zwanzig geniale Minifetzen, alles dabei: Bitteres, Böses, Stürmisches, Süßes, Braves, Lyrisches und Tastenlöwiges. 

Roman Barisov spielt diese „Folia“-Variation von Rachmaninow mit zärtlicher Eleganz und hoch gewölbten Fingern. Was einen klangvollen Anschlag gewährleistet, auch bei einem der schnellsten Brocken in engster Lage.

Er weiß, worauf es ankommt, nicht nur spieltechnisch. Er gestaltet jede der zwanzig Variationen stilsicher, je nach ihrem spezifischen Charakter. Die langsamen mit Besonnenheit, die schnellen mit Chuzpe und Witz. Rachmaninows Variationen op.42 sind das Herzstück dieses Albums. 

Wiedergutmachung für eine Jugendsünde?

Tatsächlich ist das eine Art Wiedergutmachung. Es gibt nämlich noch eine Aufnahme davon, früher entstanden, nicht ganz so gelungen. Einen Livemitschnitt von 2021, als er erstmals eingeladen wurde vom Klavierfestival Ruhr.

Damals war noch Coronazeit und Roman Borisov war neunzehn. Er kam aus Nowisibirsk, hatte schon etliche russische Wettbewerbe gewonnen. Aber er war noch nicht halb so souverän wie jetzt und heute. Sonst hätte er sich wohl gegen eine Veröffentlichung gewehrt.

Das „Klavierspielen“, sagte Roman Borisov später einmal im Interview,  sei „seine erste Muttersprache“ gewesen. Als russisches Wunderkind-Gewächs wurde er hervorragend spieltechnisch ausgebildet. Damit, und mit seiner frühreifen musikalischen Intelligenz, erregte er im Westen alsbald Aufsehen.

Wunderschön und höchst empfehlenswert

Sechs Wochen vor dem Auftritt im Ruhrpott spielte er ein Recital mit Bach und Brahms in Gstaad, woraufhin der Korrespondent des „Bach-Track“-Magazins erklärte, dieser junge Künstler sei „für Großes bestimmt“.

Inzwischen hat Borisov den Klavierolymp in Bad Kissingen gewonnen, er betreibt eine eigne Website, hat eine Agentur und aktuell viele Termine. Kurzum: Roman Borisov ist, obwohl noch Student, das, was man einen „Rising Star“ nennt.

Auf seinem ersten Album stellt er Rachmaninows sogenannte „Corelli“-Variationen in den Kontext mit anderen historisierenden Bearbeitungen von Leopold Godowsky und César Franck. Das passt perfekt.

Das einzige, was nicht so gut passt, ist das hochtrabende Etikett. Warum heißt dieses wunderschöne, höchst empfehlenswerte Album „Chiaroscuro“? Vielleicht, weil jedes Kind einen Namen braucht? Aus Marketinggründen? Von mir aus nicht nötig.

Der Geiger Sergey Khachatryan hat nach einem Konzert mit dem SWR Symphonieorchester eine ganz besondere Zugabe gespielt: ein Stück aus seiner Heimat Armenien. Was für ihn Zugaben bedeuten und wie ihn Go-Kart-Rennen beim Geige spielen an Grenzen bringen, erzählt er gegenüber SWR Kultur.

Zugaben sind das Thema der Woche in SWR Kultur Treffpunkt Klassik. Wir betrachten die Zugaben in all ihrer Vielfalt. Dafür haben wir auch unsere Autorinnen und Autoren gebeten, von ihren persönlichen Zugaben-Highlights zu erzählen.

Christoph Vratz erinnert sich nur zu gerne an ein Konzert mit András Schiff und Bachs Klavierwerken im Juni 1999.

Zugaben sind etwas Besonderes. Aber es gibt verschiedene Perspektiven, je nachdem ob man sie selbst spielen muss oder sie zu hören bekommt. Frieda Krukenkamp hat drei befreundete junge Musiker gefragt, was eine Zugabe für sie besonders macht – und ob es Momente gibt, in denen man lieber darauf verzichten würde.

Zugaben sind das Thema der Woche in SWR Kultur Treffpunkt Klassik. Wir betrachten die Zugaben in all ihrer Vielfalt. Dafür haben wir auch unsere Autorinnen und Autoren gebeten, von ihren persönlichen Zugaben-Highlights zu erzählen.

Nach Solokonzerten sind Zugaben Tradition, das Publikum erwartet sie. Aber was können Zugaben für einzelne Menschen im Publikum oder auch für die Gesellschaft bedeuten? Hannah Schmidt sieht in ihnen mehr als nur ein Ritual.

Melodisch, virtuos, still und leise oder doch besonders kontrastierend und nachhaltig prägend: Die musikalische Zugabe kann ganz unterschiedlich sein.

Aus musiksoziologischer Perspektive beleuchtet Musikwissenschaftler Hanns-Werner Heister, emeritierter Professor der Universität Hamburg, das Thema: Wo kommt die Zugabe her? Wie hat sie sich verändert? Und welchen Einfluss hat sie auf die Musikkultur?

In den letzten Jahrzehnten hat es viel Forschung zu Komponistinnen und Komponisten gegeben, die während der NS-Herrschaft aus Deutschland und Europa auswandern mussten oder von den Nazis ermordet wurden. Für den amerikanischen Musikforscher Michael Haas ist es an der Zeit, ein großes Bild dieser von Flucht und Vertreibung geprägten Musikszene der 1930er und -40er Jahre zu zeichnen. In seinem Buch „Musik der Fremde. Komponisten im Exil“ versucht er, diese Phase als ganz eigene Musikepoche zu beschreiben. Die Frage ist, ob es Charakteristika von Exilmusik gibt, die das rechtfertigen. Matthias Nöther hat das Buch gelesen.

Das ist unverkennbar: das Osttiroler Musicbanda Franui, wie sie sich bei Mahler durchs spätromantische Kernrepertoire fräst. Schräg, aber nicht zu schräg, liebevoll und immer auf der Suche nach der Essenz einer Musik.

„Die Sonne scheidet“ – so beginnt das letzte Stück aus Mahlers „Lied von der Erde“, der „Abschied“. Es zieht sich wie ein Leitmotiv durch das neue Franui-Album. Es ist dies die dritte Auseinandersetzung der Banda mit Mahler und die erste Zusammenarbeit mit dem Chor des Bayerischen Rundfunks. 

Spannend: Franui arbeitet mit dem BR Chor zusammen

Was für ein Ton, was für ein gläsernes Piano! Der Chor schafft hier, was für die Solo-Stimme kaum möglich ist: Die Klangoberfläche zu vergrößern, ihr in sich unterschiedliche Farbvaleurs zu geben.

Das ist großartig, und insofern war es eine spannende Idee von Franui, sich für „Mahler (nach wie vor)“ mit dem BR-Chor zusammenzutun. Auch der Titel des Albums ist geistreich und lustig. „Nach wie vor“ meint nämlich nicht „immer noch“, sondern nach Mahler und vor Mahler, zeitlich, stilistisch gesehen. 

Mahler, kombiniert mit Wunderhorn und Moszkowski

„Lob des hohen Verstandes“ aus den Wunderhornliedern, von Markus Kraler und Andreas Schett, den Gründern und Arrangeuren von Franui, kombiniert mit Mahlers „Ablösung im Sommer“ und „Liebe kleine Nachtigall“, einem Lied von Moritz Moszkowski.

Das Ganze nennt sich dann, typisch Franui, „Drei Vögel“ (davon ein Esel)“. Moszkowski starb 1925 in Paris, gehört also zu den Komponisten nach Mahler auf dem Album.

Bei Strauss laufen Franui etwas ins Leere

„Morgen“ von Richard Strauss ist erneut sehr schön gesungen, wieder mit leichter Osttiroler Hand arrangiert und instrumentiert. Könnte es trotzdem sein, dass sich Strauss weniger gut für den Banda-Stil eignet als Mahler?

Die alpenländische Aneignung des Liedrepertoires, wie Franui sie pflegen, braucht in der Vorlage etwas Fassbares, Konkretes, vielleicht sogar Groteskes. Bei Klangzauberern wie Strauss läuft sie etwas ins Leere. Und bei Carl Loewe, den die Osttiroler interessanterweise als Vorläufer von Mahler identifizieren?

Diese Musik hat Humor!

„Der Bär“ aus den vier Fabelballaden op. 64 von Carl Loewe erscheint wie eine Mischung aus Schuberts „Heideröslein“ und Mahlers Wunderhornliedern. Insofern ist die Beobachtung richtig, dass Loewe hier eine Gelenkfunktion hat.

Die Bearbeitungen kitzeln das noch heraus. Mit frecher Verve und aus der Überzeugung heraus, dass Carl Loewe eben kein betulicher butzenscheibenseliger trockener Balladenschreiber war!

Diese Musik hat Humor – und nicht nur der Chor des Bayerischen Rundfunks freut sich an großen Rossini-Rad, das sie dreht, an ihrem operettenhaften Schwung.