Treffpunkt Klassik

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By SWR
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Treffpunkt Klassik episodes

  • Das Harnoncourt-Zentrum in Linz – Online und vor Ort
    Das Musikerpaar Alice und Nikolaus Harnoncourt stand, wie wenig andere, für Pionierarbeit in der Alten Musik. Über 70 Jahre lang arbeiteten der Dirigent, begnadete Kommunikator und Gründer des Alte-Musik-Ensembles „Concentus Musicus“, Nikolaus Harnoncourt und die Geigerin Alice Harnoncourt zusammen.
    Nun ist der Nachlass der beiden im Nikolaus-Harnoncourt-Zentrum an der Anton-Bruckner-Privatuniversität in Linz aufgearbeitet und zugänglich gemacht worden. Marie-Therese Rudolph hat dafür mit der Leiterin Claudia Stobrawa und dem künstlerischen Berater des Instituts, dem Sänger Florian Boesch gesprochen.
    7 min
  • Musik und Klimawandel – Künstlerisches Handeln in Krisenzeiten
    Je akuter die Bedrohung durch die Klimakatastrophe wird, desto stärker befassen sich auch die Musikindustrie und die Musikwissenschaft mit ihrer Verantwortung und ihrer Rolle in diesem Kontext.
    Jetzt ist ein neues Buch erschienen, das die musikspezifischen Perspektiven, Herausforderungen und Handlungsmöglichkeiten mit Blick auf die Klimakrise in den Fokus rückt.
    6 min
  • Einblick in gnadenlose Musikindustrie: Die Doku „Anastasia Kobekina – Jetzt oder nie!“
    Seit Anfang Februar ist die vierteilige Doku über die Cellistin Anastasia Kobekina in der ARD Mediathek zu sehen. Dabei ist der Alltag eines jungen Nachwuchstalentes zu beobachten, das mithilfe von Mega-Label Sony an die Weltspitze gelangen soll. Regisseurin Grete Liffers erzählt, welcher Moment besonderen Eindruck bei ihr hinterlassen und was sie von Kobekina für ihren eigenen Alltag gelernt hat.
    Dass Anastasia uns so nah an sich herangelassen hat, war eine sehr schöne Erfahrung.

    Quelle: Grete Liffers, Regisseurin

    10 min
  • Musik und der Holocaust: Böse Menschen haben keine Lieder?
    Musik kann uns trösten, sie kann uns stärken. Aber Musik macht uns nicht zu besseren Menschen. Allen Sonntagsreden zum Trotz. Das ist eine der bitteren Neben-Erkenntnisse des schrecklichen 20. Jahrhunderts.
    Kann man das überhaupt aushalten? Dass es SS-Männer gab, die – zumindest äußerlich – gebildet und kultiviert waren und zum Beispiel Musik von Schubert oder Bach schätzten? Allein die Vorstellung ist für mich geradezu unerträglich. So, als verletze es die Musik selbst.
    Das Böse scheint alles beschmutzt zu haben
    Das Gleiche gilt, wenn es ein harmloses Kinderlied betrifft, wie „Alle Vöglein sind schon da“, das neu eintreffende Gefangene im KZ Sachsenhausen singen mussten. Das Böse scheint alles beschmutzt zu haben. 
    Es ist sogar belegt, dass Häftlinge vor ihren Peinigern musizieren mussten, damit diese abschalten, sich entspannen und erholen konnten. Die Opfer hatten die Täter zu unterhalten und seelisch zu kräftigen, damit diese ihr verbrecherisches Tun in neuer Frische fortsetzen konnten! 
    Musik dennoch auch Trost für Opfer
    Dem gegenüber steht, wie Musik die Opfer von solchem Unrecht manchmal in ihrem Leid getröstet und gestärkt hat. So berichtet ein Häftling aus Sachsenhausen über anderes gemeinsames Singen, das – im Rahmen des dort Möglichen – selbstbestimmt war:
    „Es ist unglaublich, welche Kraft in unserem Gesang lag, wie er half, die Beziehungen in den unmenschlichen Verhältnissen und in der unmenschlichen Zeit menschlicher zu gestalten. Unsere Lieder wirkten wie Balsam auf unseren verwundeten Seelen.“
    Kraft der Musik tröstet auch die, die Böses tun
    Doch wie soll man akzeptieren, ohne dass einem der Kopf zerspringt, dass vielleicht manchmal Opfer und Täter aus der gleichen Musik Kraft schöpften? Die einen, um ihr unmenschliches Leid irgendwie zu ertragen – die anderen, um sich selbst in ihrem unmenschlichen Tun Kultiviertheit vorzugaukeln? Und mehr als das: um sich emotional aufzurichten, während sie gleichzeitig anderen Menschen das Schrecklichste antaten? 
    Es gehört zur Perversität der Welt, dass die Kraft der Musik auch Menschen, die Böses tun, trösten und stärken kann – selbst darin, weiter böse Dinge zu tun. Der Mensch ist entsetzlich flexibel. Die Einrichtung der Welt ist gebrechlich, wie es bei Kleist heißt. Zu ihr gehört wohl die Tatsache, dass die Musik selbst moralisch weder gut noch böse ist. Sie ist, was wir aus ihr machen.
    Ganz vergessen können wir daher diesen alten Vers: „Böse Menschen haben keine Lieder“, wie der brave Peter Alexander sang, nach einem Vers, der eigentlich von Johann Gottfried Seume stammt. Die bedrückende Wahrheit ist: Böse Menschen haben Lieder. 
    Musik sollte Opfern mehr gehören als Tätern
    Und doch dürfen, sollten, vielleicht müssen wir Partei ergreifen. Ich zumindest möchte finden, dass Musik nicht allen gleichermaßen gehört. Bei aller Ratlosigkeit: Ein Lied von Schubert, ein Präludium von Bach soll den Menschen gehören, die Leid erfahren, mehr als denen, die anderen Leid antun. Ist das zu viel verlangt? 
    Und wenn wir selbst heutzutage in unserem Alltag, in viel kleineren Dimensionen, oft beides zugleich sind: Leidtragende und Leidzufügende – dann, finde ich, gehört Bach oder Mozart oder Schubert, dem Leidenden in uns, nicht dem Leidzufügenden, der wir auch sind. Es sei denn, der Leidzufügende in uns gewinnt dadurch doch Klarheit über sich selbst; er erkennt.
    Was kann Musik?
    Dann könnte die Musik uns vielleicht doch zu einem besseren Menschen machen? Und sei es nur für einen Augenblick der Erkenntnis? Für einen Moment, der ein Keim zum Besseren sein könnte?
    Vielleicht sind das Illusionen. Wunschdenken aus Hilflosigkeit. Vielleicht nur ein letztes, vergebliches Aufflackern der absurden Hoffnung, die Musik möge uns zu besseren Menschen machen? Kann sein. Ich weiß es nicht. 
    Musik mitten im Ukraine-Krieg
    Jedenfalls ist die Frage, leider, immer noch aktuell. Auch im heutigen Russland gibt es beispielsweise erstrangige Musiker, die herrlich Klavier spielen.
    Ich erinnere mich jedoch an ein Video, das kurz nach Beginn des russischen Überfalls auf die Ukraine entstand. Da sitzt eine junge Frau aus Kiew in einem zerstörten Haus an einem Flügel, der wie durch ein Wunder halbwegs unversehrt blieb. Und sie spielt Chopins As-Dur-Etüde aus Opus 25.
    Ich finde, diese Musik gehört ihr, mehr als jedem anderen Menschen der Welt. Ja, es ist wahr, ich möchte das finden. Denn damit tröstete und stärkte sie sich selbst, und sie tröstet und stärkt andere Menschen, auch solche, die viel weniger erleiden müssen, über weite Entfernungen hinweg. 
    Bis ans Ende meines Lebens werde ich, wenn ich die As-Dur-Etüde höre, an diese ukrainische Klavierspielerin denken. Die Kraft dieses „Balsams“ wird nicht geringer dadurch, dass auch Menschen, die Schlechtes tun, diese Musik schätzen. Musik bessert nicht, sie hilft zu leben. Den Guten und den Bösen und all denen irgendwo dazwischen.
    5 min
  • Optimismus als einzige Option – der designierte Stuttgarter Generalmusikdirektor Nicholas Carter
    Meditation gegen den Stau im Kopf
    Vor der Premiere meditiert Nicholas Carter. Für mindestens eine halbe Stunde sitzt der Dirigent dann im Dunklen, achtet auf seinen Atem und versucht nicht an die schwierigen Passagen von Prokofjews Oper zu denken. Das sei kein buddhistisches Ritual, aber es helfe ihm den Stau im Kopf zu vermeiden.
    Nicholas Carter wurde in Melbourne geboren und stammt aus keiner musikalischen Familie. Als er mit 9 Jahren in Kontakt mit orchestraler Musik und Oper kommt, ist er sofort fasziniert. Bereits mit 20 Jahren dirigierte Nicholas Carter dann seine erste Oper. Er studierte an der University of Melbourne Klavier und Gesang und stand Vladimir Ashkenazy als Co-Dirigent in Sydney zur Seite.
    Die warmherzigen Stuttgarter passen zum Australier
    Im Mai 2024 dirigert er Richard Wagners „Rheingold“ in der Staatsoper Stuttgart. Irgendetwas hat offenbar bei den Klängen zwischen Nicholas Carter und dem Stuttgarter Orchester gefunkt.
    Mein Eindruck schon von Anfang an war, dass wir uns gut verstehen würden. Bei unserer Probe und der Vorstellung habe ich das Gefühl gehabt, dass ich spontan sein konnte.

    Quelle: Nicholas Carter, designierter GMD der Staatsoper Stuttgart ab 2026/27

    Ein gutes Zeichen dafür, dass man eine gute Beziehung für die nächsten Jahre aufbauen könne, erzählt Carter. Im November 2024 unterschrieb Carter seinen Vertrag und wurde vom Stuttgarter Opernintendant Viktor Schoner als „Teamplayer durch und durch“ bezeichnet. Und der warmherzige Kontakt mit dem Orchester passt laut Carter zu seiner australischen Seele. Die Australier seien offene Menschen und man ist auch auf der Arbeit schnell befreundet.
    Das Theater als Forum in Zeiten von Social Media
    Eine seiner größten Herausforderungen sieht Carter darin, möglichst viele Menschen für die Oper zu begeistern und die Stimmung in der Stadt einzufangen. Die Stuttgarter seien ein ambitioniertes und ehrgeiziges Publikum. Dem designierten Generalmusikdirektor ist es deswegen wichtig eine Balance zwischen Tradition, Identität und der Zukunft zu finden.
    Es gibt nichts Besseres, als wenn man in ein Theater kommt und es ausverkauft ist, das zeigt irgendwas ganz Gesundes in der Gesellschaft.

    Quelle: Nicholas Carter, Dirigent

    Für Carter ist das Theater ein Forum in dem Menschen zusammenkommen, sich austauschen und aus alten Kunstwerken immer wieder Neues lernen können. Gerade dann, wenn heutzutage viele auf Social Media auf ihren eigenen Kanälen unterwegs sind. Grund zur Zuversicht ist für ihn dabei auch die jüngere Generation.
    „Es gibt für mich keine andere Option als optimistisch zu sein. Es gibt auch mehrere Studien, die zeigen, die nächste Generation, die sogenannte Gen Z, die interessieren sich eigentlich mehr für klassische Musik als die Boomer-Generation. Ich bin auch optimistisch, wenn ich hier ins Haus komme. Es ist eine schöne Mischung aus älteren Zuschauern und jüngeren.“ – Nicholas Carter, designierter Generalmusikdirektor der Staatsoper Stuttgart ab 2026/27
    6 min
  • Britische Musik-Pionierin: Orchesterwerke der Komponistin Ruth Gipps
    Ihr Leben lang hat Ruth Gipps ihre eigene Musik immer als typisch „englisch“ bezeichnet. Schon in ihrer ersten Sinfonie bezieht sie sich auf die englische Volksmusik, übernimmt daraus alte modale Skalen und chromatische Elemente, und sie schreibt ungewöhnlich lange Melodien. Immer wieder durchzieht sie den Orchesterpart mit feinen Soli.
    Ruth Gipps hat in den späten 1930er-Jahren am Royal College of Music studiert, bei zweien der englischen Komponisten-Schwergewichte Ralph Vaughan Williams und Gordon Jacob. Sie liebte die englische Landschaft und hat ihr viele Werke gewidmet.
    Man hört in dieser Ersteinspielung der ersten Sinfonie mit dem BBC Philharmonic das Meer rauschen, sieht die Kreidefelsen dem Wind widerstehen, verliert den Blick am Horizont weiter Weidelandschaften.
    Komponieren trotz künstlerischer Sabotage
    Daran, dass diese Sinfonie 1942 unter dem Eindruck des Zweiten Weltkriegs entstanden ist, erinnert die Komponistin immer wieder mit Trommeln, Blechfanfaren und abrupten Brüchen, die die Erzählung trüben. Dirigent Rumon Gamba unterstreicht diese romantischen Feinheiten:
    Ruth Gipps entwickelt schon in diesem frühen Werk eine ganz eigene, eine herausragende Klangsprache – aber wie so oft passt den Zeitgenossen nicht, dass hier eine Frau in bis dato rein männlich gehaltene Gefilde vordringt.
    Orchestermusiker sabotieren die Aufführung ihrer Werke, Kritiker unterstellen ihr ästhetische Rückständigkeit, und Jurymitglieder sprechen ihr gar ganz die Fähigkeit zu komponieren ab. Nicht ohne Grund übernimmt Gipps deshalb oft die Oboen-, Horn- und Klavierparts selbst oder dirigiert ihre eigenen Kompositionen mit eigens gegründeten Orchestern wie dem London Repertoire Orchestra.
    Hochvirtuoses Hornkonzert
    So auch ihr Hornkonzert von 1968, das sie ihrem Sohn Lance Baker gewidmet hat. In diesem hochvirtuosen Werk wird klar, welchen Anspruch Ruth Gipps an sich selbst und die Interpretinnen und Interpreten hatte: Die Musik kommt immer an erster Stelle –Spielbarkeit und Technik dienen einzig und allein diesem Zweck.
    Auch wenn manche Hornistin womöglich zunächst mal herausfinden muss, wie sie Gipps‘ Töne in Klang umsetzen soll. Solist Martin Owen spielt den Part aber nicht nur souverän, sondern regelrecht poetisch:
    Ersteinspielungen einer Pionierin
    Ruth Gipps hatte in ihrem Leben mit vielen Herausforderungen zu kämpfen. Sie war eine Pionierin, die offen über Diskriminierung gesprochen hat, die sich in einem männlich dominierten Feld durchgesetzt und entgegen modernerer Entwicklungen auf ihren konservativeren ästhetischen Ideen beharrt hat.
    1990 sagte sie, wie die Musikwissenschaftlerin Jill Halstead zitiert: „Ich weiß, dass ich eine richtige Komponistin bin. Aber vielleicht wird das musikalische Establishment das erst nach meinem Tod merken.“ Diese Album-Reihe wird hoffentlich dazu beitragen, dass Gipps‘ wichtige Rolle in der englischen Musik mehr und mehr anerkannt wird.
    6 min
  • Uraufführung „Annes Passion“: Evgeni Orkin widmet Anne Frank ein Oratorium
    Die berühmten Tagebücher von Anne Frank, die im Alter von 15 Jahren im Konzentrationslager Bergen-Belsen ums Leben kam, bilden die Grundlage für das Oratorium, erzählt der Komponist im Gespräch mit SWR Kultur.
    Als Kind habe er sich nicht viel mit dem Schicksal von Frank oder dem Holocaust befasst, so Orkin, der selbst jüdischen Glaubens ist. Die intensive Auseinandersetzung mit der Schoah habe für ihn erst später begonnen.
    Ersteinspielung von „Annes Passion“ (2022)
    Authentisches Zeugnis einer Pubertierenden
    Was ihn in seiner Beschäftigung mit Anne Frank besonders interessiert habe, war das authentische Zeugnis einer pubertierenden jungen Frau, die gezwungen ist, mit ihren Eltern auf engstem Raum im Versteck zu leben.
    Zwei Jahre verbargen sich die Familien Frank und van Pels (in Annes Tagebüchern als „Van Daan“ umschrieben) im Hinterhaus des Hauses Prinsengracht 263 in Amsterdam. Die Art und Weise, wie Annes Empfindungen durch die Tagebücher überliefert sind, seien einmalig, so Orkin.
    Erinnerung an das Schicksal der Holocaust-Opfer
    Anne Franks Geschichte in Form eines Oratoriums zu erzählen, war Evgeni Orkin wichtig. Er habe sich bei Bach orientiert, sein konkretes Vorbild allerdings in den Oratorien von Mendelssohn gefunden.
    Wie Orkin sein Oratorium verstanden wissen will? In erster Linie wolle er an das Schicksal von Anne Frank und ihrer Familie, aber auch an alle Menschen erinnern, die den Holocaust in Angst erleben mussten. Musik, so der Komponist, treffe direkt die Gemüter der Menschen.
    Uraufführung von Evgeni Orkins Oratorium „Annes Passion“ im Livestream am 30. Januar 2025 um 20.00 Uhr aus der Stiftskirche Tübingen
    11 min
  • Multimillionär dank Schallplatte: Der Geiger Fritz Kreisler
    Ein bescheidenes Talent
    Wer auf Flohmärkten unterwegs ist, der findet – oft vergraben – eine schwere schwarze Schellackplatte. Auf dem Etikett der typische Hund vor dem Trichter. Auf der einen Seite steht auf dem Etikett „Liebesfreud“ und auf der anderen „Liebesleid“. Darunter groß der Name des Geigers Fritz Kreisler.
    Die Schallplatte wurde 1910 eingespielt. Es war die erste Aufnahme, die Fritz Kreisler von diesen beiden Stücken gemacht hat. Angeblich, so behauptete er damals, hat er sie in alten Wiener Tanzbüchern gefunden. Doch inzwischen weiß man, das sie aus seiner Feder stammen. So wie auch das ebenso bekannte Stück „Schön Rosmarin“. Der Grund der Falschbehauptung: Seine Bescheidenheit.
    Die Musik hat, ich glaube, rein objektiv betrachtet, auf mein Leben keinen anderen Einfluss gehabt wie auf das Leben aller anderen Menschen.

    Quelle: Fritz Kreisler, Geiger, 1955

    Doch trotz der Bescheidenheit war der Sohn eines Wiener Arztes das, was man damals ein „Wunderkind“ genannt hat. Er wurde nämlich mit 11 Jahren auf das Konservatorium der Musikfreunde aufgenommen, als jüngster Student in der Geschichte dieser Institution. So begann eine nicht aufzuhaltende Karriere, die ihn durch die Konzertsäle der Welt führte – und die ihren Niederschlag auf Millionen von Schallplatten fand.
    Die ersten Studiogeigen
    Als Fritz Kreisler 1910 in den „Aufnahmeraum“ ging, wie ein Tonstudio damals genannt wurde, spielte er ein besonderes Instrument, eine sogenannte „Strohgeige“. Johannes Stroh, einem Ingenieur aus Frankfurt am Main war es gelungen, mittels eines angebauten Trichters den Klang der Violine mechanisch zu verstärken.
    Der Dirigent Arthur Nikisch verwendete diese Instrumente bei der ersten Schallplattenaufnahme von Beethovens Fünfter Sinfonie mit den Berliner Philharmonikern. Wahrscheinlich hat er sie Fritz Kreisler für dessen Aufnahmen seiner angeblichen „Alt-Wiener Tanzweisen“ empfohlen.
    Multimimillionär dank Massenmedium Schallplatte
    Fritz Kreisler hatte eine enorme Bühnenpräsenz. Und er schaffte es, mit seinem prägnanten und tiefgründigen Ton auf der Violine die Zuhörerinnen und Zuhörer im Konzertsaal individuell anzusprechen. Das ist wohl das Geheimnis, das ihn schon zu Lebzeiten zu einer Legende machte.
    Dank der Strohgeige war Kreislers Klangprägnanz schon 1910 auf Schallplatte deutlich zu vernehmen. Mitte der 1920er Jahre verdiente er allein durch seine Aufnahmen mehr als 175 000 US-Dollar im Jahr, nach heutigen Maßstäben etwa 3 Mio Dollar! So konnte er sich in Berlin eine großzügige Villa leisten.
    Ein Freund Bruckners, Brahms und vieler anderer
    Hört man Kreislers Schallplatten heute, dann sprechen durch ihn auch jene musikalischen Persönlichkeiten zu uns, mit denen er persönlich verbunden war und die ihn geprägt haben.
    Um nur einige zu nennen: Anton Bruckner, Johannes Brahms, Joseph Joachim, Anton Rubinstein, Eugène Ysaÿe.

    Quelle: Fritz Kreisler über seine Bekanntschaften

    Fritz Kreisler, der als Jude im nationalsozialistischen Deutschland Auftrittsverbot hatte, emigrierte 1939 nach New York, gerade noch rechtzeitig. Er kehrte nie wieder nach Europa zurück. In den USA konnte er seine Karriere fortsetzen, 1950 gab er dort sein letztes öffentliches Konzert. In einem Interview aus Anlass seines 80. Geburtstages wandte er sich an sein deutschsprachiges Publikum.
    Zum Schluss möchte ich noch den Wunsch aussprechen, dass auch Ihr Leben durch das Walten und Schaffen Ihrer Künstler so bereichert werde, als es das Meinige war!

    Quelle: Fritz Kreisler wendet sich in einem Interview zu seinem 80. Geburtstag an das deutsche Volk.

    5 min
  • „Sehr gelungen und originell!“ Thomas Brezinas „Aus für Strauss – Ein Johann-Strauss-Krimi“
    Die Musik klang weit entfernt, dabei befand sie sich unweit des Saals. Die Polka Schnell war der Auftakt. Sie wusste es. Sie war bei den Proben dabei gewesen und hatte verfolgt, wie der Dirigent mit den Musikern Feinheiten herausarbeitete. Wieder wurde sie von einem Husten geschüttelt. Sie würde sterben.

    Quelle: Ausschnitt aus dem Buch „Aus für Strauss“ von Thomas Brezina

    Zwei Handlungsstränge
    Die Studentin Helen ist spurlos in der Pause des Neujahrskonzerts der Wiener Philharmoniker verschwunden. Sie ist die Assistentin eines renommierten Strauss-Forschers aus Wien. Erst Monate später wird die junge Nachwuchs-Journalistin Allegria auf den Fall aufmerksam und beginnt zu recherchieren, um das mysteriöse Verschwinden der jungen Frau aufzuklären. Mit ihrem Artikel will sie bei ihrer Zeitung groß herauskommen. Das ist der eine Handlungsstrang dieses Buches. Der andere führt zunächst einmal zurück in das Jahr 1878.
    »Jetty!« Strauss klopfte auf die Matratze. Aus dem halb offenen Mund von Jetty troff Speichel. Auf allen vieren kroch Strauss über das breite Bett zu ihr und fasste sie an der Schulter. Er schüttelte sie. Sie reagierte nicht. Strauss griff nach ihrem Handgelenk. Es fühlte sich kühl an. Als er den Arm leicht anhob und wieder ausließ, fiel er schlaff zurück.

    Quelle: Ausschnitt aus dem Buch „Aus für Strauss“

    Unglück nach Unglück
    Jetty Strauss ist tot. Die erste Ehefrau von Johann ist am 8. April 1878 vermutlich an einem Schlaganfall gestorben. Das ist eine biografische Tatsache. Von da aus entwickelt Autor Thomas Brezina seine Geschichte. Es folgen Enthüllungen über uneheliche Kinder Jettys, aber auch Johanns geheime Liebschaften mit deutlich jüngeren Frauen.
    Schon kurz nach Jettys Tod wird Lilli seine zweite Ehefrau. Doch plötzlich stirbt eine Baronin auf einer Premierenfeier. Kurz zuvor hat sie noch neben Johann Strauss gestanden und ihm die Champagner-Arie aus seiner Fledermaus vorgesungen.
    Johann Strauss doch nicht kinderlos?
    Autor Thomas Brezina stellt Johann Strauss als einen Getriebenen dar, dem der Tod auf den Füßen folgt. Erst stirbt sein Hund auf mysteriöse Weise und schließlich wird er selbst das Opfer eines Mordversuchs. Regelmäßig wechselt der Autor in seinem Krimi die Zeitebenen: mal geht es zurück in das Wien des späten 19. Jahrhunderts, dann wieder in das Jahr 2024. Und irgendwie dreht sich alles um Johann Strauss und seine Liebschaften. Denn er ist trotz seiner drei Ehen und zahlreichen Affären kinderlos geblieben. Oder doch nicht?
    »Und Helen hat auf das Darknet zugegriffen?« Rose nickte. »Es gibt keinen hundertprozentigen Beweis. Aber Tatsache ist, dass jemand über einen Computer der Bibliothek ins Darknet gehen wollte. Vermutlich, um nicht den eigenen Rechner verwenden zu müssen. Die Zugriffe erfolgten ungewöhnlich spät.« »Und Helen war an diesen Abenden im Gebäude«, sagte Allegria.

    Quelle: Ausschnitt aus dem Buch „Aus für Strauss“

    Der Krimi wandelt sich zum Thriller
    Thomas Brezina zeichnet die Journalistin Allegria als eine selbstbewusste, unabhängige und mutige junge Frau. Sie hat sich nach London begeben. Dort hat die beim Neujahrskonzert verschwundene Helen an der Royal Academy of Music studiert. Dabei findet sie heraus: die schüchterne Studentin trägt offensichtlich ein tief gehütetes Geheimnis in sich.
    Und dazu noch jede Menge kriminelle Energie. Das alles entfaltet der Autor langsam und mit gutem Gespür für Spannung. Nach und nach wandelt sich der Erzählstrang aus dem Jahr 2024 von einem Krimi zu einem Thriller.
    »Der Countdown scheint mit der Realzeit gekoppelt.« »Rechner!«, befahl Allegria. Gehorsam öffnete Fabrizio den Taschenrechner auf seinem Handy. »Wie viele Stunden sind 775 Minuten?« »Das kann ich dir auch so sagen: sieben Stunden und fünfzig Minuten.« »Wenn es jetzt 00.25 Uhr ist«, überlegte Allegria, »dann ist es in sieben Stunden und fünfzig Minuten …?« »13.20 Uhr«, antwortete Fabrizio. »Was passiert um 13.20 Uhr?«

    Quelle: Ausschnitt aus dem Buch „Aus für Strauss“

    Gekonnte Vermischung von Fakten und Fiktion
    Heißt es am Ende wirklich „Aus für Strauss“? Ich finde das gleichnamige Buch ist ein spannender Krimi-Thriller. Autor Thomas Brezina vermischt darin gekonnt historische Fakten mit Fiktion. Dabei ist mir aufgefallen: handelnde, ermittelnde und denkenden Figuren sind überwiegend selbstbewusste junge Frauen. Die Männerwelt dagegen kommt eher weniger gut weg.
    Eine sehr gelungene und vor allem originelle Annäherung an den Walzerkönig Johann Strauss. Für 24 Euro ist das 476 Seiten starke Buch im Handel oder beim Verlag edition a zu haben.
    6 min

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