Treffpunkt Klassik

Gesunde Lunge empfohlen!

In den meisten Chören sind sie Mangelware: die Tenöre. Dabei ist der Tenor eigentlich die tragende Säule der gesamten europäischen Mehrstimmigkeit. Allerdings ist der Tenor im Mittelalter keine festgelegte Stimmlage, sondern eine Lagenstimme. Das heißt er definiert sich über seine Funktion im mehrstimmigen Satz. Und da ist er die unangefochtene Hauptstimme, um die sich alles andere rankt.

Das Wort „Tenor“ kommt aus dem Lateinischen: „tenere“ bedeutet so viel wie „halten“. Der Tenor ist also eine Stimme mit relativ lang gehaltenen Noten. Sie singt die Hauptmelodie eines mehrstimmigen Satzes, den so genannten Cantus firmus. Damit bestimmt der Tenor auch den Modus, in dem gesungen wird. Heute könnte man das mit einer Tonart vergleichen. Das gilt nicht nur für die geistliche, sondern auch die weltliche Musik.

Die stimmliche Konkurrenz macht sich breit

Ernstzunehmende Konkurrenz für den Tenors kommt im 17. Jahrhundert aus Italien. In der frühen Oper werden Oberstimme und Bass zu den wichtigsten Stimmen. Der Tenor wird jetzt nur noch als hohe männliche Stimmlage verstanden. Meist verkörpert er jugendliche Figuren oder auch mal der einen oder anderen Gott. Immerhin in den geistlichen Passionsmusiken darf ein Tenor nach wie vor die zentrale Partie des Evangelisten singen.

Im 18. Jahrhundert sind Kastraten die Stars der Oper mit ihren Stimmen in Sopran- oder Altlage. Wichtige Tenorrollen sind damals eher die Ausnahme. Das gilt allerdings nur für die dominante italienische Oper. In Frankreich geht man in dieser Zeit ganz eigene Wege. Dort übernehmen so genannte Haute-Contre-Stimmen die wichtigen Partien. Darunter versteht man eine besonders hoch gelegene Männerstimme, fast schon auf der Schwelle zum Countertenor.

Heldenhafte Stimme

Die Moden ändern sich im 19. Jahrhundert: Haute-Contre und Kastraten machen den Abgang. Dafür nutzen Tenöre die Gunst der Stunde: als hohe Männerstimmen konkurrieren sie jetzt direkt mit dem weiblichen Sopran. Dazu werden die Orchester immer größer. Damit steigen die stimmlichen Anforderungen an die Sänger. So sehr, dass Gioachino Rossini bei der Premiere seiner Oper „Guglielmo Tell“ Schwierigkeiten mit der Besetzung der Figur des Arnold gehabt hat. So hoch ging es damals nur selten hinauf.

Rossinis Arnold gehört in das Stimmfach „lyrischer Tenor“. Das Gegenstück dazu ist der so genannten „Heldentenor“. Mit der romantischen Oper bilden sich auch die heute noch geläufigen Stimmfächer heraus. Der Heldentenor hat seinen großen Auftritt etwa in den Musikdramen Richard Wagners: als Tannhäuser, Tristan, Lohengrin und als junger Held Siegfried im „Ring des Nibelungen“.

Die Spezies der Star-Tenöre

Die berühmtesten Opernsänger des 19., des 20. und auch des 21. Jahrhunderts sind in der Regel Tenöre. Sie treten oft alleine in den Repertoire-Opern auf oder bilden schon mal ganze Rudel wie „Die drei Tenöre“ oder sogar „Die zwölf Tenöre“. Einer der berühmtesten dieser Spezies ist sicher der Italiener Enrico Caruso gewesen. Er hat seine größten Erfolge vor allem im lyrischen Fach gefeiert.

Während der Tenor heute als stimmlicher Glanzpunkt der gesamten romantischen und postromantischen Oper gilt, macht er sich in Chören vergleichsweise rar. Vielleicht hat das wieder mit dem Unterschied zwischen Lagen-Stimme und Stimmlage zu tun.

Während die Tenorlage einfach wunderschön klingen kann, hat der Tenor im Chor meist eher undankbare Aufgaben: als Mittelstimme zusammen mit dem Alt eingeklemmt zwischen dem exponierten Sopran und dem donnernden Bass.

Mehr über die verschiedenen Stimmfächer

Ein versteckter Schatz, mitten in Karlsruhe Durlach

Das Studio Volker Rabus ist eine Mischung aus Kammermusiksaal, Museum und Wohnzimmer: Alte Zeichnungen und Fotografien schmücken die holzvertäfelten Wände. Teppiche, Sessel, Sofas und gepolsterte Stühle dämpfen den Raumklang angenehm. Aber natürlich ist das offensichtliche Highlight die Vielzahl an Tasteninstrumenten in allen Farben und Formen.

Christian Rabus, der Sohn von Volker Rabus, hat das Studio vor ca. zwei Jahren übernommen. Er ist Klavierbaumeister in vierter Generation und möchte nicht, dass die Instrumente nur ungenutzt herumstehen – zumal er weiß, wie sehr diese seinem Vater am Herzen liegen.

Jedes Mal, wenn es darum ging, ein altes Instrument wieder zum Leben zu bringen, haben seine Augen einfach auch größer geleuchtet als bei „normalen“ Instrumenten. Und ich weiß nicht, wie diese ganzen Flügel dann zu ihm gekommen sind oder er zu ihnen. Jedenfalls hatte er das Bedürfnis, vielen alten Instrumenten ein zu Hause zu geben und und sie klingen zu lassen.

Aus diesem Grund war das Studio Rabus auch immer ein interessanter Ort für Studierende der Musikhochschule Karlsruhe. So hat auch die Pianistin Anna Zassimova den Weg hierher gefunden und sich für die Atmosphäre und die alten Klaviere begeistert.

Doppelt hält besser: 6 Pedal an einem Flügel

Historische Klaviere hört man heute selten in Konzertsälen: Sie sind oft schlicht zu leise für Räume, in denen viele hundert Leute Platz finden. Dass die heutigen Modelle deutlich lauter spielen können, erklärt Christian Rabus, hat mit ihrer Bauweise zu tun: härtere Stahlsaiten, deutlich mehr Zugkraft und größere Hämmer. Das macht den Klang lauter, gleichmäßiger und polierter.

Der Érard-Flügel ist in dieser Sammlung nur eine Entdeckung unter vielen: da gibt es noch einen Bechsteinflügel von 1906, der für eine Schauspielerin gebaut wurde. Oder eine Kopie eines Stehlin-Cembalos, das detailverliebt mit Blumen und Insekten verziert wurde. Und natürlich, ein absoluter Hingucker, ein Klavier mit sechs Pedalen! Spezialeffekte aus dem 19. Jahrhundert, die bis heute verblüffen. Trommelschläge und ein Glöckchen kann man bei diesem besonderen Klavier aus dem Hause Anton Walter und Söhne auslösen.

Berühmte Rabus-Kunden

Christian Rabus hat etwas ganz anderes, aber nicht minder besonderes im Studio zum zeigen: Ein Kästchen hervor, in dem ein altes, in Leder eingebundes Buch liegt. Es ist ein Gästebuch, in dem etliche Berühmtheiten sich verewigt haben.

Die Konzerttradition bei uns in der Familie – mittlerweile vierte Generation Klavierbau – [hatte] tatsächlich schon einen Ursprung in Bremen [...], wo das Stammhaus früher war. Das sind sehr interessante Menschen zu Gast gewesen, zum Beispiel Wilhelm Backhaus, dann Wilhelm Kempf, Béla Bartók...

Im Buch sind nicht nur kurze Danksagungen, sondern auch kleine Kunstwerke, handgemalte Noten von den großen Pianisten des 20. Jahrhunderts zu entdecken.

Benefizkonzerte für ein Stück Instrumentengeschichte

All diese Schätze sollen nicht länger im Verborgenen schlummern; deshalb greifen Anna Zassimova und Christian Rabus eine alte Idee wieder auf: Es gab vor einigen Jahren eine beliebte Konzertreihe, bei der die verschiedenen Instrumente erklingen durften. Damit soll es nun weitergehen. Den Anfang macht Anna Zassimova mit einem Benefizkonzert, das sie am 25. Januar auf dem Bechsteinflügel von 1906 geben wird. Mehr Infos hierzu gibt es auf der Website von Anna Zassimova.

Es geht im Moment uns wirklich nicht darum, dass das man hier Profit macht und irgendwie Geld verdient, sondern dass es wirklich weiterlebt. Das ist für Durlacher, dass es eine große Bereicherung und für Kulturstadt Karlsruhe auch.

„Altus“ ist Lateinisch und heißt einfach nur „hoch“. Eine Alt-Stimme ist erst einmal eine hohe Stimme. In der Mehrstimmigkeit des späten Mittelalters war damit einfach nur die Stimme im mehrstimmigen Satz gemeint, die über der Hauptstimme liegt.

Die Stars der frühen italienischen Oper sind Kastraten. Sie singen in Sopran- oder Altlage. Heutige Countertenöre singen im Falsett auch meist Rollen im Alt oder Mezzosopran.

Erst ab dem 19. Jahrhundert wird die weibliche Altstimme zur Norm. Meist singen Frauen im Alt die reiferen Frauenrollen, etwa die Hexe in Dvořáks „Rusalka“. Eine rühmliche Ausnahme dabei: Angelina, das Aschenputtel, in Rossinis Oper „La Cenerentola“, die der Komponist für die italienische Altistin Geltrude Righetti schrieb.

Mehr über die verschiedenen Stimmfächer

Zur Stimme hat der Komponist Gordon Kampe eine ganz besondere Beziehung. Schließlich schreibt er Opern. Doch nicht nur auf der Opernhausbühne hört er ihr gerne zu, auch in den Kirchen ist sie ihm ein wahres Vergnügen. Und auch in der U-Bahn lohnt sich genaues Hinhören!

Der Sopran ist die Stimmlage der jungen Heldinnen in der Oper und übernimmt auch gerne im Chor die Melodieführung. Der Begriff taucht vor allem im Zusammenhang mit dem neuen italienischen Sologesang des 17. Jahrhunderts auf. „Soprano“ bedeutet auf Italienisch so viel wie „darüber“.

Seit den Anfängen hat sich das Stimmfach stark entwickelt: Vom Herrensopran der Kastaten im 18. Jahrhundert über den lyrischen Spinto-Sopran der Desdemona in Verdis „Otello“ und dem dramatischen Sopran von Sieglinde und Brünnhilde in Wagners „Ring des Nibelungen“ bis hin zu den schwindelerregenden Höhen der Koloratursopran-Arien der Königin der Nacht in Mozarts „Zauberflöte“ oder der Titelheldin in Léo Delibes' „Lakmé“.

Mehr über die verschiedenen Stimmfächer

Der Italiener Nicola Alaimo hat mit „Grand Seigneur“ bei dem Label Dynamic Soloszenen aus sieben Donizetti-Opern in italienischer wie französischer Sprache eingespielt und ist außerdem Protagonist des zweiten Albums einer auf acht Folgen angelegten Gesamtaudioausgabe aller bisher bekannten 200 Donizetti-Lieder bei Opera Rara. Wie sich das alles anhört und ob es ein archäologischer, wie vokaler Gewinn ist, weiß Manuel Brug, der sich beide Alaimo-Alben angehört hat.

Das Ultraschall Festival in Berlin markiert jedes Jahr das erste Festival der Neuen Musik im neuen Jahr. Drei Abende sind gefüllt mit Orchesterwerken. Was in diesem Jahr zu hören ist, erzählt Neue-Musik-Redakteurin Martina Seeber. Eines ihrer Highlights: Das Diotima Streichquartett aus Paris im Heimathafen in Neukölln.

Wie schafft man es, dass die Stimme jung bleibt? Und warum und wie altert sie überhaupt? Das weiß Annerose Keilmann – Chefärztin im Stimmheilzentrum Bad Rappenau und Professorin in Mainz.

Viel trinken und nicht rauchen sei schon mal ein Anfang, erzählt sie im Gespräch. Ob Sex vor der Aufführung eher hilft oder nicht, kann sie allerdings nicht sicher beantworten.

Luft bringt Stimmlippen zum Klingen

Die menschliche Stimme: Es gibt wohl kein Instrument, bei dem jedes Modell so unterschiedlich klingt. Außerdem trägt es jeder in sich, man muss es nicht käuftlich erwerben.

Es kommt zum Klingen, wenn Luft aus der Lunge oben im Kehlkopf die Stimmlippen zum Schwingen bringt. Umgangssprachlich spricht man oft von Stimmbändern, die gibt es auch, die sind aber nur ein Teil der Stimmlippen, die den Ton erzeugen.

Beim Einatmen sind die Stimmlippen geweitet und wenn wir Töne erzeugen, werden sie enger und kommen ins Schwingen. Dieses Töne werden dann vor allem durch Mund, Zunge und Lippen geformt und so entstehen verschieden Vokale und Konsonanten.

Stimmlippen bestimmen auch Tonhöhe

Grundsätzlich gilt: Je kleiner die Stimmlippen, desto höher der Ton. Bei einem Neugeborenen sind die Stimmlippen etwa sechs Millimeter lang, bei einer erwachsenen Sopranstimme sind es um die 15 und bei einem tiefen Bass, können es auch mal 25 Millimeter sein sein.

Der Stimmumfang eines Menschen liegt je nach Training in der Regel zwischen anderthalb und zweieinhalb Oktaven. Umfänge über drei Oktaven sind sehr selten, aber es gibt sie. Ganz berühmt ist etwa Mariah Carey mit fünf Oktaven Stimmunfang:

Extreme: Ganz hoch und ganz tief

Die ganz hohen Töne, die Mariah Carey zum Beispiel im Lied „Emotions“ singt, befinden sich im sogenannten Pfeifregister. Das kommt übrigens auch in einer der bekanntesten Arien der europäischen Klassik vor – in der Arie der Königin der Nacht aus Mozarts Zauberflöte:

Die tiefste Stimme der Welt hat laut Guinness Buch der Rekorde der Amerikaner Tim Storms. Den Rekord hat er aufgestellt mit einem Ton von – Achtung – unter einem Hertz. Eigentlich kann man das keinen Ton mehr nennen, bei der Frequenz bleibt nur ein langsames Knacken. Davon gibt es auch keine Aufnahme, aber es gibt ein YouTube-Video, in dem Tim Storms singt, auch schon beeindruckend genug:

Mit Gesangstechnik zu mehr Lautstärke

Neben hohen und tiefen Stimmen gibt es noch ein prominentes Gegensatzpaar: Leise und laut. Beim klassischen Operngesang etwa muss die Stimme ohne Verstärkung im ganzen Opernsaal hörbar sein und nicht nur das: Eine einzelne Person muss es schaffen, gegen ein ganzes Orchester anzusingen:

Diese Lautstärke, und damit verbunden der typische klassische Stimmklang, gelingt mit komplexen Gesangstechniken. Stark vereinfacht kann man sagen: Das Geheimnis liegt in Resonanzen und Obertönen.

Mit Obertönen nicht heiser werden

Das Frequenzspektrum eines Orchesters zum Beispiel fällt ab etwa 500 Hertz rasch ab. Beim klassischen Gesang hingehen, sind die Frequenzen oberhalb von 500 Hertz noch sehr präsent. Und das gilt auch bei tiefen Tönen, die eigentlich unter 500 Hertz liegen.

Denn: Die hohen Frequenzen kommen durch Obertöne zustande, die über dem eigentlichen Grundton mitklingen. So kann sich eine Stimme gegen ein Orchester akustisch durchsetzen. Und zwar auf eine gesunde Art und Weise. Denn mit der richtigen Technik sind Profis nach einer Opernaufführung nicht heiser. 

Das andere Extrem ist ein Gesangsstil, bei dem ganz leise gesungen wird und die Stimme danach sehr verstärkt wird. Das lässt die Stimme sehr weich, nah und intim wirken, fast als würde einem jemand ins Ohr flüstern. Weltberühmt ist damit die amerikanische Popsängerin Billie Eilish geworden:

Achtung! Stimmbandknötchen!

Im Jazz und Pop klingen viele Sängerinnen und Sänger auch ohne eine besondere Gesangstechnik gut. Doch das kann dann zu Problemen führen, wenn sie plötzlich viel singen müssen, etwa weil sie berühmt werden und auf Tour gehen.

Dann können Stimmbandknötchen entstehen, das sind Verdickungen vergleichbar mit Hornhautschwielen an der Hand. Im schlimmsten Fall müssen die wegoperiert werden und in der Popwelt passiert das regelmäßig, unter anderem geschehen bei Justin Timberlake oder Adele.

Metal-Musik setzt auf gutturalen Gesang

Mit der richtigen Technik hingegen, kann man sogar gesund Metal singen. Das sogenannte growling basiert auf gutturalem Gesang, also Kehlgesang:

Neben Metal kommt der Kehlgesang auch in der mongolischen Volksmusik, beim Obertongesang und beim alpenländischen Jodeln vor. Der Schweizer Christian Zehnder hat viele dieser Gesangstechniken studiert und gemeistert: Er ist klassischer Bariton, Obertonsänger, Jodler und macht mit all diesen Techniken sehr kreative Musik:

Keine Angst vor künstlichen Stimmen

Die Stimme ist das Instrument des Jahres 2025 – und sie ist vermutlich das letzte Instrument, von dem es bisher keine wirklich gute Software-Version gibt. Das wird sich ändern.

Ist das ein Grund zur Sorge? Vielleicht. Aber andererseits stehen in Konzerthäusern auch noch echte Flügel, obwohl es E-Pianos gibt. Vielleicht bekommen wir ja auch durch die Existenz von künstlichen Stimmen eine neue Wertschätzung für das Echte, für das Menschliche.

Das Brahms & Strauss-Experiment – so lautet das Motto der ARD Woche der Musik 2025.
Vom 18. bis 26. Januar gestalten die Ensembles und Orchester der ARD eine Aktionswoche für ein junges und altes Publikum.

Mitverantwortlich für die Konzerte im Sendegebiet des SWR ist Jasmin Bachmann. Im Gespräch mit SWR Kultur erzählt sie, wie man Viertklässlern den Walzer näherbringt und worauf es bei Seniorenkonzerten ankommt.