Treffpunkt Klassik

Alberto Robert kommt strahlend zum Interview. Denn der 25-Jährige hat draußen gerade Fußball gespielt – auch mit unpassendem Schuhwerk.

Bei Fußball wird Alberto Robert schwach! Der Sänger aus Mexiko braucht die Bewegung, auch für seinen Beruf: das Singen. An der Stuttgarter Staatsoper ist der junge Tenor momentan engagiert.

„Bevor ich ein Konzert oder einen Auftritt in der Oper habe, gehe ich am Morgen ein bisschen Laufen“, erklärt Robert, „denn es ist sehr gesund für das Singen. Schließlich muss man Atmen und dabei Stütze haben. Wenn man da etwas Sport macht, wärmt man sich ein bisschen auf.“

Und was braucht er, um seine Stimmbänder aufzuwärmen? Mit Liedern aus seiner Kindheit und typischen Einsing-Übungen ist Alberto Robert schließlich auch bestens gewappnet für die Probe mit der Deutschen Radiophilharmonie im Studio Kaiserslautern.

Sechs Sängerinnen und Sänger konkurrieren um den Smola-Förderpreis

Sechs Sängerinnen und Sänger sind auch 2025 wieder dabei beim Emmerich Smola Förderpreis. Sie kommen aus der Schweiz, Österreich, den USA und Mexiko und haben bereits feste Engagements oder sie sind Mitglieder in Opernstudios oder aber freischaffend unterwegs.

So wie der Österreicher Alexander Grassauer, der demnächst sein Debüt bei den Bayreuther Festspielen gibt. Beim Smola-Wettbewerb bringt er einen Liebestrank unters Volk, den aus Donizettis gleichnamiger Oper.

„Da kann man so ein bisschen Virtuosität im Sprachgebrauch zeigen, mit schneller Sprache und Wortwitz“, erklärt der Bassbartion. Wenn man das auf den Punkt bringe und gut umsetze, so Grassauer, dann komme der Wortwitz auch bei mangelnden Italienisch-Kenntnissen total zum Tragen, einfach durch die Art, wie es komponiert ist.

 

Publikum und Orchester wählen die Preisträger

Zeigen, was man kann, das möchten alle sechs Gesangstalente beim Smola-Wettbewerb. Die Besonderheit ist hier, dass es keine Fach-Jury gibt. Das Publikum darf zwei Preise vergeben – an eine Sängerin und einen Sänger.

Gerade das findet Alexander Grassauer besonders spannend: „Weil es eigentlich die reale Situation des Jobs besser widerspiegelt, weil ja im Endeffekt dann doch bis zu einem gewissen Grad das Publikum entscheidet, wer oder was einem am besten gefällt.“

Er finde es aufregend, mal zu sehen, wenn man an einer Wettbewerbswertung messen könne, ob es ein erfolgreicher Auftritt gewesen ist. Mit bewerten darf beim Smola-Wettbewerb aber auch das begleitende Orchester, die Deutsche Radiophilharmonie.

Herausfordernde Arien von Donizetti bis Gluck

Bei Glucks Oper „Orpheus und Eurydike“ ist deutliche Erregung gefordert. Die Österreicherin Tamara Obermayr schlüpft beim Smola-Wettbewerb in die Rolle des mythischen Schönsängers. Herausfordernd für sie: Die schnellen Tonketten, die sogenannten Koloraturen.

„Ich versuchte es tatsächlich anzupassen an die Phrase und an die Musik“, erklärt Tamara Obermayr, „und das gelingt manchmal besser, manchmal weniger gut. Und dann muss man auch ein bisschen rumprobieren!“  

Gelernt hat Tamara Obermayr das im Studium am Salzburger Mozarteum, aber auch in verschiedenen Meisterkursen. Gesangsmethoden gibt‘s wie Sand am Meer. Manche arbeiten eher medizinisch-anatomisch im Unterricht, andere mehr mit Bildern.

Erlaubt ist, was funktioniert

Oder auch mit Herantasten. Tamara Obermayr erinnert sich an einen Unterricht bei den Salzburger Festspielen im vergangenen Jahr: „Es war großartig, weil man in einen gewissen meditativen Zustand kommt. Die Aufgabe war es, mit geschlossenen Augen diese Wand zu befühlen und zu erkunden und sich ein Bild davon zu machen. Und dann, wenn ich den Impuls dazu hatte, eben auch was zu singen. Das konnten einfach Töne sein oder sogar Laute - das war eigentlich egal.“

Erlaubt ist, was funktioniert. Und bei den „Smolis“, wie die Teilnehmenden des Emmerich Smola Förderpreises hinter den Kulissen liebevoll genannt werden, scheint alles bestens zu funktionieren. Wer am Ende das Rennen machen wird? Das Publikum und das Orchester haben die Qual der Wahl.

2025 – das ist auch das Jahr des faszinierenden Komponisten Kurt Weill. Vor 125 Jahren in Dessau geboren, vor 75 Jahren in New York verstorben. Und pünktlich zum Auftakt des Jubiläumsjahres hat in Karlsruhe dieser Tage die Sopranistin Annette Postel zu einem Kurt-Weill-Meisterkurs eingeladen. Sven Scherz-Schade hat in den Meisterkurs von Annette Postel reingehorcht und einen Vorgeschmack bekommen für das Abschlusskonzert in Karlsruhe am 17. Januar.

Der Kabarettist und SWR-Glossist René Sydow flanierte kürzlich durch Basel – und stieß dabei zufällig auf die Musikinstrumentensammlung des Historischen Museums. Nicht nur das Giraffenklavier verlieh dabei seinen Gedanken Flügel…

Schottland, Irland und Klassik

Auf die Idee, alte und neue Musik oder auch Volksmusik und klassische Musik zusammenzubringen, sind schon viele gekommen. Auf dieser CD hat der musikalische Brückenschlag aber eine ganz besondere Qualität. „Anam“ heißt das Album, das ist das gälische Wort für Seele. Und „Musik, die die Seele berührt“, so der Untertitel der CD, soll hier zu hören sein. Die fünf Sängerinnen und Sänger des britischen Vokalensembles Apollo5 gehen zurück zu ihren keltischen Wurzeln.

Das Volkslied „Anam“, das der CD ihren Namen gab, ist eine irische Melodie, auf dem Album in einer Bearbeitung für fünf Stimmen. Weitere Arrangements – vor allem von schottischen Volksliedern – kommen hinzu. Bei den meisten von ihnen steht eine Stimme im Vordergrund und wird von anderen harmonisch unterstützt. Wie auch bei dem Lied „Black ist the Colour“.

Vorbild: Voces8

Manchmal wird die traditionelle Harmonik dabei erweitert. Das klingt ein bisschen nach Barbershop-Musik, jedenfalls hört man viele Dominantseptakkorde. Vorbild des Ensembles Apollo5 ist das britische Oktett Voces8 – das gilt für den Namen wie für den Klang. Und für das extrem breite Repertoire. Für diese CD hat Apollo5 Werke in Auftrag gegeben, die sich auf keltische Lieder oder Volksdichtung beziehen. Hinzu kommen Ausflüge zur franko-flämischen Vokalpolyphonie. 

Die harmonische Erweiterung der irischen und schottischen Volksmusik durch die neuen Arrangements macht den Schritt von der alten zu einer sehr zugewandten, gesanglichen und meist tonal grundierten zeitgenössischen Musik leicht. Man hört die CD als Kontinuum.

Obacht! Ohrwurmgefahr!

Apollo5 überzeugt mit einer exzellenten Balance der Stimmen, mit Vollstimmigkeit, Reinheit des Soprans und konturiertem Bass. Am Ende der CD kann dann natürlich kein anderes Lied stehen als Auld lang Syne.

Vorsicht, Christopher Moores schönes Arrangement von „Auld lang Syne“ setzt sich im Ohr fest. Bis zum traurig-schönen Ende.

Musikalischer Frauenclub

Die Atmosphäre im Wien der Jahrhundertwende ist vibrierend, kreativ. Der Glanz der alten Monarchie zeigt sich ein letztes Mal. Gleichzeitig kündigt sich das Neue an; mit Komponisten wie Arnold Schönberg und Alban Berg. Auch unter den Tonschaffenden Frauen herrscht Aufbruchstimmung. Der Neue Frauenclub Wien gründet sogar eine Konzert-Reihe, bei der ausschließlich Werke von Komponistinnen vorgestellt werden.

Das ist schon belegt, dass Werke aufgeführt wurden. Aber oft war das im kleineren Rahmen, so die berühmten Salons, was es ja in Wien zuhauf gab. [...] Es gab so eine Art losen Zusammenschluss von Komponistinnen, die sich gegenseitig die Werke vorgestellt haben und drüber diskutiert haben. 

Musikkarriere: Männersache

Die Karriere von Johanna Müller-Hermann beginnt recht spät. Sie ist schon Mitte 30 als sie erstmals als Komponistin auftritt. Doch überhaupt eine Karriere in der Musik zu starten, war damals alles andere als üblich, erzählt Triendl.

Auch für Johanna Müller-Hermann, die am 15. Januar 1868 in Wien zur Welt kommt, ist eine Karriere als Künstlerin eigentlich nicht vorgesehen. Auch wenn sie mit Musik und Poesie aufwächst. Die Mutter singt, der Vater – ein hoher Beamter des Kaisers – unterhält die drei Kinder mit selbst erfundenen Geschichten.

Die Geschwister erhalten Klavier- und Gesangsunterricht. 1876 – Johanna ist acht, Bruder Albert gerade 13 – bekommt die Familie spannenden Besuch. Es ist der Komponist Wilhelm Westmeyer. Für Johanna ein Schlüsselerlebnis.

Segen und Fluch folgen aufeinander

Seitdem träumt Johanna davon Komponistin zu werden. Aber der Bruder ist ihr immer einen Schritt voraus. Während er nach dem Jura-Studium Beamter wird und nebenher komponiert und dirigiert, muss Johanna zurückstecken. Sie wird auf Wunsch des Vaters Lehrerin. Erst die Ehe mit dem gut situierten Otto Martini-Müller gibt ihr die Freiheit, sich ganz der Musik zu widmen. Ausgerechnet da stirbt Albert, ihr engster Vertrauter und großes Vorbild.

Johanna Müller-Hermann ist wie betäubt. Gleichzeitig lernt sie auf eigenen Füßen zu stehen. Sie vertont erste Gedichte, vertieft ihre Klavierkenntnisse und lernt Geige. Sie studiert Musiktheorie und Komposition bei Karl Navratil, Josef Labor und Joseph Bohuslav Foerster. 

Prominente Förderung

Sie entwickelt sich zur geschickten Netzwerkerin und findet auch prominente Förderer, unter anderem Alma Mahler, die weitere Kontakte vermittelt. 

Sie hat wohl auch die Verbindung zu Zemlinsky hergestellt, bei dem sie dann auch Unterricht hatte. Und das war natürlich auch damals schon ein ganz großer und bedeutender Komponist seiner Zeit.

Durch Alexander von Zemlinsky beraten, gelingt der Komponistin 1911 ein virtuoses Streichquartett. 

Es beginnt ein produktives Jahrzehnt. Johanna Müller-Hermann schreibt Lieder, Kammermusik, Orchesterwerke mit Chor, eine „Heroische Ouverture“.

Erste Professorin für Komposition im deutschsprachigen Raum

1918 wird sie sogar ans Neue Wiener Konservatorium berufen. Als erste Professorin für Komposition im deutschsprachigen Raum. Es ist ihr Lehrer Joseph Bohuslav Foerster, der sie als seine Nachfolgerin vorschlägt.

Zurecht, denn Johanna Müller-Hermann wird eine engagierte Professorin, die fast zwei Jahrzehnte lang viele Studenten nach Wien lockt und nebenbei eigene Kompositionen aufführt. 1932 etwa das Klavier-Quintett, das die Presse als erfolgreiche Novität feiert.

Johanna Müller-Hermanns Stern beginnt schon zu ihren Lebzeiten zu sinken. Die Komponistin, die keine Kinder hat und nur für die Musik lebt, passt nicht ins tradierte Frauenbild der Nationalsozialisten. Nach dem 2. Weltkrieg gilt ihr Klang als überholt. Grund genug, Johanna Müller-Hermann im 21. Jh. neu zu entdecken.

Es gibt wirklich wahnsinnig viel Entdeckenswertes, was einfach qualitativ mit dem der männlichen Kollegen mindestens mithalten kann. Ich glaube, da gibt es noch ganz viele Schätze zu heben.

„Hoffen, dass dabei ein Goldton entsteht“

„Also wie entsteht eigentlich das, was sie auf der Bühne machen? Wie können Sie das zu zum Klang bringen?“ Diese zwei Fragen hat der Pianist Francesco Piemontesi oft nach Konzerten gehört. Mit seinem Film „Die Alchemie des Klaviers“ versucht er diese Fragen zu beantworten. Darin lässt er seine Erfahrenen Musikkollegen und -kolleginnen Antworten, auch sein Lehrer Alfred Brendel gibt Auskunft. Aus 30 Stunden Interviewmaterial haben schließlich er und der Regisseur Jan Schmidt-Garre den Film geschnitten.

Alle Pianisten und Pianistinnen stehen in dem Film für ein Element, das das Klavierspiel zu etwas besonderem macht: Körper – Maria João Pires, Klang – Stephen Kovacevitch, Bilder – Jean-Rodolphe Kars, Stimme – Ermonela Jaho, Farben – Antonio Pappano & Form – Alfred Brendel. Auch bei Piemontesi sind die Bausteine beim alltäglichen Üben präsent:

Ich mache es immer so, dass ich mich auf einen bestimmten konzentriere. Und dann, wenn ich zum Beispiel das Stück dann noch mal durchspiele, konzentriere ich mich auf einen anderen und dann im besten Fall bringt der Körper [...] diese ganzen Aspekte zusammen.

Pastorales Bild vs. teuflische Gedanken

Mit dem SWR Symphonieorchester gibt Francesco Piemontesi am 16. und 17. Januar 2025 Konzerte in Stuttgart, zu hören ist er mit Karol Szymanowskis vierter Sinfonie (Symphonie concertante). Sein Freund, Pianist und Priester Jean-Rodolphe Kars erzählt im Film, dass immer Bilder im Kopf brauche, da sie eine immaterielle Kunst sei. Die Bilder bei Szymanowskis Sinfonie beschreibt Piemontesi mit einer pastoralen Stimmung, hinzu kommen später teuflische Gedanken mit einer faustischen Atmosphäre.

Jenes Bild sei nicht nur für den Pianisten wichtig, sondern für das ganze Orchester, vor allem wenn man es noch nicht oft gespielt habe. Die „gefühlt eine Million Noten“ die das Stück zu einer wahren Herausforderung machen, könnten am 17. Januar auch live bei SWR Kultur im Abendkonzert gehört werden.

Der Pianist Sebastian Knauer ist ein Kinofan. Und als Musiker ist er auch Kenner und Liebhaber großer Filmmusik. Für sein neuestes Projekt ließ er sich dreizehn der schönsten Filmmusiken aus der Geschichte Hollywoods neu arrangieren, für Klavier und Orchester. Aufgenommen wurden diese Erinnerungs-Stücke mit dem Deutschen Symphonieorchester, dirigiert von David Newman. Eleonore Büning hat sich das Album angehört.

Im Dezember 2024 gehörte Khatia Buniatishvili zu den Musikerinnen und Musikern, die anlässlich der Wiedereröffnung der Pariser Kathedrale Notre Dame spielen durften. Es sei für sie ein ganz besonderes Gefühl gewesen, an diesem Ort zu spielen, verrät Buniatishvili im Gespräch mit SWR Kultur.

Beim Gedanken an Notre Dame schwinge für sie immer ein bisschen Traurigkeit mit, so die georgisch-französische Pianistin. Es sei ein Ort, von dem man dachte, dass er immer da sein würde. Der Brand vor fünf Jahren habe ihr dessen Vergänglichkeit bewusst gemacht. Der Wiederaufbau habe eine besondere Wirkung auf menschlicher Ebene: Hoffnung und Positivität seien besonders wichtig.

„Mozart ist für mich meine Kindheit.“

Ende 2024 veröffentlichte Buniatishvili ihr erstes reines Mozart-Album mit neuen Einspielungen der Klavierkonzerte Nr. 20 und 23. Ein Lebenstraum für die 37-Jährige. Der Salzburger Komponist habe eine besondere Bedeutung für sie, verrät Buniatishvili: „Mozart ist für mich meine Kindheit.“

Mit sieben Jahren habe sie mit großer Begeisterung das „Requiem“ gehört – immer und immer wieder zum Zubettgehen. Der große Mozart-Film „Amadeus“ von Miloš Forman habe sein Übriges getan, um Mozart in ihrem Leben zu verankern. Bis heute gehöre er zu ihren Lieblingsfilmen.

Seine kindliche Neugierde dürfe man nicht verlieren und vergessen, findet Khatia Buniatishvili. Heute ist sie selbst Mutter und wollte in ihrem Album auch ihr aktuelles Gefühlsleben zum Ausdruck bringen. Am Ende bleibe es zwar Mozart, doch ihre persönlichen Erfahrungen geben der Einspielung eine gewisse Klangfarbe, so die Pianistin.

Mozarts Musiksprache sei von einer Einfachheit geprägt. Diese als Erwachsener wiederzufinden sei schwer, lacht Buniatishvili. Sie habe eine Erinnerung, die sie besonders mit Mozart verbinde: Die Musiklehrerin ihrer Schwester habe gesagt, Mozarts Musik sei immer lächelnd, ihr wohne aber dennoch eine gewisse Traurigkeit inne.

Mozart oder doch lieber Rachmaninow?

Sie habe eine klare Vorstellung davon gehabt, wie die Klavierkonzerte auf ihrem Album klingen sollten, so Buniatishvili. Deshalb sei sie sowohl in die Rolle der Solistin als auch in die der Dirigentin geschlüpft. Unter ihrer Leitung spielte die Academy of St. Martin in the Fields.

Sie habe das auch schon früher in ihrer Karriere gemacht, mit kleineren Orchestern, mit Werken von Haydn oder Beethoven. Mit ihrem Mozart-Album nehme sie die Doppelrolle erstmals für eine Aufnahme ein. Es sei „eine große Challenge, aber gleichzeitig einfacher“, verrät die Pianistin.

Bei ihren aktuellen Deutschlandkonzerten mit dem Danish National Symphony Orchestra und Dirigent Fabio Luisi, etwa am Mittwoch, dem 15. Januar 2025 in der Stuttgarter Liederhalle, spielt Buniatishvili allerdings keinen Mozart, sondern Rachmaninow. Wessen Musik spricht sie persönlich mehr an? Das könne sie gar nicht sagen, sagt die Pianistin: „Beide sind geniale Komponisten und haben einen festen Platz in unserem Leben.“

Stimme bedeutet Nähe. Und als Zuhörer so nah am Musikmachen dran zu sein, das hat man selten. Sobald sich die ersten Töne von Lylac entfalten, wird man ein kleines bisschen überwältigt von der Liebe und Sorgfalt, mit der hier komponiert und gesungen wird.

Keine Sperenzchen, keine Gimmicks, kein musikalischer Slapstick, wie andere Acapella-Truppen ihn oft liefern. Nur der Tanz durch Harmonie und Melodie. 

Der Rhythmus der Sprache als gestaltendes Element

Der eine Teil der Lieder ist auf einzelne Vokale und Silben komponiert, der andere auf Englisch. Das sei einfach der beste Kompromiss, um für die größtmögliche Hörerschaft verständlich zu werden, sagt Komponistin und Alt, Helen Skobowsky. Sinn und Inhalt ihrer Texte sind ihr besonders wichtig.

Fast genauso wichtig ist aber auch der Rhythmus der Sprache. Das ist ihr selbst deutlich geworden, als sie ihrem Dozenten an der Hochschule die eigenen Kompositionen mal auf dem Laptop vorspielen wollte und nur einfache Computer-Sounds zur Verfügung hatte. 

„Was man eben nicht hört, ist die Sprache. Wenn die dazukommt, dann passiert auf einmal ganz viel mehr”, so Skobowsky. „Das unterschätzt man oft, wenn man sich nicht so viel mit Gesang auseinandersetzt. Wie viel die Sprache noch gesamtmusikalisch hinzufügt.”

Basisdemokratische Zusammenarbeit

David Franke ist der Bass von Lylac. Von ihm kommt die andere Hälfte der Stücke auf dem Album. Sowohl er als auch Helen Skobowsky haben ihre Kompositionen als Skizzen in die Gruppe gebracht, mit der Absicht, zu fünft basisdemokratisch an diesen Entwürfen zu arbeiten.

Gerade was die Verteilung von Silben und den Sprachrhythmus angeht, ist so eine Gruppenarbeit wichtig und ziemlich effektiv, erklärt Franke: „Zum Beispiel ich im Bass singe ganz oft Nonsens. Nicht ‚Dum dum, dum dum‘, das gibt es auch, sondern den Text der Melodie. Nur jedes zweite Wort und dann auch ganz oft ohne Konsonanten, damit es einfach besser zusammen klingt.”

 

Ehrliche Musik mit überraschenden Harmonien

Die sieben Tracks auf dem Album sind herzerwärmend, kurzweilig, öfter mal sentimental, aber nie kitschig. Dafür sind die harmonischen Wendungen zu überraschend und die Musik schlichtweg zu ehrlich. Und nicht nur die Musik, sondern auch die Produktionstechnik. Das war allen fünf Lylac-Mitgliedern wichtig.

„‚Falling‘ ist ein extrem ehrliches Album”, sagt Helen Skobowsky. „Ich würde mir wünschen, dass wir wieder mehr solche Alben bekommen, wo mehr Natürlichkeit drauf ist.”

Stuttgarter Schloss kann nicht besichtigt werden

Das Neue Schloss in Stuttgart ist gut für Überraschungen: Mitten in der Fußgängerzone erblickt man das klassizistische Residenzschloss mit Ehrenhof, Springbrunnen und der 32 Meter hohen Jubiläums-Säule.

Wer nun – von der prächtigen Schlossfassade angeregt – von Gemälden, Marmor und Gold im Inneren träumt und unbedingt hineinmöchte, stellt aber fest: Das Schloss kann man gar nicht besichtigen, denn dort haben die Landesregierung sowie das Ministerium für Finanzen und Wirtschaft ihren Sitz.

Nur der Weiße Saal ist zugänglich

Allerdings gibt es einen Raum, der öffentlich zugänglich ist und den man sich auch anschauen sollte: Es ist der Weiße Saal, in dem bis zu 400 Personen Platz finden.

Weiße Stuckarbeiten, helle Marmorsäulen sowie hohe Fenster und verspiegelte Türen lassen Licht in jede Ecke des Saales dringen – ein angenehmes Ambiente für Konzerte oder Preisverleihungen.

Veränderungsreiche Geschichte

Circa einhundert solcher Veranstaltungen finden hier pro Jahr statt, zum Beispiel auch die Kammerkonzerte des SWR Symphonieorchesters.

Um die Vermietung und das Veranstaltungsmanagement im Weißen Saal kümmert sich Kai Wacker vom Landesbetrieb Vermögen und Bau Baden-Württemberg. Er erzählt, dass der Weiße Saal und das Neue Schloss Stuttgart eine veränderungsreiche Geschichte hinter sich haben.

Das Neue Schloss sei eines der letzten großen Residenzschlösser in Deutschland, so Wacker. Es wurde Mitte des 18. Jahrhunderts erbaut. Der Weiße Saal war dabei als Fest- und Kultursaal konzipiert. Im Zweiten Weltkrieg wurde er dann leider, wie das ganze Schloss, vollständig zerstört. 

Zerstörung im Zweiten Weltkrieg

Als Anfang 1944 zwei Sprengbomben das Neue Schloss trafen, zerstörten Sie ein Bauwerk, das schon etliche Baustopps, einen Brand und den folgenden Wiederaufbau sowie zahlreiche Veränderungen überstanden hatte.

Der Bombenangriff hatte nun den Weißen Saal besonders schlimm getroffen: Eine Ecke war weggerissen, der Parkettboden verbrannte, die Decke stürzte ein. Von der ehemaligen Residenz der Herzöge und Könige Baden-Württembergs blieb nicht viel mehr als die Fassade übrig. Es war darum keine einfache Entscheidung, wie es nach dem Krieg mit den Trümmern weitergehen sollte.

Die Befürworter haben den Wiederaufbau mit einer Stimme Mehrheit im Landtag durchgebracht.

Weißer Saal originalgentreu wieder aufgebaut

Als 1961 die Entscheidung für den Wiederaufbau fiel, begannen zunächst umfangreiche Untersuchungsarbeiten: Man wollte den Weißen Saal möglichst historisch werkgetreu wiederherstellen – so, wie ihn der Baumeister Leopoldo Retti ursprünglich entworfen hatte.

Denn tatsächlich war der Weiße Saal schon vor seiner Zerstörung kein rein-weißer Saal mehr gewesen: Mitte des 19. Jahrhunders hatte man drei große Wandgemälde angebracht und den Stuck mit Gold verziert. „Man wollte dem Saal das Kühle nehmen“, erzählt Wacker. Beim Wiederaufbau verzichtete man dann auf diese Elemente.

Überraschende Details, fantastische Akustik

Und so kann man 250 Jahre Baugeschichte in einem einzigen Saal erahnen: Man findet klassische Stuckverzierungen und Marmorsäulen, die in ihrer monochromen Ausarbeitung aber beinahe schlicht wirken – und damit überraschend modern. Aber auch spezifisch die 60er-Jahre haben ihre Spuren hinterlassen – und zwar in Form der großen Bleikristallleuchter, die von der Decke hängen.

Am Ende hält sogar die Farbe im Weißen Saal eine kleine Überraschung bereit: Dem Weiß der Wandfarbe ist nämlich ein wenig Rot beigemischt, während die Farbe für die Ornamente etwas Grün enthält, damit sie sich besser voneinander abheben. Das ist aber ein Detail, was vermutlich nur ein sehr geschultes Auge überhaupt erkennen kann.

Viele Veränderungen und viele Überraschungen birgt der Weiße Saal, aber in seiner Funktion – als ein heller Konzertsaal mit fantastischer Akustik – hat sich nie etwas geändert.