Treffpunkt Klassik

Der sowjetische Komponist Mieczysław Weinberg bringt in seiner 1968 vollendeten Oper "Die Passagierin" die Brutalität und Unmenschlichkeit des KZ Auschwitz musikalisch zum Ausdruck. Torsten Möller mit einem Porträt dieses beeindruckenden Hauptwerks des Schostakowitsch-Schülers.

„Exil!“ von Ysaÿe: Ein Schrei aus der Seele

Das ist alles andere als Virtuosenfutter. Hier frisst sich was in die Seele und singt und schreit heraus: der Wille nach Ausdruck, das ist Not und Bedürfnis.

Ganz erstaunlich ist das: Musik von Eugène Ysaÿe, dem belgischen Großmeister der Geige, dessen Kompositionen die meisten von uns wohl vor allem aus höchst artistischen Konzert-Zugaben kennen. „Exil!“ heißt dieses völlig andere Stück von 1917, hinter dem Titel steht bezeichnenderweise ein Ausrufezeichen. 

„Exile“, ohne Ausrufezeichen, heißt auch das neue Album der Geigerin Patricia Kopatchinskaja und ihrer Mitstreitenden, Mitleidenden, Mitsingenden und -springenden.

Trailer zum Album „Exile“ auf YouTube

Musik, die in der Luft schwebt und flirrt

Das Werk von Ysaÿe, der seine Heimat während des Ersten Weltkriegs in die USA verließ, steht ganz am Schluss des Albums. Es ist ein Oktett, geschrieben für sechs Violinen und zwei Bratschen. Tiefe Streicher fehlen: Musik, die in der Luft schwebt und flirrt, ohne Erdung im Bass, wie entwurzelt.

Das ist keine ätherische Klangspielerei, sondern existenziell. Die letzten zweieinhalb Minuten, ein Drittel der Gesamtlänge, sind ein einziges Auspendeln, wie letzte Atemzüge, auskomponiertes Verstummen.

Äußerliches und innerliches Exil

Der Begriff Exil ist auf diesem Album weitgefasst. Da ist Musik von einem Petersburger dabei, der in Paris starb, und von einem Polen, der nach England floh, und auch von einem jüdisch-wolgadeutschen Russen, der später in Hamburg leben sollte.

Aber ebenso gibt es Musik von einem Wiener, der Wien kaum je verließ, sondern dessen Leben nur vom Himmelpfortgrund auf die Wieden führte. Doch auch wenn Franz Schuberts Geburts- und Sterbeort nur wenige Kilometer auseinander lagen, wird seine Musik hier als „Schmerz und Einsamkeit inneren Exils“ begriffen. 

Album durchdacht aufgebaut

Ein hochkonzentriertes Streicherensemble der Camerata Bern ist Kopatchinskajas Partner. Und für die Bass-Dimension im Gesamtbild, für aufgewühlte Erde, sorgt vor allem der Cellist Thomas Kaufmann – zum Beispiel in Alfred Schnittkes Sonate für Cello und Klavier von 1978, die Martin Merker allerdings für Ensemble arrangiert hat.

So weit der Exil-Begriff des Albums gefasst ist, so simpel, aber durchdacht ist sein Aufbau: zwischen drei komplexen, mehrteiligen Werken stehen scheinbar einfachere Stücke, nicht nur das Schubert-Menuett, auch aus der Volksmusik Stammendes. Und am Schluss das Exil-Poem von Ysaÿe.

Kopatchinskaja beim Heidelberger Frühling 2024

Herrlich schräge Vierteltönelei von Wyschnegradsky

Toll ist aber, was für Raritäten hier versammelt sind. Außer Schnittke und einem Violinkonzert von Andrzej Panufnik – Lutosławskis polnischem Weggefährten, der 1954 die Heimat Richtung England verließ – ist hier das zweite Streichquartett von Ivan Wyschnegradsky zu hören, entstanden um 1930.

Wyschnegradsky gehörte zur seltsamen Viertelton-Clique jener Zeit, einer Art alternativen Avantgarde, im Grunde das Gegenteil der Zwölftonmusik, die ja per definitionem geradezu halbton-fanatisch war. Herrlich schräges Zeug ist diese Vierteltönelei von Wyschnegradsky!

Dieses dolle Ding zeigt, dass es auch stilistisches Exil gibt, Ortlosigkeit, Verlust von Heimat, ohne irgendwo anzukommen – vielleicht auch, ohne ankommen zu wollen. Und nicht zuletzt beweist die Aufnahme, wie unausgereizt das Streichquartett-Repertoire immer noch ist. Eine absolute Entdeckung für mich!

Mit viel Herzblut

Hier wird mit viel Herzblut musiziert, wie generell auf diesem Album. Kopatchinskaja, Kaufmann und die Camerata Bern sind Zerbrechlichkeitszelebrierer, aber auch klagende Clowns. Hibbelig-hyperaktive Lamento-Akrobaten im besten Sinn. Auch gesungen wird da, in moldauischem Rumänisch, von Kopatchinskaja und Vlad Popescu.

„Exile“ heißt das sehr originelle, sehr berührende Album, erschienen ist es beim Label Alpha Classics.

Sie kommen aus vier verschiedenen Ländern und haben sich in Berlin gefunden – das Viatores Quartet. Als neues SWR Kultur New Talent überzeugen die vier durch kulturelle Vielfalt und kompromisslose Hingabe zur Kammermusik.

Im Stuttgarter SWR Studio nimmt das Ensemble nun als erste Amtshandlung Janáčeks emotionsgeladenes erstes Streichquartett auf – ein Werk, das wie kaum ein anderes die Extreme menschlicher Gefühle in Klang übersetzt.

„Wann glaubst, wird es für uns ein Wiedersehen geben? Dieses Nichtleben kann man doch nie, nie mehr nachholen.“ Am 20. November 1941 schreibt Alma Rosé diese Zeilen an ihren Bruder Alfred. Es ist der letzte Brief, den er von ihr erhalten wird.

Im Dezember 1942 flieht Alma aus dem besetzten Holland, wird in Dijon von der Gestapo verhaftet und im Juli 1943 nach Auschwitz-Birkenau deportiert, wo sie das sogenannte Mädchenorchester leitet.

Streichquartett beginnt resolut, aber ohne Härte

In den frühen 1890er Jahren schreibt Claude Debussy sein erstes Streichquartett. Er ist rund 30 Jahre alt und dürfte kaum ahnen, dass es sein einziges bleiben wird.

Den ersten Satz übertitelt er mit „Bewegt und sehr entschlossen“, so die Übersetzung. Das Nash Ensemble spielt das auf seinem neuen Album mit entsprechend resoluter Geste, aber ohne Härte. Vielmehr schwingt hier eine versteckte Eleganz, eine gewisse Noblesse mit. 

Es gibt auch schneidende Momente in diesem Satz – Passagen, die an Abgründe zu führen scheinen und mit anschließendem modernem Cliffhanger. Hier klingt die Aufnahme schroff, aber ohne falsche Extreme. 

Umsichtige Tempo-Wahl im langsamen Satz

Der langsame Satz fordert ein „doucement“: sachte soll es klingen, und das Nash Ensemble übersetzt diese Formulierung mit einem verhaltenen, betont lyrischen Spiel. Die Musik bewegt sich, auch dank einer umsichtigen Tempo-Wahl, in natürlichen Bahnen. 

Mal ergeben sich Momente des Schwebens, mal Abschnitte, die wie Lieder ohne Worte klingen, etwa wenn sich zur warm tönenden, baritonalen Melodie eine dezent untermalende Begleitung gesellt.

Cello-Sonate klingt erfreulich verstörend

Nach diesem Quartett hat Debussy lange Jahre kaum mehr kammermusikalische Werke komponiert. Erst 1915, mitten im ersten Weltkrieg, komponiert er wieder ein größeres Werk: die Sonate für Cello und Klavier.

Simon Crawford-Phillips spielt diesen Solo-Beginn des Klaviers etwas stumpf und farblos. Dann tritt mit einem ersten rezitativischen Gedanken das Cello hinzu, doch erst etwas später entfaltet Adrian Brendel, der zweite Solist bei diesem Werk, eine melancholische Stimmung.

Der zweite Satz dieser Sonate ist eine Serenade. Die klingt jedoch nicht, wie der Titel andeutet, nach Unterhaltungsmusik, vielmehr schreibt Debussy einen geisterhaft-rätselvollen Satz mit diffusen Harmonien. Es ist ein befremdlicher Debussy und so klingt er denn auch: erfreulich verstörend.

Mit Eleganz: Die Sonate für Flöte, Bratsche und Harfe

Ganz anders klingt die ebenfalls 1915 entstandene Sonate für Flöte, Bratsche und Harfe. Hier rücken die Mitglieder des Nash Ensembles die Eleganz wieder stärker in den Fokus. 

Glücklicherweise bleibt diese Aufnahme frei von impressionistischer Verschleierung. Dieser Ansatz ermöglicht es dem Nash Ensemble, Vieles nur anzudeuten. Im Interlude etwa schimmert der alt-traditionelle Menuett-Charakter nur noch andeutungsweise durch. Trotzdem bewahrt der Vortrag seine Klarheit.

Violinsonate geprägt vom Ersten Weltkrieg

Die Violinsonate ist Claude Debussys letztes vollendetes Kammermusik-Werk und geprägt von Einflüssen des Ersten Weltkrieges. Hier wechseln milde Trauer und eine fast grimmige Entschlossenheit einander ab. 

Schlüssige Einspielung

Insgesamt handelt es sich um eine schlüssige, eine gelungene Einspielung, auch wenn das Nash Ensemble sich auf dieser Aufnahme in ständig wechselnden Besetzungen präsentiert – in den Sonaten beispielsweise mit zwei unterschiedlichen Pianisten.

Alles Spektakuläre, Effekthascherische sucht man hier vergeblich. Denn dieser Debussy bleibt die ganze Zeit über natürlich und in den jeweiligen Stimmungen gut verständlich.

Welche Bedeutung hatte die Musik in den Konzentrationslagern der Nationalsozialisten? Prof. Dr. Friedrich Geiger von der Musikhochschule München meint, für die Opfer war die Musik eine Erinnerung an bessere Zeiten, teilweise war sie auch mit Hoffnung verbunden. Doch auch die Nationalsozialisten nutzten die Musik in den Lagern für sich.

Außerdem erzählt der Musikwissenschaftler über das neue Projekt der Musikhochschule München in Kooperation mit der Universität Hamburg, das die Verfolgung von Musikerinnen und Musikern durch das nationalsozialistische Regime und deren weltweite Konsequenzen in den Mittelpunkt stellt.

Ursprung in der Renaissance

Der Bass trägt den Grundcharakter seiner Stimmlage schon im Namen: „Bassus“ ist Lateinisch und bedeutet so viel wie „stark“ oder „reichlich“.

Der Ursprung der Stimmlage Bass liegt etwa in der Renaissance. Damals war der Tenor die unangefochtene Hauptstimme des musikalischen Satzes. Seine Gegenstimme im unteren Tonraum hat damals „Contratenor Bassus“ geheißen. Daraus wurde dann einfach „Bass“.

Oper: Stimmlage des Bösen

Noch im 16. Jahrhundert ist der Bass eine eher unbedeutende tiefe Lagenstimme. In der neuen Gattung der italienischen Oper wird er dann zu einer Stimmlage mit bestimmten Charaktereigenschaften. So werden etwa besonders böse Figuren gerne mit Bass-Sängern besetzt.

In Claudio Monteverdis früher Oper „L’Orfeo“ verkörpert ein Bass etwa den finsteren Fährmann Caronte. Damit kommt er auch klanglich aus der Unter-Welt.

Oratorien: Stimmlage des felsenfesten Glaubens

Anders als in der Oper steht der Bass in den großen Oratorien und Passionsmusiken für den felsenfesten und unerschütterlichen Glauben.

Kein Wunder, dass auch Johann Sebastian Bach die Rolle des Jesus in den Rezitativen seiner Matthäuspassion mit einem Bass-Sänger besetzt hat. Natürlich auch, um ihn klanglich deutlich vom Tenor-Evangelisten abzugrenzen.

Bassisten in der komischen Oper

In der Oper des 18. Jahrhunderts geben Bassisten den Bösewicht, den Alten oder auch mal den Witzbold. Denn die tiefe Lage lässt sich auch in der komischen Oper wunderbar für allerhand Effekte einspannen.

Ein solcher ist das so genannte Parlando, ein schneller und manchmal ziemlich verwirrender Sprechgesang. Der findet sich etwa in der ersten Arie des Bartolo in Mozarts Oper „Le nozze di Figaro“.

Varianten: Von Basso buffo bis Basso cantante

Ab dem 19. Jahrhundert spaltet sich das Stimmfach Bass immer weiter auf. Neben dem komischen Basso buffo gibt es jetzt auch den Basso profondo mit einer besonders tiefen und dunkel klingenden Stimme.

Dazu kommt der lyrische Bass mit seinem besonders ausdrucksvollen Gesang und der Hohe Bass. Der wird manchmal auch als Basso cantante, also singender Bass bezeichnet. Als ob die anderen Stimmfächer nicht singen würden ...

Eng verwandt: Der Bariton

Gerade bei den Varianten der Bass-Stimmlage sind die Grenzen fließend. Das gilt auch für die Abgrenzung zum Bariton. Wörtlich übersetzt bedeutet dieses Wort einfach nur „Tiefklang“. Heute ordnen wir diese Stimmlage irgendwo zwischen Bass und Tenor ein.

Und um die Verwirrung komplett zu machen lässt sich der Bariton auch noch in Tenorbariton, Bariton mittel und Bassbariton unterteilen. Die Partie des Rigoletto aus Verdis gleichnamiger Oper ist ein gutes Beispiel für einen Helden-Bariton mit seinem strahlenden Timbre.

Ein weiteres Spezialfach in der Oper ist der so genannte Kavalierbariton. Der definiert sich vor allem über das Verhältnis der Figur zu den Damen. Ein Paradebeispiel dafür ist die Rolle des feschen Toreros Escamillo aus Georgs Bizets Oper „Carmen“.

Ohne Bass geht nichts

Ohne den Bass und seine besonders vielseitigen Rollenfächer und Varianten geht nichts in der Oper – auch wenn seine Bedeutung heute vielleicht nicht mehr ganz so fundamental ist wie in früheren Zeiten.

Im Chor jedenfalls sind die Bässe nach wie vor die Stütze des gesamten Satzes – und dazu noch ein kräftiger, dunkler Farbtupfer, auf den sicher kein gemischter Chor verzichten möchte.

„Die Kombination aus technischer Exzellenz und Persönlichkeit interessiert mich sehr“, sagt Boris Ignatov. Er ist Casting-Direktor an der Staatsoper Stuttgart und sucht auf der ganzen Welt nach erfolgversprechenden jungen Sängerinnen und Sängern. Im Gesrpäch erklärt er, nach welchen Kriterien er den Nachwuchs scoutet – und auch, was einen guten Scout auszeichnet.

Nur noch ein Monat bis zur Bundestagswahl, da macht sich Lars Reichow natürlich politische Gedanken, wechselt aber mal die Perspektive. Wie fühlt sich denn wohl ein Politiker im kurzfristig anberaumten Winterwahlkampf?

Über 4 Millionen Mal verkauft

Wer sich mit Jazz beschäftigt, wird vermutlich früher oder später auch auf dieses Album stoßen: „The Köln Concert“ des Pianisten Keith Jarrett. Bis heute ist es seine populärste Einspielung und das meistverkaufte Soloalbum des Jazz – ganze 4 Millionen Mal ist es schon über den Ladentisch gegangen.

Das Album, das am 24. Januar 1975 unter widrigen Umständen entstanden ist, wurde ganz zufällig zu einem Meilenstein.

„The Köln Concert“ auf YouTube