Treffpunkt Klassik

Zugaben sind das Thema der Woche in SWR Kultur Treffpunkt Klassik. Wir betrachten die Zugaben in all ihrer Vielfalt. Dafür haben wir auch unsere Autorinnen und Autoren gebeten, von ihren persönlichen Zugaben-Highlights zu erzählen.

Albrecht Selge erinnert sich an Klavierabende des großen russischen Pianisten Grigori Sokolow. Seine Zugaben folgen einem strengen Schema, das Neulinge erst einmal lernen müssen: Sechs Zugaben müssen es sein, immer und unbeirrbar.

Die Mezzosopranistin Verena Tönjes hat mit „Songs of the Clown“ ein außergewöhnliches und originelles Debüt-Album vorgelegt. Dabei präsentiert sie Clown-Lieder, die bislang weitgehend unbekannt waren und aufgrund ihrer Melancholie eigentümlich berühren.

In SWR Kultur spricht sie über ihre Faszination für diese Klavierlieder, die auch mit dem Kabarett und dem Popsong flirten. Und sie verrät, wie sie sich ein wahres „Clownfeeling“ angeeignet hat und beim Singen Narrenfreiheit genießt.

SWR Kultur-Glossistin Mara Genschel begibt sicht auf Spurensuche nach verflixten Substanzen in der klassischen Musik. Nun ist sie beim Cis angekommen. Welche Rolle hierbei Frédéric Chopin mit seiner berühmten Berceuse in Des-Dur wohl spielt?

Zugaben sind das Thema der Woche in SWR Kultur Treffpunkt Klassik. Wir betrachten die Zugaben in all ihrer Vielfalt. Dafür haben wir auch unsere Autorinnen und Autoren gebeten, von ihren persönlichen Zugaben-Highlights zu erzählen.

Sylvia Roth liebt an Zugaben besonders, dass sich ihre Ohren neu justieren. Wenn Mandolinist Avi Avital etwa nach einem Barockkonzert zeitgenössische Musik spielt, oder wenn Elisabeth Leonskaja nach Beethovens 5. Klavierkonzert ein Prélude von Rachmaninov anstimmt.

Das Festival für Neue Musik ECLAT ist bereits in vollem Gange, viele Werke werden hier uraufgeführt. Eines davon ist ein Kompositionsauftrag des SWR – ein Werk der polnischen Komponistin Agata Zubel, inspiriert von Bildern des Malers Gerhard Richter. Frieda Krukenkamp hat während einer Probe erlebt, wie man abstrakte Kunst für einen Chor vertont.

Als Floria Tosca verabschiedet sich die Jahrhundert-Sopranistin Maria Callas von ihrem Leben. Einsam für sich allein singt sie die Arie „Vissi d’arte“. Sehr wahrscheinlich erscheint es nicht, dass sich das in Wirklichkeit so zugetragen hat, aber das erscheint marginal, stand Maria Callas in der Rolle immerhin zum letzten Mal auf einer Bühne.

Solche kleinen künstlerischen Freiheiten und ein Mut zum Risiko machen vielmehr sogar den besonderen Reiz von Pablo Larraíns fiktionalisiertem Filmporträt „Maria“ aus.

Angelina Jolie bewegt nicht nur die Lippen

Der chilenische Regisseur scheut in diesem dritten Teil einer Trilogie über historische Frauenfiguren des 20. Jahrhunderts – die ersten beiden waren Jackie Kennedy und Lady Diana - keinen Aufwand, seine Hauptdarstellerin Angelina Jolie seitens Kostüm, Maske, Frisuren, Make-up und Ausstattung minutiös bis in kleinste Accessoires hinein der Diva optisch anzuverwandeln.

Zu einer bloßen Kopie der berühmten Sopranistin sollte sie gleichwohl nicht werden. Deshalb hat er ihr die unverwechselbare Stimme der in New York geborenen Griechin nicht durchweg einfach nur in den Mund gelegt, sondern lässt Jolie auch zeitweise selbst singen.

Nicht zuletzt deshalb, weil Maria in einer Filmszene sagt, Musik müsse im Moment entstehen. Deshalb hört sie auch nie ihre eigenen Platten.

 

Raffinierte Mischung aus Angelina Jolie und Callas-Originalaufnahmen

Freilich lässt sich denken, dass es eine Schauspielerin selbst nach einem Gesangsstudium von sechs Monaten, das Jolie für die Rolle investiert hat, nicht zu vergleichbar hohen Leistungen bringen kann wie eine geniale Opernsängerin. Den Part der Primadonna Assoluta zu übernehmen, vor der die Welt einst niederkniete, maßt sich die Schauspielerin auch nicht an.

Sie gibt nur der gesundheitlich angeschlagenen, tablettensüchtigen und gealterten Callas ihre Stimme, die nach vier Jahren Bühnenabstinenz ihre Höhe schwerlich erreicht und mehrfach ins Stocken gerät. In den nachinszenierten legendären Auftritten der Diva ist dagegen selbstredend die Originalstimme der Callas zu hören.

Wie sich die beiden Stimmen fast übergangslos mit leichten Überblendungen an den Nahtstellen verbinden, darin liegt der raffinierte Kunstgriff in diesem Biopic. 

Der Soundtrack funktioniert als eigene Partitur

Überhaupt empfiehlt sich der Soundtrack, der sich nahezu lückenlos über die Bilder legt, als eine ganz eigene treffliche Partitur, die daran erinnert, wie beispielsweise Komponisten im Barockzeitalter in ihren Pasticcios Teile aus eigenen Werken mit denen anderer Kollegen zu einem neuen Stück zusammenfügten.

Die in dem Film enthaltenen Arien, orchestralen Vorspiele und Intermezzi, bisweilen in Fassungen für Klavier solo, harmonieren jedenfalls perfekt mit den Stimmungen und unausgesprochenen Gefühlen in den jeweiligen Szenen.

Zwischen diversen italienischen Arien von Verdi, Puccini, Bellini und Donizetti fügt sich überraschend ein längerer Ausschnitt aus Wagners Parsifal perfekt ein. Er erinnert daran, dass Callas gelegentlich, wenn auch selten, Partien von Richard Wagner sang, und in ihrem eigenen Leben wie Wagners Amfortas an Wunden litt, die sich nicht schließen ließen. 

Angelina Jolie spielt Callas als leidenschaftliche „Tigerin“

Immer wieder wirft der Film Schlaglichter auf private Krisen im Leben der Jahrhundertsängerin, auf das schwierige Verhältnis mit der verhassten Mutter und die leidvolle Liaison mit Aristoteles Onassis, der sie für die Präsidentenwitwe Jackie Kennedy sitzen ließ.

Wenn Maria im Film beleidigt wird, beschützt Angelina Jolie sie davor, ein Häufchen Elend zu werden, als das Biografen sie mehrfach in solchen Situationen beschrieben haben. Vielmehr gibt die Filmheldin selbstbewusst die „Tigerin“, wie die leidenschaftliche Tragödin Callas genannt wurde, weil sie auf der Bühne zu einer Furie werden konnte.

Im Film faucht Maria einen enttäuschten Fan, der sich über ihre zahlreichen Absagen beschwert, an, er habe keine Ahnung von ihrem Beruf. Und auch der Arzt, der an sie appelliert, das Singen aufzugeben, holt sich eine Abfuhr.

Sorgfältige Musikauswahl und durchdachte Dramaturgie

Die große Traurigkeit in Marias Leben spiegelt sich bei soviel Souveränität umso eindringlicher in der Musik ihrer Heldinnen wider, mit denen sie eins wurde: Violetta, Tosca, Medea, Norma, Elvira oder Anna Bolena.

Eine faktenreine Filmbiografie ist „Maria“ freilich nicht und das schwebte dem Regisseur auch gar nicht vor. Traum und Wirklichkeit, Vergangenheit und Gegenwart, die Oper und das gewöhnliche Leben fließen beständig reizvoll wie die beiden Stimmen ineinander. Den hohen künstlerischen Anspruch des Films beglaubigen die sorgfältige Musikauswahl und eine klug durchdachte Dramaturgie.

Insbesondere das „Ave Maria“ aus Verdis Otello erhält, so wie es als Leitmotiv zum Einsatz kommt, verdient größeres Gewicht als bislang in der Rezeptionsgeschichte: Callas hat das Gebet, das Desdemona in Vorahnung ihres nahenden Todes singt, zwar aufgenommen, es zählt aber nicht zu den maßstäblichen Einspielungen ihrer Diskografie. Der Film macht im Kontext mit Marias Abschied die fast unerreicht schmerzlich-schöne Interpretation der leidenschaftlichen Tragödin erst so richtig bewusst.

„Maria“, ab 6. Gebruar 2025 im Kino

Aram Khachaturian kommt in seinem Klavierkonzert von 1937 schnell zur Sache: Mit einem großen Rums eröffnet er sein dreisätziges Werk, und auch der erste Einsatz des Soloklaviers ist alles andere als bescheiden.

Dieser Beginn deutet bereits an: Mit dem Los Angeles Philharmonic unter Gustavo Dudamel und mit Jean-Yves Thibaudet am Klavier haben sich Wahlverwandte zusammengefunden. Jede Gelegenheit eines opulenten Stils nutzen sie nach Kräften. Zumal der Komponist selbst ein „maestoso“ vorgibt, und majestätisch klingt diese Aufnahme an vielen Stellen.

Doch Khachaturian fordert nicht nur ein „Maestoso“, er möchte auch, dass dieses „Allegro“ nicht zu schnell gespielt wird, „non troppo“, so seine Spielanweisung. In Vergleichsaufnahmen wird tatsächlich öfter ein langsameres Tempo gewählt, doch Dudamel und Thibaudet entscheiden sich für einen Weg, über den sich zumindest diskutieren lässt.

 

Weniger hätte mehr sein können

Das Konzert erinnert an eine Zeit, als sich in der Region um Georgien, Armenien und Aserbaidschan Elemente der christlichen, arabischen und persischen Kultur friedlich ergänzten. Vom Hotspot heutiger Probleme keine Spur.

Der Armenier Khachaturian, im heutigen Georgien aufgewachsen, feiert seine Erfolge überwiegend in Russland, der damaligen Sowjetunion. Und so verbindet auch sein Klavierkonzert unterschiedliche Einflüsse. 

Im Andante beschleicht mich bei der neuen Aufnahme immer wieder das Gefühl: Weniger hätte mehr sein können. Auch in den verhaltenen Momenten könnte die Musik mehr atmen. Denn gemäßigt bedeutet nicht automatisch gelassen.

Dudamel nicht besonders differenziert, aber leidenschaftlich

Schließlich das Finale: Hier fordert Aram Khachaturian ein Allegro brillante. Und hier kann der bisher gewählte Ansatz sicher am ehesten überzeugen. Dudamel spornt sein Orchester zu einem intensiven Spiel an – nicht immer besonders differenziert, aber leidenschaftlich.

Thibaudet steht dem in nichts nach: rasante Läufe, rasche Akkord-Folgen, Tremoli und Triller – er switcht virtuos hin und her. Was plötzlich leicht angejazzt erscheint, ist Teil der armenischen Folklore. Geschickt bewegen sich Solist und Orchester durch diese stilistische Misch-Zone.

Das Klavierkonzert wird auf dem neuen Album umrahmt von einigen Solowerken für Klavier und von Bearbeitungen. Khachaturian wohl bekanntestes Werk ist der „Säbeltanz“.

Jean-Yves Thibaudet überrascht mit spielerischer Derbheit

Jean-Yves Thibaudet hat in vielen seiner früheren Aufnahmen geglänzt durch eine gewisse Noblesse und ein farbenreiches Klavierspiel. Das schimmert zumindest in den ruhigen Stücken durch, etwa in einigen Sätzen aus den „Bildern der Kindheit“.

„Maskerade“ ist eigentlich eine Bühnenmusik für Orchester, komponiert mitten im Krieg 1941. Thibaudet spielt die Klaviertranskription mit einer gewissen Derbheit. Von der Feinheit seines ihm sonst eigenen Stils ist hier überraschend wenig zu erkennen. 

Es bleibt ein uneinheitliches Bild

Insgesamt hinterlässt die Aufnahme einen uneinheitlichen Eindruck. Nicht nur die ersten beiden Sätze des Klavierkonzerts, auch einige der Klavierstücke wirken auf mich eine Spur zu drängend, zu gewollt, stellenweise überladen. Positiv ausgedrückt, könnte man sagen: An Leidenschaft mangelt es der Aufnahme nicht.

Davon unabhängig zeigen Gustavo Dudamel, das Los Angeles Philharmonic und Solist Thibaudet, wie eng die verschiedenen Stil-Einflüsse von Aram Khachaturians Musik beieinanderliegen und wie natürlich sie sich miteinander verbinden lassen.

Am 9. Februar wird beim Neue-Musik-Festival ECLAT zum 69. Mal der Kompositionspreis der Landeshauptstadt Stuttgart verliehen. Drei Komponierende werden ausgezeichnet – einer davon ist Thomas Stiegler. Er erhält den Preis für ein Streichquartett, das mit einer zeichnerischen Beigabe verknüpft ist: einem Comic, den Stiegler selbst gezeichnet hat. Ein ungewöhnliches Stück von einem Komponisten mit einer ungewöhnlichen Biographie. Michael Rebhahn stellt ihn vor.

Das Einfache und Schlichte, findet die Sopranistin Isabel Schicketanz, berührt uns oft am meisten. Wie die rund 400 Jahre alten Lieder und Gebete, Psalmen, Arien und geistlichen Konzerte, die sie für ihre neue CD „Seelentrost“ aufgenommen hat.

Heinrich Schütz ist mit fünf Werken dabei, aber auch Komponisten, die man kaum mehr vom Namen her kennt, sowie die Schütz-Schülerin Herzogin Sophie Elisabeth zu Braunschweig und Lüneburg. Sie alle bringen mit ihrer Musik Trauer und Trost, aber auch Hoffnung und Lebenslust zum Ausdruck.

Der Angriff Russlands auf die Ukraine machte die Dystopien aus Filmen und Literatur für die Komponistin Elena Mendoza zur Realität. Ihre Komposition „Inside Metropolis“ soll ein Ort der Hoffnung sein. Darin verarbeitet die spanische Komponistin Klänge aus Großstädten, vor allem deren Straßenmusik. Mehr zu ihrem Werk, das jetzt beim Stuttgarter Festival ECLAT seine deutsche Erstaufführung mit dem SWR Symphonieorchester erlebt, erzählt Mendoza im Gespräch.