Treffpunkt Klassik

Als Raimund Lissy, Mitglied der Wiener Philharmoniker, im Januar 2024 auf ein Konzertprogramm ausschließlich mit Wiener Komponistinnen stieß, da blieb er vor allem bei der Musik einer Komponistin hängen: Constanze Geiger.

„Besonders haben mich bei Constanze Geiger die zahlreichen Berührungspunkte mit der Strauss-Familie fasziniert“, erinnert sich Lissy, „und die Tatsache, dass zu einer Zeit, als Constanze noch ein Kind war, ihre Walzer sowohl von Johann Strauss Vater als auch von Johann Strauss Sohn aufgeführt wurden. Und dies mit großem Erfolg, auch für die Komponistin.“

Porträt einer bislang unbekannten Komponistin

„Es liegt ein eigener Zauber in diesem Wunderkinde!“, schreibt die zeitgenössische Presse über Constanze Geiger. Philharmoniker und Autor Raimund Lissy setzt dieses Zitat in den Titel seiner jetzt erschienenen Geiger-Biografie.

Er zeichnet das beeindruckende Porträt einer bislang kaum bekannten Komponistin, Pianistin und Schauspielerin aus dem Wien des 19. Jahrhunderts, die dann einen Prinzen von Sachsen-Coburg und Gotha heiratet, Benefizflügel stiftet, einen eigenen Radetzkymarsch schreibt und schließlich, im Jahr 1890, als großzügige Charity-Lady in Paris verstirbt. 

Grundstein für weitere wissenschaftliche Beschäftigung mit Geiger

Constanze Geiger wird 1835 in Wien geboren. Ihr Vater ist als Musikerlehrer am kaiserlichen Hof beschäftigt. Eine Oper von ihm wird am Kärntertortheater gespielt, zudem ist er Ehrenmitglied der renommierten Accademia di Santa Cecilia in Rom. Dann wird das musikalische Talent der Kleinen entdeckt. Bereits mit 9 Jahren legt Constanze erste Kompositionen vor.

„Gleich zwei Walzer (…) erklangen bei Dommayer und bei einem Ball im Sophienbadsaal, jeweils unter der Leitung von Johann Strauss Sohn, aber auch im Leopoldstädter-Theater als Musik zwischen den zwei Akten einer Theateraufführung“, schreibt Lissy. „Die Walzer wurden in den Zeitungen als ‚anmuthig und frisch‘ und als ‚liebliche, artige‘ Kompositionen beschrieben. Bei dem Ball im Sophienbadsaal musste der Walzer mehrere Male wiederholt werden.“

Eine Romanbiografie ist Reinhold Lissys Arbeit über Constanze Geiger nicht, das kann man getrost sagen. Der Philharmoniker hat vielmehr Leben und Werk des Wiener Multitalents wissenschaftlich genau aufgearbeitet und damit einen wichtigen Grundstein gelegt, der weitere Forschungen erst möglich macht.

Mini-Kapitel fördern den Lesefluss

Der Lesefluss entfaltet sich vor allem in den sogenannten „Apropos“-Abschnitten des Buches. Das sind eingestreute Mini-Kapitel, die Themen beleuchten, die im Zusammenhang mit Constanze Geigers Biografie und ihrer Musik stehen: etwa jener Familienausflug 1847, als die Geigers in Paris den verwirrten Gaetano Donizetti besuchen.

Constanzes Vater schreibt dazu: „An der Seite des Geisteskranken weilten sein Bruder aus Bergamo und sein Neffe. Als Donizetti aus dem Schlummer erwachte, ersuchte mich sein Neffe eine Piece auf dem Pianoforte vorzutragen. Ich spielte mit beklommenem Herzen (…) aus der Oper: ,Linda‘. Ich, meine Frau und Constanze, brachen in ein lautes Weinen aus. Donizetti blickte theilnahmslos auf uns, ohne ein Wort zu sprechen, denn, er hatte weder seine Verehrer noch seine Composition in der Erinnerung behalten.“

Chronologisch zeichnet Raimund Lissy in seinem aktuellen Buch den Lebensweg der jungen Constanze Geiger nach, die als Klavier- und Kompositions-Wunderkind und später auch als Schauspielerin von sich reden macht. 

Rückzug von der Bühne mit 24 Jahren 

Bereits 1859 findet der letzte belegte Auftritt von Constanze Geiger statt. Lissys Buch ist dementsprechend zweigeteilt. Ab dann nennt sich die Wienerin nämlich „Baronin Constanze von Ruttenstein“. 

Lissy schreibt: „Mit der Hochzeit zog sie sich von der Bühne gänzlich zurück. Ihre Kompositionen für Kammer- und Kirchenmusik wurden aber weiterhin aufgeführt. (…) 1865 widmete Carl Michael Ziehrer Constanze von Ruttenstein und ihrem Ehemann seinen Walzer ,Harmonische Wellen‘.“ 

Auch Anton Bruckner führt in der Wiener Augustinerkirche Musik von Constanze Geiger auf, wie das umfangreiche Werkverzeichnis inklusive Aufführungsdokumentation in Lissys Buch verrät.

 

Ein Wunder-Walzer-Wutzerl im positivsten Sinne

Abschließend findet sich dort auch noch ein wertvoller Essay von Lissys Lektorin Marion Linhardt, Privatdozentin für Theaterwissenschaft an der Universität Bayreuth. Sie nimmt Constanzes Schauspiel-Karriere in den Blick. Dabei erstaunen nicht nur die teils überzogenen Lobeshymnen, sondern auch die bis zur Bösartigkeit reichenden Kritiken der damaligen Presse: 

Eiapopeia, was gackert im Stall? Ganserl, das gackert für morgigen Ball! 
Schlumm’re, mein Wutzerl, O schlumm’re nur süß – (…)
Denn in Dir, mein Stutzerl, Lebt Beethoven und Ries!
D’rum schlumm’re, mein Plutzerl, Kriegst morgen Anis!

Zweifellos: Constanze Geiger war ein Wunder-Walzer-Wutzerl im positivsten Sinne. Raimund Lissys Biografie huldigt daher nicht nur einer vergessenen Großen von damals, sondern beweist einmal mehr, dass auch komponierende Frauen beim Dreivierteltakt die „Führung“ übernehmen können und dass Constanze und Co an Renommé und Geschäftstüchtigkeit den Männern ihrer Zeit sicher nicht unterlegen sind. Ebenso wenig die Qualität ihrer Kompositionen.

War es eine Standing Ovation, eine Preisverleihung oder eine besondere Arie? Was war das Musikhighlight für Gordon Kampe in 2024? Die Antwort mag ein bisschen überraschen, denn sein Highlight war der „E-Dur-Akkord“. Warum, erzählt er in seiner letzten Glosse für 2024.

Pionier der Musikvermittlung

Das Aurora Orchestra verfolgt seit bald 20 Jahren den Plan, klassische Orchestermusik zugänglicher zu machen und die Präsentationsform von Konzerten aufzulockern.

Unter seinem Gründer und Chefdirigenten Nicholas Collon hat sich das Aurora Orchestra seit seinem ersten Konzert im Jahr 2005 zu einem festen Begriff in der britischen und internationalen Orchesterszene entwickelt.

Aurora ist ein Pionier der Idee, bedeutende Werke der klassischen Orchesterliteratur auswendig zu spielen und in lockerer Form in die Werke einzuführen.

Im Mai 1854 wird die Kaiserin Elisabeth von Österreich mit einer besonderen Huldigung geehrt. Die Gesellschaft der Musikfreunde überreicht ihr ein Musik-Album, darin sind Werke von 88 Komponisten und Komponistinnen. Eines dieser Stücke stammt von Constanze Geiger: „Un instant de bonheur“, auf Deutsch: ein Moment des Glücks.

Die Komponistin Constanze Geiger ist heute nahezu vergessen. Von ihrer Musik gibt es kaum Aufnahmen. Der SWR hat das jetzt geändert. Für den Pianisten Frank Dupree war es ein besonderes Vorhaben, das Klavierstück „Un instant de bonheur“ einzuspielen.

Denn bis zu diesem Projekt hatte er noch nie von Constanze Geiger gehört. Den ersten Zugang zur Komponistin und ihrer Musik fand er über die Noten: „Es ist sehr ungewöhnlich für uns Pianisten und Pianistinnen heutzutage, dass man aus einer Handschrift spielt. Ich habe mich zuerst zuhause hingesetzt und die Noten selbst mit meinem Notenprogrammabgeschrieben, damit ich auch ganz genau jede Note identifizieren kann.“

Noten geben nur wenige Hinweise zu Artikulation und Dynamik

Und Frank Dupree fiel dabei direkt etwas auf: Im Vergleich zu anderen Komponisten, die sehr viel in die Noten an Artikulation oder Dynamik hinein schreiben, hat sich Constanze Geiger eher zurückgehalten. Sie gebe wenig Artikulationsbeispiele, erklärt Dupree.

„Sie macht dann über die ersten drei Noten einen Punkt, also ein Staccato, und zwischendurch steht auch mal ein dolce, aber ansonsten hält sie sich sehr zurück“, erklärt der Pianist. „Ich habe versucht, meine Interpretation nüchtern zu halten. Und trotzdem lässt es sich nicht vermeiden. meine eigene Note mit einzubringen.“

Als Wunderkind auf den Bühnen Wiens präsentiert

Constanze Geiger wird 1835 in Wien geboren und wächst in wohlhabenden Verhältnissen auf. Ihr Vater, Joseph Geiger, ist selbst Komponist und hat große Pläne für seine Tochter. Er stellt sie als Wunderkind auf die Bühnen Wiens.

Mit neun präsentiert sie als junge Pianistin ihre ersten beiden Kompositionen. Besonders bemerkenswert für ihr Alter: Zu diesem Zeitpunkt ist ihr Opus 1 bereits im Verlag Diabelli erschienen. Fast alle ihrer Werke mit Opuszahl werden gedruckt, darunter viele Tanzkompositionen vor allem für Klavier, aber auch Lieder und geistliche Werke.

Von den Kritikern wird Constanze Geigers Musik oft als lieblich beschrieben. Und die Melodie ihres Klavierstücks „Un instant de bonheur“ strahlt eine solche Lieblichkeit aus. Gestützt wird sie durch eine luftige, leichte Begleitung, die sich aber immer virtuoser entfaltet.

Lob als Wunderkind, Kritik als Komponistin

Die Bühnen von Wien erobert Constanze Geiger übrigens nicht nur als Musikerin. Sie entdeckt schon früh ihre Liebe zum Theater und tritt in verschiedenen Schauspielrollen auf – manchmal sogar als Schauspielerin, Pianistin und Komponistin zugleich.

Dann agiert sie im fliegenden Wechsel ihrer Rollen mal als Schauspielerin, dann als Pianistin ihrer eigenen Werke, die sie zwischen zwei Theaterstücken zur Aufführung bringt. Diese geschickte Verbindung ihrer Talente sollte zu ihrem Markenzeichen werden.

„Es liegt ein eigener Zauber in diesem Wunderkinde“, schreibt die Wiener Presse. Doch die Meinungen über die Komponistin Constanze Geiger sind gespalten, sie erntet auch viel negative Kritik. Ihre Auftritte wurden als „Übungen“ bezeichnet. Ihre Musik sei dem Publikum „aufgenötigt“ worden.

An der Tatsache, dass Constanze Geiger eine talentierte Komponistin ist, ändert das natürlich nichts. Und das beweist auch ihr Klavierstück „Un instant de bonheur“ – wirklich: ein Moment des Glücks.

Deutschland immer noch seliges Musikland

Der Wind wird rauer auf der Insel der Seligen. Klar, wenn man sich in der Welt so umschaut, da leben wir hier weiterhin auf einem gesegneten Eiland – in Deutschland allgemein, und speziell im Kulturland.

„Unsere“ Probleme, die hätte ein ukrainisches Orchester gern; oder die palästinensischen und israelischen Musiker des West-Eastern Divan Orchestra, das mit seinem Verständigungswillen ganz unter die Räder von Terror und Krieg geraten ist.

Trotzdem ist im zu Ende gehenden Jahr 2024 auch in Deutschland etwas ins Rutschen gekommen – gesellschaftlich, aber auch in der Kulturpolitik.

Spürbarer Abwärtstrend

Gerade haben die Bayreuther Festspiele aus finanziellen Gründen ihr Programm zum kommenden 150. Jubiläum radikal zusammengestrichen. Mancher wird vielleicht finden, diese eigenartigen Wagnerianer da hatten eh zu viel Geld. Aber das geht am Kern der Sache vorbei.

Das gilt auch für die klammheimliche Befriedigung, wenn im notorischen Verschwende-Stadtstaat Berlin, statt strukturelle Probleme anzugehen, faul und brutal mit Kettensäge und Vorschlaghammer im gekürzt wird. Weit überproportional ist der Anteil, den im Berliner Sparprogramm die Kultur tragen muss.

Weil in großen Opernhäusern und Konzerthäusern die meisten Kosten fix sind, werden die nötigen Einsparungen zudem komplett an sogenannte „freie Künstler“ durchgereicht, also an die Jungen, die Experimentellen und Innovativen, die zugleich oft prekäre Hungerleider sind. 

Der Tonfall ändert sich

Ins Rutschen gekommen ist aber auch etwas im Sprechen über Kultur. „Der unendliche Strom an Subventionen in den Kulturbereich wird sich künftig etwas verringern.“ So äußerte sich wörtlich der Berliner Finanzsenator von der CDU – ein hämischer Tonfall, wie man ihn sonst von politischen Rändern kennt.

Und der regierende Bürgermeister Kai Wegner sagte, es sei unfair, wenn „Kassiererinnen“ mit ihren Steuern die Oper finanzieren würden, in die sie ja wohl eh kaum gehen würden. So einen Tonfall gab es früher in der seriösen Politik nicht, ich finde das richtig schlimm.

Berliner Ungeist

Man spricht nicht mehr von „Kulturförderung“, sondern von dubiosen „Subventionen“. Und verabschiedet sich mal so eben vom Ideal „Kultur für alle“. Das ist jetzt nix mehr für Kassiererinnen, sondern nur mehr für Gutverdiener. 

Man kann nur hoffen, dass dieser Berliner Ungeist nicht Modell steht für das, was in den nächsten Jahren in ganz Deutschland auf die Kultur zukommen wird.

Verdienstvolle Herren schreddern ihr Vermächtnis

Und noch mehr Problematisches gab es 2024, wie zum Beispiel die Parallelaktion von John Eliot Gardiner. Der flog im Sommer, nachdem er ein paar Monate zuvor gegen einen Sänger gewalttätig geworden war, endgültig aus seinen eigenen Ensembles. Daraufhin gründete er überraschend ein neues Ensemble, mit dem er gerade gegen seine Nachfolger antritt, mit exakt denselben Konzertprogrammen.

Überhaupt, gibt es gewisse verdienstvolle Herren der alten Musik, die ihr eigenes Vermächtnis zu schreddern drohen. Auch der Dirigent Jos van Immerseel musste wegen aggressiven Verhaltens sein Orchester Anima Eterna Brugge verlassen. Und beim SWR wird die Personalie François-Xavier Roth weiterhin diskutiert.

Trotzdem: Jeden Tag schöne Kulturmomente

Oje, gab es denn im Kulturjahr 2024 gar nichts, was einfach schön war? Aber doch, jede Menge, jeden Tag! Zu meinen persönlichen Entdeckungen gehörten zwei großartige Opern von Komponistinnen: eine über 100 Jahre alte von Ethel Smyth, die im thüringischen Meiningen und in Karlsruhe aufgeführt wurde, und eine ganz aktuelle von der kürzlich verstorbenen Kaija Saariaho in Gelsenkirchen. Überhaupt, es lebe die sogenannte Provinz!

Und dass es 2024 jubiläumsbedingt relativ viel Musik vom einzigartigen Charles Ives zu hören gab, war für mich wie ein Geschenk. Wenn Sie diesen sonderbaren amerikanischen Komponisten bisher verpasst haben, dann freuen Sie sich: Die Entdeckung von Ives liegt noch vor Ihnen. Mich entführt Musik von Ives zuverlässig auf die Insel des seligen Hörglücks.

Ein Orchester wie kein anderes – mit diesen Worten beschreibt sich das Paris Mozart Orchestra. Gemeinsam mit seiner Gründerin und künstlerischen Leiterin Claire Gibault möchte es Vieles anders machen. Es geht um mehr Geschlechtergerechtigkeit, weniger Hierarchie und vor allem gesellschaftliches Engagement.

Am Ende des Jahres werden die Menschen besinnlich, kommen aber nicht unbedingt zur Besinnung. Trotzdem wünscht sich Lars Reichow in seinem Song des Monats Dezember Frieden, denn er glaubt immer noch, dass das gar nicht so schwer zu machen wäre.

Ungleiche Chancen für zwei Brüder

Thibaut, der sich als Dirigent und Komponist einen Namen gemacht hat, erfährt erst in der Mitte seines Lebens, dass er noch einen Bruder hat. Die Geschwister wurden von ihrer Mutter nach der Geburt zur Adoption freigegeben und landeten bei unterschiedlichen Pflegeeltern. 

Der Film „Die leisen und die großen Töne“ erzählt feinfühlig von ihren ungleichen Chancen aufgrund ihrer unterschiedlichen Sozialisation, aber auch von der Kraft der Musik, die sie trotz aller Konflikte zusammenschweißt. Und das auf hohem künstlerischen Niveau.

Trailer zu „Die leisen und die großen Töne“

Glaubwürde Verkörperung eines Dirigenten

Thibaults Pflegeeltern entdeckten und förderten sein musikalisches Talent, sodass aus ihm ein namhafter Dirigent und Komponist werden konnte. Benjamin Lavernhe verkörpert ihn glaubwürdig als einen charismatischen Künstler.

Seine Dirigierbewegungen und seine Art, mit einem Orchester zu proben, muten derart authentisch an, dass sich annehmen ließe, der Schauspieler habe das Dirigieren nicht erst für den Film erlernt. Sein überzeugendes Auftreten offenbart schon die erste Szene, in der er mit einem Orchester Beethovens Egmont-Ouvertüre probt.

Leukämie-Erkrankung führt Brüder zusammen

Kurz darauf erfährt der Protagonist von seiner Leukämie-Erkrankung. Das ist der Moment, an der sein Bruder Jimmy ins Spiel kommt, den Ärzte für ihn ausfindig gemacht haben.

Wenn auch zunächst widerwillig gewährt Jimmy die dringend benötigte Knochenmarkspende. Und wie sich herausstellt, ist auch er musikalisch begabt. Nur konnte er sein Talent aufgrund der einfachen Verhältnisse, in denen er groß wurde, nur bedingt entfalten – als Posaunist in einer Blaskapelle. 

Berufsmusiker trifft auf Amateur

Damit prallen zwei Welten aufeinander, die in Wirklichkeit selten miteinander in Berührung kommen, sagt Regisseur Emmanuel Courcol:

„Die Berufsmusiker haben am Konservatorium studiert, in frühester Kindheit an Wettbewerben teilgenommen und sind so weit gekommen, weil sie starke Individualisten sind“, sagt Courcol.

„Sie streben an erster Stelle nach Exzellenz und Perfektion, weniger nach gemeinsamer Freude im Kollektiv, was nicht heißt, dass es im Orchester keine Freundschaften geben könnte. Bei Amateurorchestern hat dagegen das gemeinsame Musikerleben Vorrang, es ist eine soziale Notwendigkeit.“

Zwei getrennte Welten

Aber diese zwei Welten ignorieren sich. Amateurmusiker würden niemals in ein klassisches Konzert gehen, obwohl sie selber teilweise klassische Stücke spielen. Die Berufsmusiker interessieren sich nicht für die Laienmusik. Es sind zwei Welten, die nie aufeinander treffen. 

Der Filmemacher bedauert diese Trennung zwischen Profis und Amateuren, Sinfonik und Volksmusik, kritisiert das oftmals damit verbundene Statusdenken.

Musikalischer Nachholbedarf

In seinem Film begegnen sich die Repräsentanten beider Welten in Gestalt der Brüder. Leicht hätte aus Jimmy mit seinem absoluten Gehör ein ebenso erfolgreicher Berufsmusiker werden können wie sein Bruder, wenn ihm eine entsprechende Ausbildung ermöglicht worden wäre. 

Sichtlich leidet er darunter, es in der Musik nicht weiter gebracht zu haben, was ihm durch die Bekanntschaft mit Thibault erst vollends bewusst wird. Der ermuntert Jimmy, zur Vorbereitung auf einen Wettbewerb die Leitung der Blaskapelle zu übernehmen und bereitet ihn mit ein paar Lehrstunden darauf vor. 

Geschickt vermittelt der Film über diese Lektionen en passant, dass die klassische Musik und der Jazz auf sehr ähnlichen harmonischen Grundlagen basieren. 

Berührender und anspruchsvoller Film

Schon bald aber strebt Jimmy nach höheren Zielen: als Posaunist bewirbt er sich auf eine Orchesterstelle. Dass im Probespiel Thibault innerhalb der Jury zugegen ist, wirkt wie so manche Zufälligkeiten in dieser Geschichte dramaturgisch etwas konstruiert, aber das schmälert nicht die ansonsten sehr berührende Erzählung. 

Regisseur Courcol, der selbst in jungen Jahren, fasziniert von Herbert von Karajan, in seinen vier Wänden zu Schallplatten dirigierte, hat sich für sein Drama einer sehr guten musikalischen Beratung versichert. 

Der Film „Die leisen und die großen Töne“ ist mithin ein künstlerisch sehr anspruchsvoller Film, der mit seinem liebevollen Blick für die Amateurmusik für sich einnimmt und vor allem eines feiert: die Kraft der Musik.

Robert Burns reist durchs Land. Er sammelt, mal hier und mal da, alte Gedichte und Lieder auf Schottisch. 1707 wurden Schottland und England bereits zum Vereinigten Königreich zusammengeschlossen. Burns' Devise war, die Sprache und Kultur der Schotten zu bewahren, damit diese nicht vergessen werden.

So begegnet ihm eines Tages auch „Auld Lang Syne“. Er hört es einen alten Mann in einem Pub in Dumfries singen. Und es berührt ihn sofort. Eine schottische Redewendung aus dem 18. Jahrhundert, die übersetzt „Vor langer Zeit“ bedeutet. Der schottische Dichter schreibt es im Jahr 1788 auf.

 

Die Melodie stammt aus dem 17. Jahrhundert

Robert Burns fügt dem Original drei Verse hinzu, und als er das Lied an seinen Verleger Thompson in Edinburgh schickte, empfahl dieser, die Melodie in diejenige zu ändern, die wir heute kennen. Der Kern der Melodie geht auf ein pentatonisches schottisches Volkslied zurück: „The Duke of Burclugh’s Tune“ aus dem Jahre 1687.

Es entwickelte sich unter verschiedenen Titeln wie „The Miller’s Daughter“ oder „Don’s Strathsepy" weiter. Die heutige Version wurde 1799 von einem Sammler schottischer Lieder vertont. „Auld Lang Syne“ wurde Robert Burns bekanntestes Werk.

Von Beethoven und Haydn vertont

Die einfache und nostalgische Melodie machte das Lied in Schottland und auf der ganzen Welt bekannt.

Schon Beethoven interpretierte das Lied für seine 12 schottischen Lieder, Joseph Haydn vertonte nach seinen England-Besuchen das Lied zusammen mit anderen schottischen Volksliedern, und auch der britische Komponist Joseph Holbrooke übersetzte 1906 „Auld Lang Syne“ in seine Variationen für Orchester Opus 60. 

Ein Lied kann eine Brücke sein

Zur Silvesterhymne wurde das Lied, als Dirigent Guy Lombardo es 1929 mit seinem Orchester in einer US-amerikanischen Radioübertragung zum Jahreswechsel spielte. Das Stück kam so gut an, dass er fast 50 Jahre lang immer wieder mit diesem Lied Teil der Radio- und später Fernsehübertragung zu Silvester war.

So wurde die schottische Silvestertradition bekannt. Seitdem hat sich das Lied auf der ganzen Welt verbreitet.

Vor allem in der Pfadfinderbewegung ist es heute ein verbreitetes Abschiedslied. Außerdem erklingt es in bekannten Filmen wie „Ist das Leben nicht schön?“, „Harry und Sally“ oder auch in „Der kleine Lord“. Viele Künstler und Bands wie die Toten Hosen, Jimy Hendrix, die Beatles oder die Broilers haben es bearbeitet.

Das Lied errichtet Brücken, oder besser, es wiedererrichtet Brücken. Dies macht es so passend für einen Zeitpunkt, an dem das Alte scheinbar vom Neuen getrennt wird.

Das Lied berührt die Herzen der Menschen. Eine globale Hymne des Erinnerns und der Freundschaft, bei der das Glas auf die längst vergangene Zeit erhoben wird. Wenn an Hogmanay, wie Silvester in schottischem Gälisch heißt, die Uhren Mitternacht schlagen, stimmen viele auf der ganzen Welt „Auld Lang Syne“ an.

Die Stuttgarter Philharmoniker sind ein Orchester mit Geschichte. Seit 1924 gibt es sie schon. Am Dirigentenpult stand in der Gründungszeit auch ein Mann, der in den 1920er-Jahren im deutschen Südwesten Musikgeschichte geschrieben hat.

Emil Kahn hat dem damaligen Philharmonischen Orchester Stuttgart früh Strahlkraft verliehen. Unter anderem sind auch zahlreiche Aufnahmen für den Rundfunk entstanden. Dass Emil Kahn heute nahezu unbekannt ist, liegt an den Nationalsozialisten, die ihn 1933 aufgrund seiner jüdischen Herkunft zur Flucht in die USA zwangen.

Höchste Zeit also, dass jemand diesen spannenden Dirigenten aus der Vergessenheit zurückholt.

Einer der ersten Rundfunk-Dirigenten

Mit großer Sachkenntnis und vielen Details führt Rainer Bunz durch das Leben Emil Kahns: Wie er zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Frankfurt Komposition studiert und, wie auch sein Kommilitone Paul Hindemith, im Ersten Weltkrieg an die Front muss.

In den 1920er-Jahren findet Kahn dann die Anstellung in Stuttgart. Mit dem Orchester führt er Konzerte auf, die live im Rundfunk übertragen werden. Ein Novum.

Nebenher dirigiert er auch mal die Staatskapelle Berlin oder nimmt ganze Opern und Liederzyklen für die Schallplatte auf. Es sind goldene Jahre. Die aber gehen in den 1930er-Jahren zu Ende. Emil Kahn ist Jude und muss um seine Zukunft fürchten. 1933 wird Hitler Reichskanzler. Juden dürfen fortan nicht mehr arbeiten, schon gar nicht in der Kulturszene.

Im Februar 1933 dirigiert er ein letztes Mal Wagner in Stuttgart. Der Saal ist mit SS-Leuten gefüllt. Eine Provokation.

Flucht vor den Nazis Richtung USA

Zwar hält sich Kahn über den Sommer noch mit einigen Gelegenheitsjobs über Wasser. Im Herbst aber scheint ihm die Ausreise unausweichlich.

Zutiefst gedemütigt und innerlich bebend vor Wut, wollte er nur noch so weit wie möglich weg aus dem Land, von dem er sich verraten fühlte.

In New York, der Stadt der Freiheit, angekommen, nimmt sich Kahn ein Zimmer im Hotel Astoria – ein Ort der Emgranten und der Subkultur. Hier hofft er auf die eine oder andere zufällige Begegnung hofft. Und in der Tat: Er findet Anschluss.

Ein deutscher Stardirigent in der US-Provinz

Eine einflussreiche Gönnerin verschafft ihm 1936 eine dauerhafte Anstellung an einem Collegeorchester in New Jersey. Von da an dirigiert Emil Kahn Lehramtsstudenten. In einem Jahrbuch der amerikanischen Hochschule heißt es:

Unter der Leitung von Mister Emil Kahn erreicht das State Teachers College Symphony Orchestra neue musikalische Höhen. Das gestiegene Interesse am Orchester bewies die begeisterte Aufnahme des Herbstkonzertes mit Werken von Bach, Beethoven und Mozart.

Ein deutscher Stardirigent in einer Provinzstadt, irgendwo an der amerikanischen Ostküste. Ein Schritt in eine andere Welt. Kahn und seine Familie überleben den Krieg, entgehen dem Massenmord an den europäischen Juden.

Es gelingt Ihnen nach und nach, sich ein Standbein in Amerika aufzubauen. Deutschland hingegen werden Kahn und seine Frau erst zwanzig Jahre später auf Reisen wiedersehen.

Unterhaltsame Lektüre trotz wissenschaftlicher Genauigkeit

Rainer Bunz erschließt mit seinem Buch einen Dirigenten, der im Nachkriegsdeutschland viel zu lange unbekannt geblieben ist. Es wird flankiert von vielen Bildern aus dem Familienarchiv und ist, trotz aller wissenschaftlichen Genauigkeit, eine Lektüre, die immer wieder auch Spaß macht.

Das liegt vor allem an den vielen kleinen Musikgeschichten, die Bunz erzählt, etwa auch von Kahns Rolle als Musikvermittler und Brückenbauer zwischen seiner alten und neuen Heimat. So organisierte er in den 1950er-Jahren für die Studierenden an seinem College eine musikalische Europareise inklusive Besuch an deutschen Opernhäusern:

Seine Studenten waren begeistert, Emil Kahn selbst aber wollte sich nie wieder in Deutschland niederlassen. Sein letztes Konzert gibt er im Alter von 85 in der New Yorker Carnegie Hall. Auf dem Programm steht Musik von Brahms, Mozart, Weber und Wagner. Zwei Jahre später stirbt der ehemalige Rundfunkpionier und Stardirigent in New York City.

Im Jubiläumsjahr der Stuttgarter Philharmoniker ist die Lebensgeschichte des Dirigenten Emil Kahn eine interessante Entdeckung.