在某個台北的住宅裡，有一艘「戰艦」長年停泊。它不在水面，而在想像力的宇宙裡。被大家稱作「影武艦長」的 Allen Chen，帶著聽眾登艦，也把一個看似只屬於收藏圈的祕密基地，慢慢翻譯成一種更大的公共語言：童心，可以是美學；角色，可以是陪伴；而一個人的興趣，也能長成守護他人的力量。

一艘宇宙戰艦，從「想像」開始成形

「無敵戰艦」迷人的地方，不只是數量驚人的收藏，還有它被當成一個完整場景來設計：指揮艇、展示櫃、模型、電玩、柏青哥（小鋼珠）、甚至日式拉霸機台，組合成一個能被居住、能被操作的世界。艦長平時使用電腦，就是坐在「指揮艇」裡，像真的在戰艦上值勤。

而艦長自己也說：他收藏多為「機器人玩具」，所以乾脆把家想像成「航行在宇宙、被機器人攻擊的戰艦」。名字叫「無敵戰艦」，是因為外界總把他和無敵鐵金剛連結，他索性把「無敵」兩字拆下來，和戰艦結合，當成一種幽默也當成一種宣言。

玩具不是擺設，是一種「活過的證明」

談到收藏，艦長並不想被框進「只愛無敵鐵金剛」的單一形象。他承認自己收藏的是「機器人宇宙」，鐵金剛只是其中之一。但他也不否認，鐵金剛的精神讓他更願意靠近：那句「我們是正義的一方」的價值感，像是陪著一代人長大的背景音效。

他的「收藏」也不限於玩具，他同樣迷戀影像媒體：LD、DVD、藍光，台灣院線上映的賣座西洋片他幾乎都收，甚至也有台灣未上映的版本；收藏量至少上千片，但他輕描淡寫地說：「我在收藏年輕的回憶。」 雖然人會老，但回憶可以被保存；現實會磨損，但熱愛可以被修復。

「暖流」從病房開始：星際義工隊，把英雄送進孩子的眼睛裡

如果說無敵戰艦是一種個人美學，那麼「星際義工隊」就是艦長把興趣翻譯成公共行動的方式之一。

他說：星際義工隊和家族基金會是兩回事。這支以 Cosplay 做公益的隊伍，起點可追溯到 2016 年松菸的一場鐵金剛展覽。當時他 Cosplay 無敵鐵金剛，因而認識圈內夥伴，大家開始思考：能不能把「英雄」帶去需要英雄的地方？

於是他們走進兒童病房，把角色帶到孩子面前。艦長提到，團隊的靈魂人物之一是馬可多（Makoto），很多探訪與任務由他接洽；而最令人感動的，是那些「願望任務」，例如台大曾有重症病童最想見的是蜘蛛人，團隊就派出時間配合、也專門扮蜘蛛人的夥伴到院陪伴，並由院方安排那天的活動，完成孩子的心願。

這些事情不一定會被大肆報導，卻成為病童短短卻寶貴的時間裡，他能真實抓住的光。

另一條更長的航線：光智基金會的 30 年心衛中心

如果說病房探訪是「立刻看見」的回饋，那麼光智基金會的心衛中心，則屬於更長期、更制度型的守護。

光智基金會附設青少年心理衛生中心成立於 1993 年，由創辦人子孫捐款作為主要經費來源，集結義工性質的兒童青少年精神科醫師、社工師、心理師，免費提供兒童青少年心理衛生諮商服務；成人與需要長期服務者，則協助轉介到醫院、診所或諮商所。

「免費」兩字，意味著它不是短跑，是長跑；不是一次活動，而是一個社會系統在地運作的補位。

一個老小孩的真正成熟：把自己的 Style 活成別人的希望

「有一種人，到了 60～70 多歲依然像個孩子，但他手中的玩具，卻成了守護弱勢的盾牌。」

影武艦長不把「童心」浪漫化，也不把「公益」英雄化，他告訴我們：

你可以擁有一艘自己的宇宙戰艦；也可以在某些時刻，把那艘戰艦開到別人的黑夜裡。用角色、合照、探訪，替孩子留下一段「我也曾經被英雄看見」的記憶。

而當我們談論「無敵」兩字，或許它並不是永遠不敗、永遠不痛；而是即使生命會失重，人仍願意把愛再一次端正放好，繼續前進。

Allen Chen

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高雄的風很常帶著一點鹹味。那種味道，像是港邊的潮氣，也像是時間留下的痕跡。康翔昱的創作，就像這樣的氣味，一步一步，把自己的選擇畫成一套只屬於他的節奏。

翔昱是自學生，也是把「學習」當成創作材料的人。他國中就讀五甲美術班，而一般人聽到「美術班」，腦中浮現的往往是密集的畫畫訓練、固定的課表、老師的要求。但翔昱在高二下選擇自學，並不是因為排斥體制，而是因為他很早就知道，美術對他而言，是一條需要大量時間、反覆練習、自己摸索的路。

他看到身邊有人自學，不用每天到學校報到，但學習依然在發生，而且更能按照自己的節奏去安排。那個畫面讓他開始思考：如果能把時間拿回來，是否就能把心力更完整地投入在創作上？

而讓這個選擇真正落地的，是家人的支持。更令人意外的是，最初提出自學想法的人，竟然是爸爸。這個家庭沒有用「你確定嗎？」的問題來綁住孩子的腳步，而是用「我們一起想辦法」的方式，替他蓋起可以嘗試的空間。自學的計畫、文件與安排，多半由媽媽協助處理；翔昱則把自己放進作品裡，讓每一次產出，都成為對這份信任最踏實的回應。

翔昱的創作養分，並不是突然從天而降，而是長期有許多老師的照顧。從小指導他的李老師，給他的不是「畫得像不像」的標準答案，而是創意的火種。翔昱自己也說，看小時候的畫本，他反而覺得那時候更有創意。他會自己創造小角色、畫成小漫畫，劇情裡藏著他當時看過的卡通、搞笑漫畫的影子，這是一個孩子曾經被允許存在且最誠實的想像力。

而真正讓翔昱在自學之後「視野被打開」的關鍵人物，是張澤邦老師。翔昱說：自學的路上，人會有惰性，有些時候真的需要「其他人提醒」。張老師就是那個提醒的人。在檔案要整理、作品要交出來的時候，盯得很緊；但在創作遇到瓶頸的時候，又不會直接把答案塞給他，而是用引導的方式，讓他自己走到下一步。

張老師常說：先不要放棄，至少先把作品完成。這句話聽起來簡單，卻是很多創作者最需要的支持，因為作品最常死在「我覺得畫壞了」的那一刻。

張澤邦老師開設了一間藝廊，叫做「#有間冰淇淋藝廊 」。它不只是畫室，也不只是上課的地方，而是一個讓孩子們知道「作品可以被展出」「創作可以被看見」的現場。在這間藝廊裡，張老師幫學生辦個展，也邀請不同藝術家到這裡展出。畫室的孩子不必等到長大、不必等到「畫到很厲害」才有資格接近藝術圈；他們在還是學生的時候，就能看到各種創作者如何選題、如何呈現、如何把一個概念做成作品。這樣「被放進現場」的學習，比任何說教都更有效。

而翔昱的眼界，也是在一趟趟看展的路上被拉開的。張老師載著學生們去台中大墩美展，翔昱對林欽賢教授的作品印象深刻：技法很寫實，卻不是用寫實把答案畫死，而是保留意境，用意象讓觀者自己走進畫面裡。他從中學到的，不只是「怎麼畫」，而是「為什麼要這樣畫」：創作前要做研究、要蒐集資料、要實地考察，作品才站得住腳。因為真正動人的畫面，往往背後都有一套理解之路。

翔昱從小就喜歡《西遊記》，作品裡常常出現孫悟空。但他也常被說「不夠正統」。對很多年輕創作者來說，這句話可能是一種否定；但翔昱並沒有被影響，他反而慢慢把自己的風格放進畫中。

他最喜歡的一件作品，是水墨《大鬧天宮》。那是他心中很重要的一張畫。他為了它做了大量研究：找各種題材資料，甚至翻原著去看角色設定與神佛關係；畫面中還安排了「像監視視角」的構圖，讓作品不只是好看，而是有敘事、有立場、有情緒。張老師也提醒他：參考資料不要只看手機，最好印出來，因為螢幕會有色差，印出來才更接近真實。這些細節，看起來像技術，實際上是一種創作態度：你願不願意為你的作品負責？你願不願意花時間，讓它在歷史脈絡中站得住腳？

也因為這樣，當有人指出他作品中某個細節（像是牙齒數量畫多了），翔昱坦然承認是失誤；主持人半開玩笑地說：「至少確定是人畫的，不是AI。」而翔昱的這份坦然反而讓人感受到一種成熟：他知道作品會有缺憾，也知道成長就是從這些缺憾裡繼續往前。

翔昱不只畫畫。他也帶隊做裝置藝術，在高雄鹽埕的競賽中，他們選了珍珠奶茶做題目，作品名叫《埕澱》 一 「埕」是鹽埕的埕，「澱」是沉澱的澱。

作品裡的珍珠，放進鹽埕的老照片；燈管的速度從快到慢，像時間越流越慢，最後沉到杯底，這是把地方歷史「翻譯成作品語言」的嘗試。評審說，如果要更有在地感，或許可以使用當地的紙材；翔昱聽進去了。這次經驗也讓他更確定：未來不管畫到某個地名、某個角色，只要它來自某個地方，他就想把那裡的歷史與元素帶進故事裡。

因為真正的故事，永遠不只是角色，還包含他們所處的世界。翔昱說，他希望成為「故事型藝術創作者」。這個願望，是他一路走來的集結：童年時創造角色的快樂、看動漫時被內涵打到的瞬間、為作品做研究與考察的耐心、以及不斷嘗試新媒材的勇氣。

他想走漫畫，甚至想把西遊記改寫成新的版本：保留原著精神，但在角色關係、陣營、敘事上做大幅改造。他也開始用 AI 協助故事大綱與文字，認為未來創作者要懂得善用工具。同時，他看見台灣漫畫市場的辛苦，也把目光放向更成熟的日本產業，開始準備日文，思考是要先當助手累積經驗，還是直接出道。

他的每一步，都是把石頭慢慢搬開。一步一步，讓路變得可走。而他身邊那些老師：李老師點燃創意，張澤邦老師打開視野，有間冰淇淋藝廊提供現場，大墩美展與林欽賢教授的作品讓他看到寫實與意境可以同時成立。他們共同做了一件重要的事：讓一個年輕人相信，自己的路可以不一樣，但依然可以走得很深刻。

翔昱說，自學很需要自律，也需要被提醒。因為自學其實是在練習，如何把自由，變成你自己的責任。

當他說想成為故事型創作者時，你會相信那不是夢。因為他早就用作品告訴你：他已經在把人生，畫成故事了。

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「不在錄音室的那一天：在咖啡香與杯盤聲裡，聽見一位視障律師的『制度之光』」

沒有隔音門闔上的「喀」一聲，也沒有耳機戴上後世界瞬間靜音的空白。今天取而代之的，是餐廳裡輕輕流動的音樂、冰塊碰杯的清脆、服務人員走動的細碎腳步，還有會讓人放下防備的咖啡香，及混著熱食剛出爐的氣息。

我們把麥克風夾在衣服上，把一場訪談帶回生活裡。也正是在這個不那麼「完美收音」的現場，我們遇見了金希（Jason），一位視障律師，一位「用聽覺讀世界」的人。

金希不只是視障律師，他還曾被稱為「中國第一位視障律師」。一個本該被制度排除的人，反而用自己的方式，把制度向前推進了一步。

一、背景聲裡的真實：外景錄音，反而更接近他的人生

錄音室的優點是乾淨、精準、可控。

但金希的故事，從來不是在「可控的環境」裡長出來的。它更像是今天這個場景：你不可能把所有噪音都消掉，你只能在嘈雜裡練習專注，練習辨識，練習向前走。

他說自己是先天視力障礙，但視力是逐步退化的，從「湊近才能看見字」，到後來只能辨識明暗。這一路，他不是忽然失去世界，而是一天一天把世界從視覺，換成聲音、觸覺、與記憶。

所以外景錄音的那些「不完美」，反而變成最貼近他生命的註腳：世界本來就不安靜，重要的是，你仍能清楚地把自己說出來。

二、他不是被幫助的主角，他是「幫制度想出方法的人」

談到求學，他講得很平靜，但你會聽見那種「無人可問」的辛苦。

在當時的中國教育環境裡，普通學校幾乎沒有視障學生的先例。教材怎麼準備？考試怎麼作答？答題卡要怎麼塗？很多時候不是「不願意幫」，而是「根本不知道怎麼幫」。

他回憶國中升學考試時，因為看不清答題卡，監考老師讓他把答案寫在試卷上，再協助把選項塗上去。這是老師的善意，但也正是那種善意，讓他第一次看見：原來「調整」是可能的。

後來他把「可能」一步步變成「可被複製」的方法：申請單獨考場、助考老師讀題或代為謄寫、全程錄音確保公平。這些聽起來像是繁瑣的行政程序，但對他而言，那是一條能否被允許進入專業領域的窄門。

更重要的是：當他走過去之後，門沒有再關上。

他說，後來法律相關考試逐漸有更多視障者參與。不是因為世界忽然變溫柔了，而是因為有人把「可行的做法」留在路上。

三、走上法庭那一刻：大家先看他的眼睛，但他讓大家回到證據

「第一次出庭，法官很驚訝。」金希笑笑地說。

那種驚訝，你很容易想像：一個看不到的人，如何在法庭上應對？如何處理卷宗？如何面對辯論？

但他說：法庭講的是證據與論述，不需要把律師變成「看表情的偵探」。

這句話像是一把小小的刀，切開了社會對視障者最常見的誤解：人們總以為「看不見」就等於「少了判斷」，卻忽略了判斷從來不只靠眼睛。

他用自己的出庭經驗證明：當你能完整完成程序、清楚陳述主張，現場的關注就會從「你看不看得到」轉回「你說的是不是站得住腳」。

那是一種專業的尊嚴，也是平等真正發生的地方。

四、他打的不是一場官司，是一場「讓別人可以被當作人」的戰役

他分享過一個讓人印象深刻的案件：兩位輪椅旅客想搭機，卻被航空公司以「無自理能力」為由拒載。

這不是單一事件，而是一種社會慣性：把身心障礙者預設成風險、麻煩、甚至「不應該出現在公共移動空間」的人。

金希選擇站在當事人身邊，與其說是在爭取賠償，不如說是在爭取一個更基本的東西：你可以出門、你可以旅行、你可以被對待為一個有權利的公民。

案件一路走到後來，航空公司道歉並賠償。更有意義的是，這件事被法學院拿去教學、被模擬法庭引用，甚至推動制度檢討。

一個案件的勝利，不只屬於當事人，也屬於所有還沒遇到同樣困境的人。

五、他為什麼來台灣：從「靠好人」走向「靠制度」

金希後來來台灣，在東吳大學攻讀博士班。他提到台灣給他的震撼之一，是支持系統更像「制度」，而不只是「碰運氣遇到好人」。

資源教室協助教材轉換、老師能被提前溝通、定向行動服務帶他熟悉路線。這些看似細碎的支持，對視障者而言卻是：你可以把力氣放在學習與工作，而不是每天先跟世界搏鬥。

他笑說自己如今「落地生根」了，因為太太是台灣人。玩笑背後，其實是一種承諾：把專業留下來，把走過的路，變成更多人能走的路。

那些背景聲，最後變成一種提醒

節目錄到尾聲時，餐廳的音樂還在，杯子還在響，空氣裡還是咖啡香。

但我們心裡很清楚，今天的背景聲不只是「外景的雜訊」。因為這個世界本來就吵，本來就不為誰而設計，真正的進步，是我們願不願意把空間、制度、與想像，留給每一種生命方式。

金希的故事不是奇蹟，而是一面鏡子：

當一個視障者能成為律師，問題從來不是「他怎麼做到的」，而是「我們的社會，願不願意讓這件事變成理所當然」。

而那天，我們沒有在錄音室。

卻在最像生活的地方，聽見了一束制度的支持系統之光。

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金希

22號兔 / 王靖勳 Illustration

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「《此刻，世界正溫柔》：在士林台電營業處，一位「商管出身」的創作者用色彩替城市留白」

走進士林台電營業處，很多人原本只是為了繳費、辦理業務，心裡可能還在盤算著下一個行程：孩子幾點下課、工作訊息回了沒、生活費又多了一筆。可是當你一抬頭，牆上那一朵盛開的玫瑰、那一束明亮的向日葵、那個安靜坐在湖畔的背影，像是把時間拉慢了半拍。

這裡不是藝廊，卻有一種接近藝廊的呼吸。

而把這口呼吸帶進來的人，是大家口中的「轉個彎老師」，創作品牌名也叫「轉個彎」，而這次她的展覽題目叫：「此刻，世界正溫柔——在色彩裡，遇見安靜的自己。」

從商管到畫布：2017 年的一次轉折，讓她開始用顏色說話

令人意外的是，轉個彎老師不是科班出身。她的求學道路一路走在「商管」的軌道上：國際貿易、財務金融、研究所行銷流通，都是數字、指標、清楚的框架。她自己也了解，那些領域習慣追求精準，習慣「最終要有答案」。

但在 2017 年，她遇見人生一個不小的轉折，而心裡真的需要一個出口。於是她開始畫畫，理由很簡單：想用色彩療癒那時候的自己。

「轉個彎」這個名字，也在那一年誕生。

一方面，它和她本名中間的「婉（彎）」呼應；另一方面，她在校園裡常被叫作「彎彎老師」。她索性把這個稱呼，延伸成一個更正向、更像提醒自己的名字：在走不下去的時候，不一定要硬撐直走，可以先轉個彎。

「溫柔不是脆弱」：她把安靜、等待、和解，畫成一種力量

談到這次展覽的主題，「溫柔」是核心。但她刻意把溫柔從「軟弱」與「停滯」的想像中轉回來。對她而言，溫柔不是忍耐、不是討好、也不是把情緒壓抑到看不見；溫柔反而更像一種成熟的選擇：

安靜地停留在此刻

慢慢地等待情緒變清楚

在混亂世界裡，先把自己安放好

然後，轉向更適合自己的方向

她說，這幾年的社會氛圍很容易把人推進緊張感：資訊太快、情緒太吵、紛爭太多，連休息都像是一種罪惡。於是她更想用作品提醒觀眾：停下來不代表你輸了，可能只是你正在重新選擇。

作品沒有標準答案：她刻意留白，讓每個人把自己的故事放進去

轉個彎老師的畫面常是繽紛的、明亮的，很少有陰鬱或壓迫的灰。那份明亮像是她選擇用「可以呼吸的方式」來說話：情緒不必被淹沒，但可以被理解。

她的作品除了有名字，大多都能延伸成文字呈現。在她 2021 年出版的畫冊《星球麋鹿》中，每幅畫都配上一段短短的文字，像詩，也像備忘錄。她用很動人的比喻形容這件事：

「給畫取名，就像給它一顆心臟。」

畫因此不只是被掛在牆上，而是「活著」的陪伴。

但她也強調：即使作品有自己的故事，觀眾不需要照著作者的故事走。因為藝術最珍貴的地方，就是它允許你把自己的心事投射進去。

所以她刻意留下空白，讓觀眾在畫前，想起自己生命裡某個片段：曾經的等待、某次分岔路、或是某段關係的和解。

在台電辦公處做雙年展：公共空間也能成為安靜的藝廊

這次展覽之所以令人印象深刻，還因為它不在美術館、不在畫廊，而是在「人每天都會走進去」的公共服務場域：台電營業處。

轉個彎老師與北區台電的結緣，來自她 2019 年第一次聯展後，參與文創展示活動的延伸火花。後來台電希望把服務空間做出不同氛圍：不只是民眾辦事的地方，也能讓他們在等待時，遇見一點美、一點安靜。

於是牆面成了展牆。

更特別的是，這不是短期快閃，而是希望「讓作品慢慢被遇見」。一次約可展出 14–15 幅作品，並以兩年為一個週期更換主題，形成「雙年展」的節奏：2022、2024、2026一路走來。

在這樣的節奏裡，作品有了機會被時間「慢慢看見」。也真的有人只是來繳費，卻在畫前停住，後來透過作品上的聯絡方式詢問收藏；還有人在收到特別贈送的畫冊後，才發現她的畫不只牆上那十幾幅，於是把喜歡分享給同事與朋友，讓作品的路越走越長。

從士林到日本：被推薦、被看見，也持續回到「感恩」

她談起展覽機會時，最常說的一句話是「感恩」。她說自己不是先設定要成為畫家，也不是先設定要出書、要出國、要站上更大的場域。很多時候是「準備好了，剛好遇見」。透過與藝術圈老師的交流與推薦，她曾多次到日本展出，進入國立新美術館、上野東京都美術館等展場，促成台日之間的藝術交流。

而下一站，她也提到：未來有機會在中正紀念堂參與台日交流聯展。對她來說，這不是「發揚光大」的炫耀，而像是一段路被溫柔接續：從一開始只想療癒自己，到後來作品真的陪伴了更多人。

在忙亂世界裡，留一個可以喘氣的角落

在採訪的尾聲，主持人問她：如果觀眾走進展場時心情很糟，甚至是硬撐著過日子，她希望觀眾在作品前得到什麼？

她沒有說「你要快樂」，也沒有說「你要正向」，她說的是陪伴。一幅畫放在那裡，不會催促你振作，不會要求你振奮。它只是安靜地在那裡，像是對你說：你可以慢一點，你可以先停在此刻。

或許，這正是「此刻，世界正溫柔」最務實也最難得的地方：沒有標準答案，只提供一個出口，讓你把自己找回來。

而我特別喜歡的是：

彎彎老師把她的畫冊取名為《星球麋鹿》，其實不是隨口的可愛命名，而是一個很貼近她創作氣質的伏筆，那是借用蘇軾（蘇東坡）作品裡的意象：「星球」在《南鄉子（宿州上元）》中寫元宵煙火翻飛、攪動夜空的盛景「飛火亂星球」 ；而「麋鹿」則在蘇軾筆下多次出現，像是一種遠離塵囂、回到自然與自我安放的象徵：《前赤壁賦》有「況吾與子漁樵於江渚之上，侶魚鰕而友麋鹿」 ，《夜泊牛口》也寫「誰知深山子，甘與麋鹿友」 ；甚至在《浣溪沙·照日深紅暖見魚》裡，麋鹿與猿猱一同入畫：「麋鹿逢人雖未慣，猿猱聞喜不須呼」 。

於是你會明白：她畫裡的「此刻」不是逃離世界，而是在忙亂世界裡，替每個人留一塊能喘息的空地，讓我們在色彩裡，像東坡詞句那樣看過燦爛的星火，也像麋鹿那樣，慢慢走回自己的安靜。

展覽時間：依上班日開放時間（遇國定假日、過年休假則不開放）

週一至週五

上午0800-1200

下午1300-1700

展覽地點：士林台電營業所

（地址：台北市士林區中山北路5段380號）

補充：另有線上展覽版本（圖片中）

轉個彎老師

創作歷程回顧：

第一幅作品，誕生於2017年

第一本畫冊，出版於2021年

展覽歷程：

2019年12月｜多稜島弧·個人幻境的延伸數位創作聯展

2020年12月｜勞動部北分署創客基地·創客大會師

2022年起，與北區台電營業處舉辦「雙年展」

2022年｜轉個彎美夢成真

2024年｜總有新的故事，值得期待

2026年｜此刻·世界正溫柔

海外展覽：

2022年12月｜日本六本木國立新美術館Nana展

2024年9月｜日本上野東京都美術館極美本展

同年12月｜日本六本木國立新美術館Nana展

今年6月｜中正紀念堂舉行「第一屆東京新極美台灣展（聯展）」《籌備中》

現職工作：

醒吾科技大學課外活動組組長

醒吾科技大學企業管理系講師

國立台灣師範大學推廣教育中心繪本創作營講師

教學領域：

行銷管理、行銷企劃、顧客關係管理、管理學、整合行銷傳播、服務品質管理個案探討、生活創意產品個案探討、簡報技巧

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「龔慈民與台灣人體藝術雕塑的現場」

在台灣談人體藝術雕塑，常常先遇到的不一定是美學，而是「條件」。

模特兒難找、場地難找、作品存放更難，展覽還得看空間高度、光線角度與觀眾動線。一件作品要被看見，背後往往是一整套互相牽制的現實狀況。

龔慈民就是在這樣的現場裡，走了三十多年。

他從 1985 年復興商工美工科的雕塑課起步，後來回到師大、臺藝大在美術系體系補足藝術史與脈絡視角；退伍後曾做廣告道具，因片場高工時轉行室內設計，長年以「主業養創作」，卻始終沒有離開人體雕塑這條小眾而高門檻的路。2018 到 2020 年間，他以「風華再現」系列巡迴國父紀念館、台中大墩與高雄文化中心等場館，讓原本被視為邊緣的人體藝術雕塑，在更多觀眾面前重新站立。

這不只是藝術家的奮鬥史，而是在一個以平面展示為主的展覽結構裡，立體雕塑要如何找到自己的位置？

從職業學校起步：先練手，再補「說得清楚」

龔慈民回憶，復興商工是職業學校，核心目標是讓學生畢業後能就業，因此平面設計、商業設計與室內設計的人數遠多於雕塑；雕塑組在當時仍有班級規模，但與平面相比屬於少數。更關鍵的是，雕塑在台灣市場長期小眾，藝術教育也逐漸把雕塑「併入」美術系的某一環節，獨立的雕塑系所變少、學習人口也更稀薄。

早期他開展覽時，對觀眾最常說的是：「你看喜歡就好。」這句話反映的是一種職校訓練的務實：先把手上的功夫練到位，作品能成立就好。

但他後來越來越清楚，觀眾變了。現代觀眾不只看「像不像」，更想知道「為什麼」。他回到師大、臺藝大進修，補上的不是術科，而是學科：藝術史、脈絡、策展視角與作品論述。因為在當代展場裡，作品若沒有語言，觀眾很容易就走過去；而當你能把作品放進歷史與社會的坐標，才有可能被理解、被記住。

人體雕塑的第一道門檻：模特兒、時間與費用

在龔慈民的描述裡，人體藝術雕塑最先卡住的往往不是天分，而是現實條件。

人體模特的費用以「三小時」計價，動輒兩千以上；若一件作品需要十二堂課，光模特費就是一筆龐大開支。這使得創作很難靠單人長期支撐，早期許多學習者與創作者只能以團體方式分攤成本，才有可能持續練習。

1997 年陽明山有一群人的集體學習，即是這種現實的產物：幾個對人體藝術雕塑有執念的人，找空房子、拉電、一起聘模特兒，讓原本可能在離開校園後就中斷的學習得以延續。後來活動輾轉到永和一帶的畫室，龔慈民因同學一通電話加入，並一路做到今天。他說那通電話「改變了命運」，不是因為從此成名，而是因此他終於進入一個不必孤軍奮戰的練習場。

「主業養創作」：室內設計與雕塑的雙重人生

龔慈民退伍後做過一年廣告道具，但片場長工時讓他身體吃不消，轉行室內設計並持續至今。創作因此進入台灣許多藝術家熟悉的模式：以主業收入養創作。

這樣的安排讓創作得以存活，也讓創作更容易被打斷。雕塑需要高度專注，但電話一響，客戶改圖、工班溝通、工程問題就把人拉回現實，創作情緒與節奏被迫重置。他形容那種狀態是一種拉扯：你想成為專職雕塑家，但生活會提醒你「還沒到那一步」。

在這種拉扯中，他做出一次關鍵的決定。

48歲的轉折：如果過了50不展，可能一輩子都不會再展

龔慈民說，他在 48 歲時突然意識到：若過了 50 歲還沒有一次完整的展覽，或許此生不會再展。於是他放掉大部分工作，專心製作作品，並成功進入國父紀念館博愛藝廊展出。

那次展覽帶來的不是「從此輕鬆」，反而是另一種現實：當你開始被視為藝術家，邀展與期待同時增加，你必須在短時間內創作更多新作品；而雕塑不像平面作品可以輕巧運輸，一件作品可能需要卡車、搬運機具、展台、燈光配置，甚至還得預想觀眾動線與安全責任。藝術家不再只是創作的人，也是作品全流程的總工頭。

在台灣展示雕塑：高度、比例、尺度與硬體的限制

龔慈民指出，台灣多數展場硬體以繪畫展示為主：牆面掛畫、投射燈打牆。雕塑則面臨更多現場限制，作品高度若遇到過高空間容易「被吃掉」，高度不足則比例不佳；展台不是每個場館都有，經常得藝術家自備；燈具也不一定齊全，常需要自帶特殊燈光。

此外，人體藝術仍可能遇到尺度上的保留：有的場館因顧慮觀眾感受或周邊居民，會要求裸體題材移往二樓等相對不顯眼的位置。這些條件共同指向一個事實：在台灣，雕塑展覽的「可行性」常被硬體與規範預先決定。

但龔慈民仍選擇在展場裡保留雕塑的本質：讓作品能被 360 度觀看。

作品不該靠牆排排站：讓觀眾穿梭，讓雕塑自己說話

在他看來，雕塑的語言不該只剩 270 度。許多展場為安全與管理方便，把雕塑靠牆排排站，觀眾很難真正繞行。龔慈民則偏好把三件作品組成一個群落，讓觀眾穿梭其間，從不同角度進入作品。

館方常擔心小朋友觸碰、觀眾受傷，甚至比藝術家更緊張。但他主張，作品的存在是要與人相遇，而不是被保護到難以靠近。在他的想像裡，好的雕塑展場不是把作品隔離起來，而是讓觀眾在空間裡「慢下來」，讓立體形體與光影關係把人的視線牽引進去。

人體不是色情：模特的專業、創作者的「抽離」、以及減法的美學

節目中提到一個重要觀察：好的模特兒「肌肉有表情」。龔慈民也說，人體藝術雕塑非常「吃模特」。模特的肢體條件、姿態控制、動作轉角與維持能力，會直接影響作品是否能順利進入狀態；若模特的肢體不利於表現，創作容易卡住，作品可能被放半年一年等待救回，或最終放棄。

在教學上，他要求初學者先模仿：線條、肌肉、表情先照著做，建立觀察能力。當做到一定程度，才進入關鍵轉折：人體只是臨摹對象，作品不能停留在複製。你必須做減法選擇，十塊肌肉不必全做出來，你要決定哪些留、哪些減，並用美學判斷調整動作線條與臉部表情，使作品成為一個完整的語言系統。

他偏好「寧靜的動態」，作品多為靜態，但不是沒有節奏。那是一種能讓觀眾停留的安靜：你站在作品前，不會只想拍照走人，而會想繞一圈再回來。

無障礙的可能：讓視障者用手「看見」雕塑

如果視障者想用觸摸理解作品，能不能開放？

龔慈民回應，他不排斥。

這個回答把雕塑從「被看」推向「被接觸」，也把藝術的公共性擴展到更多感官通道。在「禁止觸摸」成為美術館常規的時代，雕塑其實具有天然的無障礙潛力：材質、曲線、節奏與轉折，本來就能被觸覺閱讀。這不只是善意，更是一種可能的文化方向，讓藝術的入口，不再只由視力決定。

如何入門欣賞雕塑？從第一印象開始

談到「怎麼看雕塑」，龔慈民認為：第一印象很重要。你先看作品用什麼角度抓住你，再看它透過哪個環節吸引你——線條、肌理、肢體的節奏，如何把你的視線帶進作品的細節環境。

在他的說法裡，欣賞不是先懂理論，而是先允許自己被吸引；被吸引之後，才慢慢學會看懂它為何成立。

一條路能不能留下來，從來不是藝術家一個人的事

龔慈民的人體藝術雕塑從「少數人的興趣」拉到一個更大的問題：當創作需要模特的專業、需要空間與成本、需要展場硬體與尺度容納，藝術家能否留下來，就不再只是「夠不夠努力」。它同時取決於教育結構、市場理解、場館設計、公共倫理與社會是否願意把人體藝術從誤解中拉回來。

而他走到今天，仍願意教學、願意展覽、願意把雕塑放進觀眾的動線裡，甚至願意讓更多人用不同的方式接近作品。那或許就是他在做的事：把一條少人的路，打造成一個可停留的地方。

龔慈民

學歷：

1985年復興商工美工科

2023年國立臺灣藝術大學美術學系

國立台灣師範大學美術研究所

雕塑簡歷：

2004 應邀參與淡水藝術節美術展覽

2013 韓國釜山 國際美術交流展

2016南投文化中心 以眼聆聽雙人聯展

2016鶯歌光點美學館 台灣雕塑學會會員聯展

2016新竹縣文化局美術館 海峽兩岸雕塑交流展

2017台中大敦美術館 臺中雕塑學會會員大展

2017國父紀念館 澄懷觀道台灣國際袖珍雕塑聯展

2017世貿一館 台灣藝術博覽會

2017台灣藝術教育館 台灣雕塑學會會員大展

2018三義木雕館 臺中市雕塑學會會員大展

2018台北國父紀念館 風華再現-龔慈民雕塑展

2019台中大墩文化中心 風華再現-龔慈民雕塑展

2019高雄文化中心 風華再現-龔慈民雕塑展

2020苗北藝文中心 台灣雕塑學會會員大展

2021國父紀念館 台灣雕塑學會會員大展

2022三義木雕館 臺中市雕塑學會會員大展

2023應邀參與華梵大學國際雕塑營

2024台中大敦美術館 臺中雕塑學會會員大展

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#自媒自創說AI （22）

「你的工作快要消失？AI職場大洗牌下崛起的14個黃金新職缺」

AI 不是來搶你工作，它其實是在「重新分配」工作。

很多人一聽到 AI 出現，先害怕、先趴下。但其實你會發現，它確實淘汰一些重複性高、初階的工作內容；同時也長出一批「新職缺」，而且薪資很敢開。

這集節目把它整理成 3 大類、14 個新興職缺，讓你不用被焦慮推著走，而是能用「看懂趨勢」把自己拉上來。

技術 × 數據類（你是 AI 的操盤手）

你可能不是最會寫程式的人，但你可以是「讓 AI 有用」的人。

提示詞工程師（Prompt Engineer）：會問問題、懂邏輯、懂產業術語的人，輸出就能又準又快。

AI 訓練師：把公司內部知識餵給 AI，維持答案一致、可用、可控。

AI 資安守門員：避免資料外洩、控管員工把機密貼去公開模型。

資料/數據分析（AI 加速版）：把訂單、客服、客訴變成洞察，讓「成本部門」變成「賺錢部門」。

氛圍編程師（Vibe Coding）：用自然語言＋AI 快速做出 MVP/網站/App，但你要會拆需求、懂 UI/UX。

產業應用 × 顧問類（你是把 AI 放進流程的人）

這一類最吃香，因為它需要「懂產業」的人，AI 只是一把更強的工具。

AI 轉型顧問：拆流程、導工具、落地測試，把 AI 變成企業的工作流。

AI 醫療分析專員：協助影像辨識、風險判讀、縮短診斷時間，也當醫病溝通的橋。

AI 倫理顧問：確保合法合規、避免濫用，把 AI 拉回「負責任的工具」。

AI 工作流/流程工程師：設計自動化節點，並安排「敏感決策要回到人」的關卡。

創意內容 × 創業類（你是把 AI 變成作品的人）

你會看到內容爆炸不是偶然，因為工具變強了。

AI 內容創作者：圖、文、影音都能加速，但重點是創意與平台策略。

數位分身設計師（Avatar）：品牌虛擬代言人、虛擬偶像的時代正在放大。

角色設計師：不只外型，更是故事線、人格、對話與世界觀。

提示詞市集創作者：把提示詞商品化、平台化，拼的是模型理解＋行銷。

AI 教案/課程設計師：教育工作者＋AI，教案、課綱、工作坊都能更快更好迭代。

不要為了 AI 放棄你原本的專業，真正可怕的不是 AI 取代你，而是你把自己的老本丟掉，卻又沒有把 AI 學起來。

更好的路線是你原本的專業 × AI 技能疊加，你就會變成新的關鍵人力。

→ 節目完整訪談請收聽 Podcast

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#自媒自創說AI （21）

「AI為什麼會說錯話？破解提示詞的前設、後設與語境，遠離AI幻覺！」

隨便丟幾句話給AI，它真的會一本正經給你一串數字、附上理由，而且聽起來超合理，但其實是它被問題裡的陷阱帶著走，開始「腦補」。這就是典型的 AI 幻覺，AI 產生不正確、甚至不存在的資訊，卻講得很像真的。

而偏偏AI 進到職場後最可怕的不是「它會做很多事」，而是「它做得很像對的」。當你把它當同事、當助理、當顧問，你的一句話、你的提問方式、你的流程設計，就會決定它是神隊友，還是華麗的災難。

AI 正在重組職場，舊工作被壓縮，新工作長出來。但能不能抓住新機會，關鍵不是你會不會用 AI，而是你會不會「問對」。

AI不是只會奪走工作，而是重新分配「價值」。AI 會淘汰的，多半是重複、可規則化、只需要照表操課的工作；它正在崛起的，反而是那些「懂產業＋懂流程＋懂人性」的角色。也就是把 AI 放到對的位置、用對的方法、產出可用結果的人。

節目裡把新職缺整理成三大類：

第一類：AI技術 × 數據專業（更像AI背後的操盤手）

這類人不一定每個都要博士，但共通點是：能把模糊需求拆成清楚指令，能把結果變成可用方案。

1. 提示詞工程師（Prompt Engineer）：讓 AI 輸出更精準、有效率、更可控。

2. AI 訓練師：把公司內部資料餵給私有模型，讓員工安全地用 AI。

3. AI 資安專員／AI Security Officer：防止機密外洩、建立控管機制（例如 DLP、權限、雲端架構）。

4. 資料分析／資料科學角色：從會員、訂單、客服等海量資料挖出洞察，變成決策與營收。

5. 氛圍編程師（Vibe Coder）：用自然語言＋AI 快速生程式、網站、MVP，把「會說需求」變成「能做產品」。

第二類：產業應用 × 顧問諮詢（更像翻譯官與架構師）

這類人最吃香的，是你原本的產業 know-how。因為你不是跟 AI 比「背書」，而是用 AI 幫你把專業放大。

6. AI 轉型顧問：進企業拆流程、找節點、做試點、再導入全面工作流。

7. AI 醫療分析／醫療AI專員：用 AI 協助判讀、縮短流程，並成為病人與醫師的橋樑。

8. AI 倫理顧問師：確保 AI 合法合規、避免變成詐騙或武器；把「負責任AI」落地。

9. AI 工作流／流程設計工程師：串接自動化流程，並設計「敏感節點要回到人類確認」的機制（像零信任思維）。

第三類：創意內容 × 創新事業（最多人想切入的入口）

這類看似熱鬧，但也最容易被「AI幻覺＋內容失真」反噬；真正能走遠的人，是懂平台、懂品牌、也懂驗證的人。

10. AI 內容創作者：文字、圖片、音樂、影片的多工具整合，讓創意更快落地。

11. 數位分身設計師（Avatar/虛擬人）：品牌虛擬代言人、虛擬偶像與商業應用。

12. 角色設計師（人設/故事線）：設計角色背景、世界觀與互動邏輯，讓「像活人」成為競爭力。

13. 提示詞市集創作者：把提示詞商品化，做需求媒合與銷售。

14. AI 課程／教案設計師：用 AI 快速產出課綱、教案、工作坊設計，並把教育遊戲化、多媒體化。

但這14個工作，背後其實都指向同一種能力：避免AI「說得像真的」

AI 並不是故意騙人，它只是大型語言模型，運算邏輯常常是在「預測下一個最可能的字」，所以當資訊不足、問題本身有陷阱時，它就會自動補空白，補出一個看似合理的答案。

換句話說：未來值錢的不是會打開 AI 的人，而是會把 AI 關進正確框架的人。

而那個框架，就是三個詞：前設、後設、語境。

前設：你問的問題裡，藏了哪些「你以為理所當然」的假設？

後設：你願不願意跳出問題本身，回頭問：我為什麼這樣問？我是不是被恐懼牽著走？（例如「AI會不會取代我？」其實可能在問「我是不是缺乏可替代性？」）

語境：你要 AI 用什麼身分回答？對誰說？要什麼深度？要什麼格式？語境不同，答案層次完全不同。

這不只是在教大家怎麼問 AI，根本是在教我們怎麼在不確定的時代，問出更好的問題，做出更少後悔的決策。

「Prompt檢查清單」，每次把重要任務丟給 AI 前，先問自己這幾句：

我有沒有交代語境？

有沒有暗藏錯誤前設？

是否需要限定受眾或格式？

是否要求附上來源？

答案可不可靠？

但書：如果不知道，就說不知道／找不到相關內容。

AI 不是全知全能，我們要當聰明的提問者，不要當盲目的追隨者；不能完全相信，一定要再三查證。

鍾婷老師新書：《自媒自創：經營自媒體 52 種思辨計畫 》→請看第一則留言

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「健身房的隱形風險：從神經醫學角度看運動傷害與復健」

晚上八點的健身房，人潮像捷運尖峰一樣熱鬧。深蹲架前排隊、臥推椅旁有人等槓、硬舉區地板震一下、每個人都在追求「更重、更快、更有效」。

物理治療師王偉丞提醒：很多受傷不是發生在「你推起來那一下」，而是你以為只是放下去、其實早就把關節丟進風險裡的那一瞬間。

他在節目裡談的「眉角」，翻譯成我們可以用得上的三種科技工具：e1RM（推估最大重量）、穿戴式動作感測（IMU）、等速訓練（isokinetic）。它們共同指向同一個方向，把「盲練」變成「可控」，也把「No pain, No gain」慢慢改寫成「No control, no gain」。

1、第一個科技：e1RM →不用測到爆，也能知道你該放幾片槓片

健身房最常見的兩種迷惘：

✏️「我到底該上到幾公斤？」

✏️「我今天狀態差，是我廢，還是我該降載？」

e1RM（Estimated 1RM）就是為了回答這兩題而存在：你不必真的做到 1RM（一次最大重量），只要用你做得到的重量與次數，就能推估當天的「力量水位」。

最常用的推算之一是 Epley 公式：

1RM ≈ 重量 ×（1 + 次數/30）

它的價值不在「算得神準」，而在於你終於有一個可追蹤的儀表板：

✏️同一動作每週 e1RM 緩慢上升：你在進步

✏️連續幾次 e1RM 下滑：你可能疲勞、睡眠不足、或動作品質崩了（該降載）

✏️重量上去但 e1RM 沒上去：你可能在靠代償硬扛（該修動作）

這也呼應偉丞老師講的「訓練很枯燥，但穩定最重要」。e1RM 讓你把枯燥變成可被看見的進步，不必靠衝動加槓片。

2、第二個科技：穿戴式動作感測→你以為你很穩，其實你在晃

很多人受傷的真正原因不是「不努力」，是「你努力在錯的軌道上」。

穿戴式 IMU（Inertial Measurement Unit，慣性測量單元）能用加速度、角速度等訊號，去捕捉關節晃動、姿勢偏移、動作節奏，並回饋給你正在用哪一條「代償路徑」完成動作。

在學術綜述中，穿戴式科技被視為阻力訓練的潛力工具，因為它能做到「即時監測」並協助調整訓練內容。

也有研究提出 IMU 系統可用於姿勢/肌骨風險評估與回饋設計，目標就是「提早介入、降低傷害」。

你可以把它想成健身房版的「行車紀錄器」：

✏️不是等你撞了才知道

✏️而是你一偏軌，它就提醒你「你正在用關節扛、不是用肌肉扛」

這也很接近偉丞老師在節目裡反覆講的核心：肌肉是保護關節的，不是讓關節替肌肉上班。

3、第三個科技：等速訓練→把「下放太快」這種老毛病，直接用機器鎖住

偉丞老師說臥推最危險常在「下放」，因為很多人快放、亂放，離心控制一掉，關節就先受害。

等速訓練（isokinetic training）的概念是：用設備把你的關節動作維持在固定角速度，讓你沒辦法「偷放」「亂衝」，也更容易把力量平均地分佈在整個活動範圍裡。

近期文獻就指出：等速離心訓練的特色之一，是固定角速度與精準負荷，有助於減少代償動作。

在復健/回場相關研究中，也能看到離心等速訓練在力量提升與功能表現上被討論其效果。

對一般健身者來說，它最大的意義不是「更高級」，而是更像一個保護欄：

✏️你想練肌肉，它幫你把「關節風險」先按住

✏️對「曾受傷、正在回訓」的人尤其重要：你需要的不是更猛，而是更可控

4、AI 的角色：不是取代治療師，而是把「冤枉路」走短一點

很多人痛了很久，跑了很多地方，當下舒緩但回家又復發，是因為根本原因沒抓到。

AI 在運動醫學真正擅長的，是把「第一關篩檢」做得更有效率：

✏️透過動作測試資料、穿戴感測、訓練量紀錄

✏️先快速判斷：你比較像「控制問題」？「關節承受問題」？「神經路徑疑似受刺激」？

在職業運動世界，這件事已經規模化：NFL 的 AI 平台 「Digital Athlete」用大量資料做即時負荷管理與風險提示，AP 報導提到它每週處理超過 5 億個資料點，目標就是提早介入、降低傷害。

（一般人不需要那種規模，但概念是一樣的：用資料幫你提早踩煞車。）

5、把科技變成你今天就能用的「三步驟」

Step 1：先用 e1RM 解決「槓片焦慮」

📌選一個你能安全完成的重量與次數（例如 6–10 下）

📌用 Epley 公式推估 1RM，建立你的「基準線」

📌接下來 2–3 週看趨勢，不看單次英雄主義

Step 2：用「節奏」取代「硬扛」

節目裡一直在講的重點其實是：離心控制。把下放速度放慢、讓上與下更一致，就是最便宜的防護。

Step 3：如果你常受傷／常代償，把穿戴或等速當作「護欄」

📌常見情境：深蹲/硬舉會拉到腰、臥推肩前側不舒服、做完隔天變麻

📌這時候你最需要的不是再加重，而是把「晃動與偷放」抓出來

穿戴 IMU 與等速訓練，正好是針對這兩件事在幫忙。

AI 運動醫學真正想做的，是把「痛」留給該痛的訓練，把「傷」從人生清單拿掉。

偉丞老師說：

運動不是一定要痛，痛也不一定有效。

科技不是讓你變成機器人；恰恰相反，它是在提醒你：你是人，你有關節、有神經、有恢復週期，而你值得用更聰明的方法，去走更遠的路。

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「把心帶回來：走進《找自己音樂讀劇會2.0》」

在劇場裡，故事似乎會替我們呼吸，「看」情節跌宕起伏，那「若有似無的距離」讓我們更理性的面對生命，而《#找自己音樂讀劇會2.0 》就是這樣的存在。

一個被溫柔打開的空間，看「劇中人」的生命怎麼跌撞，然後在某一句台詞、某一段旋律、某個停頓裡，悄悄撞見自己。

先不用看自己，先看一個人怎麼活過來

《找自己音樂讀劇會2.0》跟著舞台上的角色走：童年的孤獨、青春期的怯懦、長大後的傷口、那些對「成功」的追逐、對「社會說的」妥協⋯⋯它們被安排在劇裡，像一面鏡子，把你遺忘的感覺，放回你手上。

而音樂在這裡不是配樂，是另一種語言。

陳玉蓮把自己的生命淬煉成創作放進劇場，她曾說：音樂的療癒不會有批判，旋律和文字會把人接住。當旋律響起，你不一定知道自己發生了什麼，但你會開始理解這是我的感受。這就是讀劇會的魔法：讓你先「有感」。

你會在一首歌裡，聽見自己被翻譯

很多人說，戲劇讓人被理解，是因為它把人心寫得像人心。《找自己音樂讀劇會2.0》更進一步的用歌把情緒唱出來，讓那些平常說不出口的東西，變得可以被聽見。

有些歌名很生活，甚至有點可愛，像是把孤獨變得不那麼難以接近；而有些歌則帶著社會框架與家庭期待的重量，你會發現，很多時候我們只是在撐住「別人期待的我」。

而讀劇會最溫柔的設計，是讓你先把情緒投射在角色身上。你看的是「他」，但你感受到的是「我」。或許在某一段旋律之後，你會突然懂了陳玉蓮想說的那句：找自己不是立刻找到答案，而是先在心裡打一個問號。因為問號一出現，你就不再被迫演得很堅強。

劇場的療癒，是把你帶回來

《找自己音樂讀劇會2.0》常被形容「很療癒」，但它的療癒，不是看完就從此人生順遂的療癒。而是陳玉蓮在分享裡說的，療癒是一個生活選擇、一個發生，不是一個結果。

也因此，這場讀劇會最珍貴的不是「你變好了」，而是「你回來了」。

回到此時此刻的身體、回到呼吸、回到感受；回到那個你一直忙著照顧別人、忙著完成目標、忙著證明自己，卻忘了照顧的自己。

有時候你甚至只是抬頭看一朵雲，就會忽然感到開闊，那種感覺在劇場裡也會發生：當你專注在舞台與音樂上，你的注意力會被溫柔地抓回胸口，寧靜會升起。

如果你也在找自己，先允許自己走進來

這個時代，大家都很努力讓自己看起來沒事，但其實很多人都在用最快的速度耗盡自己。所以《找自己音樂讀劇會2.0》希望你願意走進來，願意坐下來，願意讓一段故事、一首歌替你說出一句你自己說不出口的話，替你把心一點一點打開。

而那一點點，就已經足夠讓你在離場的路上，走得比較像自己。

然後，今年《找自己音樂讀劇會 2.0》來了

也許你會想再給自己一次機會，用更靠近的方式，重新走進這個被音樂與戲劇包住的空間。

今年，在台北四四南村連演四場（2/27一 3/1）。陳玉蓮把這趟旅程再一次推向新的版本：同樣是音樂與故事交織，但會以更成熟的舞台呈現，邀請觀眾用自己的節奏，帶走屬於自己的那份「找自己」。

如果你問我：這場讀劇會到底賣的是什麼？

我想答案很簡單，它賣的不是夢，它賣的是一種被允許：

允許你慢下來，允許你不完美，允許你在這個世界裡，好好做回你自己。

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流光蓮蓮

陳玉蓮 找自己

財團法人新北市陳明雄賣夢教育基金會

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「65 不是終點：中高齡的財務重修課，從『不確定』到『踏實』」

在這個年代，談「退休」很奇妙。

法定退休年齡是 65，但你看身邊已經65歲的朋友，有人還在工作、還在旅行、還在談戀愛、還在把人生過得更有方向感。於是「退休」變成一個不太敢說出口的詞：40 幾歲離開職場的人，甚至會急著找工作、裝得很忙，彷彿停下來就會被世界誤會成「沒用了」。

可是退休真正讓人擔心的，從來不是那張退休證明，而是我存的錢，真的夠我活到 80、85，甚至更久嗎？

通膨像一隻看不見的手，把「放銀行最安全」這句老派信念慢慢揉皺；醫學進步又把人類壽命拉長，讓「活得久」從祝福，變成另一種算不出答案的焦慮，於是坊間開始流傳一句更可怕的咒語「沒 4000 萬別退休」。

但在財務顧問邱茂恒（查爾斯）眼裡，這些流傳的數字，多半只是一種情緒的替身：你不是缺一個神秘的金額，你缺的是能把不確定變清楚的方法。

不是「你要存多少」，而是「你要怎麼活」

財務不是冷冰冰的算術題，而是你生活的燃料，所以財務規劃不是比誰更有錢，而是比誰更能安心。

查爾斯談到他最常遇到的客戶，有兩種極端，卻都指向同一個問題：我們太習慣憑感覺過日子，卻用感覺做人生最重要的財務決定。

1、「過度節省」的那群人：不是沒錢，是過度焦慮

他們對未來沒有底，所以省到有點苛刻。奇妙的是，真正做完規劃後，查爾斯反而會對他們說：「請你多花錢。」

因為這些人的經濟條件其實夠，只是從來沒有人把「夠」這件事算清楚。當預算被設計出來，生活突然被允許：去學小提琴、去深度旅行、去把小時候不敢想的願望，放進人生行程表，這便是把「活著」重新放回財務裡。

2、「高收入月光」的那群人：最難的不是賺錢，是降級

另一種更大眾的狀態是收入不差，卻總是月光：反正下個月錢又會進來、年終一來就可以補洞、平常一定要犒賞自己。於是這便帶來一個很關鍵的現象：消費水準通膨。收入上升一階，支出跟著上升兩階：車子換更高級、房子住更精緻、出國不想再坐經濟艙，交際圈也自然被推往更高消費的場域。真正痛苦的，不是花錢本身，而是你的消費水準上去之後很難下來。因為省錢便可能是生活降級，也是面子、習慣、身份感的拉扯。

所以查爾斯說：支出調整之所以最痛，是因為你不是少花一點，你是在改變你對「我配得上什麼」的想像。

規劃的核心：把人生「透明化」

很多人以為理財就是投資，但重點其實是「先盤點」。

最先要做的不是複雜的會計，而是兩件事：

現金流（你每月、每年錢怎麼進怎麼出）

資產負債（你現在擁有什麼、欠什麼）

最實用的切法，是把支出分成「月」跟「年」：

月：房貸/房租、固定生活費、交通、保費分攤等

年：紅包、旅遊、捐款、大型採買、保養/醫美、年度稅費等

當你把這些列出來，你會第一次看見：原來我的焦慮不是抽象的；它有形狀、有比例、有位置。一旦透明，你就開始能做選擇，而不是被情緒推著跑。

五個槓桿：人生不是只有「多賺」這一條路

更關鍵的是，查爾斯把調整方法濃縮成五種槓桿，幾乎每個家庭都逃不出這五個：

1. 支出能不能減

2. 收入能不能增（副業、接案、兼職、轉職）

3. 目標能不能延後（例如 退休年齡65 改 70）

4. 目標能不能縮小或取消（例如換車延後或不要換）

5. 資產配置怎麼調整（但這永遠是最後一步，不是第一步）

然後他會給客戶一個「靈魂拷問」：

如果只能先放掉一個，你願意放掉哪一個？

很多人就是在這一刻醒來：原來我以為很重要的事（例如換車、住更大的房子），重要性其實沒那麼高；而真正重要的是「不用再害怕」。

規劃最有力量的地方，就是把人生選擇的代價算清楚。例如：買房 vs 不買房，可能差 11 年、14 年的工作時間。當你看到這個差距，便能回到自己的內心：這件事，值得我多上班 14 年嗎？

退休不是終點，是一種「提領模式」的生活設計

查爾斯也提醒了另一件大家常忽略的事：退休後最大的焦慮，未必是錢不夠，而是從累積模式切換到提領模式。

以前每月薪水進帳，你的支出像呼吸一樣自然；當薪水消失，你每天都在看錢流出去，就會恐慌。

所以「

#緊急預備金

」不是理財雞湯，而是心理安全感的工程：

準備 3–6 個月（多數抓 6 個月），放在能隨時動用的位置（定存/活存），讓你在突發狀況時不必慌亂做決策。它買到的不是利息，是時間，是從容。

比錢更重要的，是你能不能把自己的人生設計成「心安」

退休規劃像住在老房子裡：管線老了、漏水了，你可以一直用桶子接水，也可以痛一次，把管線重新配好。過程一定麻煩，甚至會有點痛，但弄好了，你換來的是往後 30 年的安穩與踏實。

而這份安穩，不是靠一個神秘數字達成的，是靠你願意誠實盤點、願意做選擇、願意定期檢視，讓不確定變少，讓人生變清楚。

如果你聽完這些對話，心裡也浮出那句「我到底來不來得及？」那你可能會喜歡

#洪哲茗

、#邱茂恒 最近出的新書《#設計你的財務幸福 》。

今年的 #台北國際書展 在2/7可以和他們兩位相見歡，順便把退休迷思、現金流、資產配置與家庭目標「一次問清楚」。再把你的生活、你的目標、你的選擇，設計成你自己也信得過的版本。

2/7（六）晚上 6:00–7:00

B1210 攤位｜#讀書共和國沙龍

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定方財務顧問