35mm de podcast

Depuis les années 60, il a élevé la barre du septième art en proposant des œuvres riches, tous différentes les unes que les autres, qui font dorénavant partie de l'imaginaire collectif. Reconnu comme étant un perfectionniste maladif, le réalisateur qui nous a quitté en 1999 aimait aborder la violence et la sexualité pour dépeindre la société au risque de semer la controverse. Même si ses films n'ont pas toujours fait l'unanimité à leur sortie, le temps lui a donné raison et il occupe maintenant une place bien spéciale au panthéon du cinéma mondial.

Voici un cinéaste qui a fait couler beaucoup d'encre au cours des dernières années. À ses débuts, les critiques étaient dithyrambiques et les recettes de ses films lui ont fait monter les échelons d'Hollywood à une vitesse record. Six nominations aux Oscars pour The Sixth Sense dont meilleur réalisateur, meilleur scénario et meilleur film. Sa carrière était lancée! Il a rapidement été étiqueté comme le spécialiste des « plot twist » ou des revirements inattendus. Une marque de commerce à double tranchant? Hmm... Il faudrait lui demander son avis. N'empêche qu'il a frappé des coups de circuit au box-office lors de ses trois films suivants : Unbrekable, Signs et The Village. Si plusieurs personnes connaissent le nom de M. Night Shyamalan c'est aussi à cause de ses flops, malheureusement. C'est fascinant de voir un réalisateur atteindre les sommets et les bas fonds dans un intervalle aussi court. Mais que s'est-il passé? Des œuvres comme Lady in the water, The Happening, The Last Airbender et After Earth n'ont pas fait sonner les cloches du succès critique. Nous avons beaucoup de compassion pour M. Night. Et de l'admiration aussi, il faut le mentionner. Malgré un passage à vide, il a su rebondir dans les années 2010 avec des propositions étonnantes notamment le film d'horreur à petit budget de type « found footage » The Visit et le thriller d'enlèvement Split qui a rallié plusieurs fans de la première heure.

Dans nos descriptions, on utilise souvent le mot "univers" comme synonyme de "filmographie". Tous les cinéastes créent un monde avec leurs films peu importe le genre, que ce soit des œuvres réalistes ou fantastiques. En ce qui concerne notre réalisateur vedette, on peut définitivement le décrire comme un créateur d'univers qui a fait une rencontre magique avec le cinéma. Tim Burton a fait rayonner les marginaux tout au long de sa carrière. Se considérant lui-même comme un "weirdo", il a développé son imaginaire très tôt dans sa vie et a décroché un emploi chez Disney à la fin des années 70, mais ses dessins ne ressemblaient pas vraiment à Mickey... On s'comprend? Heureusement qu'il a quitté le studio puisque nous avons eu droit à des œuvres originales telles que Beetlejuice, Edward Scissorhands, Nightmare before Christmas et bien sûr, Batman et Batman Returns. Dans cet épisode, on souligne les bons moments de cette longue carrière qui dure depuis plus de 35 ans et on tente définir ce qui est burtonesque, ce fameux genre fantastico-comique d'horreur pour la famille.

Mesdames et messieurs, le moment est venu de parler de la grande carrière de Quentin Tarantino. Il se passe de présentation, mais nous allons en faire une quand même. Lorsqu'on apprend qu'il était un geek de cinéma à l'adolescence, on n'est pas surprit de constater qu'il s'amuse avec les codes du septième art, pastiche les genres les plus célèbres et déconstruit ses récits. Le meilleur exemple de ça c'est Pulp Fiction, son 2e film désormais culte qui remporte la Palme d'or au Festival de Cannes en 1994. Tarantino a choisi la vengeance comme moteur principal de ses scénarios, mais il trouve toujours une façon différente de l'aborder. On se souvient des criminels de Reservoir Dogs qui se confronte à la manière d'un mexican standoff, la blacklist de Beatrix Kiddo dans Kill Bill ou encore Shoshanna Dreyfus qui s'en prend au Troisième Reich dans Inglourious Basterds. C'est avec beaucoup de plaisir de nous avons survolé les neuf longs-métrages du réalisateur chouchou des cinéphiles.

Elle est née sous les projecteurs, ou presque, dans The Godfather, elle a jouée dans plusieurs films de son père Francis, mais c'est à titre de réalisatrice accomplie que nous consacrons un épisode sur Sofia Coppola. C'est en 1999 qu'elle se fait connaître derrière la caméra avec The Virgin Suicides, une adaptation du roman du même nom. La cinéaste impose déjà sa vision intimiste et développe ses thèmes de prédilection : la jeunesse, la solitude, la famille et la quête d'identité. Quatre ans plus tard, elle frappe un grand coup avec Lost in translation mettant en vedette Scarlett Johansson et Bill Murray. Sofia prouve qu'elle peut raconter une histoire amoureuse tout en subtilité, sans cliché et avec peu de dialogue. Une idylle purement cinématographique. En plus de 20 ans de carrière, elle compte 7 longs-métrages, plusieurs publicités et vidéoclips, l'oscar du meilleur scénario (Lost in translation), un Lion d'or à la Mostra de Venise (Somewhere) et le prix de la mise en scène à Cannes (The Beguiled).

Au cours de la dernière décennie, les cinéastes mexicains étaient à l'honneur à Hollywood. Alejandro G. Iñárritu et Guillermo Del Toro ont tous les deux remporter l'oscar du meilleur réalisateur, mais cette semaine, c'est le 3e amigos (surnom donné par l'industrie) qui nous intéresse: Alfonso Cuarón. Le réalisateur originaire de Mexico City fut le premier latino-américain à remporter l'oscar du meilleur réalisateur pour Gravity (2012), un titre qu'il rafle à nouveau pour Roma (2018). Avant d'être acclamé à travers le monde, Cuarón a côtoyé le cinéma fantastique en réalisant des contes pour la famille tels que A Little Princess (1995), Great Expectations (1998) ainsi que Harry Potter and the prisoner of Azkaban (2004). Mais c'est avec Y tu mama tambien (2001) qu'il trouve sa véritable voix alors qu'il renoue avec le Mexique dans un road movie aux allures documentaires. En 2006, le drame dystopique Children of men prend d'assaut les écrans et permet au cinéaste d'exécuter ses plus grandes prouesses techniques notamment les plans séquences qui deviendront sa marque de commerce.

Le moment est venu d'aborder le cinéma de David Lynch, cet enfant terrible du 7e art qui fascine les uns et frustre les autres. Les films du cinéaste américain laissent souvent les spectateurs sans réponse, mais jamais indifférents. Utilisant le genre néo-noir comme véhicule principal pour raconter ses histoires, Lynch s'amuse avec plusieurs procédés pour susciter des émotions vives qui restent gravées dans notre esprit. Qu'est-ce qui est lynchéen? Les habitués de son cinéma savent de quoi il est question, mais encore faut-il être capable de le mettre en mots. Nous allons tenter de décoder son univers onirique, mais c'est une lourde tâche, c'est possible qu'on termine l'épisode encore plus mêlés.

On s'attaque à une œuvre adorée des amateurs de cinéma pour ce 28e épisode. C'est un incontournable des 25 dernières années, mesdames et messieurs... Wes Anderson! Voici un bel exemple d'un style visuel unique, il suffit d'une seule image pour deviner qu'il s'agit d'une réalisation du cinéaste américain. Film après film, il a peaufiné ses types de plans, ses mouvements de caméra, ses palettes de couleurs, bref son propre langage. Le tout résulte en une filmographie très accessible, accrocheuse, divertissante et techniquement impressionnante. Le cinéma d'Anderson semble toujours joyeux et coloré en surface, mais l'humour cache un côté sombre. Ses personnages, bien qu'amusants, vivent des drames humains et leurs problèmes sont universels. Malgré une approche non-naturelle de la vie, nous sommes confronté à la réalité telle qu'on l'a connait. En attendant son nouveau long-métrage, The French Dispatch, replongez avec nous dans les films qui ont fait sa renommé.

Êtes-vous fan des thrillers psychologiques? Si oui, vous connaissez surement notre prochain cinéaste vedette. Il s'agit d'un scénariste/réalisateur qui aime surprendre son auditoire avec un film là où on ne l'attend pas. C'est peut-être pour cette raison qu'on a tendance à l'oublier, son nom n'est pas aussi connu que certains de ses contemporains, mais on ne peut pas lui reprocher de se répéter. C'est pourquoi nous avons cru bon faire une incursion dans le cinéma du très ambitieux Darren Aronofsky. Dès son premier long-métrage, Pi (1998), le new-yorkais fait preuve de beaucoup de créativité pour nous transmettre l'angoisse et la douleur d'un mathématicien paranoïaque. Deux ans plus tard, Requiem for a dream (2000) a l'effet d'une bombe puisqu'il sort tout l'arsenal visuel et sonore pour aborder la dépendance, le tout à travers un montage dynamique qui est passé à l'histoire. En 30 ans de carrière, Aronofsky a utilisé différentes avenues pour raconter les tourments de ses personnages telles que l'hyperréalisme dans The Wrestler (2008), le surréalisme avec Black Swan (2010), le traitement poétique pour The Fountain (2006) ou le suspense claustrophobique avec Mother! (2017).

On revient en terrain québécois dans le prochain épisode puisqu'on plonge dans l'univers coloré, musical et passionné de Xavier Dolan. À l'âge de 20 ans, il fait ses débuts à la réalisation avec son premier long-métrage "J'ai tué ma mère" et remporte le Jutra du meilleur film. Avec un passage remarqué à la quinzaine des réalisateurs, le jeune cinéaste devient rapidement le chouchou de la croisette. Il enchaîne les films à un rythme fou et 5 ans plus tard, il décroche le grand prix du jury à Cannes avec "Mommy". Ce drame puissant illustre bien toutes les caractéristiques de son cinéma: la quête identitaire, les relations troubles, l'utilisation de musique pop, les ralentis, les cadrages hors-normes et bien plus.