C'est quoi le programme sur vos écrans?

Ce dimanche soir, TF1 propose de (re)découvrir Notre-Dame brûle, le film de Jean-Jacques Annaud consacré à l'incendie qui a ravagé la cathédrale Notre-Dame de Paris le 15 avril 2019. Sept ans après ce drame qui a bouleversé le monde entier, ce long métrage spectaculaire retrace, presque minute par minute, le combat mené par les pompiers pour sauver l'un des monuments les plus emblématiques de la planète. Une œuvre saluée pour son réalisme et son hommage à celles et ceux qui ont empêché l'irréparable.

Mais bien avant cet événement, Notre-Dame de Paris occupait déjà une place de choix sur les écrans. Dans cet épisode de L'écran de la mer, retour sur la carrière cinématographique d'une véritable star de pierre.

Impossible de ne pas évoquer Le Bossu de Notre-Dame. Sorti en 1996, le classique des studios Disney a permis à toute une génération de découvrir Quasimodo, Esmeralda et l'univers imaginé par Victor Hugo. Si le célèbre dessin animé prend quelques libertés avec le roman original, la cathédrale y occupe une place centrale, presque comme un personnage à part entière.

L'histoire de Notre-Dame au cinéma ne date pourtant pas d'hier. L'une des premières adaptations de Notre-Dame de Paris remonte à 1939, preuve que le monument inspire les réalisateurs depuis de nombreuses décennies.

Au fil des années, la cathédrale s'est également invitée dans de nombreux films, parfois le temps de quelques plans seulement. Elle participe au charme romantique de Minuit à Paris de Woody Allen, apparaît dans Avant toi, se glisse dans plusieurs aventures de James Bond et fait aussi partie du décor spectaculaire de Mission: Impossible – Fallout.

Les séries ne sont pas en reste. Dans Emily in Paris, Notre-Dame revient régulièrement à l'écran comme l'un des symboles incontournables de la capitale française, offrant aux téléspectateurs du monde entier une image intemporelle de Paris.

Pourquoi une telle fascination ? Sans doute parce que Notre-Dame est bien plus qu'une cathédrale. Depuis plus de 850 ans, elle incarne à la fois l'histoire de Paris, le patrimoine français et un décor unique qui continue d'inspirer le cinéma, les séries et les plus grands réalisateurs.

Depuis son lancement au début des années 2000, Les Experts s’est imposée comme l’une des séries policières les plus marquantes de la télévision. Vingt-cinq ans plus tard, son succès ne se dément pas. Déclinée en plusieurs versions, de Les Experts : Las Vegas à Les Experts : Miami en passant par Les Experts : Manhattan, la franchise continue de séduire le public, au point que de nouvelles saisons voient encore le jour en 2026.

Mais au-delà de son succès télévisuel, Les Experts a laissé une empreinte bien réelle sur le monde de la justice. Dans cet épisode de L’écran de la mer, découvrez comment la série a donné naissance à ce que les spécialistes appellent le « CSI Effect ».

Grâce à ses enquêtes rythmées et à ses démonstrations spectaculaires de police scientifique, la série a popularisé l’analyse ADN, les relevés d’empreintes, les examens en laboratoire ou encore les reconstitutions minutieuses des scènes de crime. Une représentation si convaincante qu’elle a modifié les attentes de certains jurés, notamment aux États-Unis. Des magistrats et des procureurs ont observé que certains d’entre eux espéraient systématiquement disposer de preuves scientifiques, y compris dans des affaires où elles n’existaient pas ou n’étaient tout simplement pas nécessaires.

L’influence de la fiction ne s’arrête pas là. Selon plusieurs observations évoquées autour du phénomène, certains criminels auraient également tenté de s’inspirer des méthodes vues à l’écran pour effacer leurs traces : nettoyage des scènes de crime, destruction d’indices ou précautions destinées à éviter les empreintes et les traces d’ADN.

Pour autant, la réalité est bien différente de ce que montrent les séries. Les spécialistes rappellent que les enquêtes criminelles demandent du temps, que les analyses scientifiques ne sont pas instantanées et que la résolution d’une affaire repose avant tout sur un patient travail de terrain, complété par des indices et des témoignages.

Vingt-cinq ans après ses débuts, Les Experts continue ainsi d’alimenter les débats autour de la justice, tout en nourrissant la fascination du public pour les véritables enquêtes criminelles et les grandes affaires judiciaires.

C’est l’un des génériques les plus reconnaissables de la télévision. Depuis 1990, Fort Boyard accompagne nos étés, avec ses épreuves, ses clés, ses cellules, ses personnages cultes et son décor unique au monde. Chez nous, l’émission est à suivre sur Tipik le vendredi à 20h05, et sur France 2 le samedi à 20h50 pendant tout l’été.

Mais avant de devenir un monument du divertissement, Fort Boyard a connu une longue histoire. À l’époque de Louis XIV, le projet était d’en faire un fort destiné à protéger le principal arsenal maritime français. Construire sur un banc de sable s’est toutefois révélé trop complexe, et le chantier a été abandonné. En 1801, Napoléon Bonaparte relance les travaux. La construction durera plusieurs décennies, mais une fois achevée, les progrès de l’artillerie rendent déjà le fort presque inutile. Il devient brièvement une prison, avant d’être abandonné par l’armée en 1913.

Quelques décennies plus tard, l’État le vend aux enchères. Un dentiste belge l’achète pour 33 000 francs, soit environ 75 000 euros actuels. Mais entretenir un fort en pleine mer est un défi colossal, et le lieu est à nouveau laissé à l’abandon.

Avant la télévision, Fort Boyard devient aussi un décor de cinéma. En 1967, Lino Ventura et Alain Delon s’y donnent la réplique dans Les Aventuriers. Ce décor spectaculaire inspirera ensuite le producteur Jacques Antoine, pionnier du divertissement, qui rachète le fort avant de le céder pour un franc symbolique au département de la Charente-Maritime. En échange, celui-ci finance sa restauration et met le lieu à disposition pour Les Clés de Fort Boyard, premier nom du jeu.

Présentée au fil des années par Patrice Laffont, Sophie Davant, Jean-Pierre Castaldi, Olivier Minne et désormais Cyril Féraud, l’émission est devenue un phénomène international. Depuis 1990, 35 pays sont venus tourner leur propre version dans le fort, et 385 épreuves ont été imaginées.

Et si vous passez près de La Rochelle cet été, des croisières permettent d’approcher Fort Boyard. Le grand public pourrait même le visiter à partir de 2028. En attendant : toujours plus loin, toujours plus fort !

À l’heure où les moteurs s’apprêtent à rugir sur le mythique circuit de Spa-Francorchamps pour le Grand Prix de Belgique, pourquoi ne pas prolonger les sensations fortes une fois la course terminée ? Dans cet épisode de L’écran de la mer, cap sur trois œuvres incontournables qui plongent au cœur de l’univers de la Formule 1.

Premier arrêt avec F1 : Le Film. Sorti fin 2025, ce long métrage met en scène Brad Pitt dans le rôle d’un ancien pilote qui reprend le volant afin de venir en aide à une écurie en difficulté. Entre vitesse, stratégie et dépassement de soi, le film impressionne aussi par son réalisme : plusieurs scènes de course ont été tournées en conditions réelles sur les circuits du championnat du monde, notamment à Spa-Francorchamps. Un spectacle immersif qui séduira les amateurs d’action et de sensations.

Direction ensuite les années 1970 avec Rush, réalisé par Ron Howard. Considéré comme l’un des meilleurs films consacrés à la Formule 1, il revient sur la rivalité légendaire entre James Hunt et Niki Lauda durant la saison 1976. Au-delà des courses, le film explore les personnalités, les ambitions et les sacrifices de deux champions que tout oppose.

Enfin, place à Senna, la série consacrée au triple champion du monde Ayrton Senna. À travers ce récit, on découvre autant le pilote d’exception que l’homme derrière le casque, jusqu’au tragique accident d’Imola en 1994. Une œuvre saluée pour la qualité de sa mise en scène, de ses dialogues et de son émotion, disponible sur Netflix.

Trois regards complémentaires sur la Formule 1, entre fiction, rivalités historiques et destin hors du commun. De quoi prolonger la magie du Grand Prix de Belgique et retrouver toute l’intensité des paddocks, des circuits et des plus grandes légendes de ce sport.

C’est peut-être la série que vous n’avez pas encore vue, parce qu’elle est disponible sur HBO Max. Et pourtant, rien que pour elle, un petit abonnement pourrait bien se justifier. The Pitt est l’un des grands coups de cœur série de l’année : un mélange entre 24 heures chrono et Urgences, mais sans les histoires d’amour au premier plan.

Le principe est simple et redoutablement efficace : la série médicale se déroule sur une seule journée, chaque épisode représentant une heure de garde dans les urgences d’un grand hôpital de Pittsburgh. Résultat : tout s’enchaîne en flux continu. Les patients arrivent, attendent, sont examinés, reviennent parfois plusieurs épisodes plus tard. On a presque l’impression d’être enfermé dans l’hôpital avec les médecins, les infirmières, les stagiaires et toutes celles et ceux qui tentent de sauver des vies sans jamais pouvoir reprendre leur souffle.

Au centre de la série, il y a Michael Robinavitch, alias Robby, chef de service des urgences, incarné par Noah Wyle, que les fans d’Urgences connaissent bien puisqu’il y jouait John Carter. Ici, il compose un personnage profondément humain, solide, attentif à ses équipes, capable de prendre ses responsabilités dans un contexte de pression permanente. Et c’est l’une des grandes forces de The Pitt : ses personnages. Même ceux qui paraissent plus froids au départ révèlent peu à peu leurs failles, leur fatigue, leur empathie et leur manière de tenir debout.

Car sous ses airs de série médicale frénétique, The Pitt dresse aussi un portrait social et politique de l’Amérique contemporaine. Système de santé surchargé, manque de personnel, manque de moyens, difficultés d’accès aux soins, inégalités sociales, immigration, présence de l’ICE dans les hôpitaux : la série regarde en face les tensions du réel.

Avec ses 25 nominations aux Emmy Awards, The Pitt s’impose comme une série intense, intelligente, bourrée d’humanité et d’intelligence émotionnelle. À découvrir sur HBO Max.

Les lecteurs de La Femme de ménage risquent bien de trouver leur prochaine obsession. Si la célèbre saga vous a captivé, entre ses romans à succès et son adaptation cinématographique récente avec Sydney Sweeney, voici une série qui reprend les ingrédients qui font le sel de ce type de récit : des apparences trompeuses, des secrets bien gardés et une tension qui ne retombe jamais.

Sortie en avril sur Apple TV+, Imperfect Women est peut-être passée sous les radars. Pourtant, ce thriller psychologique mérite largement le détour. Moderne, efficace et porté par un casting de premier plan, il réunit Elisabeth Moss, Kerry Washington et Kate Mara dans une histoire où l’amitié se révèle bien plus complexe qu’elle n’y paraît.

Tout commence lors d’un dîner entre trois amies. Mais très vite, le drame frappe : Nancy est retrouvée assassinée. Derrière elle, elle laisse l’image d’une vie sans nuages, avec un mari en apparence irréprochable, une fille et… un amant dont elle emporte le secret dans la tombe.

Au fil de l’enquête, les certitudes vacillent. Les deux amies de Nancy découvrent que celle qu’elles pensaient connaître cachait de nombreuses zones d’ombre. Les révélations s’enchaînent, les faux-semblants tombent et les liens qui unissaient ce trio sont mis à rude épreuve. Chaque épisode apporte son lot de surprises et pousse à s’interroger sur ce que l’on sait réellement des personnes les plus proches de nous.

Avec son atmosphère tendue, ses personnages nuancés et son suspense savamment entretenu, Imperfect Women s’inscrit dans la lignée des thrillers psychologiques contemporains qui tiennent en haleine jusqu’au bout.

La série est disponible en huit épisodes sur Apple TV+, idéale pour une session de binge-watching au cœur de l’été.

Ce mercredi est un jour de sorties au cinéma bien sûr mais aussi sur les plateformes et aujourd’hui on s’intéresse à « Ride or Die »

Oui si vous n’avez pas le courage d’aller dans une salle bondée voir le nouvel « Odyssée » de Nolan avec Matt Damon, vous pouvez rester tranquille à la maison pour voir ce « Ride or Die » qui sort aujourd’hui sur Prime Vidéo.

On est dans l’ambiance Grèce Antique aussi ?

Alors pas du tout ! ici on est dans la série d’espionnage, slash action, slash humour, slash amitié viril mais entre femmes. Le pitch est assez simple, Debbie découvre que sa meilleure amie Judith, qu'elle connaît depuis des années, n'est pas comptable… mais en fait tueuse à gages.

Certes on n’est pas sur l’invention du fil à couper le beurre mais ce qui rend cette joyeuse escapade mortuaire plutôt sympathique c’est déjà le casting. Deux actrices que tout oppose : Octavia Spencer, oscarisée pour « La Couleur des sentiments » et Hannah Waddingham, révélée au grand public dans « Ted Lasso », un équipage insolite et les deux actrices sont aussi les productrices de la série. C’est sans doute pour ça qu’elles se donnent à fond !

Mais alors pourquoi ça marche ?

Ba déjà parce que c’est finalement assez réjouissant de voir qu’on ose aujourd’hui donner ce genre de rôle à deux femmes quinquagénaires, ça montre que les lignes bougent un peu. D’ailleurs Hannah Waddingham réalise une grande partie de ses cascades et c’est à saluer.

Autre réussite de cette série, c’est Peyton Reed qu’on retrouve derrière la caméra, réalisateur des films Ant-Man qui a un certain savoir-faire dans l'action teintée d'humour.

Alors oui le scénario est clairement du déjà vu, ce qui fait l’intérêt de cette série c’est surtout ce duo improbable qui se retrouve dans des situations très improbables. « Ride or Die » ça sort aujourd’hui sur Prime Vidéo. Huit épisodes de 50 minutes qui s’avalent comme un bon paquet de popcorns.

Ce matin tu nous emmènes dans un univers de Science-fiction déjantée saupoudrée de kung-fu, celui de « Everything Everywhere All At Once »

Oui je vous parle de ce film parce qu’il vient d’arriver sur les plateformes et notamment sur Amazon Prime. Je vous en parle surtout parce que ce film est génial même s’il est compliqué à résumer. En gros, c’est une mère de famille débordée qui découvre qu'elle peut accéder aux talents de toutes les versions d'elle-même dans des univers parallèles, le tout pour sauver le monde et peut-être aussi sa relation avec sa fille.

Ok alors pourquoi c’est génial ? 

C’est génial d’abord parce que c’est un pari un peu fou. Pleins de paris en fait. Quand les réalisateurs Daniel Kwan et Daniel Scheinert écrivent le film ils pensent à Jackie Chan pour le rôle principal ce sera finalement une femme, mère de famille immigrée, Michelle Yeoh.

Ça change complètement l’émotion du film, premier coup de génie. Autre pari, le budget, 25 millions de dollars, une somme très modeste pour un film aussi complexe et qui a obligé les réalisateurs à être très inventifs.

Apparemment l’équipe des effets spéciaux était minuscule

5 personnes seulement alors qu’ils sont des centaines sur un blockbuster. Autre pari, le rythme effréné de ce film malgré ses 2h20, ça n’arrête jamais, ça part parfois un peu dans tous les sens mais c’est très réjouissant.

Ce qui est génial dans ce melting-pot de science-fiction, kung-fu, humour absurde et drame familial c’est qu’il aurait pu se perdre complètement mais qu’il vous tient sur le fil pendant deux heures. Oui certaines critiques disent qu’il tourne à la démonstration tellement il y a d’idées, de personnages et d’effets de camera mais « Everything Everywherre All at Once », s’il est un objet de curiosité, est aussi une très belle fable sur les relations humaines.

Un argument encore, en 2023 le film remporte 7 Oscars notamment meilleur film, meilleure réalisation et meilleure actrice.

Ce matin départ pour la Corée du Sud avec « Le Palais de l’Est »

Une série qui sort ce vendredi 17 juillet sur Netflix et qui est un très bel exemple de K-drama.

Qu’est-ce donc ?

On pourrait traduire ça par série dramatique Coréenne tout simplement mais le K-drama c’est plus que ça, c’est un genre à part entière qui se caractérise par des décors et des costumes très travaillés, une très belle photo, une belle bande son et dans lequel les relations humaines occupent une place centrale. « Squid Game » est sans doute l’exemple le plus célèbre de K-drama

On est dans le même esprit ici ?

Pas du tout, ici on est plutôt dans la Corée du 17e siècle à la grosse louche, au cœur du palais royal, qui est frappé d’une malédiction. Le roi engage alors un chasseur de fantômes et une femme liée au monde des morts pour mener l’enquête.

Derrière la caméra, on retrouve le réalisateur Choi Jung-kyu, un metteur en scène reconnu pour son sens de l'esthétique et sa capacité à créer des atmosphères très soignées, sombres et immersives c’est à lui qu’on doit notamment « The Devil Judge » en 2021.

Vous l’aurez compris on n’est pas dans le drama historique classique on plonge clairement dans le surnaturel. C’est très beau, souvent original dans la façon de filmer. C’est bien beau d’avoir aujourd’hui les capacités techniques de faire absolument ce qu’on veut avec une image et des acteurs, encore faut-il le faire de manière intelligente et esthétique et pour ça le cinéma Coréen est très fort. 

Et c’est simple à regarder ?

Oui c‘est aussi l’avantage, la saison complète sort en une fois ce vendredi, elle compte 8 épisodes d'une heure environ donc ça se regarde en un week-end si vous êtes motivés. Ça s’appelle « Le Palais de l’Est » et c’est sur Netflix.

Vous ne feriez pas de mal à une mouche, vous êtes empathiques et pourtant vous ne pouvez pas vous en empêcher : vous regardez des true crimes sur des plateformes de streaming. Vous savez, ce sont ces fameuses vidéos tirées d’histoires vraies où l’on se demande comment l’être humain peut être aussi sadique sans une once de remords. Ces vidéos qui nous racontent des histoires de tueurs en série, de disparition ou de meurtres non élucidés qui nous donnent la chair de poule.

Des histoires de ce genre, il y en a plein sur Netflix. Vous avez peut-être déjà vu Dahmer - alias le cannibale de Milwaukee, les frères Menendez qui auraient assassiné leurs parents dans le salon ou encore le documentaire consacré à Ted Bundy, le tueur d’étudiantes.

Eh bien je vous propose aujourd’hui un documentaire tout aussi affreux. Il s’intitule « Maternal Instinct : l’énigme Taylor Parker ».

Ici on suit le macabre projet de Taylor Parker, une jeune américaine qui fait croire à tout son entourage, y compris son compagnon, qu’elle est enceinte. L’idée étant donné qu’aucun enfant ne sera mis au monde au terme des neuf mois, vous l’aurez compris, eh bien c’est d’assassiner une amie bel et bien enceinte et de lui voler son enfant. Et c’est d’ailleurs ce qu’elle fera en 2020 avant d’appeler les secours.

Bon si elle le fait, c’est en partie pour réparer son crime, puisqu’en tuant la mère, elle a accidentellement tué le bébé aussi. Et il faut rendre tout ça crédible. Donc elle simule un accouchement dramatique mais une fois à l’hôpital : les médecins ne la croient pas.

Et ils ne sont pas les seuls, au fil de la grossesse, plusieurs membres de son entourage se doutent aussi de la supercherie sans imaginer l’issue tragique de cette prétendue maternité

C’est ce qu’ils nous expliquent dans ce documentaire poignant à découvrir donc sur Netflix. Âmes sensibles et jeunes mamans s’abstenir : comme le mentionne son entourage : « Pour un démon comme elle, l’enfer serait facile ». Vous voilà prévenus.