Civilcinema

Empezamos el "octubre rojo", con que conmemoramos el centenario de la Revolución Bolchevique, con El acorazado Potemkin, clásico indiscutible de Eisenstein, pero con el rabillo puesto en Huelga (1925) y Octubre (1928). En esta ocasión hablamos del montaje, de la relación del cineasta con Stalin y del extraña disonancia entre el mito libre del tiempo y del espacio del "acorazado", y del confinamiento de Octubre a una realidad que terminó por sustituir. Entre muchas otras cosas.

En la primera aparición televisiva en su ya larga y legendaria carrera, Sir Alec Guinness encarna al monacal agente de inteligencia George Smiley, vehículo a través del cual John le Carré despliega los grandes temas que cruzan su obra: el factor humano como debilidad y fortaleza; las labores de inteligencia como misión y vocación; y el cuestionamiento radical al valor de la "causa" por la que tanto y tantos se sacrifican. Mucho de puzzle, algo de thriller y bastante de tragedia hicieron del libro del libro una cumbre en la obra de su autor, cuya densidad rebalsa generosamente a esta adaptación y a otra posterior con Gary Oldman.

Tras diez años colaborando con Dean Martin, y algunas películas olvidables por cumplir, Jerry Lewis se reveló al mundo como un genio de enorme imaginación, rigor analítico y una autoconciencia atormentada. Sus películas parecen respuestas inacabadas a preguntas radicales sobre su propia persona, su lugar en la industria, sus merecimientos artísticos y el retorcido entorno que le dio fama, riqueza, éxito y un estatus del que parece estar sospechando siempre. De esto y más hablamos en el podcast.

Después de caer en la lista negra del Senador McCarthy y sus esbirros, de irse de EE.UU. para llegar a Francia y de ver proyectos boicoteados por el gobierno estadounidense, Jules Dassin dio el gran golpe. Basándose en una novela de mitad de tabla para abajo, usó su experiencia en el noir para crear una de las obras cumbres del género, en torno a la milimétrica descripción de un robo milimétrico, y el turbulento bajo mundo con sus férreos códigos. De eso y más hablamos en el podcast.

Esta película es a la vez un vórtice dentro de un subgénero muy particular, y un hito en cuando a lo permitido y lo permisible en la industria del cine. Salido del noir y de la Depresión, el género de los amantes en fuga conjugaba sexo y violencia, aunque fuera de manera no siempre explícita, pero en la película de Penn el género alcanzó nuevas alturas y honduras, haciéndose cargo de Vietnam y de la fractura cultural que se estaba produciendo en EE. UU. Todo lo que se hizo después en este género fue en respuesta a Bonnie and Clyde.

De la conjunción de estrellas, talentos, egos y alianzas que giran en torno a Judd Apatow y Seth Rogen, probablemente esta (junto con el virgen de 40 años) sean las obras más inspiradas y perdurables. Vestida con la estética y valores de los setenta, esta aventura nocturna no es más que el preludio de una saludable liberación de una cultura tóxica para sus protagonistas, y el emotivo comienzo de una nueva etapa de la vida. Y todo esto sale desde la más baja escatología. Inquieta el retrato que realiza de la fuerza policial y del perfil de individuo que trabaja en ella. De eso y más hablamos en el podcast.

Estas tres cintas consecutivas de Carol Reed son clásicos de lo que podríamos llamar el "noir británico". Deudora del expresionismo alemán, de los experimentos visuales de Orson Welles y sobre todo de la sombría visión de la humanidad que dejaron la guerra y sus ruinas, esta sensibilidad adoptada por Reed dio pie a dramas magníficos y singulares. Estos cimentaron la posterior carrera del director, pero nunca volvió a filmar películas tan potentes como estas. De esto y más hablamos en el podcast.

Llegamos al gesto fundador de lo que hoy conocemos como cine a través de dos obras intermediarias. Una es un programa filmado para la televisión francesa por Eric Rohmer en 1968; otra es un documental de Thierry Frémeaux sobre las películas de los Lumière, restauradas en 4K (de 2016). Una y la otra se plantean las decisiones artísticas detrás de las tomas de 50 segundos aparentemente inocentes que le dieron al siglo XXsu lenguaje propio, así como los valores que las animaban. Tanto los que nos parecen obsoletos y ajenos, como los que nos siguen interpelando hasta hoy.

A diez años de su estreno, esta película sigue fresca como una lechuga y se mantiene en la cumbre de la accidentada carrera de David Fincher. Formalmente impecable, su acelerada forma de abordar el paso del tiempo y el efecto disolvente de este en los vínculos, los intereses y la vida en general, la sigue colocando como una cinta singular y, tal vez, irrepetible. No por eso deja de ser también un gran juego, y tiene el buen gusto de invitar al espectador a que lo juegue. De eso y más hablamos en el podcast.

Como suele pasar con las películas largas (y buenas) las más de cuatro horas que dura esta cinta convierten el transcurrir de ese tiempo en una sensación de espacio, del que no se quiere salir. La narración omnipresente, ácida y no necesariamente confiable, obra de un escritor maduro (y parado en los hombros de hartos gigantes), se acompaña de una puesta en escena plástica y simple que funde el prodigio narrativo con el prodigio de producción. Cinta independiente con ambiciones faraónicas, que recomendamos encarecidamente ver (en Youtube) antes de escuchar este podcast.