Civilcinema

Tras más de 25 años de espera, Scorsese se salió con la suya y finalmente pudo filmar y estrenar esta historia ambientada en la persecución que sufrieron los cristianos en Japón, durante el siglo XVII. Con un gran respeto por la novela original (la que, de paso, es excelente), esta cinta se divide en tres partes claramente definidas, que ilustran un drama comparable al de una vela que se niega a apagarse en la más feroz de las tormentas. El autor hace un auto de fe no necesariamente religiosa en un momento muy delicado para su país y para el mundo. De eso y más hablamos en el podcast.

Justo en el punto medio de la escueta filmografía de Tarkovsky, El espejo es su película más aparentemente inabordable y a la vez la más cercana a su propio autor. Tras décadas de justificado pirateo por parte de los cineastas que le siguieron (en todo el mundo), esta cinta hoy se revela claramente como la autobiografía de un espíritu en su encuentro con otros. Con aquellos más significativos para un artista que profesa haber aprendido a mirar y a hablar, como indica su enigmático comienzo. De eso y más hablamos en el podcast.

El diseñador de modas Tom Ford sorprendió a todo el mundo con A Single Man, el reposado retrato de un viudo jalonado al mismo tiempo por el amor, por la muerte y por la esperanza tenue de encontrar algo que le haga cambiar de opinión. Con Nocturnal Animals fundió dos historias y tres géneros para referirse a sí mismo, a su mundo, a Los Ángeles y a varias cosas más con un ensañamiento que termina debilitando su película. De esto y más hablamos (y discutimos) en el podcast.

Desde su primer e increíble plano-secuencia, esta película deja en claro que el color y el movimiento serán un envoltorio permanente de una historia autoconscientemente manida, la que a su vez envuelve un centro duro, oscuro y triste como el Rosebud del Charles Foster Kane. Los clásicos citados y homenajeados no están ahí para que escudarse en su grandeza sino para dar las pistas y el tono a una tragedia inevitable (privada y pública), cuya amargura es exacerbada por un perverso y perfecto "happy-ending". De eso, de Whiplash (2014) y de otras cosas, más hablamos en el podcast.

Coraline (2009), ParaNorman (2012), The Boxtrolls (2014)y Kubo and the Two Strings (2016) conforman una filmografía pareja, contundente y con una vocación pública de una profundidad casi inédita en el género, pero que nunca eclipsa el peso emocional ni el perfilamiento de sus personajes. Realizadas con un stop-motion que tiende a confundirse con la animación digital, estas películas partieron siendo recargadas fantasías góticas, pero en Kubo esto fue reemplazado por un arte más desnudo, pero con un trasfondo más denso en lo conceptual. Todo esto salió de una productora de Portland, llamada Laika.

Coraline (2009), ParaNorman (2012), The Boxtrolls (2014)y Kubo and the Two Strings (2016) conforman una filmografía pareja, contundente y con una vocación pública de una profundidad casi inédita en el género, pero que nunca eclipsa el peso emocional ni el perfilamiento de sus personajes. Realizadas con un stop-motion que tiende a confundirse con la animación digital, estas películas partieron siendo recargadas fantasías góticas, pero en Kubo esto fue reemplazado por un arte más desnudo, pero con un trasfondo más denso en lo conceptual. Todo esto salió de una productora de Portland, llamada Laika.

Si bien Kenneth Lonergan está al borde de la consagración con la estupenda Manchester by the Sea (2016), centramos este podcast en Margaret. Esta cinta de protagonista infuriante, trama inicialmente dispersa y longitud atípica para un drama madre-hija, trata tanto sobre la relación de dos mujeres, como también sobre lo que ambas imaginan es su relación con una ciudad que no puede evitar servir de audiencia para sus fascinantes vidas. Los movimientos de cámara, las tomas a los rascacielos y las mezcla de sonido están ahí para probarlo... y desmentirlo.

Las tres películas de la alemana Maren Ade funcionan sobre la ineptitud o la inadecuación de personajes enfrentados finalmente a un límite, del que solo pueden salir curvando la realidad. Con una puesta en escena al servicio de las tensiones, la última de sus películas (Toni Erdmann, 2016) ha despertado atención mundial por su capacidad de agregar nuevos recursos al género del drama familiar y por abrir la mirada hacia otros elementos. De eso y más hablamos en el podcast.

La salamandra, La mitad del mundo y Jonás, que tendrá 25 años el año 2000, constituyen la trilogía en que colaboraron el cineasta suizo Alain Tanner con el ensayista y crítico británico John Berger. Las tres películas abordan experimentos fallidos, situaciones en que seres mutuamente diferentes construyen relaciones significativas pero también efímeras e inviables dentro del siempre opresivo orden suizo, donde los personajes y los realizadores -todos náufragos de Mayo del 68- hacen de la inadaptación un arte. De esto y más hablamos en el podcast.

En 1972, un crítico de arte y ensayista relativamente conocido y bastante respetado en el medio inglés, realizó un programa pionero en lo que se refiere a divulgación cultural. El expintor John Berger, armado con el marxismo, el feminismo y las ideas de Walter Benjamin (entre otras), hizo una relectura radical de la historia de la pintura moderna (1400-1900) no con el afán de entregar conocimiento sino herramientas críticas, aplicables también al propio programa. Así de grande y generoso era John Berger.