Civilcinema

Tras un ensayo, demasiado basado en las cintas Dogma y en lo que hacía los cineastas franceses en la década pasada (Kinetta, 2005), el griego Yorgos Lanthimos redefinió algunas de sus premisas y elementos estilísticos para volver con Kynodontas (2009), cinta mayor que causó un merecido revuelo por plantear una situación que puede aludir a la familia, la religión, el Estado y hasta la industria cultural, como un espacio de opresión destinado al desequilibrio y a un final... que no es necesariamente mejor. Eso dio a pie a una carrera internacional (Alpeis, 2011; The Lobster, 2015) aún en desarrollo. De eso y más hablamos en el podcast.

Tras un ensayo, demasiado basado en las cintas Dogma y en lo que hacía los cineastas franceses en la década pasada (Kinetta, 2005), el griego Yorgos Lanthimos redefinió algunas de sus premisas y elementos estilísticos para volver con Kynodontas (2009), cinta mayor que causó un merecido revuelo por plantear una situación que puede aludir a la familia, la religión, el Estado y hasta la industria cultural, como un espacio de opresión destinado al desequilibrio y a un final... que no es necesariamente mejor. Eso dio a pie a una carrera internacional (Alps, 2011; The Lobster, 2015) aún en desarrollo. De eso y más hablamos en el podcast.

La disolución de una familia es el hilo central de este obra inclasificable entre el teatro y la sitcom, que además mezcla la hilaridad, el absurdo, la inadecuación y el profundo sentido de la tragedia que su creador, Louis C.K., ha venido desarrollando con los años. El gesto de encerrarse y reconcentrarse en un espacio restringido -un bar- le permitió identificar y retratar las mismas fuerzas disolventes que están barriendo con su país en la actualidad. De eso y más hablamos en el podcast.

Esta película recorre y profundiza algunas de las líneas trazadas por Tres tristes Tigres (1968), como el peso de la oralidad y los espacios no reconocibles, para hacerse cargo de un tipo humano y del país que habita, sometidos a una tensión sorda e invencible. El progresivo deterioro mental y moral de su protagonista arrastran deliberadamente a la película y a un país completo, el cual solo puede ser habitado mediante un férreo solipsismo. De eso y más hablamos en el podcast.

El estadounidense Jeremy Saulnier llamó la atención con Blue Ruin, un drama de venganza familiar visto desde la mente extraviada de un protagonista que se deja llevar por una violencia que ya lo había destruido desde hacía tiempo. Con más recursos y más prestigio, Saulnier se largó con Green Room, película que se sirve de ciertos recursos del terror, pero puestos al servicio de una premisa plausible en el mundo real y que sirvió como advertencia contra el advenimiento del fascismo que está ocurriendo hoy en EE. UU. De eso y más hablamos en el podcast.

Si bien la cartelera nos propina bastantes y mediocres cintas de terror (como bajo continuo de las franquicias de superhéroes), cada cierto tiempo aparecen joyitas como esta: películas que tuercen y enriquecen el género volviéndolo una caja de resonancia de otras cosas, más reales y más terribles. Si a eso agregamos una dirección de arte impecable, una fotografía y una música que invocan el cataclismo y actuaciones que transmiten indefensión, tenemos un pequeño clásico instantáneo, eficiente embajador de la época que retrata.

El prisionero 13 (1933), El compadre Mendoza (1934) y Vámonos con Pancho Villa (1936) constituyen una mirada todavía en caliente sobre una revolución terrible y sangrienta, que ni siquiera los vencedores (el régimen del PRI bajo el que fueron filmadas estas películas) podían afrontar del todo. El relato frenético, lleno de soluciones y elipsis eficaces, convive con un ojo intencionado a los detalles que hablan de una sociedad y de sus personas, un ojo que no hace otra cosa que poner en cuestión el mito revolucionario. De eso y más hablamos en el podcast.

El prisionero 13 (1933), El compadre Mendoza (1934) y Vámonos con Pancho Villa (1936) constituyen una mirada todavía en caliente sobre una revolución terrible y sangrienta, que ni siquiera los vencedores (el régimen del PRI bajo el que fueron filmadas estas películas) podían afrontar del todo. El relato frenético, lleno de soluciones y elipsis eficaces, convive con un ojo intencionado a los detalles que hablan de una sociedad y de sus personas, un ojo que no hace otra cosa que poner en cuestión el mito revolucionario. De eso y más hablamos en el podcast.

El Presidente Dwayne Elizondo Camacho que llegó a la Casa Blanca no fue un alter ego musculoso de James Brown, sino un blanco descendiente de alemanes y heredero de una fortuna que le ha permitido navegar entre los negocios y la farándula, convirtiendo sus defectos en virtudes, como solo podría ocurrir en una... idiocracia. La (nueva) bancarrota cívica de EE.UU. es observada a partir de la premonitoria y dañina (diremos por qué) cinta de Mike Judge y de otras señales al respecto que andan por ahí.

El Presidente Dwayne Elizondo Camacho que llegó a la Casa Blanca no fue un alter ego musculoso de James Brown, sino un blanco descendiente de alemanes y heredero de una fortuna que le ha permitido navegar entre los negocios y la farándula, convirtiendo sus defectos en virtudes, como solo podría ocurrir en una... idiocracia. La (nueva) bancarrota cívica de EE.UU. es observada a partir de la premonitoria y dañina (diremos por qué) cinta de Judge y de otras señales que andan por ahí.