Civilcinema

Jean Cocteau fue dramaturgo, escenógrafo, poeta, dibujante, cineasta y unas cuantas cosas más, y volcó buena parte de ese bagaje en esta película. Montada sobre un relato moral¡zante del siglo 18, Cocteau le dio un giro leve y significativo hacia la observación psicoanalítica y hacia mitos aun más viejos. Hacia el viejo arte de los frescos en los cielos y los nuevos recursos que el cine ofrece para expresar lo sublime. Hacia el pasado y hacia el futuro. De eso y más hablamos en el podcast.

En algún momento, Wim Wenders se fue al diablo con sus ficciones. Sus documentales sobre otros artistas mantienen una inquietud y un vigor que las ficciones perdieron hace tiempo, y el comienzo de la debacle fue Hasta el fin del mundo. Lo paradójico es que esa película culmina pero también exacerba lo bueno y lo llamativo de dos colosos anteriores: uno estadounidense montado sobre The Searchers; otro genuinamente Europeo y volcado por igual al pasado y al futuro. De eso y más hablamos en el podcast.

No es claro que J.C. Chandor sea un autor y menos aun que quiera serlo. Sus tres películas son bastante distintas entre sí, y las tres parecen porosas a la influencia de otras fuerzas e intereses, pero siempre con un resultado positivo y atractivo para la abandonada audiencia adulta. Empezamos con la crisis subprime, seguimos con una fábula a lo Hemingway y terminamos con la historia de un obsesionado con su propia historia. De eso y más hablamos en el podcast.

Alex Gibney es un documentalista prolífico y versátil, capaz de cubrir con discreción, rigor y múltiples recursos una gran variedad de temas, exponiendo historias cada vez más complejas y –lo más importante– con personajes cada vez más fascinantes. En el caso particular de los documentales nombrados, y de otro dedicado a la cientología, tenemos tres historias genuinamente americanas, en torno a los personajes que lo quieren todo, culminando siempre con la imposición del mito de su triunfo. A veces resulta, a veces no; y en el proceso Gibney pinta semblanzas vívidas y muy poco comunes en el cine actual. De eso y más hablamos en el podcast.

Desde fines de los 60 y durante toda la década de los 70, la realizadora belga Chantal Akerman expandió el universo de lo filmable a través de diversos experimentos audiovisuales. La sórdida geometría de un hotel mudo y celador de sus pasajeros; la mirada asombrada de Nueva York que no sabemos si es un recuerdo o la imaginación de una madre ausente; la historia de infancia, adolescencia y juventud de una hablante que es la propia realizadora... y al centro de todo ello está el vórtice llamado Jean Dielman, y sus reflexiones sobre el tiempo, el espacio, el montaje, la sujeción de las mujeres, la sexualidad y la vida urbana, entre otros tópicos. De eso y más hablamos en el podcast.

El cineasta austriaco G.W. Pabst saltó del teatro al cine, y lo hizo en Alemania con un cine que pasó por el lado del expresionismo de los años 20, para enfocarse tanto en el realismo crítico como en el drama psicológico. Las dos películas de las que hablamos hoy encarnan esta mixtura, teniendo como punto focal a la actriz Louise Brooks, cuya interpretación desenvuelta, extrema y sumamente versátil para encarnar a dos personajes muy distintos, la convirtió en un icono que proyectó su sombra hasta bien avanzado el siglo 20. De eso y más hablamos en el podcast.

La mirada perdida, aturdida e inocente del protagonista Milos no cuadra con la locución en off con la que este personaje se presenta a él mismo y a la película que protagoniza. Esas líneas mordaces no cuadran con el animalito cuya impavidez natural se ve turbada por las hormonas aceleradas en un contexto bélico y de ocupación nazi, es decir, amoral hasta la médula. Milos se hará hombre y en el proceso se dejará arrastrar por otras fuerzas, como después pasó en mayo del 68 y acá en Latinoamérica. De eso y más hablamos en el podcast.

Aardman se equivoca poco, y cuando lo hace tampoco se nota tanto ni termina de desmerecer obras movidas por la buena intención, la exaltación de la solidaridad y -por sobre todo- del trato digno a los animales. Dotadas de guiones apretados y eficaces (dada la ardua tarea de hacer stop-motion con plasticina), las películas de este estudio británico equilibran las historias directas y reconocibles con la complejidad técnica y un humor esencialmente blanco, pero no carente de mensajes humanitarios y políticos. La cinta con la oveja Shaun tiene mucho de eso pero también se aparta un poco, y de eso y más hablamos en el podcast.

El cineasta ruso Aleksei German pensaba al revés y filmaba al revés. Ignorado, incomprendido y censurado por el Estado soviético, primero, y por el mercado capitalista, después, se atrevió a filmar lo que le dio la gana: películas sin tramas aparentes y con una puesta en escena donde todo se mueve, se mezcla y explota, como en la mirada de un niño asustado ante un caos absoluto. Una historia semiautobiográfica y una cinta de ciencia ficción fueron las últimas obras de este artista único y capaz como pocos de estampar imágenes y sensaciones en la conciencia de un público que ya no necesita entender. De esto y más hablamos en el podcast.

Estas películas supuestamente son las últimas de los colosos de la animación Takahata y Miyazaki, los pilares del estudio Ghibli. Los temas, tramas e imágenes de estas cintas hacen creíble un posible final de sus carreras y de su estudio, pues la muerte y la expectativa de la muerte tienen un rol importante por sí misma como catalizador de un balance acerca de lo obtenido y lo sacrificado en ese lapso indescifrable que se suele conocer como vida. De eso y más hablamos en el podcast.