Civilcinema

Esta es una gran película de terror, pero porque el terror no es más que la caja de resonancia de las pasiones, rencores y afectos con que se nutre el melodrama. En este caso, un melodrama basado en la relación entre una madre y un hijo unidos y separados a la vez por una tragedia fundacional que tiene muchas formas de hacer notar su presencia: una casa avejentada y convertida en un museo, un cumpleaños que no se celebra como corresponde y finalmente una extraña sombra de capa negra. El Babadook es eso y más, y en la película vemos las formas que toma y los cuerpos termina invadiendo. De esto y más hablamos en el podcast.

Claude Chabrol filmó mucho. Cosas muy buenas, otras buenas, unas cuantas más o menos, y algunas de mitad de tabla para abajo. En general se movió con coordenadas reconocibles como la admiración por Balzac, la fijación en la vida de provincia, el interés por cierta forma de demencia que se vuelca a la brutalidad primigenia y un colorido característico en su puesta en escena. Entre lo mejor que filmó, está El carnicero, historia de amor revestida de thriller, cuyos márgenes son mucho más amplios que los del pequeño pueblo en que transcurre. De eso y más hablamos en el podcast.

Hirokazu Koreeda es uno de los realizadores japoneses contemporáneos más regulares y merecedores de seguimiento. Su cine sostiene sus tiempos lentos y sus dramas calladamente intensos sobre los gigantescos hombros de Ozu, pero no teme -de cuando en cuando- situar sus historias en extremos sobrenaturales (After Life) o en premisas aparentemente absurdas (Air Doll) para referirse al intento humano -y particularmente adulto- de situarse en la vida de una manera que lo satisfaga o lo realice. No hay nada de sobrenatural y absurdo en De tal padre, tal hijo, sino todo lo contrario. De esto y más hablamos en el podcast.

Los hermanos Maysles mostraron muchas cosas, a veces volviéndose invisibles para las personas retratadas, a veces convirtiéndose en el público que sus sujetos necesitaban para expresarse. De una u otra manera, el resultados son obras expresivas, algo trabajosas y con un nivel de exposición de las personas que llega a parecer inverosímil, algo que ni siquiera un buen guión de ficción se atrevería a mostrar. Más allá de eso, los Maysles siempre intentaron -y casi siempre pudieron- retratar personas moviéndose en un mundo que ellas mismas crearon, aunque no siempre estén cómodas en él. De eso y más hablamos en el podcast.

Podríamos decir que esta película tiene dos mitades. La primera combina la personalización del gusto y del estilo de vida que se dieron en los años 80, junto con una atmósfera social y de consumo con ecos de Douglas Sirk en los que la protagonista, Carol White, nunca se siente demasiado cómoda. La segunda mitad es la consecuencia del propio solipsismo de la protagonista, un viaje con destino incierto que toma ribetes de cinta de terror.

De eso y más hablamos en el podcast.

Un buen camino para hablar de esta película es decir lo que no es: no es un selectivo recuento de "hechos importantes" en la vida del pintor inglés J.M.W Turner; no es una romantización de la "fascinante vida" de un hombre talentoso; no es la adaptación de una vida al formato de historia, con un desenlace o apoteosis. Las cápsulas en que son abordadas alternadamente las dimensiones personales, afectivas, artísticas y epocales de la vida del pintor son discontinuas, elocuentes y engañosamente gratuitas, aclarando y oscureciendo la evolución del artista hacia el estilo que lo convirtió en un pionero. De eso y más hablamos en el podcast.

Una de las grandes películas icónicas del siglo 20. Imitada, citada, releída y reelaborada en circunstancias muy distintas al contexto de New Deal en que fue creada, pero siempre hurgando en su carga psicológica, la que no hace ningún esfuerzo por ocultarse. Muy concisa en su narración, fluida en sus movimientos y magnífica en su vestuario y escenografía, esta película sigue siendo muy placentera de mirar porque la parte sepia es elocuente y la parte en colores es derechamente despampanante. De eso y más hablamos en el podcast.

Si durante parte importante del siglo 20 el cine fue considerado un arte menor para entretener a las masas, los cortos que solían dar antes de las películas probablemente ni siquiera eran considerados una forma artística. Tan ninguneado como los cómics, este género resultó igual de prolífico en obras maestras y grandes maestros que otras artes, y con la ventaja de haber dejado una huella tremenda en la cultura popular que se extiende a otros géneros como sitcoms, películas y a la distorsionada oferta para el entretenimiento infantil que se ve por estos días. Porque, no hay que olvidarlo, los cortos clásicos nunca fueron para niños. De esto y más hablamos en el podcast.

La cuarta película de este director ruso retoma la vocación rural y contemplativa de sus dos primeras cintas (El regreso, 2004, y El destierro, 2007) y le agrega la denuncia social de su tercera cinta (Elena, 2011), para conformar una obra mayor. Perfecta en lo formal, eficaz en lo narrativo (aunque se le pasa la mano con la caricaturización de ciertos personajes)y punzante a nivel discursivo, su denuncia contra la corrupción de la iglesia, el Estado y la justicia de su país se expande incluso hacia una indagación feroz sobre el sentido de la propia existencia de la humanidad como especie. Ambición gigante sostenida sobre sólidos cimientos bíblicos, literarios y cinematográficos. De esto y más hablamos en el podcast.

Comercializada erróneamente por la Warner como un filme bélico menor, esta película se metió de lleno en la pelea por el Oscar gracias a un éxito tan arrollador como inesperado. Vista por algunos como la hagiografía reaccionaria de un reaccionario recalcitrante, vista por otros como la evidencia del daño que el modelo estadounidense inflige hasta en sus más convencidos defensores, la cinta se la juega a la vez por la velocidad y la omisión. De esto y más hablamos en el podcast.