Civilcinema

Una película sobre películas. O más bien una película sobre la imagen que las películas proyectan de una ciudad. La ciudad más fotografiada del mundo es a la vez la menos fotogénica, dice su autor, lo que es el resultado de procesos político-económicos como la desindustrialización de Los Angeles, y también de rol de comodín como escenario de cualquier cosa, un ciudad que borra su rostro para convertirse en cualquier otra cosa. Los mitos urbanos, la relación con la arquitectura moderna, la vida de las minorías, la degradación de los espacios y servicios públicos, son algunos de los temas que mencionamos y desarrollamos en el podcast.

Esta cinta nocturna, como lo era Taxi Driver, chapotea en el esperpento de un país en crisis económica y en una bancarrota moral intelectual que hace posible el singular emprendimiento de Lou Bloom. No sabemos si este personaje pasará a la historia al igual que el taxista de DeNiro (probablemente no), pero sí sabemos que fue una gran vitrina para que Jake Gyllenhaal tratara de acercarse al Oscar. Y si bien no le resultó, su trabajo encarnando a un escuálido y maquinal sociópata es uno de los puntos altos del acorralado "cine adulto" (por ponerle un nombre) estadounidense. De eso y más hablamos en el podcast.

El Óscar a la Mejor Película Extranjera fue creado para entregárselo a Vittorio De Sica y su equipo por Lustrabotas. La Academia no tenía en aquel entonces una forma oficial de reconocer a los realizadores de un filme que removió al mundo entero y que tenía muy desarrollado el germen de lo que después se conocería como "Neorrealismo italiano". Dos años después, De Sica volvió a recibir un Oscar por Los ladrones de bicicletas, cinta que incluso figuró en el primer lugar de la lista Sight and Sound de las mejores películas de la historia. Cuatro años después, Umberto D. cierra esta fase de la obra del director, porque simplemente no se podía retratar la desesperación con más detalle. De eso y más hablamos en el podcast.

Esta película se pensó como un entretenimiento gigante y completo, que tenía acción, romance, música, comedia y principalmente un drama que hoy llamarían un "bromance", los vaivenes de la amistad entre dos iguales, dos machos calados como John Wayne y Dean Martin. Con una fluidez que suelen tener los filmes orientales, esta película se pasea por todos los géneros nombrados dejando cierta sensación de ligereza y de depuración al mismo tiempo, de simplificar ciertas cosas para complejizar otras. De esto y más hablamos en el podcast.

La última película de este maestro danés del cine mundial tiene el aspecto exterior de un drama declamatorio, un poco como las películas de los Straub, y una trama de telenovela con personajes rimbombantes. Gertrud es una musa cuyo único contenido es el deseo de amor absoluto, que le sirve para inspirar a poetas, políticos y músicos, pero que recibe a cambio de una insatisfacción radical cuyo despliegue se mueve en el mundo de las palabras... pero es mostrado con recursos fílmicos. Depurados, discretos, perfectos. Sin embargo su deliberado aspecto anticuado se come en parte a esta película, un gran cierre que no opaca a la verdadera obra maestra de Dreyer: La pasión de Juana de Arco (1928). De esto y más hablamos en el podcast.

Antes de Charlie Wilson, de Secretaria ejecutiva y de Silkwood, Mike Nichols se forjó un nombre parándose en los hombros de una tradición teatral que conocía bien, y de una literatura deudora de Salinger y también de europeos como Arthur Schnitzler y Robert Walser. En cinco años filmó cuatro importantes películas que cubrieron la programación social de los deseos íntimos, la desorientación de los jóvenes ante aquello que heredan y, también, el carácter opresivo que estaba adquiriendo la vida en sociedad a los ojos de sus miembros más lúcidos y descreídos. El hecho de que esto fuera un callejón sin salida en términos intelectuales y narrativos podría explicar en parte que la carrera de Nichols después adquirió un rumbo completamente diferente. De esto y más hablamos en el podcast.

Luis García Berlanga, o Berlanga no más, no solo fue un maestro del sainete, sino de la navegación creativa en tiempos de censura y de flagrante omisión del recuerdo de los vencidos y de sus ideas. Tras la apariencia de una comedia mordaz, pero no necesariamente mal intencionada, se filtra un despliegue de estupidez y descontrol que parece arrasar con todo, partiendo por los pocos personajes que encarnan el sentido común y que podrían generar identificación con los espectadores. Ya después, en democracia, filmó La Vaquilla como una manifestación algo estéril del deseo de que la Guerra Civil jamás hubiera ocurrido, y donde los personajes importantes se mimetizan con sus enemigos, revelando el absurdo que dejó a España herida para siempre. De eso y más hablamos en el podcast.

Este clásico del cine sueco basado en la novela homónima de Selma Lagerloff remeció el cine de su época y dejó cierta descendencia bastante más célebre que su realizador, Victor Sjöstrom. El uso del racconto y el efecto con que se logró la fantasmal presencia del carretero de la muerte significaron un enorme avance en las posibilidades del cine, haciendo creíble y eficaz la presencia del horror sobrenatural como en espejo del horror moral. Ingmar Bergman y Stanley Kubrick son dos maestros que aprendieron del casi olvidado maestro Sjöstrom. De esto y más hablamos en el podcast.

El italiano Sergio Leone filmó apenas siete películas en sus 60 años de vida. Aparte de su primera cinta –un peplum no muy conocido– su trayectoria puede dividirse en tres "spaghetti westerns" de magistral factura y de crecientes dimensiones y ambición, y en tres obras ya de mayores dimensiones que culminan con la cinta de la que hablamos hoy. Su productor la encontró demasiado larga y le cercenó 25 minutos. Los distribuidores estadounidenses la encontraron demasiado enredada y la montaron cronológicamente y le cortaron una hora y media. Por suerte, el corte europeo permitió que la película tuviera el impacto que se merecía y por suerte también salió una versión en Blu-Ray con los 25 minutos cortados originalmente. Así se puede apreciar a esta obra maestra en toda su dimensión.

Esta película es una semilla, una partícula pequeña y densa de materia de cuyo interior surge un ser vivo que crece y se ramifica pero que no pierde nunca su vínculo con ese pequeño granito del cual salió. Los aclamados cineastas iraníes que ganaron y ganan festivales y admiración salieron todos de este "capote de Gogol", solo que esta vez el capote era un breve documental por encargo sobre un leprosario, y el Gogol iraní es una poeta/cineasta que murió a los 32 años en un accidente automovilístico. Todo lo que rodea a esta película parece extremo y milagroso. Todo lo que está dentro de ella, lo es. De esto y más hablamos en el podcast.