L’Espressionismo Astratto è un movimento artistico americano del secondo dopoguerra che rompe con l’arte figurativa tradizionale, puntando sull’espressione delle emozioni tramite tecniche astratte. Tra i suoi protagonisti ci sono due grandi filoni: l’Action Painting, rappresentato da Jackson Pollock, e la Colorfield Painting, a cui appartiene Mark Rothko. Rothko usava grandi rettangoli di colore stratificato per evocare emozioni profonde e trasformare l’arte in un’esperienza spirituale.

Rothko ha cercato nella sua arte di superare l’estetica per parlare all’anima, rifiutando le imposizioni commerciali e lavorando su progetti potenti come la Rothko Chapel. La sua filosofia ruotava intorno alla connessione tra arte e mito, alla ricerca di un significato universale e senza tempo, anche se la sua vita fu segnata da profondi tormenti personali.

Le emozioni, invisibili ai sensi, possano essere rese visibili attraverso l’arte, come la pittura o la musica, per esprimere le forze interiori umane. Viene elogiato Francis Bacon, descritto come un artista capace di catturare queste forze, in particolare il grido umano, che non è solo simbolo di sofferenza, ma anche strumento di conoscenza. Si esplorano le influenze artistiche del XX secolo, come l’Espressionismo, il Cubismo e il Dadaismo, movimenti che hanno trasformato la percezione artistica. Viene narrata la biografia di Bacon, il suo rapporto tormentato con la famiglia, la scoperta della propria identità e il percorso artistico, evidenziando la sua capacità di trasmettere la crudeltà e complessità della vita attraverso il dipinto. Bacon rifiutava la narrazione esplicita, preferendo dipingere emozioni intense e distorsioni visive che rappresentavano verità più profonde dell’esperienza umana, spesso utilizzando la fotografia come punto di partenza per la sua pittura. I ritratti di Francis Bacon sono più che rappresentazioni fisiche: rivelano tensioni emotive ed esistenziali profonde, catturando l'essenza interiore dei soggetti. Bacon è influenzato dagli studi di movimento di Muybridge e dalle immagini di atleti e animali, utilizzando la deformazione dei corpi per esprimere l'energia invisibile e la violenza dell'amore. Il suo studio caotico era una fonte di ispirazione, trasformando polvere e disordine in arte. La relazione con George Dyer ha segnato profondamente la sua arte, culminando nei "Black Triptychs", che esplorano dolore, perdita e mortalità. Bacon ha continuato a evolversi come artista fino alla sua morte nel 1992.

Hopper è uno dei miei pittori preferiti ed è uno degli artisti che ho incluso nel mio nuovo progetto, un concept album che si focalizza sugli artisti del 900, questo progetto nasce dalla voglia di trasmettere e comunicare attraverso la musica, la mia passione per l'arte contemporanea, perché l'arte può essere di grande aiuto all'uomo per comprendere se stesso e il tempo in cui vive. il singolo che ho pubblicato qualche settimana fa si chiama "SILENCE" parla di Hopper e si può ascoltare su tutte le piattaforme digitali. Per ogni canzone che uscirà su un artista farò degli approfondimenti. Questo è su Edward Hopper uno dei maggiori esponenti del realismo americano.

Mark Rothko è considerato uno dei più grandi pittori del XX secolo, noto per il suo contributo alla Color Field Painting, un movimento artistico che si sviluppò negli anni '50 e '60 negli Stati Uniti. La sua carriera artistica iniziò negli anni '30 e fu influenzata dalle sue esperienze di persecuzione antisemita durante la sua infanzia in Russia.

Rothko abbandonò la figurazione per creare opere che esplorano forme sfumate e indefinite, utilizzando il colore come mezzo per evocare emozioni e sensazioni. Le sue opere sono caratterizzate da campiture di colore rettangolari con confini sfumati e indefiniti. Rothko era un artista meticoloso che dedicava molto tempo e pazienza alla sua arte. Le sue opere sono spesso di grandi dimensioni e invitano lo spettatore a una dimensione spirituale superiore, alla contemplazione e all'auto-riflessione. I suoi dipinti evocano emozioni come la trascendenza,

'introspezione, la serenità, il mistero e la passione.

Sono partita da una riflessione personale riguardo l'identità e l'autostima e ho pensato a Michelangelo Pistoletto, un artista italiano noto per essere il maggior esponente dell'arte povera. L'arte povera si caratterizza per l'uso di materiali semplici e la volontà di spogliare l'arte dal futile, puntando sulla sostanza.

Pistoletto per sapere qual era il suo posto nel mondo e chi fosse per davvero è arrivato alla creazione dei quadri specchianti.

Bill Viola è un artista statunitense, il più grande artista della videoarte dagli anni Settanta ad oggi. La sua arte si concentra su concetti assoluti come morte, nascita, coscienza, la sua poetica è incentrata sull'emotività, sul sacrificio, il tutto in una dimensione spirituale!

Andy Warhol se fosse nato nella nostra epoca, sarebbe stato sicuramente un influencer, non faccio fatica ad immaginarlo su Instagram, su Facebook o su TikTok. Divenne a tutti gli effetti uno degli artisti più influenti della sua epoca. Per molti è considerato la sfinge dell'arte contemporanea. Andy voleva rappresentare la società dei consumi insomma ciò che vedeva intorno a se dal cinema ai rotocalchi alla strada.

Lichtenstein gioca con i miti dello stile di vita americano, creando opere xche sottolineano la banalità degli oggetti quotidiani con grande ironia. Prende un mezzo espressivo comune e alla portata di tutti, come il fumetto, per renderlo arte!

Ron Mueck attraverso le sue opere cerca di farci riflettere su ciò chec'è dentro un corpo. Le sue opere sono in fibra di vetro e silicone, nelle sue sculture svanisce la bellezza che lascia spazio al vissuto di ognuno di noi.

Sarebbe utile guardare il mondo con gli occhi di Magritte e scoprire che la realtà non è sempre così come sembra!