电影留声机｜听懂电影原声音乐

前两期，我们聊了铁汉柔情，都跟战争有着莫大的干系。那么，本期，我们就来聊聊真实的战争，以及战争当中，真实存在的音乐故事。
电影《钢琴家》（英语：The Pianist）上映于2002年，是波兰籍导演罗曼·波兰斯基执导的以纳粹德国侵略波兰华沙为背景，主要反映波兰犹太人遭遇的故事片。电影取材来自波兰犹太作曲家和钢琴家瓦迪斯瓦夫·斯皮尔曼的回忆录。
该片在2003年的第75届奥斯卡奖中，囊括了最佳导演、最佳男主角等在内的7个大奖。
影片讲述的是波兰犹太音乐家的故事，导演也是波兰籍，所以全片所采用的钢琴曲均来自波兰大作曲家、钢琴家肖邦的作品，肖邦的忧郁加上二战的背景，表现只能用完美二字形容。虽然用“完美”二字形容二战似乎不太合适，但是我主要讲的是艺术层面上的东西，也就还算贴切吧，大家海涵！
斟酌许久，虽然影片一共采用了肖邦的三首夜曲，两首叙事曲，一首圆舞曲，一首前奏曲，两首马祖卡和电影结尾时的钢琴与乐队的“光辉大波兰舞曲”（Grande Polonaise），每一首都选用得恰到好处，和电影的结构、情节和场景的转换、主人公的心境环环相扣，但本次我只给大家赏析一首《升c小调夜曲》（Nocturne in c sharp miner op.poth.）
该作品约作于1830年，肖邦原来并未构思为夜曲，而仅标以“极有表情的慢板”（Lento con gran expression）字样。此曲的受赠人是肖邦的姐姐鲁德维卡。鲁德维卡在肖邦死后把他未经出版的作品编辑了一个目录，她在这首作品的题名下标以“夜曲风格的慢板”（Leto w rodzaju Nokturna ）字样。因此这首作品就被认为应归属于夜曲，直至1875年，也就是肖邦死后26年后才得以发表，最终问世。
在影片中，该作品共出现了两次，影片中的男主角，波兰犹太钢琴演奏家斯皮尔曼在波兰电台录音时，伴着窗外的炮火声和楼房的摇晃弹奏的就是肖邦的这首著名的《升c小调夜曲》，然而炮火最终将钢琴声打断。五年过去了，战后获救的斯皮尔曼回到波兰电台，他弹奏的第一首曲子还是这首《升c小调夜曲》，弹奏时还留下了激动的泪水，因此，该曲贯穿始末，成为了影片的灵魂。就像斯皮尔曼在他的回忆录中写的那样：“五年的时间，对于这首《升c小调夜曲》来说，似乎只是一个短暂的休止符，它好像只是被稍稍地打扰了一下”。
该曲及电影中所有的演奏桥段，均由波兰著名钢琴家雅努什·奥莱伊尼恰克（Janusz Olejniczak）演奏，并且，大师还全程参与了电影演出，也就是说，电影中所有出现的演奏特写，都是大师的手，而不是演员的手。

雅努什·奥莱伊尼恰克，1952年出生于波兰华沙，70年代就已经是波兰家喻户晓的钢琴家，主要学习的就是肖邦的作品，也是目前演奏肖邦作品最多的钢琴家之一。
我听过很多版本的演奏，确实很喜欢雅努什·奥莱伊尼恰克对于这首夜曲的节奏把控。前面提到过，这首夜曲大约是肖邦在1830 年前后创作的，按年代应排在第19 首(c 小调)之后，是肖邦青年时期创作的第二首夜曲，此曲是带有引子和尾声的三段体式。引、尾两小节主旋律一路下行，具有低沉叹息的韵味，它被完整重复了一次，这是肖邦有意加深小调色彩的浓度，以表达其心境的不悦和哀伤，力度减弱又让人感觉是在期待和祈求。
同时，三段式的旋律在感情上的释放，也充分和电影中战前、战中、战后的剧情起伏有着无比默契的配合，所以，我将此曲称之为电影的灵魂，应该是不过分的。
本次推荐的这首作品，严格上说并不是电影的原声作品，是一首正宗古典钢琴曲。但整个影片的故事，都是围绕着真人真事来拍摄的，所以，这首古典作品恰恰正是全片的主线以及灵魂。这样一来，我们就回到了以前提到过的一个话题，中文所说的古典，英文其实是Classic，直译应为经典，很多作品正因为经典，才得够得以传世，您说呢？欢迎大家在评论区留下您的看法。
好了，本周的电影留声机就聊到这儿，我们下周再见！

上一期我们讲述了中国1300年前的铁汉柔情，那么，今天，我们就来讲讲西方不一样的铁汉柔情。因为，这次的铁汉是真铁汉，妥妥的全金属，没有丝毫血肉。这群铁汉分做两派，一派叫汽车人，一派叫霸天虎，从我记事起，就打个不停，30来年了，从赛博坦星球打到地球，又从动画片打成了真人电影，但似乎依然没有看到头，也不知道什么时候才能打出个结果。
玩笑归玩笑，但不可否认的是，《变形金刚》这个IP，似乎就是陪伴着80后长大的。而且，随着剧集周边产品的诞生，无论80后、90后还是00后，对变形金刚都不会陌生。从大量的周边产品中，我们认识到了就算这些东西全是中国制造的，但价格依然贵得离谱，所以，记忆中很深刻的一件事，就是有钱的邻居手里拿着正版擎天柱那得意洋洋地眼神，以及我手里残破的小山寨货。回想起来还真的是很有意思。
不过，现在的我对以前动画版的《变形金刚》已经没什么太多的映像，似乎只有切换阵营的那一瞬间的过度音乐还能记起。所以，我本期节目要讲的，就不是动画版的《变形金刚》，而是迈克尔·贝执导，斯皮尔伯格监制，于2007年到2014年上映的《变形金刚》系列电影版。2000年前后，正是好莱坞大片大量采用电脑特效制作电影的黄金期，从《黑客帝国》系列和《魔戒》三部曲开始，就正式标志着电脑特效为王的时代到来了。2007年的《变形金刚》成为了电影特效的里程碑，刷新了人们对于特效“叹为观止”的概念。在那样的特效之下，人们似乎再也分不出到底哪些是实景拍摄，哪些是用绿幕拍摄之后制作的特效，好莱坞也乐此不疲，因为可以通过把更多的钱花在特效上，而不是剧本和片酬上，似乎也能卖座。于是乎，在《变形金刚》之后，好莱坞的商业大片就严重偏离了把故事讲好的轨道，纷纷变成了一部部眼花缭乱的西式快餐电影。而且，这种风气还迅速吹到了大洋彼岸的东方，让中国电影也想朝这个“赚快钱”的方向跃跃欲试，就连张艺谋这样的导演也做过类似的尝试，2016年上映的《长城》这部艳俗的作品就是在这样的趋势下诞生的。
而且，这样的趋势在《变形金刚》系列作品中，得到了最好的验证。《变形金刚》电影版一共拍了5部，豆瓣评分从8.2一路下滑至4.9，广告大量植入，口碑节节败退，再加上观众对于一味追求特效，故事情节却只适合3岁小孩的做法越来越不买账，所以，我们可以预见的是，这个系列应该是不会再有未来的了。
说回到原声音乐，幸好，该系列的原声音乐不像故事那样糟心，保持了一贯的较高水准，特别是第二部《卷土重来》的原声制作，风格非常多样化，某些曲目更是有一种史诗的质感，比其他几部都更加适合单独聆听。《变形金刚》电影版第1-4部的原声音乐都出自史蒂夫·贾布隆斯基（Steve Jablonsky）。关于这位作曲家很有意思的是，他早先在加州大学伯克利分校就读时，选的是计算机专业，但在一年后转到了作曲编曲专业中学习，也正是如此，才奠定了他后来可能取得的成就。毕业后，贾布隆斯基就被汉斯·季默相中，成为了汉斯·季默音乐工作室中的一员，期间还结识了我们以前介绍过的Harry Gregson- Williams，成为了Harry的助手，但随着工作能力的提升，便开始崭露头角，承担起独立制作的大梁。

他不仅制作电影配乐，游戏配乐也做得很出色，微软的《模拟人生》系列和《战争机器》系列，都是他的得意之作。这些多样化风格配乐的尝试，让贾布隆斯基在运用管弦乐和电子音乐上都非常娴熟。在《变形金刚》系列之中，我们更是能够听到从大型管弦乐、电子音乐、重金属摇滚、人声吟唱等完全不同的音乐元素，而且，他还能够很好地将这些元素进行融合，让旋律就有了一种史诗般的质感。特别是第二部《卷土重来》更是将这种新世纪风格的史诗质感发挥到了极致。所以，我们以下介绍的几首曲子，全部来自《卷土重来》的原声专辑。但旁白的部分，则贯穿第一部至第三部都有适当选取。
下面，我们就进入一场外星金属文明与地球碳基文明的碰撞之旅吧。
第一首，Prime，主旋律。这首曲子的旋律就是电影版变形金刚的标志性音乐。整体采用1356为主的大调来编写。配器上弦乐作为背景，加入了一定程度的电子音乐和人声作为主旋律，节奏则采用大量的打击乐器，以进行曲的方式来呈现。给人一种充满力量的感受，和机器人这种钢铁直男非常相符。
第二首，Nest，巢穴。电子音乐加重金属摇滚的典范，当然，作为电影配乐，在后半部分还是加入了管弦乐作为陪衬，烘托氛围。但整体上就是一首重金属摇滚的曲子，金属味道就更加明显了。
第三首，Infinite White，无限的白色。整个系列之中，最有史诗质感的一首曲子，整体采用电子音乐加空灵的人声吟唱来表达柔情，但很有节奏感的鼓声又将曲子敲出了一丝悲壮的决绝。所以，这首曲子才是我在开篇的时候说的，西方不一样的铁汉柔情。如果和上期的音乐对比的话，虽然都是铁汉柔情，但风格呈现上却有着极大的不同。
东方曲子表现柔情，大多会采用小调来创作音乐，再用比较舒缓的节奏来体现，如果要加上悲壮的话，那么，大多会听起来有股子凄惨的味道，似乎总有一种不甘在里面。而西方的音乐表现，则大小调都会采用，甚至柔和在一起，主要通过空灵的人声吟唱和舒缓的节奏来体现柔美。悲壮的话，主要采用豪迈的打击乐器叠加来配合。

通过上述的赏析，就让我产生了一种很有意思的想法。东方总是历史题材的电影拍得比较好，似乎我们作为东方人，特别善于分析和继承历史，习惯于缅怀过去，从历史中总结经验教训，铺平现在的道路；而西方则总是憧憬未来，科幻题材的电影基本都出自好莱坞就是个实证。所以，他们总是活在对未来的向往和期盼之中。当然，不同的生活哲学，并不代表谁更强大，只是，似乎就连音乐中的元素都会受到这种生活哲学的影响。
不过，以上想法，纯属个人理解，并没有太多的根据，只是似乎我们无论在社会体制还是意识形态之中，总能体会出一些蛛丝马迹。孰优孰劣，其实根本没有定论，只有未来，能给我们答案。
好了，本期节目就到这里，下期再见！

最近做的几期国内影视原声音乐反响不错，至少身边的家人和朋友们给予了充分的肯定，那么，我也就趁热打铁，再奉上一期我个人觉得非常有味道的国内影视原声音乐——长安十二时辰。
我因为《古董局中局》的关系，一直都很喜欢马伯庸的书，他是那种非常会玩悬念的作者，而且不像南派三叔那样，只管挖坑不负责填坑。所以，马伯庸的书我一直都很看好，但也没有刻意去追。当我看到《长安十二时辰》的时候，其实实体书已经上了一段时间了。说起来很巧，我刚看完，电视剧版本就出来了，所以，在看电视剧的时候我就特别认真，哪里忠实于原著，哪里没有；或者场景和人物在编剧笔下做了什么样的调整，脑海里就很清晰。不过，我们不打算对电视剧的剧情或者书的内容做任何评价，只是向各位推荐这部制作精良的电视剧，因为他至少在场面上还原了一个大唐胜景给我们看，无论是人物的妆容，还是制作精美的道具，乃至实景的布景，都属上乘。再加上刘小山和赵亮棋的音乐，整个片子就格局很高了，让我不得不感叹，国内其实是真的有实力好好拍片的，只是因为一些不可描述的原因才导致了神剧满天飞的局面，相关文化部门反过来是不是应该好好反思一下呢？
言归正传。

负责制作《长安十二时辰》的配乐工作的，是上面提到的赵亮棋和刘小山，赵亮棋作曲，刘小山监制。两人都是西安音乐学院的教师，同时也一直在国内的影视音乐上努力着。在《长安十二时辰》中，两人也终于证明了“是金子就会发光”这个亘古不变的道理。这次为了这部电视剧，二人倾尽了全力，据说为全片所写的素材长达15个小时，最终放到成片里的纯配乐就多达43条，目前我们在专辑当中，纯配乐看到保留了35条，还是做了一定程度的删减。当然，配乐之中，为了配合紧张的故事情节，大多采用打击乐器来完成，刘小山自己也说过，鼓是整个配乐的核心乐器。
鼓是一种非常有意思的乐器，曲子到底是抒情还是紧张，就全看鼓的节奏。这一点哪怕就是在流行乐队当中也是如此。虽然最光鲜亮丽的是主唱那个角色，但鼓手往往反过来才是一个乐队的核心，因为他控制着整个曲子的节奏，没有一个好鼓手的乐队一定缺少灵魂的。
在《长安十二时辰》的整个专辑之中，鼓作为主要乐器的曲目，几乎占据了三分之二，当然，不是所有的曲目都适合单独聆听，这些曲目，更多的还是要承担配合画面的作用，烘托氛围，为观影效果起到保障。
除了这些曲目，还有几首人声演唱的作品。有意思的是，这些曲目的歌词都采用了李白的几首诗歌，这些诗歌本身就是一些当时的词牌名，诸如：清平乐、长相思、短歌行等等。这些词牌在当时就是被传唱的，只是可惜的是，很多曲调都已经消失在历史的长河之中，只有歌词作为诗歌被永远地保留了下来。于是，我们在电视剧当中听到的曲子都是全新创作的。
这样一来就让作品有了一种特殊的魅力。1300年前的长安人作词，现在的西安人作曲，同一空间，不同的时间，这样的时空之旅真的足够浪漫，也不知道是巧合还是刻意为之，反正这组作品在我听来很是受用，忍不住要大声叫好！
《长安十二时辰》原声音乐的两位主创在接受媒体采访的时候，还有一个细节引起了我的注意。刘小山提到赵亮棋在为某一首曲子作曲的时候，曾一度哭了起来。一开始我以为是压力所致，毕竟前面提到过，光写素材片段累积起来都长达15小时，可以想象创作之艰辛。但仔细听过原声专辑之后，我知道我误解他的意思。因为，我相信我找到了这首让作者哭泣的曲子，并且深深为之折服。写曲子就像养孩子一样，你倾注多少心血，作品就会呈现出多少荣光。这样的荣光和感动，我在这首作品之中听到了，所以，我也为之感同身受。至于到底是哪一首曲子，卖个关子，后面细说。
下面，我们就开始今天的穿越时空之旅吧！
第一首，清平乐·禁庭春昼。这是一首人声演唱的作品。歌词就是李白的同名作品。配乐上采用了盛唐时期非常流行的琵琶和中国鼓，管弦乐作为背景辅助。李白的诗句主要以杨贵妃的第一视角写就，呈现出一个宫廷美人是如何打发春日时光和博得君王一笑的场景。本意其实是有些讽刺和挖苦的，但不可否认的是，这些雍容华贵的景象，却也恰恰证明了盛唐的气象。曲子用这首诗，也是有此深意。让太平盛世之中，暗藏着一种危险即将到来的味道。

不同于常规的中国小调只采用1、2、3、5、6的全音，这首曲子用了大量的半音，这也和当时盛唐包容的世界观相符，大量西域和胡人的文化和中原文化相互交融，音乐之中自然也会夹杂大量的外族特色。这就使得这首曲子听起来让人有眼前一亮的感觉，既有中国特色，又有一种灵动跳跃的马背民族的感受。
第二首，大长安。曲调其实就是上一首清平乐的无人声版，配合着画面欣赏盛唐时期长安的街景真的再合适不过了。少了人声之后，我们反而可以更加仔细来听曲子的配器。管弦乐负责主旋律的铺陈以及整个曲子气势恢宏的基调，中国腰鼓负责舒缓的节奏，笛子和琵琶一唱一和，表达着盛唐的优雅和风度。2分25秒之后进入高潮，所有的乐器都争相表达出自己的情感，一下子一种1300年前大长安万邦来朝的盛况就在耳边回荡了。
第三首，不退！（大提琴版）一首很有意思的作品。开篇采用大提琴和中国鼓两种看似八竿子打不到一起的乐器来共同营造紧张的氛围，但出乎意料的很有味道。然后是一段各种弹拨乐器加中国鼓的过渡，大提琴的主旋律再次登场，一扫之前的紧张感，取而代之的，是悲壮的决绝，似乎听到了一个勇士抱着必死的信念去保家卫国的情怀。该曲目还有一个Duduk版本，Duduk是一种非常古老的中亚乐器，很符合影片的地理特征，但在表现上不如大提琴那么沉稳。大家可以自行对比感受。

第四首，情感（管子版）。这首作品之所以特别注明了管子版，是因为专辑之中还有一首笛子的版本。管子和笛子都是中国民族乐器，但用在此曲当中，管子更加符合意境。这不单纯是因为管子本身就是一种流行于中亚到新疆一带的乐器，与片中安西军烽燧堡战役的地理环境极为相称。同时，管子也有意表达一个老兵的铁汉柔情。管子的部分之后，小提琴的独奏又似乎诉说着女主角檀棋对男主角张小敬的爱慕。最后，管弦乐再把相同的旋律带入到高潮，这里就不再是两个人之间的感情，而是两人对大唐盛世永远的眷恋。
第五首，淡淡的忧伤。其实要我说，这应该是浓浓的忧伤才对。至少我是这么认为的。另外，我个人觉得这就是我之前提到的那首让作者哭泣的曲子。因为，如果有一种情绪叫做悲壮的话，那么，这首曲子就是这种情绪的最佳代言。开篇以弦乐和箫作为主角，对忧伤做了足够的铺陈，为后面的悲壮做足了功夫。等高潮来的时候，我仿佛看到了盛极一时的大唐，那是最壮美的一刹那。盛极而衰的道理谁都懂，所以这种极致的巅峰反过来会让人有心痛的感觉，因为，后面的衰落是任何人都不愿见到但又躲避不开的。于是，作者强烈的代入感让我也在这首曲子之中也体会到了。
曲子里，有大唐的的兴衰，也有作为小人物但忧国忧民的情怀。这是一种典型的家国情怀，为国而生，为家而死。努力一生，想要的，不过是追求一份自由自在，和一个渴望被认可的名分。但恰恰正是这种丝毫不能够被金钱所量化的东西，才是很多人一生追求的梦想。但真的能够实现这个梦想的，却寥寥可数，于是，悲壮就非常合乎情理。这种悲壮，就成了我们心底悲伤的源泉，所以，作者才会因此哭泣，所以，我也才会因此哭泣。

曾多少次，我们都想在梦中回到那个大唐盛世。

梦回大唐，那是中国统领亚洲民族之林的时刻；

梦回大唐，那是中国文化发展的巅峰时刻；

梦回大唐，那是华夏民族永远的心结。

不知道有多少人光看到这个标题就会留下口水的？其实，这和我们常说的“望梅止渴”是一样的，这在科学上有一个专属名词，你们也一定听过，叫做“条件反射”。当然，我们今天不是打算来讲一讲科学上的事情，那不是我的专长，我们是讲音乐的。听过我的上一期节目的朋友就明白了，我之所以铺垫这些东西，只是为了交代清楚，我们今天是要继续来讲阿鲲的音乐。

上一期，我们讲了阿鲲最近的作品，那么，今天，我们就来讲讲他红遍大江南北的作品——《舌尖上的中国》。

《舌尖上的中国》是一部央视出品的纪录片。中国不愧是美食的天堂，我作为一个纪录片爱好者，还从未在别的国家的纪录片中，看到过关于美食的作品。当然，既然是纪录片，就不能只是美食，导演给我们讲述了更多美食背后的故事。回想起当时第一部《舌尖》播出的时候，那种万人空巷以及第二天身边的人和朋友圈都在谈论的情形，至今都还历历在目。出品方趁热打铁，陆续推出了第二部和第三部，但如果第一部叫精彩的话，第二部就只能算优秀，第三部就是明显的狗尾续貂了。这绝不是观众欣赏水平的提升所导致的，因为，你让一个从没看过该片的人如果倒过来从第三季往前看的话，他也能够得出和我们一样的意见。这一点，我们通过豆瓣的评分可以略见一斑，第一季9.4分，第二季8.5分，第三季曾经一度低到4.5分，后面被主办方通过强大的公关能力关闭了评分，现在已经搜索不到分数了。

其实，观众是有些苛刻了，第三季并不是拍得不好，而是导演违背了第一季和第二季的初衷，除了美食的主线之外，他们没有去讲述劳动人民的朴实无华和辛劳的付出，转过头去讲述个别人的故事，想通过这些个别人的情感，来达到戏剧化的效果。这样就很容易跑偏，到底算是一档美食纪录片，还是人物故事纪录片呢？我想，这也正是是第三季分数低的最大缘由。情感是自私的，也许某些情感故事感动了导演，但未必能感动观众。所以，第一季和第二季只讲了食材和食材背后的故事，就很容易获得观众的共鸣。

据说，《舌尖》这个系列还打算继续拍下去，那么，我真诚地希望导演能够吃一堑长一智，不要再试图包罗万象，什么都讲，回归初心，就抓住食材本身以及食材背后的朴实无华的劳动人民就好，让我们拭目以待吧！

回到《舌尖》系列的原声音乐，我们在一开头就讲到了，作者是阿鲲，其被人们熟知就是因为《舌尖》系列的第一、第二部。但其实他创办并拥有的阿鲲音乐工作室早已是国内著名的影视音乐、游戏音乐制作工作室，自成立以来先后完成超过150个项目，其中包括国内外众多著名导演、著名游戏开发公司、以及好莱坞独立制片电影等项目的配乐。称得上是一个配乐届的资深大师。

他的作品风格非常多样化，在国内算得上顶尖的高手，不仅能够驾驭大型管弦乐作品，对东方小调的运用也非常娴熟。我个人很喜欢的作品，除了上期讲述的《鹤唳华亭》和本期的《舌尖》系列之外，还有电视剧原声作品《红高粱》和《将夜》，以后有机会，我再跟大家细说，那么，下面，就开始我们今天的《舌尖》音乐之旅吧！

今天我们要讲的《舌尖》的音乐，分别来自第一季和第二季，所以我在单曲赏析的时候也会说明具体来自哪一季，方便大家对应着去找来听。

第一首，劳作的春夏秋，来自第二季。第一季中也有同名的曲子，旋律一致，但很明显在第二季的配器和录音中，做了非常棒的改进，所以，我在仔细对比之后，向大家推荐的是第二季的这首作品。

整首曲子时长3分30秒，不是很长，但竟然可以细分出四个部分，这也是作者阿鲲在标题之中就写清楚的，劳作的春夏秋，三个季节占了三个部分，第四部分是什么呢？我先卖个关子，后面细讲。

曲子从一开始，就用弦乐和管乐以急促的节奏进入，这分明就是春耕的节奏，像极了稻田里插秧的样子。随着乐器越来越多地加入进来，一个宏大的春耕场面就铺陈出来了。在1分25秒左右，还用不同的管乐塑造了一场田间地头的有趣对话，仿佛劳动者一边耕种，一边拉着家长里短，期望着秋天的丰收，喜悦的心情溢于言表。

1分42秒，往高走的曲调，切换了场景，进入了夏天。大型管弦乐一起上，构建了一副壮美的山水田园画，我仿佛看到了万顷良田，碧浪滔天。

2分17秒，曲子再次完成转化，打击乐的强烈的节奏，代替了之前的管弦乐，打谷场忙碌的气息向我们迎面扑来。 其间夹杂的管乐就像是劳动者密集的号子，给彼此加油鼓劲，忙碌得不可开交。

2分55秒，曲子再次开始转化，进入了标题里没有提到的第四部分，回归主旋律，节奏很快，但充满了欢实的感觉，这其实就是丰收的喜悦啊！

第二首，时间的记忆。来自第一季。虽然第二季同样有同名曲目，但这次我反过来认为第一季的曲子更显得纯粹和自然，没有多余的配器来让听感收到干扰。虽然曲子非常简单，只是一个旋律的反复堆叠，但却让我们明显感受到了时光的流逝，非常难得！

第三首，劳动人民的平凡与伟大。这首作品也是非常切题的，同时也是我非常喜爱的曲子之一。开头使用了一段钢琴的旋律，除了优美之外，似乎并没有什么特别之处，而且弹奏上也没有使用任何技巧。但这恰恰的和标题中的“平凡”二字作出了最好的呼应。

而且，让我们意想不到的是，在47秒处突如其来的定音鼓就直接拉开了大型管弦乐的铺陈，把“伟大”二字又通过短短十数秒就全部宣泄干净。最后，曲子再次回归“平凡”，像极了徐志摩《再别康桥》诗中，那“挥一挥衣袖，不带走一片云彩”的震撼。

短短三首作品，我相信并不能够讲完《舌尖》配乐的精彩，但我作为一个抛砖引玉之人，做到这里应该可以了。更多的，我希望大家自己去探索和发现，去发现原声音乐的魅力，让我们浮华的人生能够稍微放慢一些脚步，聆听一些感动，聆听一些美好。

我们下期再见！

这一期，我还是忍不住想要来讲讲国内的影视原声音乐。这次我做个稍微偏题的节目，因为我们要讲的这部片子不是一部电影，而是一部连续剧。其中的音乐作品非常优美，以至于我在做了这么多期电影的原声赏析之后，觉得如果放弃这个连续剧的原声音乐是一种遗憾。
诚如我在我这个节目的开篇词之中提到的，国内一直以来都不是很重视影视的原声作品，以前只会在片头片尾的主题歌上花力气做文章，也创作过一批优秀的主题歌，但对伴随画面和剧情发展起到烘托作用的音乐就几乎处于真空的状态，直到最近几年才有所好转。国内的影视开始越来越重视原声音乐的创作，涌现了一大批优秀的作品。在以后的节目中，我也会穿插一些国内的优秀作品来做赏析，希望大家会喜欢。同时，大家也可以和我以往推荐的国外音乐作品做出比较，体会其中的不同与各自的特点。
今天我要讲的这部《鹤唳华亭》，是一个原著小说定位于中国南北朝时期的虚构故事。但电视剧却将整体场景定位到了北宋时代，无论是服饰、布景都特别符合北宋的意境。在片中，我们能看到导演精心布置的宋代名画“千里江山图”，也能看到那些精美的宋代建盏茶具，更能从男主角写下的那一笔清秀的瘦金体中感受到北宋第八个皇帝宋徽宗的文化气息。当然，这样的穿越对于懂历史的朋友就显得有些不伦不类，但我们抛开剧情本身不谈，这部片子实在是精美至极，每一个演员都可谓是精挑细选，每一个场景都美轮美奂，每一件器物也都异常讲究。结合着我今天要讲的原声音乐，这部片子就非常有看头了，哪怕情节之中有一些硬伤都无所谓，至少它带给了我一种赏心悦目的感受。看过此片，我不禁感叹，如果中国传统的这些礼仪能够保留至今的话，也许，我们也是可以有中国自己的贵族的。
其实，贵族阶级的存在并不见得是一件坏事，他们代表的是一个国家的精英阶层，往往是各行各业的中坚力量，有着承上启下的作用，无论在封建社会还是现在的各种社会形态之中，都是如此。所以，有阶级并不可怕，可怕的是阶级的对立。

扯远了。我们回到本期节目要讲的原声音乐。作者是阿鲲，本名陈鲲。最初被人们所熟知是因为《舌尖上的中国》这部纪录片。当然，大多数不关注音乐的人可能依旧不认识他，但我相信你绝不能否认，《舌尖上的中国》这部纪录片的画面和音乐之间做到了极致的融合。这种融合最大的作用就是当你看到一组精致的美食画面之后，脑海里自然就会想起几个美妙的旋律；反之，当你听到这个旋律的时候，脑袋里也会充斥着美食的画面，极端情况下，甚至这组旋律会勾起你的饥饿感。这就叫做完美融合。好的原声音乐作品，就是应该如此，有了好的氛围，好的旋律，就可以用来单独聆听，成为一种习惯，一种文化。
鹤唳华亭的原声音乐也是如此。在精致的画面背后，有着精致的音乐。虽然是古代题材，但并不妨碍阿鲲用管弦乐的方式来阐述他的理念。管弦乐在表达宏大的场景上，有其独特的优势，这一点毋庸置疑。那么，在表达细腻的情感上，阿鲲是如何处理的呢？这就是我今天要重点说的一首曲子：箫。
这首曲子的主角很明显，只有两个乐器，箫和竖琴。就仿佛两个人在互相倾诉一般，你一言我一语，娓娓道来。曲子采用传统的中国小调写就，哆咪啦为核心，但跨度极大，像极了片中那个个性张扬的男主。竖琴在背后默默地用和弦配合着，也像极了那个柔弱但坚强的女主。全曲采用两段式编曲，旋律前后一致，但后半段从F调转为了G调，并在背景中增加了管弦乐做陪衬，使得曲子听起来就更有味道，小调之中也有了厚实的感觉。这首曲子可算是全片的情感寄托，多次在片中催人泪下，或让人怅然，起到了点睛之笔的作用。

听罢全曲，我突然想起了片中男主的一句台词：可得解脱处，唯神佛前，与山水间。但很明显，这只是说出口的那一半，而没有说出口的，其实就是这首曲子想要表达的：

可得解脱处，还有你的身边。

《饥饿游戏》是一部反乌托邦题材的青少年电影。为什么会这么说呢？其实，作者早在写作这本书的时候，就参考了日本著名的血腥残暴电影《大逃杀》，整体的情节设定几乎就和《大逃杀》很类似，但加入了很多其他元素，诸如爱情、帝国主义、乌托邦理想社会、以及我们一开始提到的：反乌托邦。
很多比我更年轻的朋友可能会有疑问，什么是乌托邦？什么又是反乌托邦？我在这儿稍作普及。乌托邦一词源自“Utopia”的音译，是一种完美的社会或国家的代名词，仅存在于想象之中，而且是一种全人类的想象。在东方，早在战国时期的《庄子· 逍遥游》的篇章之中，就提到过“无何有乡”，也就是“不存在的空有之乡”的概念。这里面的“空”绝不仅仅只是没有的意思，还包含了无形和意识之类看不见摸不到但真实存在的概念，和后来佛家之中“色不异空，空即是色”的理想非常相近；在西方，则有公元前3世纪《神圣的历史》中的一个完美生态的小岛，也就是柏拉图的“理想国”。这是一种完美的社会形态，人人都过着安逸舒适的生活，按需分配，不再有阶级和国家的概念，是一种完全平等的社会。但现实之中，人性的存在，使得乌托邦只可能存在于幻想之中，因为，每个人对物质和精神的需求是不一样的，这种需求的差异就会导致人以群分，物以类聚，认知和理念最终导致阶级的形成，而按需分配的核心，也会因为好逸恶劳的人越来越多而被破坏掉。那么， 乌托邦就不可能形成。于是，“反乌托邦”的概念也就应运而生。反乌托邦不是单纯“乌托邦”的反义词，而是一种对社会不公的抗议。是一种对表面看起来理想，但背地里实行高压统治的残酷政权的嘲讽。
《饥饿游戏》就是这样一部写给青少年的书籍，用了一些通俗易懂的文字，再加上一些血腥暴力的描写来吸引青少年的目光，但最终的目的，是提醒青少年不要沉迷于精神毒品，要努力看清自己在社会中的角色和定位，做到人尽其用。这样的人群定位和理念，以及书籍的热销，迅速就成为了好莱坞青睐的对象，于是，改编的电影也就顺理成章地诞生了。
电影版的《饥饿游戏》也按照书的形式，分作了三部，其中最后一部“嘲笑鸟”还分作了上下集，为了票房似乎有些不太厚道，不过最终的观影效果还是不错的。电影作品大致上忠实于原著，第一部主要通过一个类似《大逃杀》的暴力游戏吸引观众的目光；第二部则主要讲了为什么会存在这样一个残忍的游戏，以及将那个表面高贵浮华但内里却高压残暴的帝国及其严重分化的两极社会予以曝光，酝酿出反抗的种子；第三部则将反抗暴政顺理成章地带出并最终达到目的。不过，最终的结局，却是一个大大的问号，推翻暴政之后又该如何呢？什么样的社会，才是真真的公平公正？书籍和电影，都没有给我们答案，现实社会同样也没有答案，无论什么样的社会体制，似乎都还在努力朝着可以获得答案的方向前进，这个答案也许不是一两代人可以看得到的，但好奇的人类，终究会给出一个结论的，我们拭目以待吧！

回到电影的原声音乐，三部作品的作者都是詹姆斯·纽顿·霍华德。詹姆斯也是一个非常多产的配乐大师，出道已经30多个年头了，让他真正奠定在好莱坞一线地位的，是1992年和安德鲁·戴维斯合作的《亡命天涯》，以及2000年之后和克里斯托弗·诺兰合作的《蝙蝠侠》三部曲，其阴暗的音乐风格，将哥谭市的氛围体现得恰到好处。詹姆斯·霍华德曾6次获得奥斯卡提名，但没有一次得奖，相比起上期我们介绍的那个一次提名就得奖的霍华德，这个霍华德估计有些欲哭无泪吧？
詹姆斯·霍华德的作品，多数都是配合画面的烘托型配乐，不太适合独立聆听。但其中，却依旧夹杂着很多让人耳熟能详的旋律，也许你一听便知，但就是不知道是谁的作品。《饥饿游戏》三部曲中的部分旋律也是这样的，有一种悲壮史诗般的质感，旋律柔美动听，但分散在片中的各个角落。所以，詹姆斯自己在最后一部电影，也就是《嘲笑鸟下》之中，自己也将所有好的旋律进行了归纳总结，形成了专辑中的最后一首曲目，The Hunger games Suit，“饥饿游戏组曲”。
所以，我们今天的赏析就围绕着两首曲子来展开吧，第一首来自《嘲笑鸟上》，叫做The Hanging Tree，中文直译为上吊树。由影片的主演詹妮弗·劳伦斯演唱。略带沙哑的嗓音是劳伦斯的特色，歌词是一首怪异的童谣，讲述了一对恋人逃离一个荒诞世界的约定。但正是这首童谣，成为了整部影片的反乌托邦的基调，片中的反抗军也因为这首童谣变得团结，女主的演唱，也为反抗带来了高潮，算是全片的点睛之笔。
第二首曲子，就是前面提到过的“饥饿游戏组曲”。全曲长达9分41秒，我们不可能为大家全部展现，只能通过剪辑的方式将曲子缩短，尽可能地将精华的地方留下。曲子分为两部分，一部分是伴随着电影的结局出现的部分。另一部分是全片的组曲大集合，跟随片尾字幕出现。
曲子开篇的是全片的悲情主题，贯穿在整个《饥饿游戏》三部曲之中，多数为一些死亡场景出现的时候使用，用在这里非常贴切，凄美的旋律告诉我们，故事讲到这里，实际上谁也没有赢，人性是个极其复杂的东西，人类几乎是这个世界上唯一存在自相残杀行为的物种，所以，斗争的结果，并不是谁赢谁输，而是全盘皆输，但在这背后，总有一个希望的存在；紧随其后的也是一首人声的插曲，是女主演唱的摇篮曲。也是电影三部曲的最终章节，温柔的歌声之中，蕴含了整个影片对其所交代的世界观的一种终结，残酷的生活已经过去，未来的新生已经开始，无论是电影画面所选取的阳光草地和女主怀里的婴儿都是一种暗喻，音乐则采用同期声的摇篮曲来加以诠释，将整部电影划下了完美的句号。
第二部分是其他片中好听的旋律集合，多数为气势磅礴的管弦乐作品，但其中也夹杂了作者采用电子音乐的部分，这也可以算是詹姆斯·霍华德的一种个人风格，在这些组曲之中，我们能听到作者扎实的古典音乐基础，这在他的音乐写作之中，有着根深蒂固的作用。整个组曲有着和古典音乐或者歌剧类似的章节式风格。起始柔情似水，中间激情澎湃，尾声又回归平静，仿佛一个人的一生，从童年到中年再到老年，非常值得玩味，反复聆听之后，会有不同的感受。
虽然本期节目我们似乎只讲了两首曲子，但其实已经把整个三部曲的最好听的旋律都涉及到了，希望大家喜欢！好了，本期就先到这里，请大家动动手指，订阅、评论并转发，让更多的原声音乐爱好者看到这个节目，谢谢，下期见！

今天我们来讲一部系列电影《魔戒》。《魔戒》又名《指环王》，该系列片是彼得·杰克逊一次拍好，在2001-2003年分做三年上映的片子，一方面是因为故事太过宏大，需要根据原著的篇章来进行展现。另一方面也是为投资做一个分期，用第一部收回的票房再用于第二部的后期，第三部也是如此，可以把投资风险降到最低。当然，当时正是好莱坞电脑特效技术蓬勃发展的黄金期，分作三年上映，对后期技术的提升也有着非常明显的帮助。而且，导演还根据后期制作的需要，补拍了很多小的场景，使得后面两部片子越来越成熟，到第三部《国王归来》上映后，以11项奥斯卡金像奖的成绩与《宾虚》及《泰坦尼克号》并列成为了奥斯卡影史上获奖最多的影片。三部魔戒加在一起，一共斩获了17项奥斯卡奖，可以算是彼得·杰克逊的人生巅峰了。

为《魔戒》担纲配乐工作的，是特别擅长营造恐怖氛围的霍华德·肖，要知道，1991年的《沉默的羔羊》就是他的大作，但也直到2001年的魔戒第一部上映之后，霍华德也才真正获得了第一个奥斯卡提名，并且在当年就拿下了小金人，也算是个可圈可点的奇迹。在之后的两年里，霍华德又凭借着第三部魔戒的配乐，获得第61届金球奖最佳原创配乐和第46届格莱美最佳原创影视音乐等奖项，并再次获得当年的奥斯卡最佳配乐奖提名。

霍华德以往的配乐风格，其实还是属于典型的烘托氛围型音乐，单独聆听是个不小的挑战，因为它并没有明确的篇章质感，几乎所有的音乐都是伴随着画面的效果或故事情节一秒一秒写出来的， 是那种绝对服从于画面的音乐。但，在魔戒的作品之中，霍华德一反常态，大量使用了歌剧式的创作风格，增加了很多人声的吟唱和协奏曲的风格， 这样就让作品层次明显丰富了起来，也让专辑中的某些作品，成为了可以独立聆听的曲子。正是因为这样的改变，才有了上述提到的第一次提名就中大奖的成绩。我相信当时上台领奖的霍华德肯定百感交集，不是我之前不行，是没有让我发挥的空间啊！
那么，这一次，我们的赏析，将混合三部电影中最优秀的曲目来给大家做出介绍，但主要集中在第一部电影的原声专辑之中，也就是前面提到过的获得奥斯卡小金人的那一个专辑。因为，三部电影的每一个专辑中都有大量的氛围音乐，并不适合单独聆听和做赏析，所以，我们就干脆三部合而为一，一次性给大家讲完。类似的作品还有很多，就先预告一下，下一期，我会给大家带来《饥饿游戏》三部曲的音乐赏析，它们的作者詹姆斯·纽顿·霍华德也是个非常有意思的作曲家。
好，回到本期的主角，魔戒，我为大家精选了几首曲子，分别是不同曲风的代表作，这其中包括了小提琴协奏曲、人声吟唱、中世纪欧洲风格以及大型史诗风格等要素，我们现在就开始逐一讲解。
1、concerning Hobbits，关于霍比特人。一首很有中世纪英国风味的室内古典小品。用笛子和乡村风味的小提琴的演绎手法来做主角，弦乐在背后隐隐地衬托着，勉强可以算是一首小提琴的协奏曲。整体是一种充满活力和朝气的氛围，非常适合讲述一个long long time ago的故事。
2、The Council of Elrond，埃尔隆德的议会。此曲是本片的亮点之一，吟唱的部分是由空灵女王恩雅创作并演绎的，霍华德·肖负责其他的部分，二人的配合使得整首曲子就有了一种大型史诗的质感。有意思的是，曲子的歌词用了一种叫做“昆雅语”的精灵语言来演唱，短短的两句歌词是关于一颗黑暗中带来光明的星辰的赞美诗，非常有意境。
3、The Breaking of The Fellowship，团队的解散。我在这儿只取了整首曲子的后半部分，是一段童声合唱的主旋律，旋律优美的同时又隐含着一些不和谐的音素，暗示对主人公未来命运的担忧，但背景中扎实的管弦乐又反过来给人以坚定的信心。
4、May It Be，但愿如此。同样也是空灵女王Enya的大作，与第二首不同的是，这首歌完全是恩雅的作品，歌词由英语和上述提到过的精灵语组成。如果说要在世人之中，找到一个最符合精灵气质的人，我想也许恩雅说自己排第二的话，没人敢说第一吧。恩雅的作品风格，无论在嗓音和配器上都是朝着最空灵的方向去发展的，这在她的早期作品之中基调就已经完全奠定下来，成为了为数不多的新世纪音乐风格中能够用吟唱来表达的音乐家，而且，几十年如一日，把这种空灵的风格做到了极致，让自己的嗓音成为了一张名片，只要一开口，你就知道是她，也正因为此，恩雅也成为了真正的新世纪音乐之后和空灵女王。

好了，今天的原声赏析就先到这儿吧，喜欢我的节目的朋友请记得关注、评论并转发，我们下期再见！

今天，我们继续来聊久石让的电影原声音乐。前两期，我们聊的是久石让和宫崎骏的合作，他们二人固然是非常黄金的组合，但这并不意味着久石让就只和宫崎骏合作过，或者说，久石让其实是一个独立的大师，就算没有电影这个媒介的存在，我相信，久石让也同样可以成为音乐界的大师。就比如我们今天要讲的这部电影，《情癫大圣》，就是可以当作一个独立作品来听的。如果这部电影没有了久石让的配乐，也许，我连正眼都不会看一眼，但正因为有了久石让的配乐，我就算是牙齿咬碎，也还是把它坚持看完了。
《情癫大圣》是一部香港电影，导演是大名鼎鼎的刘镇伟，你没看错，就是那个拍《大话西游》和《东邪西毒》，造就永恒经典的那个刘镇伟。可惜的是，很多时候，我们偏偏就是能看到攀上顶峰之后便以最快速度跌入谷底的情况，比如能够拍出《活着》和《三枪拍案惊奇》这种极好和极差两个极端的张艺谋，你真的无法想象一个那么有才华的人，是如何站在顶峰并摔得那么惨的。

我相信，刘镇伟之所以选择拍这样一部《情癫大圣》，一定是还深深地陷在当年《大话西游》的情结里，不可自拔，于是，特别想通过一个新的故事，再加上当时刚刚在香港流行起来的用3D特效制作电影的技术，让刘导有了一新的想法。于是乎，这部豆瓣评分仅为4.7分的作品就应运而生了。事实证明，有情怀是好事，但绝不能消费情怀，不然，观众们是不会看在你以往的作品上给你面子的，或者说，4.7分，就已经是很给面子了吧！
抛开电影本身，我们不必再去纠结刘导的故事讲得怎么样，或者画面如何，我只是很意外，这部片子在一开始，就请到了久石让来担纲电影的配乐工作，并且，从最终的作品来看，就算是电影本身一塌糊涂，但久石让却交出了一份让电影倍感无地自容的音乐答卷。于是，我就比较纳闷了，如果说久石让是在看过电影粗剪的画面之后才开始写音乐的话，为何还会对这样一部糟糕的作品花如此大的力气呢？又或者说，难道是剧本其实并不差，最终还是砸在了演员糟糕的演绎上，或者制作粗糙的效果上？这一切，我们都不得而知了，但你真的不可否认，久石让绝不是落井下石的人，既然接了这个工作，那就以最敬业的态度来完成作品吧，哪怕最后的成果让电影本身更加难堪。
言归正传，我们回到这部片子的音乐上来。有了上述的讲解，我也希望大家完全没有必要去看这样一部评分很低的电影，我们就单纯来欣赏一下片中几首唯美的东方小调即可。
第一首，等。全片的主题曲，竖琴加二胡这两种东西方风格上没有丝毫相似处的乐器放在一起来演绎，东方小调果然才是久石让最得心应手的旋律，弦乐在背景中轻柔地应和着，一把二胡道尽了多少辛酸泪，把一个等待的主题凸显得那么悲戚，但悲戚中却柔情万段，充满着等待会有结果的渴望，让人一听之下，就马上爱上了这个旋律。特别是结尾处，竖琴用一个和弦的间隔之后，二胡再郑重地结尾，我仿佛听到了一句话：你等我，一定等我。
第二首，雪中送外。标题有点怪，我也没打错字，有点不明所以，不去管它，我们只管来欣赏就好。旋律和上一首一模一样，但换成了管弦乐来演绎，风味就变了，这次是两个人的对话。开篇是管乐的独白，后面则管弦乐都加入进来，小调一下子也可以变得很有气势，同样的旋律，不同的配器，听起来就几乎完全不同，表达的情绪也可以完全不同，这就是音乐的魅力。
第三首，秘密。开篇用了类似音乐盒感觉的打击乐器起始，进而弦乐用两个声部跟进，忽然又换成了管乐，配器上的多样性变化，让音乐有了一种神秘的色彩，一下子就跟主题就很贴切了，听过之后相信你也会有这种感觉的。
第四首，无限的爱。一首主题曲的钢琴协奏版本。还是那个熟悉的旋律，但协奏版用钢琴来表达，不同于第一首等待的凄苦，也不同于第二首的对话，这一首更像是内心的独白，情绪非常沉稳。于是，我们就在同一个旋律里，听到了三种不同的情绪，是不是很有意思呢？
第五首，情圣。还是这个主题曲的旋律，改成了一首主题歌，由电影的两位主演演唱，也许这首歌可以算是他们在整个片子中的最佳表现了吧？虽然唱功都不咋样，但毕竟有久石让的旋律、林夕的歌词和优秀的配器来加成，所以，也还算是很好听。
久石让的音乐，真的感觉可以说一辈子都说不完。当然，也幸亏有这样一位那么擅长东方小调的音乐大师，能够让我们在欣赏电影之余，还能感受到这样一份听觉上的美好，这真的是我们的福分。

今天我们接着聊宫崎骏和久石让这对儿黄金组合。那么， 这一次，应上期网友留言的要求，我们来讲讲《千与千寻》这部2001年制作并上映的动画长片。这部动画片一经上映就获得了非常高的赞誉，在国内的豆瓣平台上经过130多万人的打分之后，拿下了9.4分的超级高分，评价为：好于99%的动画片和奇幻片。
我个人也是非常喜爱这部动画作品，上期我们已经说过，宫崎骏的风格是文艺偏神秘主义色彩的，再次强调，不要把宫崎骏的动画作品当作小孩子的玩意儿，如果说《天空之城》小孩子还能看懂一份纯真的友谊的话，那么，在《千与千寻》里，小孩子就只剩下妈妈抱着打瞌睡的份儿了。虽然故事的主角依然是小女孩，但那只是宫崎骏心中那一份纯真和执着的代言者，为什么这么说呢？
我们先来捋捋这个电影到底要给我们讲述一个什么故事。
其实在我看来，这部电影是宫崎骏利用动画电影来把他自己的梦境来做了一个还原。想必大家都做过各种光怪陆离的梦，但我相信，唯独也只有宫崎骏能够有能力把梦做成电影给大家来看，并且很自豪地向全世界宣布：看，这就是我的梦！
而且， 他不仅把梦还原了，还通过故事教会了你应该如何做人，如何在世俗之中，保留一颗真心。就像电影本身的片名一样，影片里的所有人物和事情都有两面性，比如，千与千寻都是小女孩的名字，一个名字属于真实的世界，一个则属于掉入的异世界。世界也有两个，在真实的世界，没有光怪陆离，和爸爸妈妈为了生计从一个城市搬到了另一个城市。但在异世界，所有的东西就没有了逻辑，电车能在水里开，有神仙、有妖魔，还有为这些神仙服务的洗浴中心。有两个长相一样的婆婆，但一个唯利是图，一个勤劳俭朴。等等等等。
那么，这些具有两面性的事物全部堆叠在一起之后，到底想要表达什么呢？其实，我前面已经说过了， 就是用一个梦来告诉你，永远保有一份纯真，一颗真心。这也正是宫崎骏是大师，是国宝，作品能拿9分以上的根本原因。因为，他的每一个作品，都是出自真心，发自肺腑。
当然，这也离不开久石让给他的锦上添花。上一期之中，我们已经提到过，久石让和宫崎骏合作的作品非常之多，《千与千寻》是他们合作的第七部作品。要完成好这部作品，是非常难的， 主要就是在于片中天马行空的场景非常多，如何能够表达好情绪上的烘托，是非常考验人的。所以，其实片中大多数的曲子都是典型的气氛烘托型配乐，单独聆听其实没什么感觉，甚至会觉得略显烦躁。但，唯独一个旋律除外。
这个旋律开篇就出现了，是一首干净舒适到极点的钢琴协奏曲，叫做《那个夏天》，我在这里一共给大家罗列了三个不同的版本，给大家来欣赏。
第一个，电影中的原声配乐。是电影的主题曲，电影一上来就用了，配合着青山绿水的画面，非常舒服。用钢琴协奏的方式来表达音乐，能够非常好的让音乐饱满起来，钢琴的音色毕竟显得太过于单薄，有了弦乐的支撑之后，会华丽很多。而且，这首曲子一反日本音乐常态，没有采用小调抒情，而是尽可能地写成了大调的曲子，所以，当曲子进入高潮之后，抒情的曲风就可以瞬间变成气势十足的风格，非常有意思。
第二个，是2011年的一场叫做《宫崎骏与久石让的音乐旅程》音乐会之中的人声版本，专门为这首曲子写了歌词，并由歌手平原绫香演唱。人声的版本目前仅有这一个，别无分号，听起来也是别有一番风味。
第三个，也是我最喜爱的版本。来自2011年出版发行的专辑《久石让的世纪音乐精选》，由老牌古典音乐劲旅伦敦交响乐团演奏，录音也是超一流的。其中的超级彩蛋是，钢琴的部分是久石让本人亲自演绎的。整体上完美还原了电影原声的旋律，只是对高潮部分做了修改，去除掉了配合画面中疾驰的汽车的突兀部分，整体感就趋近于完美了，上述的人声版本也是做过类似的修改的，主要还是为了把这段最好的旋律做成一首完整的曲子。
好了，我相信大家今天肯定没有听够久石让的曲子，那么，我们暂定下一期也是他的专场吧，祝各位晚安，下期见！

历经了这么多期铺垫，终于还是到了宫崎骏和久石让的时间了。他们二人的组合，就如同斯皮尔伯格和约翰威廉姆斯的组合一样，是一种天生的默契，注定就是神一般的组合。这两个组合，一对在西方，一对在东方，看来，上帝在造物的时候，是不偏心的。
《天空之城》是宫崎骏1986年的作品，引入国内应该是1992年的时候，我记得特别清楚，那是我第一次在电影院的大屏幕上看动画片，相比起那时候家里的14寸小电视而言，电影院的屏幕所展现的震撼观感实在无法用语言来形容。那时候我应该是5年级，已经算是步入少年的年纪了，但仍旧被这部动画片震撼到目瞪口呆，仿佛一个从未见过世面的乡巴佬第一次进城。从此，除了迪士尼的唐老鸭米老鼠，以及米高梅的猫和老鼠之外，我又认识到了来自日本的优秀动画作品，以及他们的优秀音乐。

宫崎骏和久石让合作的作品很多，以后会慢慢给大家呈现。但我相信，今天要讲的这部《天空之城》一定是二人之中最具代表性的作品。至少在中国大陆的认可程度上来看，确实是这样的。无论你有没有看过这部划时代的动画作品，但我敢保证，你一定从某个媒介中听到过电影中著名的小调主题曲。她曲调深邃而悠扬，被翻唱和重新演绎过无数次。说到这里不知道是否唤起了你的印象？如果没有的话，先允许我卖个关子，等一下我们一定会说到的。

《天空之城》电影本身看似讲的是小孩子追逐梦想，正义最终战胜邪恶的故事。但说实话，小孩子看宫崎骏的动画，顶多就是看个热闹，如果哪个小孩子说他真的看懂了的话，在我看来，要么是个早熟的天才，要么就是撒谎。宫崎骏的很多作品，其实和文艺片都有些接近了，天马行空的想象和表现，在上世纪8、90年代，似乎也只有通过动画的方式才能得以展现。例如，天空之城这样饱含神秘主义色彩的电影，除了动画，似乎也没有更好的媒介了。而且，在电影之中，除了传统的正义与邪恶，以及小孩子之间的天真友爱，宫崎骏还讲述了一个和史前文明相关的神话，以及战争与环保的主题。我们在电影中能看到非常多的前沿科学领域的概念，比如AI机器人、反重力飞行装置、甚至苏尔美史前文明和古埃及文明之中都提到过的生命之树等等。这些东西，你真的不能指望小孩子能理解，所以，奉劝大家，不是看到是动画片就觉得是小孩子的玩意儿，那样的话，你就错过了很多美好而且有趣的东西。

言归正传，今天我们选取的原声音乐是2002年，美国重新制作并上映的版本，相比1986年的原版，可以说是偷天换日般的革新。音乐还是那些旋律，但配器上更加讲究，速度放缓了一些，录音也更加实在，应该是把工作室的录音换成了彻底的管弦乐铺陈，一下子格局就完全打开了。特别是对主旋律的演绎，有人声吟唱和钢琴的版本，都特别符合原来的意味，而且更加舒适，所以，在此，我就完全采用这个2002年的美版原声了。
一起来欣赏其中的几首作品吧！
The Girl Who Fell From Sky，从天而降的少女。这首曲子一上来就使用了主题曲的部分，也就是之前我提到过的大家最耳熟能详的旋律。虽然大家可能已经不止一次听过这段旋律，但可能未必知道这首曲子一开始的名字是叫做《伴随着你》。当然，那是1986年原版之中的人声单曲版本。而如今，这首歌的原本名字已经逐渐被遗忘，取而代之的，就是《天空之城》四个字。所以，很多朋友，哪怕是久石让的死忠可能都是这么认为的。所以，直接导致了后面所有的久石让精选集里，都采用了“天空之城”主题曲来替代，就不知道久石让本人是怎么想的。
Memories Of Gondoa，冈多亚的回忆。这首曲子在配器上非常忠实于1986年的原版，采用了竖琴和笛子来渲染空灵的氛围。但增加了轻微的弦乐作为背景，就更显饱满，听过会给人一种如沐春风的感觉。
Confessions In The Moonlight，月光下的忏悔。主旋律的再次回响。但这次采用了钢琴作为主角，钢琴只负责主旋律，和弦则交给管弦乐轻轻地修饰着，不疾不徐。钢琴就是忏悔的语言，管弦乐则负责营造月光，配器上完美诠释了什么叫做切题。
The Forgotten Robot Soldier，被遗忘的机器士兵。这首曲子是写给电影中的那些身材巨大，忠心不二保卫者天空之城的机器士兵的曲子。你可能会问了，为什么写给士兵的曲子会那么温柔。其实除了温柔，你可能还错过了曲子里的伤感。这是一首凄美的调子，充分体现了作者对失落文明的祭奠和向往。这也正是我非常佩服宫崎骏动画的想象力和其中隐喻的神秘主义色彩。当然，再配合上久石让的天才理解，这段音乐便把这种情绪展露无遗了。
The Destruction Of Laputa，天空之城的毁灭。还是这个熟悉的主旋律，但这次主角换成了童声合唱。还是管弦乐做辅助，人声在高潮时分成了2个声部，彼此间也有着和弦上的配合。至此，这首曲子一共有了三种不同的版本，管弦乐版、钢琴协奏版和人声协奏版，就不知道你更喜欢哪个版本了，反正我是特别喜欢放在一起听，不分高下。
看过这部片子之后，不知道有多少人跟我一样，充满了对上古神话世界中那些匪夷所思事情的好奇。我一直在想，也许，神话并不一定真的是神话，而是一场远古文明的遗留成果，被完全无知的人们所目睹，继而神话的结果，然后记录成了文字。但冥冥之中，我们人类的集体潜意识之中，其实早就蕴含着这些神话的所有现实答案，只是需要我们的科技一步步走到那个水平，很多事情就能够顺理成章地浮出水面了，就像现在对于人类飞行这个梦想的实现，放在200年前，又有几个人能够相信呢？