电影留声机｜听懂电影原声音乐

不知道还有多少人记得童年时的梦想？反正我还记得，我小时候的梦想，就是当一名警察。那时候的感觉特别单纯，就是纯粹地觉得那身制服漂亮极了，也威风极了！当然，随着时间的慢慢流逝，逐渐长大的我，似乎对更多的东西也产生了浓厚的兴趣。只不过，这个小时候的愿望似乎就被抑制在了心底的深处。但，在某个时机到来的时候，这个梦想也曾经被唤醒过，我也试图朝着这个方向去努力过。但命运跟我开了一个不大不小的玩笑，让我与警察的事业就差了那么一点点，遗憾地失之交臂。现在来看的话，其实也未必真的是一种人生轨道上的遗憾，但至少应该是一种梦想上的遗憾。
这种和梦想错过的遗憾，我相信，很多人都遇到过。多数人应该也和我一样，努力地生活着，但在心底埋藏着这份遗憾。这种遗憾并不会给我们的生活带来困惑和障碍，它不会干扰我们在忙碌的闲暇呼朋唤友，开心畅怀；也不会在经历磨难和变故之时增添伤我们更多的悲伤。只会在独处之时，偶尔从内心那个似乎已经被遗忘的角落蹦跶出来，让我们小时候的模糊记忆又浮现在脑海之中。于是，我会翻看一下那时候的照片，找到自己戴着专门为小孩子制作的玩具军帽的照片，嘴角泛起一丝微笑。这种微笑其实并没有任何苦涩的味道，而是一种对儿时梦想的欣慰。我会尝试着去检索我的记忆，看看是否能够想起当时我是如何诞生出这样一个梦想的。以及，我在拍这张照片之时，心里又在想着什么。可惜的是，人类的记忆往往都是个时好时坏的玩意儿，需要它的时候，往往都不太灵光。楞凭我如何努力地去想，却一无所获。甚至连那张现在的自己都觉得挺搞笑的照片是在哪里拍的、谁给我拍的，都完全没有印象。

不得已之下，只得去询问母亲。当母亲看到这张照片的时候，我察觉到了她的表情，似乎和我刚才看照片的时候，是一模一样的。同样也是嘴角泛起了一丝微笑，但她的眼神却明显与我极力思索时的感觉不同。
她的眼神里，明显有着肯定的答案。
但她却并没有马上回答。而是让这份记忆在自己的脑海里重新回到了我4-5岁的时候，她30岁的时候。此刻同样为人父的我知道，她是在回味那段她最好的年华，无论是家庭还是事业，都正处于上升期的最美好的时候。
我静静等着母亲的答案。因为人的记忆虽然时不时会失灵，但对还记得的事情，却可以在脑袋里根据需要时而缓慢时而飞速的阅览。这样强大的功能，又让我有时候无比疑惑，为何有的东西，总是记得很清楚，有的却又会忘记得彻彻底底。直到我曾读到过一篇关于心理学的文章，上面说过，人的一生，总是会经历悲欢离合。而这其中，又大多以悲离居多，欢合较少。所以，人的记忆除了需要记住那些生活所需的知识之外，就更愿意去记录那些愉快的瞬间。但悲苦的事情，也不是那么容易遗忘的。所以，在我们的大脑里，就会形成一种自我篡改记忆的机制，甚至通过心理暗示的方式以及梦境的方式，再假以时日，来抚平创伤。这样的机制，让人类的心理承受能力得到了极大的加强，否则，人类就会在总是悲多喜少这种比例极度不协调的现实中崩溃。
其实说等，也没用多久，母亲就开口了。母亲跟我说，那是我5岁时的照片，在昆明的春曼公园（已毁）里拍的，拍照片的是我母亲，专门借了姑父的相机去拍照。我5岁的时候是上世纪80年代中期，那时候我们家并不富裕，承担不起购买一台照相机这样的奢侈品。姑父家则不同，可算是走在改革开放前沿的人。昆明地处边疆省份，改革开放的春风吹到这里总要花些时间的。那时候如果说谁家里是“万元户”就一定是富裕得不得了的，可以让邻居们羡慕得不得了。姑父家虽然和万元户还有着一定的差距，但顺畅的人脉关系以及常年奔波于广东沿海地区负责采购的工作，还是让他们家提前感受到了这股“春风”的力量。于是，我们家也捎带沾光，得以感受这种私人照相机的魅力。要知道，那时候普通人照相，必须得到影楼才能照的，而且一般都是全家福式的照片。统一的动作，统一的表情，唯一不同的只是面孔而已。在我记忆里，那种大型的风箱式照相机，个头很大，样式极其恐怖。再加上拍摄者需要在机器背后用一块黑布将自己蒙起来操作。一边操作一边还大声呵斥让我不要动，更加增添我的恐惧感。我总有一种摄影师是在操控一门大炮想要一炮把我轰掉的感觉，所以拍出来的照片，都有着一股子强颜欢笑，异常紧张的神情。当然，后来自己也搞了摄影之后才知道，原来那种大机器的底片都是单独一张的，需要夹在片夹之中再放到相机里通过快门曝光。整个过程不能见光，得用黑布遮挡，否则底片就会曝光作废。现在想想，只觉哑然失笑。
所以，当我面对姑父的那台小型135相机，拍摄者也不需要顶着一块大黑布就能给我拍照片的时候，还能想去哪儿拍就去哪儿拍，别提多开心了。于是，这张能够证明我曾有过这样一个没能实现的梦想的唯一见证，就这样保留了下来。
此刻的我，也来到了人生之中最好的年华，已过而立，迈向不惑。而且，也在不经意间，拍到过一张儿子类似的照片，两相对比，便和母亲一起哈哈大笑起来。至于我儿子，我也没去问他关于梦想的问题，就让那颗小小的种子，在他心里自己生根发芽吧，且看看以后会是怎样。

上面的有感而发，但其实并未扯远。今天我们要讲的这部《天堂电影院》，恰好也诞生在我刚才讲的故事的年代，内容也是关于梦想的故事。在我少年时期，有幸观看过一次，只是，那时候看得懵懵懂懂。对前半部分少年多多的梦想记忆深刻，并羡慕他能很快就实现了自己的梦想。但对后面多多长大之后的部分就完全没有了概念。成年人的梦想，我们那时候哪里懂得？直到最近再次重温，才在热泪盈眶之下，看懂了这部评分高达9.2的经典之作。
这部电影，在1990年拿下了第62界奥斯卡最佳外语影片的大奖。其他奖项更是不计其数，给意大利的电影业增添了浓墨重彩的一笔。电影的配乐也是一段传奇佳话。该片的电影音乐来自于意大利电影配乐大师埃尼奥·莫里康内。埃尼奥是意大利最多产也最有建树的作曲家。在400多部电影的配乐之中，多次获得过世界级的大奖，1994年被全美电影音乐协会授予终身成就奖，是唯一一个获得该奖项的非美国籍电影音乐家；2007年的时候，更是获得了奥斯卡终身成就奖，这是世界电影人的最高荣誉。

埃尼奥的音乐风格非常多样化，并不拘泥于某一种风格，从真刀真枪血腥暴力的美国西部牛仔电影，到《西西里美丽传说》这样温柔明媚的电影，老爷子都不在话下，无论在氛围上还是音乐旋律上，都可以做到尽善尽美。其中的很多代表作，诸如：《美国往事》、《西西里美丽传说》、《海上钢琴师》等佳作，更是被原声音乐爱好者奉为天碟，电影公司也发行过很多的版本，供人们欣赏和收藏。

《天堂电影院》的片名，来自于片中的一个重要场景。就是主人公多多从小跟随放映师艾佛特建立梦想并长大成人追求自己的事业和思考的重要场所。这个场所，跨越了主人公一生的时间线，见证着和主人公这一代人的悲欢离合。
影片中，这段现在大家听到的这首“爱的主题”的旋律不时响起，极尽柔美之能事，弦乐轻到不能再轻，再加上八音盒的叮咚之声，在背景中安静地承托出一种梦境的氛围。管乐作为主角将柔和的旋律通过两段式演奏出来，预示着人生的不同阶段，或者是梦想的不同阶段。
我们在仔细听这段旋律的时候，除了有一种柔美质感之外，还能或多或少地体会到一丝悲哀之情，这也许就是梦想和现实之间的差异在音乐之中的表达吧！
听完了电影之中原版配乐，我们再来欣赏一下被各种改编的版本。这一首是由英国歌手凯瑟琳·詹金斯和艾伯特·乌尔索合唱的版本。整首曲子的编制完全按照古典音乐的风格来制作，包括两位歌手的演绎，也都是严格按照古典歌剧的风格，用美声唱法实现。这样一来，整首歌就显得非常华丽，委婉动听，在合唱的部分还通过两个声部相互交织的技巧，实现了歌剧中咏叹调的效果。但比较遗憾的是，缺少了原版当中的那一丝悲哀之情，我个人觉得是一种遗憾。
现在大家听到的这首曲子也是一首精彩的改编。由美国著名影视作曲家亨利·曼西尼之女莫妮卡·曼西尼演绎。曲子柔和了《天堂电影院》的钢琴协奏主旋律以及爱的主题。整体风格有一种慵懒的美国爵士风味。这种风格在美国上世纪20-70年代特别常见。刚好莫妮卡·曼西尼生于上世纪50年代，经历过美国二战后最黄金的岁月。在2002年莫妮卡50岁生日的时候，出品了《天堂电影院》的同名专辑。该曲目就是专辑的主打歌。经历了刚好50年的洗礼，莫妮卡的歌声中，充满了成熟女人的韵味，把这首曲子唱得非常美好，同样也缺失了悲情，不过这也不必纠结，每个人都有自己的风格和对作品的诠释，我们把三个作品放在一起来赏析，就是希望大家能够找到适合自己的风格，而并不是要大家一定按照我的理解去欣赏作品。正如我标题当中所说的，人生之中充满了遗憾，但遗憾何尝不是一种生命之美？
通过这部电影，以及我开始时候所讲述的我自己的故事，可以想见，其实一个人在孩童时期的梦想，其实是会在他的一生之中，或多或少都有着一定影响的。虽然这种梦想，不见得会直接影响到今后的兴趣偏好和就业理念，但我个人认为，会对一个人的价值观和世界观有着深远的影响。再次回到我自己，也正是通过这次的思考，我也终于明白了我嫉恶如仇的性格，也许也正是来自于这种孩童时期的梦想所塑造的是非观念。那种对于正义的向往和对邪恶的极度厌恶，深深根植于内心，这不正是警察这个职业所必须具备的最基本的素养么？

谨以此文和本期节目纪念配乐大师埃尼奥· 莫里康内。埃尼奥· 莫里康内生于1928年，卒于2020年7月6日。终其一生对电影音乐做出了巨大的贡献，为人生“实现梦想”做出了最好的榜样。
好了，希望大家能够喜欢今天的赏析和我的小故事，我们下期见！

在上世纪80年代，诞生了一部很有意思的电影，在这之后，寻宝探秘这样的题材，就成为了人们茶余饭后的话题。许多人都梦想着成为印第安纳·琼斯那样的博物学家和探险家。在日新月异的科技设备支持下，也确实催生了一个新的职业，就叫做Treasure Hunter，也就是职业寻宝人。他们爬山下海，探寻人迹罕至的地方，追寻着各种传说和神话之中提及的宝物。而这些人的精神领袖，恰恰就是今天我们要讲的电影《夺宝奇兵》和电影的主角——印第安纳·琼斯。
要知道，在上面两期节目当中，我们讲述的都是浩瀚无垠的太空，这样的场景就算是科技如此发达的现在对于我们普通人来说依然是遥不可及的。只能通过纪录片或者电影来感受一下宇宙深邃的魅力。但我们本期要讲述的《夺宝奇兵》则不同，它所带给我们的神秘，却是实实在在的发生在地球上的故事和场景。虽然因为疫情的缘故，我们可能在短时间内无法前往影片中的各个取景地，但这并不妨碍我们在未来的某个时刻，亲身感受这些美好的风光和人文之地。
除了场景真实存在之外，《夺宝奇兵》系列还有一个让我们更加着迷的地方，那就是超自然现象。关于超自然的概念，一直是一个全球性经久不衰的话题。在东方，我们的神秘和超自然，有着属于东方自身的体系，从上古神话到《山海经》；从八卦五行到道家思想；哪怕就是《聊斋志异》这样的通俗民间文学形式之中，都有类似的记载。而在西方，除了神魔之外，更加入了一些超越现有科学的元素，而不仅仅只是将其简单地划分为神怪轶事，保留了一丝未解之谜的心态。这样的心态，特别有助于科技的发展，因为只有保持着足够的好奇心和对未知事物的向往，才是科技发展的原动力。这一点，确实是西方国家在科技上更为强大的根本所在。也是我们国家需要改善的地方，我们总觉得我们拥有五千年的光辉历史，却忘记了人类科技爆炸的岁月不过短短200余年。历史更适合和哲学放在一块儿，用来总结人类历史上曾经犯过的错误，避免再次入坑，而不是用来总结权谋和手段，以扳倒对手为目的。这就是我一贯奉行的双刃剑原则，任何事物都有其两面性，有好的一面，就一定有坏的一面。至于它所呈现出来的结果是好是坏，那就完全取决于人们究竟是用它的那一面而已。
回到电影《夺宝奇兵》。这是一部同样来自于乔治·卢卡斯的原创剧本，我们在介绍《星战》那一期节目的时候已经提到过，《夺宝奇兵》的剧本创作几乎是与《星球大战》第二部的拍摄和制作相重叠的。所以，乔治·卢卡斯分身乏术，于是找来了因拍摄《第三类接触》而大红大紫的导演斯皮尔伯格。卢卡斯相信，这个剧本，也只有交给斯皮尔伯格才能拍出他想要的那个样子。

之前我们也提到过，因为在《星战》中的出色表现，《夺宝奇兵》可以说是为哈里森·福特量身定制的剧本。哈里森·福特因为其相貌并不特别英俊，但小小的眼睛充满着睿智的光芒。从影之前哈里森·福特一直从事木匠行业，身材也相当不错。就使得卢卡斯在脑海里浮现出了一个知识渊博但身手敏捷敢作敢为的形象。就这样，印第安纳·琼斯便呼之欲出了。他首先是一个考古学家，其次是一个冒险家，充满智慧，敢于面对纳粹这样的强权，多次运用自己的胆识和智慧战胜不可一世的敌人，造就了我们今天看到的这些脍炙人口的故事。
其实，很多电影里的故事情节，还真不是卢卡斯单纯的创作。随着纳粹德国的很多历史资料在上世纪后期逐渐解密之后，我们发现其在超自然科学的研究和投入上有着异乎寻常的比重。希特勒曾多次派人前往各个宗教圣地考察和研究一些我们至今看起来依旧神秘的资料和现象，包括藏传佛教的密宗和香巴拉的传说；也包括让隆美尔占领北非的大片土地之后，试图了解法老王朝时代的一些秘密。在这些解密的资料当中，我们能感受到纳粹德国在二战中后期，试图通过研究一些超自然的现象，并将其武器化，用以扭转战局的不利。这并不是异想天开，因为直到现在，很多发达国家的军事和民用科技，都来自于当初的纳粹德国。
在二战战场上，德国的喷气式飞机、V2火箭、虎式坦克等装备，让盟军曾一度闻风丧胆，如果不是因为其战线拉得太长，且独裁于一人之手，二战恐怕没有那么快结束，或者说，纳粹德国的胜负，都还在两可之间。

 这些跨越时代的武器，在战后，也迅速推动了欧美大国，特别是美国的科技力量，Ｖ2火箭的设计者德国科学家冯·布劳恩就来到美国，成为了NASA的创立者之一兼首席科学家，也成就了美国航天宇航技术世界第一的地位。所以，这些在当时超前的军事科技，人们普遍认为就是纳粹德国研究超自然现象和力量的部分成果。这也才有了卢卡斯的创作灵感。而且，他干脆也就把纳粹德国作为了电影当中的反派。
《夺宝奇兵》电影的第一部，上映于1981年，斯皮尔伯格在该片中的导演能力得到了充分的体现。除了影棚的布景，他还遍寻世界各地，找到了最合适剧本想要呈现的场景，包括从埃及到约旦，再到亚马逊的原始森林，于是，我们在观影的时候，除了惊叹于想象力如此丰富的故事之外，更领略到了世界各地的震撼美景。再加上卢卡斯影业旗下的工业光魔在那个时候领先整个好莱坞的特效制作，让电影就算放到将近40年后的今天来看，都依然可以让国内的很多电影大失颜面。这脸已经打了40年了，何时是个头呢？
《夺宝奇兵》至今一共上映了四部，前三部都在上世纪80年代上映。无论票房还是奖项，都获得了很好的回报，也成为了卢卡斯手里除了《星战》之外的另一张王牌，同时也成就了斯皮尔伯格在奇幻领域的地位，让他真正可以自豪地宣布，什么样的题材，我都可以做到最好！
在2008年的时候，派拉蒙公司重启了该系列，依然找来了斯皮尔伯格执导，哈里森·福特主演，投资1.85亿美元，这次有了电脑特效的加持，使得画面上更加有观赏性。而且，在被迪士尼收购的卢卡斯影业计划当中，我们又惊喜地发现了《夺宝奇兵》第五部的计划，但看着老去的福特，我们不禁感叹，再完美的英雄，都有迟暮之年，廉颇老矣，尚能饭否？唯有等到明年，成片出来之后，才有答案。
负责制作《夺宝奇兵》电影原声音乐的，依然是斯皮尔伯格的黄金搭档约翰·威廉姆斯。二人的合作从1975年的《大白鲨》开始，就一直没有中断过，无论是私交还是面对电影的敬业态度，都是电影行业的楷模，也是影迷顶礼膜拜的对象。
《夺宝奇兵》目前已经上映的四部，也都无一例外地是二人合作的成果，质量有目共睹，豆瓣均在7分以上，平均分为7.5分，在商业电影当中，已经是佼佼者的存在，真可谓叫好又叫座的典范。因此，我也特别期待第五部的上映，我相信，到那时候，这个系列又将掀起一个神秘玄幻题材的小高潮。

《夺宝奇兵》的系列音乐当中，大家最耳熟能详的，应该就是现在大家听到的这首《奇兵进行曲》了。说起来，在那个崇尚个人英雄主义的年代，进行曲的风格应该是最常用的方式了吧！而且，进行曲这种充满力量的感觉，无论它在片子中的哪个位置响起，都会让观众为之热血沸腾。特别是在电影院这样的场所里，进行曲的曲风，就是一种对观众集体潜意识的人为操纵，这就使得约翰·威廉姆斯的音乐从配角成为了第二主角，成为了除了电影画面之外的另一种文化符号。进行曲还有另一个好处，就是编制上可大可小，大量采用军鼓和管乐来营造节奏和力量的氛围，所以，我们可以在各种平台上听到很多版本，包括大型管弦乐团演奏的“豪华版”，以及军乐队在行进当中演奏的“移动版”。在美国的部分迪士尼乐园之中，也有现场版的《奇兵进行曲》游行演奏表演。
第二首，End Credits，第二部的片尾曲。在《奇兵进行曲》的基础上进行了变奏的改编，这首曲子如果不是对音乐特别敏感的人，相信一定会和1984年洛杉矶奥运会的《奥林匹克进行曲》混淆起来。因为，两首曲子都是在1984年的时候完成的，也同样都是约翰·威廉姆斯的作品。
正因为1981年《奇兵进行曲》的出色表现，洛杉矶奥运会的主题曲，也就顺理成章地成为了约翰·威廉姆斯施展拳脚的地方。同样是进行曲的《奥林匹克进行曲》就更加脍炙人口，因为奥运会被全世界所熟知，但人们也许不知道的是，《奥林匹克进行曲》正是受到《奇兵进行曲》的影响，曲风不可谓不接近，但完成度更高，篇章质感更强。在一首曲子当中，增加了古典三段式的篇章，有强有弱，更像是一个组曲连接成的一首曲子。而这首《奇兵进行曲》的变奏曲则一脉相承，风格出奇地一致，特别是中间的部分。虽然总的来说还是能听出区别，但也暴露了当时约翰·威廉姆斯在同一时间创作两大主题被相互影响的结果。
其实，上述的观点还是有些保守的，真要刨根问底去听的话，在这些音乐当中，我们甚至还能找到《星战》的部分影子，毕竟，这些作品全部都在短短几年之内出自同一人之手。要说没有丝毫的自我借鉴和影响是不可能的。这个现象直到1993年的《辛德勒名单》当中，才被约翰·威廉姆斯完全自我剔除，完美创造了最最最经典的《辛德勒名单》组曲，以及之后和大提琴家马友友合作的另一部电影，但因为各种原因，我们在这里就不做描述和推荐了，有兴趣的朋友可以自己研究。
好了，今天的赏析就先到这儿，接连给大家说了四期电影史上的常青藤，这个系列暂时也就告一段落了，下期我们将回到一些单部的电影上来，让更多的优秀电影原声作品回荡在我们的脑海之中吧！
下期见！

上一期我们讲了《星球大战》，这一期，我们接着聊同样是太空科幻题材的另一个系列作品《星际迷航》。
星际迷航在宇宙观上没有《星战》来得那么宏大，特效制作上也没有那么出彩，但从起源上要比《星战》更早。最初的剧本由吉恩·罗登贝瑞在1960年就完成，比乔治·卢卡斯的《星战》足足早了13年。吉恩·罗登贝瑞在进入影视行业之前，曾追随他父亲的脚步，从事过很长一段时间的飞行员事业，上世纪40年代曾担任过美国陆军航空队的B-17轰炸机的飞行员，退役后也驾驶过泛美航空的客机，飞行经验非常丰富。正是由于对天空的向往与热爱，促使了吉恩·罗登贝瑞对科幻题材以及那时候无人涉足的太空和宇宙产生了浓厚的兴趣。于是，他在上世纪50年代就开始创作一些科幻题材的电视剧本，反响也还不错，这更加膨胀了吉恩·罗登贝瑞想要制作大型科幻题材电视剧或者电影的热情。于是，在50年代末期，他便专心开始他的《星际迷航：原初》系列的电视剧本的创作。

但当他拿着完成的剧本试图说服各大电影电视剧公司的时候，却处处碰壁，没有一家公司愿意投资拍摄这样一部一看就是极度烧钱的玩意儿，而且，剧本中所呈现的风格与当时的电视剧也大相径庭，这在投资人看来，无疑风险极大。这一点，与13年之后的乔治·卢卡斯也几乎如出一辙，毕竟，在没有电脑特效作为支持的年代，所有的科幻题材都有着画面如何呈现的现实难题。
不过，好在，1960年代，刚好是一个对太空充满着激情的年代。那时候的美国和苏联已经在太空领域展开了激烈的较量，时任总统的约翰·肯尼迪在竞选时就对美国人民承诺过，只要他当选了总统，就一定会在太空科技方面，全面超越苏联。所以，在1961年苏联率先完成了载人航天之后，肯尼迪总统就迅速推动了超越苏联的空间计划，宣布斥资11亿美元，启动了后来最著名的阿波罗计划，并要求在1970年之前完成登月任务。虽然肯尼迪总统在1963年遇刺身亡，但他的遗志却获得了继任总统林登·约翰逊的大力支持，终于在1969年7月11日完成了人类史上的第一次登月任务，对苏联全面超越的计划也终于达成。

所以，在这样一个对太空和宇宙有着极大热情和关注度的年代，吉恩·罗登贝瑞的剧本也终于在1965年得到了赏识，在NBC电视台内部经过了一年多的剧本改写和拍摄试播之后，最终的成片《星际迷航·起源》在1966年上映成功，并成为后续同名电视剧的第一集，这种电影和电视剧一起制作和发行的形式，也开创了一种全新的电视剧模式，同时笼络了电影院线和电视的观众，制造了一场不小的文化效应。
整个《星际迷航》系列，从1966年首部电视电影上映至今，共拍摄了超过800集的电视剧和动画片，以及13部电影。在我讲述的“电影常青藤”这个范畴里，应该算是佼佼者的行列。而且，在派拉蒙影业公司的未来拍摄计划表当中，我们依然能看到《星际迷航》系列的计划，也就是说，这支常青藤，还将继续绽放它的光彩，为我们这些科幻迷带来更多的期待。

说回到《星际迷航》的原声音乐，刚才我们已经提到过，这是一个庞大的影视系列，甚至是一种科幻文化的现象，所以，一个人是无法完成这些诸多的配乐工作的。我们这里讲的，只能是那几首有着象征意义的，具有无可比拟代表性的音乐。它们和《星战》系列一样，都有着明确的主题曲，也有着各自的系列主题曲。但只要是这首主题中的主题曲一响起，我们就马上明白了他是属于什么的。星际迷航的大主题曲，其实并不是为电视剧写的版本，而是美国著名作曲家Jerry Goldsmith为1979年派拉蒙公司出品的第一部正宗大电影而写就。

曲子说实话，我个人认为应该是受到了比它早两年上映的《星战》第一部的影响，所以在风格上有些许类似之处。同样都是运用了进行曲的风格来彰显宇宙的浩瀚无垠，但编制上没有《星战》主题曲那么豪华，听起来的感受也没有《星战》主题那么磅礴。但在前奏过后，却运用了一大段抒情的小调把宇宙的璀璨星光表现了出来。如果两首曲子对比的话，你就会有这样的感觉：《星战》主题更加强调气势，着力通过华丽的配器和音符表现宇宙的宏大场景；而《星际迷航》的主题则更加突出细节，在他的音符之中，我们似乎能看到遥远的星辰以及人类通往太空的梦想。
这首曲子在形制上分为三部分。第一部分是大型管弦乐的进行曲。此部分与《星战》主题大体类似，进行曲的风格很容易让人联想到军旅生涯，这也正是作者想要的效果，因为《星际迷航》系列所讲述的，恰恰正是一艘艘冠以各种名称的星际舰队。诸如：航海家号、企业号（也翻译作进取号或者奋进号）以及发现号等飞船的舰队指挥官和其部属在宇宙中执行各种任务的故事。

第二部分，是一段抒情的旋律，通过清脆的打击乐器和弦乐的配合，烘托出一种史诗般的质感，刻意彰显了浩瀚星辰的美丽画面，以及置身其中的柔美安静氛围。
第三部分，再次回归进行曲曲风，重复了一些第一部分的主旋律，这一部分我们可以理解为对人物的刻画，展现出主角们为了伟大的宇宙事业奋发图强的精神。
整首曲子中规中矩，三段式的方式也很容易让人接受，听起来此起彼伏，波澜壮阔的同时却又蕴涵着丰富细腻的情感。这一点是我个人认为比《星战》主题更好的地方。
第二首，Overture，序曲。取自主题曲中的第二部分的旋律，节奏和配器上进行了重新的考虑，采用大提琴这种更加深沉的乐器来开篇，小提琴则随后跟进，彷佛两个人置身在浩瀚的星海之中的一场安静的对话，但在了解了彼此的心意之后，便不约而同地看向了远方的璀璨，那种璀璨，包含了世间的一切物质，包括时间的过去与未来，以及空间的宏观与微观。
第三首，来自《星际迷航》第二部的主题曲，由James Horner创作。可以看作是大主题曲的变奏曲，也是James Horner向原作者的致敬。James Horner我在这里就不多说了，有兴趣的朋友可以去听我的第一期作品，里面有对这位配乐大师的详细介绍。
该曲目，可以算是James Horner的早期作品，写作于1981年，旋律上没有什么问题，但配器上还是有一些生涩的感觉，在各部位转换的时候听起来不是特别顺畅，当然，这也有可能是因为录音年代较为久远的原因。
曲子也采用三段式的风格来写就，开篇采用呼应大主题的方式，但通过变奏做了一些巧妙的变化，使得曲子在熟悉之中又颇有新意。第二部分也是抒情，通过弦乐和管乐的相互交织营造出一种螺旋上升的感觉，塑造出了人类对仰望天空的渴望之情。
总体而言，科幻题材的电影或者电视剧配乐，大多都会采用气势恢宏的音乐来营造宇宙的无垠和浩瀚，节奏上普遍都有着进行曲的风格，阐述着人定胜天的意识理念。这一点，我们无论在《星战》还是《星际迷航》当中都有着充分的感受。受到这两个系列的影响，在上世纪90年代，还有一个《星际之门》的电影和电视剧系列也有着类似的表现。
好了，希望您能够喜欢我本期的赏析，下一期，我们接着聊之前提到过的常青藤系列之三《夺宝奇兵》系列，在《夺宝奇兵》系列的原声音乐之中，我们又能有怎样的感受呢？欢迎您订阅并分享我的《电影留声机》栏目，我们下周再见！

上一期我们说过，007作为电影界的常青藤，是否还有另外的电影可以与之相媲美呢？答案是有的，而且还不止一种。当然，我们在这里说的，一定是要把那些常见的三部曲都排除在外的，因为，三部曲的形式实在是太过常见，算不得什么。但凡要能够列入到常青藤这种范畴的，我个人觉得一定得是超过4部、口碑都还不错的且时间跨度也得足够长才能够入选。
那么，就我个人看过的电影而言，马上就有三个系列在我脑海里浮现了出来。一个是《星球大战》系列；一个是《星际迷航》系列；再一个则是《夺宝奇兵》系列。前两个都是太空科幻题材，后一个是寻宝探秘题材。我们有机会的话，会一个个给大家讲述，今天就先从《星球大战》系列开始吧！

《星球大战》的第一部上映于1977年，但事实上早在1973年乔治·卢卡斯就已经完成了剧本的创作。那时候，没有一家电影公司愿意承接这部电影，因为就当时的技术而言，剧本中所希望呈现出来的特效简直就是天方夜谭。要知道，1970年代的电脑，都才刚刚从晶体管时代跨越到了集成电路时代，体积巨大的同时，也只能负责一些实际的运算。更别提现在电脑之中的操作系统或者是图形界面了。但卢卡斯没有放弃，经过了努力地游说，终于在20世纪福克斯公司那里，拿到了800万美元的投资。从完成剧本开始找投资到真的拿到款项，卢卡斯足足努力了一年。
1975年夏天，拿到钱的卢卡斯并没有着急开拍，而是做了两件事。一件是把自己原本已经完成的剧本做了大幅的修改，舍弃了前20多页，因为当初的故事，这点钱根本不够拍，虽然最后投资追加到了1300万，但电影的时长也不允许。卢卡斯索性将故事修改成了3段，这也才有了后面的两部电影。但这一改动，风险极大，因为如果第一部失败的话，后面的电影，投资方是一定不会接着花钱的。这样一来，观众就无法看到完整的故事。不过，卢卡斯觉得，如果第一部都失败的话，那么谁还会在乎后面两部想要讲什么呢？于是，剧本一分为三，就这么敲定下来了。至于删减掉的前20页，卢卡斯也绝没有丢弃，而是在20年后，让他们成为了三部前传电影的核心。

第二件事，则是召集了一帮志同道合的年轻人，成立了“工业光魔”电影特效公司，既然没有现成的公司能够帮他们做特效，那么，他们就决定自己来研究如何制作特效。
卢卡斯为“工业光魔”团队找来的人当中，有搞建筑的，有做模型的，有玩机械设计的，但唯独没有电影行业的，最接近的，可能是几个从事电视广告制作的人。但就是这样一群没有电影制作经验的人聚在一起，摆脱了当时电影人的思维束缚，奇思妙想不断，在没有电脑特效的帮助下，通过大量的模型和布景，再加上实际制作出来的各种机械装置，完美呈现出了一个未来的科幻世界。就算是今天来看这部电影，也不会觉得有太多的问题，至少我个人看下来的感受是，除了射出去的激光比较假之外，其他都看不出任何破绽。当然，人物造型毕竟还是上世纪70年代的样子，其他什么都好。

两年后，片子如期上映，在当时的美国，制造了万人空巷的场景。大量的星战cosplay也成为了继动画版超人等超级英雄之后又一种流行的主题。卢卡斯也如释重负，自己的努力没有白费，投资方也迅速签下了后面两部作品，并希望能够尽快拍摄并上映，让热度能够持续。但卢卡斯有着自己的计划，对质量要求极高，所以，在之后的6年里，观众才陆续看到了两部作品。不过，严格来说，卢卡斯也不是把全部精力花在了星战上，而是又了新的想法。他看到了主演之一哈里森·福特的潜质，打算精心为他量身定制一部电影，于是，《夺宝奇兵》就浮现在他的脑海里了。这次，卢卡斯并没有亲自导演，而是将剧本交给了斯皮尔伯格，再由斯皮尔伯格找到派拉蒙公司投资。这样的话，他就不会精力太过分散，剧本写完之后，就可以全身心投入到《星战》的后续拍摄和制作上来。当然，他的“工业光魔”公司就忙得不可开交了，因为要同时制作《星战》第三部和《夺宝奇兵》的第一部的特效。不过，这几部电影之后，“工业光魔”的制作能力也就成为了好莱坞的标杆，特效这块大蛋糕，暂时就被“工业光魔”所垄断，在之后的很长一段时间之内，赚得盆满钵满。

至于音乐，卢卡斯当然也不含糊，直接找来了约翰·威廉姆斯担纲。约翰·威廉姆斯一出手当然不同凡响，他在看过剧本之后，被《星战》庞大的故事背景所吸引，同时也被“工业光魔”不拘一格的行事风格所感染，运用他深厚的古典音乐基础，直接将《星战》的原声音乐写成了一部大型交响乐组曲。从出发点来看，这似乎有点脱离了电影配乐的初衷，只管自己写的爽，却不管画面是否能配合上。但最终的结果，却似乎就像是天注定一般，无论是电影画面还是音乐的质感，都成就一段电影史上的佳话，也让约翰·威廉姆斯，奠定了其在好莱坞配乐界的地位。之后的《星战》全系、《夺宝奇兵》全系、《侏罗纪公园》的部分，都是他的得意之作。并在我们之前赏析过的《辛德勒名单》当中，达到了巅峰。
那么，我们今天，就来听一听约翰·威廉姆斯在星战系列配乐当中的精彩表现吧！
《星球大战》这个系列，从1977年到现在，一共拍摄了共11部电影，其中正传三部，前后传各三部，还有两部外传。抛开外传的故事，剩余的九部都是在卢卡斯的原剧本当中的内容范围内的。只有外传是根据一些新的线索重新编写的故事。但这11部电影，无一例外的就是都使用了统一的片头和音乐来作为开篇，以表示自己的正统性。
这段经典的音乐，我相信即便是对科幻题材没有半点兴趣的人也至少是听过的。因为这段音乐的引用率，绝不输于我之前讲过的任何著名原声音乐的引用率。曲子开篇就是一组震撼的管乐相互叠加，外加军鼓和定音鼓的配合，营造了一股前所未有的气势磅礴质感，将宇宙的浩瀚无垠塑造得淋漓尽致。此曲采用进行曲的风格写就，编曲上也极度成熟，从1977年至今，每一部电影都没有做过任何配器上的改变。在结尾处，用弦乐做了一个柔和的波浪型过度，顺势就可以引出每一部电影的主题。
第二首，Across The Stars（Love Theme），穿越星辰（爱的主题）。《星球大战》如果大家都看完之后，我相信一定不会将其分类到简单的动作、战争或者科幻题材当中。因为，这部电影的世界观是如此之大，或者说，是宇宙观如此之大。电影里，我们除了可以看到精彩的战争场面之外，还能够看到各种对权谋、利益和人性的深刻剖析，当然，最重要的其实是情感。无论是公主、绝地武士、外星人还是帝国军队，抑或是冰冷的机器人，都有着复杂的情感。好人可以变坏，然后又良心发现变好；贪婪的船长在正义的感召下成为了个人英雄主义的代表，等等。这些复杂的情绪或者情感，自然也需要有着适合的音乐来辅助，所以，这首穿越星辰就是这些所有情感的一个汇总。在曲子当中，我们能听到温柔至极的宛如爱人之间般呢喃的倾诉，也能够听到战友兄弟之间坚定的友谊；更能够听到对抗暴政之下，那种决绝的心态。这些同样的旋律，被用不同的配器和演绎来表达，对应着不同的情绪渲染。这就是约翰·威廉姆斯对变奏曲的运用炉火纯青的表现。
第三首，前传第二部的片尾曲。说实话，约翰·威廉姆斯为《星战》系列写的配乐实在是太多太多，所以各种最好听的旋律都散落在各处，想收集到一起来听似乎对音乐爱好者是个不小的考验。当然，对这个系列电影的忠实粉丝来说也许并不是什么难事。约翰·威廉姆斯自己似乎也认识到了这个问题，于是，他就在前传第二部和第三部的片尾曲当中，下足了功夫。将一些有代表性的、好听的旋律进行了一个大集合。现在大家听到的就是其中的一首，来自2002年上映的前传第二部《克隆人的进攻》。这些旋律包括了帝国军的主旋律、上面提到的《爱的主题》、《星战》总旋律等等。这个聪明的做法，使得我这个原声爱好者在当时观影的时候不得不在打扫影院卫生的大妈奇怪的眼光下坚持看完了字幕。
其实，话说回来，能够坚持看一看字幕是对一部电影的演职人员最起码的尊重。当然，最好是这些枯燥的字幕能够有这样精彩的音乐作为陪伴。不过，完整的全曲长达10分44秒，大家可以想象我当时的坚持是多么另类么？
第四首，A new hope，新的希望，来自前传第三部的片尾曲。同样是一首柔和了各种优秀旋律的组曲集合，这次更长，13分05秒。我们不可能给大家全部赏析，所以每一首曲子都做过一定的剪辑，方便大家能够听到最精华的部分，如果希望听到原版的朋友，我会在节目的最后提到专辑的信息，大家自行搜索欣赏即可。
我选取的部分主要柔和了公主莱拉的主题以及绝地武士的主题，以变奏曲的方式呈现。整体和片头主题一样，是进行曲的风格。情绪激昂，并在曲终之前，用弦乐勾勒出一丝扣人心弦的感觉。随后用定音鼓加全面的铺陈营造出希望产生的感觉，让听者热血沸腾。算得上一首点题非常成功的佳作。

今天给大家赏析的全部曲目，来自于一张2016年发行的专辑《星球大战：数字终极版》。收录了从1977年到2005年上映的包括前传和正传的共六部电影的原声音乐。收录的曲目多达89首。所以，今天给大家讲的4首曲子，真可谓是专辑的九牛一毛。专辑中的电影排序是按照故事发生的顺序排列的，也就是说，前传叫做1-3部，而1977年到1983年上映的正传则叫做第4-6部。而且，专辑收录的并不是重新演绎的版本，而是原版配乐，所以，当我们在欣赏从第四部开始的音乐时，会发现音质有着些许的不同。要知道，那时候的录音条件和现在相比肯定有着巨大的差距，不过，经过数字化的修复和处理之后，也算是相当完美了。但和专辑中前三部的音质相比，还是不可同日而语。
《星球大战》这个系列，和《007》一样，也可以算是电影史上的常青藤，目前的东家已经从20世纪福克斯公司转到了迪士尼旗下，迪士尼为这个系列拍的三部后传和两部外传口碑也相当不错。不知道今后是否还能看到这个系列长长久久地走下去，如果可以的话，我相信，我依然会是那些忠心不二的粉丝之一。毕竟，这个系列有着太多不可磨灭的记忆和现象级潮流的引领，如果这样的系列都将成为历史的话，那些动不动就拍续集的电影，有何颜面继续下去呢？

大家好，欢迎来到“电影留声机”栏目，今天，我们接着聊“007，詹姆斯·邦德”系列的电影原声音乐。
上一期，我们谈了三首作品，分别是主题曲中的主题，也就是那首在每一部邦德系列电影当中都一定会出现的旋律，以及在1963年和1977年上映的两首单独的主题曲。但因为上映年代太过久远，原版的原声作品在录音上不太理想，风格演绎上也与现在的审美有着一定的差距，当然，不是说那时候的就不好，而是，我们在艾瑞克·孔泽尔和辛辛那提通俗交响乐团的重新演绎之下，有着更好的选择。他们重新演绎的版本，更加动听，也更加符合我个人的胃口。算得上是对原版作品的最佳改编，以及最佳致敬，所以成为了我给大家赏析的选择。
但今天我要给大家推荐的作品，却选择了原版的原声主题音乐来给大家赏析，一方面是因为这两首作品，一首是上世纪90年代中期的作品，另一首则更近一些，发行于2012年。两首歌曲无论在配器、演绎和录音上，都和现在的审美几无二致；另一方面，这两首作品也非常符合邦德的电影气质，在最初的旋律写作上，作者应该就充分研究过以往邦德系列电影的特点，牢牢抓住了邦德电影的特质，以及在音乐上所应该呈现的所有元素。所以，这两首作品一经问世，就烙下了深深的邦德印记。就算你没有看过这两部电影，甚至如果我没有告诉你这两首作品是为邦德电影写就的，估计你也能够在聆听的时候，不自禁地想：这种感觉太符合007邦德了！

邦德电影的音乐，明明每一部都不同，但却能够给我们带来一些相似的风格，在演员上我们也能找到类似的感觉。这里我要先更正一个我在上期的一个小错误，我们在上一期提到过，历任邦德已经有五位男星扮演过007，但其实一共是有六位演员扮演过邦德。分别是第一任：肖恩·康纳利、第二任：乔治·拉赞贝、第三任：罗杰·摩尔、第四任：提摩西·达顿、第五任：皮尔斯·布鲁斯南以及现任也就是第六任：丹尼尔·克雷格。除了第二任乔治·拉赞贝只出演过一部《007之女王密使》之外，其余的几任基本都出演过两部以上。

这些演员严格来说，除了都拥有蓝色的眼睛之外，并没有太多相似之处，当然，无一例外都是些帅哥。但只要他们在电影中一出现，你就会毫无保留地觉得，这就是邦德，这种感觉非常有意思。我思来想去，觉得这应该是一种气场，一种气质，属于邦德的固有气质。相信历任的导演们，也是在寻找演员的时候，非常看重这种气质，而不仅仅只是长得帅不帅。

不过，这种邦德的气质，似乎也给部分演员的其他演绎生涯，带来了不小的困惑。我们以皮尔斯·布鲁斯南为例，当他卸任第五任007后，在其他电影的参演上，遇到了不小的挑战，因为，无论他演什么，观众似乎都继续把他当作了007来看待。特别是当他试图出演一些温情片的时候，观众及其不买账，一度导致片方不敢启用皮尔斯·布鲁斯南。而继任的丹尼尔·克雷格在长相上也确实和布鲁斯南有着一定的差距，观众似乎就更加怀念布鲁斯南的007生涯。不过，很快，丹尼尔·克雷格的007有着更加勇猛的搏斗能力，以及电影越来越多的特效支撑，使得电影本身依旧好看，观众也才渐渐放下了心理上的包袱，接纳了这一任威猛的007。皮尔斯·布鲁斯南也正是在这时候，才逐渐走出了007的阴影，获得了更多的片约，从挺着油肚的老警察到不修边幅的绑架犯，都有过不俗的演绎。

说回到今天要讲的两首主题作品，第一首叫做《黄金眼》，来自皮尔斯·布鲁斯南主演，于1995年上映的同名邦德电影。该曲目由美国歌手Tina Turner演绎，于电影发行的同年11月以单曲的形式跟随电影一并发行。在当时，电影和这首单曲都获得了极大的成功，电影全球票房取得了3亿5000万美元的成绩。歌曲则迅速登顶各大流行唱片榜，曾数月占领欧洲前十的榜单。不过有意思的是，成绩最好的既不是原产国英国和美国，而是在匈牙利的流行音乐榜上拿过第一名的好成绩。相比之下，美国最好成绩拿过第二，英国则只拿到第十的成绩。
歌曲采用管弦乐加电子音乐的方式来配乐，配乐上非常饱满，鼓点从一开始就伴随着节奏带动着你的心跳，时不时出现的几声定音鼓，更加让节奏跳动有着异乎寻常的魅力。
演唱者Tina Turner的演绎也非常老道娴熟，磁性的嗓音，极高的音准，圆润的转圜，都给曲目带来了极佳的听感。特别让我感叹的是，Tina Turner的吐字简直是我听过的所有英文歌曲中，最清晰的。学过英语的人都知道，英文当中的清辅音在歌唱的时候是最难发清楚的，但Tina Turner居然将吐字发音在演唱的时候做到了极致，让每一个歌词的发音都能够听清楚，并且丝毫没有影响到演绎，非常自然。不得不说，黑色人种确实在歌唱舞蹈和运动这些方面有着极高的天赋，与Tina同时代的惠特尼·休斯顿和迈克尔·杰克逊也是这方面的代表人物。

第二首，《skyfall》，来自2012年上映的同名邦德电影《天幕危机》，由英国歌手Adele Laurie Blue Adkins演绎。同时，她还参与了歌曲的创作，也是一位英国乐坛的大神级歌手。《Skyfall》跟随电影特意选择了2012年10月5日这个007系列电影上映50周年的日子以单曲的形式发行，一经发行就获得了巨大的成功。在欧美11个国家拿下了2012年流行榜的第一名，并在当年全球流行音乐大区榜中也几乎保持着前五的态势。就连及其苛刻和挑剔的英国流行榜上，也拿下了第二的位置。最终，在销量上创下了720万张的成绩，是有史以来最卖座的电子单曲销售成绩之一。更牛的是，《Skyfall》还一举拿下了当年的格莱美奖和第85届奥斯卡最佳原创歌曲奖，Adele还在奥斯卡颁奖典礼上登台献唱了该作品。
歌曲配器很豪华，全部采用了管弦乐的大编制，钢琴和爵士鼓作为节奏辅助。曲风悠扬动听，Adele略带沙哑的嗓音与Tina Turner在“黄金眼”中的演绎有着异曲同工之妙，但情绪上却截然不同，更显天崩地裂之时的从容，充分展示了电影剧情和歌词中极力表达的洒脱和不羁。
这两首歌曲还有个我一直在强调的特点，那就是一听就知道是007的音乐。这当然不是巧合，而是一种在长达25部电影的堆砌之中，形成的固有气质，以及上一期我们谈到过的那首主题中的主题所带来的影响。这两首曲子当中，如果大家仔细听的话，你们一定都能够找到那段熟悉的回圜往复旋律，要么如skyfall一般，暗藏在曲子的两段演唱过渡之中；要么像黄金眼一样直接配合在第二段演唱的主旋律之中。加入得非常巧妙，又不干扰到本身曲子的旋律。所以我才说，这两首曲子的诞生，直接定义了“有一种音乐，叫做一听就知道是007”的概念。当然，这种概念我个人认为其实早在上世纪70年代的时候就已经奠定，特别是从《金手指》到《海底城》这几部电影，主题曲就已经有着明确的主题倾向，只是，中国直到上世纪90年代开始，才逐渐引进了007系列电影，也正是从那时候开始，007的主题曲，才进入了大众的视线。所以，我今天选取的这两首曲子，应该算是相对有代表性的，大家如果对早期作品有兴趣，可以听一下我的上期节目，对我说的这种007风格，会有更深的理解。
好了，本期节目我们就先聊到这儿，007系列作为电影史上的一支常青藤，经久不衰，那么，是否还有其他的系列电影也有类似的风格呢？我们下期揭晓答案。

今天，我们聊一聊电影史当中最有生命力的一支常青藤——《007 詹姆斯·邦德》系列。
《007》系列电影，大多是根据英国小说家伊恩·弗莱明的原著小说改编。有意思的是，伊恩·弗莱明本身就是一名真正的英国特工，曾供职于MI6，也就是英国陆军军情6处，其职能是国防情报搜集和反恐情报搜集。MI6成立于1909年，是世界情报机构的鼻祖。现在，与美国的CIA中央情报局、前苏联的KGB（现在则改叫做FSB，俄罗斯国家联邦安全局）、以色列的摩萨德并称世界4大情报机构。

当伊恩·弗莱明在上世纪40年代末期退出MI6之后，以自己的亲身经历改编并写成了他的第一部谍战小说《007:大破皇家赌场》，书中大量的香车美女以及高科技谍战装备情节，点燃了读者极大的热情，使得伊恩·弗莱明迅速成为了英国的畅销书作家。受到该书的成功激励，他在差不多20年的写作生涯之中，贡献了14部小说，其中12部都是《007》的系列小说。1962年，根据他的小说改编的第一部电影作品《007之诺博士》问世，一经上映就获得了空前的成功，制片方之后便以一年一部的速度陆续开始发行新的电影，于1963年上映了《007:俄罗斯之爱》，并打算在1964年上映《金手指》。但可惜的是，伊恩·弗莱明没有等到《金手指》的上映就去世了。不过，值得庆幸的是，此后，“007詹姆斯·邦德”就成为了一个电影史上最成功的IP，至今一共拍出了25部作品，其主演也更新到了第五代，平均每人承担了大约5部作品。
有细心的小伙伴可能注意到了，伊恩·弗莱明一共也只写了12部《007》，怎么会拍出了25部电影呢？这就要提到两个机构，一个是电影的制片方米高梅公司，第二个是伊恩·弗莱明基金会。米高梅电影公司大家并不陌生，那只著名的吼叫狮子片头就是他的logo，曾出品过大名鼎鼎的《猫和老鼠》系列动画片，以及不朽的名著改编电影《乱世佳人》。不过，《007系列》最早并不是米高梅的作品，而是一个叫做“联美影业”的公司，1981年并入米高梅之后，《007》这个IP就成为米高梅的另一张王牌系列。也许米高梅也是非常看重这个系列，才会在一开始打算收购联美影业。不过，重要的是，米高梅让这个系列在上世纪90年代大放异彩，成为了好莱坞谍战片的领袖。同时，也成为了中国最家喻户晓的谍战系列片。
至于伊恩·弗莱明基金会，则是在伊恩·弗莱明死后用其原著的版税建立的基金会，旨在鼓励更多的作家加入到《007》系列的创作中来。在后续的原著和剧本创作中，雷蒙德·本森就是其中的佼佼者，由他负责创作的剧本《007:末日危机》和《007:明日帝国》都获得了巨大的成功，同时也使皮尔斯·布鲁斯南一跃成为了好莱坞一线男星。
《007》系列既然已经问世了25部电影，那么，音乐的制作人，同样也非常之多，我在这里，不可能一一道来，今天，我只打算做一期概括性的节目，挑选几首非常有代表性的作品给大家赏析。

其实，从《007》的第一部电影作品《诺博士》开始，就每一部电影拥有一首主题音乐，但这个系列，还有着一首主题中的主题，配合着那个几十年不变的行走转身开枪的画面，这就是我们今天要给大家带来的第一首作品：The James Bond Theme，詹姆斯·邦德主题曲。该曲目由英国作曲家蒙蒂·诺曼为第一部《007:诺博士》写就。但当时的制片方并不是很满意他作为演奏时配器和风格上的考虑，于是在未经诺曼同意的情况下，找来了当时英国电影界最著名的作曲家和乐队指挥家约翰·巴里来重新演绎该作品。但此后，约翰·巴里就一直声称该曲目是他的作品，与蒙蒂·诺曼展开了旷日持久的版权之争，但最终，还是以蒙蒂·诺曼获胜告终。不过，我们也不能就此否定约翰·巴里的贡献，因为，一首曲子的旋律固然很重要，但如何配器以及如何演绎也是不可或缺的。旋律就像是一副骨架，是一首曲子的核心支撑，但配器和演绎则是血肉，二者缺一不可，骨架有了血肉之后，方可成活，也才有了灵魂。

况且，在此之后，约翰·巴里一发不可收拾，为之后的《007》系列作品，谱写了更多的主题音乐，包括了《俄罗斯之爱》、《金手指》在内的共12部影片的主题音乐和原声音乐，可谓是居功至伟。
说回到这首有争议的主题曲，全曲是一首回环式的爵士风格作品。大量采用管乐来突出主旋律，沙锤、摇铃和三角铁负责节奏控制，弦乐作为贝斯来辅助。整体上营造出一种神秘且紧张的氛围，与邦德从事的秘密特工活动非常相符。到高潮的部分，由管乐合奏突出一种志在必得的心理暗示。再次回到之前的神秘旋律之时，紧张感却会因为高潮的带动而消失，很有意思。
第二首，From Russia with love，俄罗斯之爱。一首来自1963年上映的同名《007》系列电影的主题曲。该曲目有着明显的俄罗斯风味，大量采用半音和全音的过渡，柔美至极。节奏上用沙锤轻轻摇出了一丝舞曲的感觉，让你不由自主地想要跟着摇摆。编曲上主要采用小提琴和大提琴相互交织的方式，模拟出了男女之间的情感对话，再加上柔美的风格，不由得就让人想到了两性之间的那点事儿，不过，在结尾处引用了邦德主题的一小部分，刻意营造了一种紧张的质感，隐喻着温柔之中暗藏危机，是一首非常切题的主题曲。
第三首，No body does it better，无人能做得更好。来自1977年上映的《007:之海底城》。这个海底城的翻译应该来自于港台，英文原名其实是“那个爱上我的间谍”。但那时候的港台对电影名字的翻译很有意思，包括人名。于是我们就看到了阿诺德·施瓦辛格被翻译成阿诺·舒华辛力加；《007:那个爱上我的间谍》则变成了《铁金刚勇破海底城》等等。
曲子采用了钢琴协奏曲的方式重新演绎，并加入了爵士的元素，在管弦乐的基础上，用爵士鼓控制节奏，钢琴则作为主角取代了原版中的演唱。听下来有一种飘逸委婉的感觉，旋律也写得很舒服，就让人产生了一种旋转并上升的错觉，非常动听。

听到这里，小伙伴们应该已经发现，我本次使用的音乐，并不是来自于电影的原版作品。而是来自于一张1992年由大名鼎鼎的“泰拉克”音乐制作公司发行的专辑《Bond and Beyond》。中文不太好翻译，姑且叫做《邦德以及其他》吧！因为该专辑中除了收录《007》系列的部分主题音乐之外，还收录了一些其他的电影和电视剧作品，包括《第一滴血》主题曲以及《神探加内特》的主题曲等。该专辑由同样大名鼎鼎的美国辛辛那提通俗交响乐团演奏，艾瑞克·孔泽尔指挥。说起这个乐队和艾瑞克·孔泽尔，可谓是神一般的存在。他们和泰拉克合作的很长一段时间之中，为全球的音乐和音响发烧友提供了太多的发烧天碟。可以说是上世纪8、90年代从磁带转变到CD作为媒介的音乐黄金期当中，最耀眼的明星。他们除了贡献了诸多发烧大碟之外，也为古典音乐和电影原声音乐的普及作出了卓绝的贡献。
刚好，这次我打算讲《007》系列，就想起了这张专辑，由于其重新演绎的作品比起原版更有味道，所以我就选用了这张专辑中收录的作品来给大家讲解，当然，喜欢原版的小伙伴，也可以自行搜索原版作品欣赏。
我个人觉得比较遗憾的是，这张专辑出品时间还是太早了点，1992年出品时，完美错过了后来我个人觉得更经典的《007:黄金眼》和《007:天幕危机》的主题曲，所以，喜欢《007》系列的小伙伴们，别着急，我们下期接着聊这个人见人爱、花见花开的《007》詹姆斯·邦德系列。下周见。

说起冯小刚这个电影导演，真是让人又爱又恨。一方面，他能拍出像《甲方乙方》、《大腕》、《不见不散》这样的国产优秀电影，不仅诙谐幽默，不经意间就把故事讲好，让人看后若有所思；同时还能拍出《集结号》、《1942》这样的大制作，几近可以同好莱坞分庭抗礼，虽然在意识形态上与好莱坞的学院派风格大相径庭，没能博得人家的眼球，但丝毫不妨碍他的作品在国内叫好又叫座。另一方面，却又因为其发挥不太稳定，居然拍出《私人订制》这样炒自己冷饭的无聊作品，以及私生活的种种负面信息被人诟病。作为国内为数不多的好导演和好演员，我们还是衷心地希望冯小刚先生能够静下心来，多拍一些优秀的国产影片给大家吧！
今天要给大家讲的电影原声音乐，就来自于冯小刚导演于2017年上映的电影《芳华》。要知道，在《芳华》上映之前，我可以说是对于冯小刚的电影失望程度越来越高。给我的感觉是，2007年的《集结号》一战封神之后，冯小刚就没有什么可以拿出来炫耀的作品了，虽然在《芳华》出现之前，冯导也还是努力拍了几部商业片，评价都还尚可，但没有一部真的能称之为佳作，也就《1942》勉强卖惨成功，但据说与历史差距太大，后期负面评价太多，不过，历史这玩意儿，从来都是成功者书写的，我们就暂且按下不表吧。
直到2017年，《芳华》的上映，我又看到了那个追求细节，会讲故事的冯导。而且，说起来，虽然片子并没有交代影片故事的发生地，但对于我所在这个边疆省份来说，那一点儿都不陌生，那场战争实在是不可磨灭的记忆，有着太多的可歌可泣的故事。可惜的是，在国家层面上来说，有些战争并不是大家想象地那样正义与邪恶的较量，更多的，其实是当时利益的驱动，是一种国家意志之间的较量，没有对错，只有输赢。所以，不是所有的战争，都会被历史铭记，当然，一定会被某些人所铭记，这就是《芳华》要给我们讲的故事。我们可以忘记战争本身，但不应该忘记那些流血牺牲的英雄，他们都为了国家的长治久安和老百姓的平静生活付出过太多太多，所以，国家无法缅怀的过去，就让人民自己来缅怀吧，这就是《芳华》的意义。

回到音乐上来。为本片谱写原创音乐的是著名当代作曲家赵麟。说起赵麟可能认识的人还不多，但提起他父亲赵季平，那在中国神州大地上，可就是一个响当当的名字了。如果您还是没有概念的话，当年80后的最爱《大话西游》系列的音乐、传唱南北的《水浒传》主题曲《好汉歌》、《大宅门》的京腔音乐，都是您一定听过的作品。俗话说，虎父无犬子。赵麟在这样的音乐世家，怎么可能没有出众的表现，1996年科班毕业于中央音乐学院，并获得当年中国文化部颁发的“优秀毕业生”称号，从此，继承了赵老的衣钵，继续为中国的影视原创音乐作出着贡献。
《芳华》作为一部有着战争背景的文艺片，对音乐的要求自然也就比传统意义上的商业影片要更高。所以，我们在这部作品之中，看到了冯小刚和赵麟的诚意。整张专辑，我们完全可以看作是一组有着明确的中国特色和年代感的管弦乐作品。无论你是否看过这部电影，都不会影响欣赏这张专辑。从旋律上来说，这张专辑中的大多数曲目都非常柔美，有好几首都采用了大、小提琴协奏的方式来演绎，期间又适当地加入了一些在那个年代最常见的伴奏乐器——手风琴。所以，一种恰到好处的年代氛围就被烘托起来了。我曾给母亲和她的朋友听过这个专辑中的一些音乐，他们都非常认同这种关于那个年代的音乐质感，从她们的眼睛里，我看到了被勾起往事的神思，也看到了在她们心中深埋下的那颗热血的种子。

下面，我们就一起来欣赏这段动人的岁月吧！
第一首，美好生活。这是一首非常平静优美的曲子。这种旋律非常符合国人的审美，平铺直叙的一段开头之后，一段节奏缓慢的高潮却足以抓住听众的耳朵。这种以哆咪嗦写就的大调所铺陈的舒缓节奏，特别适合让听众在脑海里勾勒出一个太平盛世，岁月静好的场景感，尤其是经历过上世纪六七十年代的那一代人，会打心底里明白美好生活的来之不易。所以，这首曲子是非常切题的。
第二首，穗子爸爸平反。虽然是配合画面讲故事用的曲子，但丝毫不影响单独聆听。曲子很短，只有44秒。但手风琴作为主角的配器和蹦恰恰的圆舞曲节奏，一定能勾起诸多人关于那个特殊年代的回忆。
第三首，记录遗言。一段优美之中蕴含着无限哀伤的大提琴协奏曲。曲子不长，但情绪的渲染已经表露无遗。曲子分为了两部分，前半段是大提琴的solo，就像是一个人的独白，缓缓道出了这一生的经历，但丝毫不激进，悲中有喜，苦中带乐。后半段的高潮部分，就再也没有悲伤的成分，有的，只剩下坚定的信念和对未来日子的向往。
第四首，穗子失恋。这也是一段优美的协奏曲，只是这次换了小提琴和手风琴作为主角。钢琴和弦乐作为辅助，这样的配器也是对时代特征的最好共鸣，让听者在不经意间就泪湿了双眼。
虽然对于我母亲她们这一代人来说，时光早已一去不复返，但记忆却是可以传承的，传承的媒介就是她们讲述的一个个故事，以及偶尔出现的这些电影或电视剧。每个年代都有每个年代的人和事，英雄也不例外。很多英雄可能不会被历史所铭记，但绝对会被某些人所铭记，这些人，就包括他们的家人，以及和他们同时代、同地域的人。所以，希望这样的电影能够时不时就看到这么一两部，除了记录一些不为人知的历史之外，更多的作用，则是唤醒一代人的记忆，以及他们曾经的芳华。

说起意大利，大家首先想到的应该也是浪漫，那是一种不同于法国的浪漫。法国的浪漫，我们在上一期说到，那是一种可以超脱于爱情的浪漫，甚至还带有些许的天真。这种浪漫，没有年龄甚至性别的界限，是在法国大革命之后历经数百年在法国人骨子里培养出来的浪漫。
而意大利的浪漫则不同，那是一种在爱情的浪漫里，柔和了西西里的风光、佛罗伦萨的包容、威尼斯的柔软、罗马的铁血，是一种及其复杂的浪漫，但总的来说，对于意大利人民而言，如果要对浪漫下一个定义，那就一定是优雅——高贵的优雅。

所以，今天我要给大家带来的原声音乐赏析，就来自于上述那种复杂的浪漫。虽然《教父》在通常意义上看来，是一部讲述历代意大利黑手党在美国成长最后消融的黑帮片，但它之所以几十年经久不衰，被几代人奉为经典，就是因为它的骨子里，有着足够的优雅，无论是穷困潦倒之时亦或是建功立业之后，主角们都在穿衣打扮、举手投足之间，体现着优雅，再加上电影对小说的神级还原，让我们看到了教父之所以成为教父，这种优雅之中包含着智慧，教会了很多人如何管理企业，营造家庭，甚至如何处事做人。
《教父》的原著小说分为三部，和我们看过的电影三部曲有很大的差别。不是说电影改编的太多，因为如果你电影和书都看过的话，你会知道《教父》第一部电影就是忠实于原著的典范，被后来无数的编剧当作教科书来学习。但书的第二部开始，其实就讲述了另外的故事，只是少数内容算是第一部书的延续。而第三部书就跟第一部完全没有任何关联了。
电影则不同，三部曲都是讲述了同一个柯里昂家族父子两代打江山、守江山和最终走向灭亡的故事。故事时间从上世纪20年代一直延续到70年代末，从打工的小混混开始到垄断全美博彩业甚至撼动罗马教廷的庞大产业帝国结束。但纵有家财万贯，睡觉不过一张床，吃饭不过一碗米。当迈克尔最终因为权利的欲望而走上穷途末路时的样子，真的让人不禁感叹。
细心的听众可能已经发现了，三部电影的时间跨度很大。从1972年一只延续到了1990年。其实第一部和第二部只间隔了两年，但第三部因为制片方、剧本等问题，一直难产到1986年，才得以重新提上日程，最终在1990年上映。三部电影都是教科书一般的存在，评分分别为：9.3、9.2以及8.9，被无数导演和编剧一遍一遍反复地看，反复地学。而对于观众来说，这样的电影，也值得一次次的观看，因为，每一次观看，除了故事本身，我们还能看到非常多的细节，诸如不同时代的美国，以及当时的美国人的生活。最重要的，是我们能从电影当中，看到美国最黄金的年代，以及那个年代里人们的奋斗史，它可以教会你怎样做人，怎样适应社会和家庭。所以，这三部片子，才会被奉为男人的圣经。这样的评价，我个人认为是不过分的。

回到电影原声音乐。第一部《教父》的原声音乐，是尼诺·罗塔的作品。尼诺·罗塔本身就是一位意大利作曲家，非常熟悉意大利的民谣和乡村音乐，所以，当《教父》的导演弗朗西斯·福特·科波拉请他为电影作曲的时候，尼诺·罗塔简直可谓是信手拈来。因为他原本就写就了很多西西里风格的音乐作品，曼陀林的运用非常得心应手，这段主题曲的旋律至今仍不时会出现在一些有着怀旧风格的餐厅或者酒吧中，可以说是被引用数目最多的歌曲之一。但也正是因为这段旋律早就写好，直接导致了尼诺·罗塔在《教父》第一部的奥斯卡最佳原创音乐资格被剥夺。理由就是这段旋律并不是单独为该片写作的。不过，这也没有影响尼诺·罗塔在《教父》第二部时拿下小金人。第二部的原创音乐，导演还邀请了自己的父亲卡迈恩·科波拉一同参与音乐创作，并客串了电影中的一个钢琴师，上映的第二年，二人一起分享了奥斯卡最佳原创音乐的小金人，也算是实至名归。

时间来到1990年，尼诺·罗塔因为在1979年就去世，没能等到第三部《教父》的开拍，所以，配乐的工作就由导演弗朗西斯·福特·科波拉的父亲卡迈恩·科波拉继续完成，殊不知，卡迈恩·科波拉在《教父》3上映的次年便去世，这部作品的原声音乐， 也就成为了他最后的作品。
因为三部作品的配乐非常多，作品风格大多又显得比较忧郁，只有主旋律及其变奏作品流传于世，成为不朽的经典，我们今天的赏析，就围绕这几首作品来展开。但我并没有选用出品方发行的原声原版作品，因为上世纪70年代的录音条件比起现在来，还是有很大的差距。所以，我选用的是一张发行于2005年，来自布拉格爱乐乐团的精美作品，名字就叫做《教父三部曲》（The Godfather Trilogy），录音和演绎非常忠实于原版，几乎没有任何区别，但音质上有着十足的保障，推荐大家收藏和聆听。
下面我们就开始今天的原声音乐之旅吧！
第一首，Speak Softly Love，轻声说爱。整个三部曲里最核心的音乐，也是传承并演绎最多的曲子。整首曲子温柔到了极点，是一首意大利民谣改编的曲子，在第一部到第三部当中都出现过。特别是第三部当中，迈克尔的儿子安东尼用吉他弹唱的版本，尽显意大利民歌的浪漫和优柔，非常动听。现在大家听到的版本来自第二部，之所以选择这个版本，是因为无论从编曲到演奏都非常完美，曼陀林和手风琴作为主角轮番登场，成为了这首相当于全片配乐中咏叹调一般的存在。管弦乐只是轻轻地在背景当中辅助和配合，在高潮时则全部出现，把爱的情绪推到了顶峰。
第二首，The Godfather Waltz，教父之华尔兹。上一首是音乐的核心，但这一首才是配合故事的配乐核心。全曲采用四三拍圆舞曲写就，华尔兹就是圆舞曲。编曲时依然采用西西里民间最流行的曼陀林和手风琴作为基调，管弦乐配合，听来会有一种诙谐幽默的氛围，但又不失忧郁，配合着故事情节不时出现，很好地完成了“配乐”的本职工作。但单独聆听也很有味道。
第三首，Kay，凯。这是一首神奇的曲子。是片中第二代教父迈克尔妻子凯的主题。单独听的话，这首曲子的旋律其实非常短，但有意思的是，全曲通过不同的配器表现，分成了三段，第一段是小提琴协奏；第二段则开头是钢琴协奏，后面加入了蓝调布鲁斯风格；第三段则画风一变，直接蹦恰恰，又变成了圆舞曲。同样的旋律，三段不同的处理方式集合在一起，这种方式真的不常见，听来非常有意思。

第四首，The Immigrant，移民。来自《教父》第二部，是配合讲述Vito Coliarno只身一人从西西里来到美国故事的配乐。一开头短短十几秒的管乐就把从坐在轮船上憧憬到看到自由女神像的喜悦感通过音乐表达得很完美了。后面的部分则通过宏大的场景感，烘托出在美国打拼的不易，同时也用安静的氛围营造一种既来之则安之的心情。再次迎来一个小小的高潮后，曼陀林轻轻地加入进来，尽显思乡之情，柔美之极。全曲在配合画面的基础上把旋律做到了极致，可以称之为电影配乐的典范。
不知不觉已经说了好多。要知道，无论是电影人还是观众，《教父》三部曲都是一种必学和必看的经典。很少有电影可以说对几代人有着深刻的影响，有影评人给出了这样的评价：“《教父》是男人的圣经，是智慧的总和，是一切问题的答案。”我们先不说这样的评价是否中肯，毕竟每个人的观感都会因为站在不同的立场而导致有着不同的结论。但《教父》三部曲就是这种有着深刻影响力的电影，作为电影史上最伟大的黑帮电影，它重新定义了“黑帮电影”的格调，把一味的打打杀杀变成了对人与人之间友谊和忠诚，事业和家庭的抉择。是啊，这世间其实本没有黑与白，善与恶。一切都是灰色的，中性的。我们每个人都是在人生之中一次次地作出选择之后，才偏向了某种颜色和道德。这，才是《教父》想要教给我们的道理。

《放牛班的春天》，也许是我在央视六套里看过的印象最深刻的电影。这也许是因为我们平时除了中国本土的电影之外，最关注的就是好莱坞的电影。所以，有时候，一些欧洲的优秀电影，还真是不太知道，也没过于关注。但这部电影真的让我感受到了法国人讲故事的厉害，以及对艺术的追求。当时看到这部电影只是一次偶然，打开电视的时候就已经播放了一部分了，我之所以停留下来观看，是因为这个非常有中国乡土气息的名字，和画面里不相称的外国人。我一度以为是不是名字打错了，或者电影放错了。看完之后，才发现这个名字不仅切题，且翻译得极好。片名如果直译的话，其实就是“合唱团”或者“唱诗班”，但经过译者巧妙地这么一弄，居然就把整个电影想要传递的情感跃然纸上了。整部电影，就像一股春日的暖流入人心脾，平凡的故事下却给人以不平凡的感动。
法国是一个非常浪漫的国家，就算是在某些打打杀杀的动作片里，我们都能够看到足够的浪漫，当年的《这个杀手不太冷》就是这样典型的杰作。但《放牛班的春天》这部以儿童为主角的电影里，我们又看到了怎样的浪漫呢？
当然，这里面的浪漫，和爱情无关，是一种法国天生的浪漫主义色彩。一群问题少年，因为一个懂音乐的新老师，就一下子从打架斗殴的熊孩子，转变成为具有天使气质的合唱团，单从立意这一点，就已经足够浪漫，还带有些许天真。我们并不是说这样的事情在现实中不会发生，毕竟爱的力量是伟大的，感化人心的事情在哪里都会发生，中国上世纪80年代有首歌特别流行，叫做《铁窗泪》，讲述的是监狱服刑人员悔过自新，奋发图强重新做人的故事。当年传唱大江南北，各地的监狱似乎也将其当作服刑人员每天必修的功课。每次开唱，总有镜头记录下那些涕泪齐流的场面，至今印象深刻。这其实就是一种爱的感化，这种力量在群体之中形成共鸣之后，感染力是非常强大的。古时《三国志》中有记载：“用兵之道，攻心为上，攻城为下。心战为上，兵战为下。”也是这个道理。到现在，我们有了一个更简单易懂的词，叫做——传递正能量。
类似的方式，到了电影里，这种用爱的力量来感化问题少年的举动，当然不必像我们的服刑人员那样做功课，又或者像兵法里那么“理论化”。他们所做的，只是用音乐这种全世界甚至是全物种之间最通用的语言来完成的，这才是真正浪漫的地方。而且，在法国骨子里就有的浪漫主义色彩面前，这一切就非常自然，顺理成章。所以，电影剧情所讲的故事，也是那么自然，那么淳朴。在片中，我们看不到谁是真正的主角，也看不到其他法国电影里那种絮絮叨叨没完没了的语言自负，看到的，只有一帮孩子们发自内心的演绎和他们天使一样的嗓音。

《放牛班的春天》，在2004年上映之后，次年就收获了3个国际大奖 和16个各类电影大奖的提名。其中，所获的奖项和提名中分量最大的，全部都是颁发给本片的电影原声音乐的。不过，大家不要就此以为电影本身没有看头，豆瓣9.3分的评价可绝不可小觑哦，在整个豆瓣电影的评分体系中，该片排到了前15的位置。不要说前15了，但凡能够上到9分的电影，哪一部不是伟大的作品？所以，如果还有朋友没有看过这部电影的话，特别推荐大家赶紧去欣赏这样一部直击人心的佳作。
不过，要我说，9.3的分数，如果没有了布鲁诺·库列斯的电影原声音乐，也许，就会是一部平庸的作品吧！布鲁诺·库列斯从出道一直到现在，都一直在为法国的影视音乐默默地付出。他1986年出道就开始电影配乐的制作，但一直不温不火，10年后迎来了转机，他因1996年上映的纪录片《微观世界》中的优秀配乐表现而一举成名，成为法国最受欢迎的配乐师，1999年的纪录片《喜马拉雅》也再次奠定了布鲁诺在法国电影界的地位。2005年，《放牛班的春天》原声专辑出版发行，更是被原声音乐的爱好者，奉为天籁之音。

下面，我们就来一起感受一下，布鲁诺·库列斯给我们带来的天籁之音吧！
第一首，Les Choristes，合唱团。这首歌的名字，其实就是电影的名字，也是合唱团的法语原文。曲子采用轻快的四四拍来演绎，负责背景音乐的配器很简单，是一个小型乐团，少许小提琴和管乐就完成了整个配乐的组合。因为该曲的主角是童声合唱。合唱的部分分做三部分，由一个男童做领唱，剩下的分做了两个声部做高潮时的配合。整首曲子非常短，只有一分半钟，但居然也塞进去了一个完整的三段式，实属不易。
第二首，Caresse Sur L'ocean，海面上的清风。这是一首曲如其名的佳作。童声依然分做了三个部分，一个领唱加两个声部。配器依然只是单纯的辅助，因为，还有什么能比天使般的童声更加动听的么？全曲听罢，确实有一种面朝大海，如沐春风的感受，非常惬意。
第三首，Cerf-volant，风筝。一首典型的上升圆舞曲。四三拍小调一路往上走，和风筝这个题目也很贴切。童声这次只分做两个声部，一组旋律一组和声。钢琴和弦乐只是轻轻地打着拍子，就像片中的音乐老师，看着这群自己调教出来的孩子，满意地笑了。
总的来说，这部电影和传统歌舞音乐电影没有丝毫相似之处。传统的歌舞音乐电影或多或少总有刻意的表演痕迹。但这部电影不同，一切似乎都是那么自然。在这样的电影当中，我们看到了一群小魔鬼像天使转变的过程，在这其中，音乐就是媒介和催化剂。由此，我们也深刻地理解到了什么叫做人之初，性本善，人类的一切恶念，其实都是后天才形成的。当然，不是所有的恶，都能像电影一样，通过音乐就能够挽救回来，这也正是我在开头提到的，这部电影有着一种法国独有的天真烂漫的原因。
最后，还是希望世间的一切善，终将战胜一切的恶。
下期见！

欢迎来到《电影留声机》栏目，相信很多人在当年期待《战马》这部电影的时候，都是冲着斯皮尔伯格去的，再加上又是战争题材的电影，所以，我想，大多数人都以为这就是一部类似《拯救大兵瑞恩》一样的大制作、大场面，特效一流的作品。可殊不知，当电影上映之后，很多人失望了，因为这并不是一部真正的战争大片，没有猛烈的战斗场面，也没有尸横遍野的血腥场景。但包括我在内的另一些人却感受到了无比的惊喜——原来，斯皮尔伯格，终于时隔6年之后，回归到了认真讲故事的轨道上来。
为什么这么说呢？因为，就算是斯皮尔伯格这样的世界级大导演，也有翻车的时候，2005年上映的《世界大战》就是如此，虽然这部电影拥有了斯皮尔伯格自己这个王牌导演，还拥有了汤姆·克鲁斯这样的王牌演员，以及好莱坞最一流的特效团队，但一个让人不知所云的故事就足够让观众产生厌恶感了，6.5分的评价当中，我估计至少还有一半是因为阿汤哥的粉丝手下留情才给出的，否则，就凭着片中那个小女孩每隔几分钟就要发作一次的刺耳尖叫声，我觉得这片子都不可能及格。
当然，其实我们是对影片本身是有些苛求了，如果《世界大战》这部电影不是斯皮尔伯格的作品的话，我相信观众也许还是会在分数上有所包容的。只是，我们对于这样一位可以拍出《辛德勒的名单》、《AI人工智能》、《拯救大兵瑞恩》这样一系列9分以上作品的导演，我们不得不有所期待。对于他而言，我个人认为及格分数就不能是6分，而是至少7分，否则，就是对不起观众啦。所以，6年之后的《战马》，让我们看到了熟悉的斯皮尔伯格，实在是久违啦！
《战马》这部电影，一开头我们已经提过，其实不能算是战争电影，他只是有着战争的背景。故事贯穿了整个第一次世界大战期间，以一匹叫做Joey的农场马在整个战前、战中、战后所遇到的人和事，讲述了一系列的故事。但其实，我们看到的，是一匹不变的马，和善变的人，通过马的不屈，讲述了人的善与恶，美与丑。所以，看过之后，我很欣喜，大导演斯皮尔伯格终于又开始好好讲故事了，全片没有请当时的大腕儿，也没有华丽的特效，而且很大胆的在一个片子里讲述了很多的小故事，当然，这些小故事始终都有“战马”这条主线作为支撑，而且，越看到后面，就会发现，其实这些小的故事之间，也有着前因后果般的联系。所以，我才说，从2005年的《世界大战》以来，直到2011年《战马》上映，斯皮尔伯格这6年中间，只有一部炒冷饭的《夺宝奇兵4》和一部动画作品《丁丁历险记》，我们也似乎看到了斯皮尔伯格的迷茫，到底是应该在特效上玩出花样还是好好讲故事？幸好，我们终于在《战马》中看到了清醒过来，不再把玩弄特效作为第一要务的斯皮尔伯格，念及此，我真是欣慰到差点老泪纵横。
《战马》一经上映，就取得了不俗的成绩。首先，6600万美元的投资，收获了近2亿美元的全球票房；其次，在2012年获得了6个当年的奥斯卡奖提名；最后，IMDB和豆瓣评分分别为7.2和8.1分。算得上是一部叫好又卖座的成功影片。

获得的6个奥斯卡提名之中，就有我们今天要重点讲的《战马》的原声音乐。虽然没有最终拿下小金人，但大家应该都知道，能够获得奥斯卡奖的提名，已经是一种莫大的荣誉。该片的原声音乐来自伟大的当代配乐大师：约翰·威廉姆斯。威廉姆斯的作品我们在以前介绍过两期，一期是最最最著名的《辛德勒的名单》，一期是诙谐幽默的《幸福终点站》，感兴趣的听众可以抽空去听一听。我当时提到过，约翰·威廉姆斯的音乐作品，是古典气息非常浓重的，往往都带有很强烈的篇章质感。先有了一个主旋律，然后在这个主旋律的基础上加以改变，产生出各种变奏曲，最后，再将这个主旋律包装成一首咏叹调的形式，一个完整的组曲就诞生了。
《战马》的原声作品也是如此。当然，其中也必须得有配合画面烘托气氛的音乐，我在此为大家选出的几首作品，主要就是以主旋律及其变奏曲作品为主，下面，我们就开始今天的原声之旅吧！
第一首，Dartmoor，1912。Dartmoor是英国德文郡的一个小镇，曲子名字不仅点出了电影开始的地点，也点出了年代。有意思的是，斯皮尔伯格导演过无数关于二战的电影和电视剧，但唯独没有碰过一战，《战马》可以算是第一部。曲子开篇，采用了长笛引入一段优美的旋律，我们仿佛听到了故事发生地那种宁静而美丽的风景，紧接着管弦乐就长驱直入，让我们一下子就明白了，不单纯有宁静美丽的风景，在这背后，还有着英国朴素的人民。中间部分，通过紧张快速的弦乐，表现了小马Joey奔跑的场景，忽然一段主旋律的插入，让我们又听到了马主人对小马的热爱和对它未来的期盼。这首曲子完成度非常高，采用了较常规的三段式的谱曲方式，有着明显的引子或者前奏，主旋律的铺陈以及高潮的演绎。本身作为一首单独的管弦乐作品也是完全没有问题的。
第二首，The homecoming，回家。一首像极了歌剧的曲子。有长笛的solo，也有管弦乐的恢弘气势，更绝妙的是，主旋律多次响起，形成了标准的无演唱的咏叹调。曲子本身非常活泼轻快，把对回家的那种兴奋和期待描绘得淋漓尽致。长笛的独奏部分，我们可以理解为战马Joey对于和主人重逢的细语呢喃，也可以理解为一种对于电影而言旁白的存在。而后面的管弦乐，在情绪上就做到了最大程度的释放，让回家这个主题成为了一种极致的温馨，听到这样的音符，真的会有一种心灵被融化的感受。
音乐就是这样，和文学有着共同的艺术属性。一千个观众心中，就有着一千个哈姆雷特。我们在听音乐的时候，也可以有着自己的理解。我在这里讲述的，自然只是我个人的理解，我非常希望能够做到的，就是抛砖引玉，把原声音乐的魅力介绍给大家，让大家一起进入这个奇妙的音乐世界。
好了，我是主播郭小闹，本期节目就到这里，下周见！