电影留声机｜听懂电影原声音乐

上一期我们说到了周润发，那么，塑造了一个传奇的经典“小马哥”和他的生死兄弟就肯定要讲了。
影帝周润发一生的从影生涯，塑造过很多经典的形象，上一期我们谈到的上海滩许文强，以及王晶导演的赌神，和我们本期要讲的小马哥都是这样的经典。周润发所塑造的这些角色，无一例外都有着风流倜傥的形象。这肯定和周润发立体感极强的五官密不可分。说起长相，周润发的五官确实和大多数中国人都有着明显的差别，和欧美的高加索人种有些类似，较深的眼窝，坚挺的鼻子，颧骨也较为突出。但整体看起来又特别符合典型的东方气质，和金城武那样的混血帅哥完全不同。所以，上述特征就让周润发具备了脱颖而出的全部条件。其实大家细想一下，包括刘德华、李若彤之类的明星，也都有着类似的五官特征，才会让他们成为大家心中的偶像。

说起来，《英雄本色》其实不是一部原创剧本的电影，吴宇森一开始是打算翻拍一部1967年的同名香港电影，当然，吴宇森并不是要照着老剧本翻新，而是特别看重原作中的兄弟情，借助着这个线索，打算讲一个新的故事。所以，一开始起是吴宇森导演只写了一个提纲，徐克导演在看到这个提纲后，给了吴宇森很多建议，说如果只是一味的拍一部警匪片的话，不会有什么好结果的。徐克建议吴宇森把自己的真实情感融入到剧本之中。
于是，吴宇森做了一个大胆的举动，边拍边改剧本。他和主演周润发以及监制徐可一起打磨整个故事，原本只能算第二主角的周润发，即兴表演非常生动，不仅营造出一个洒脱的黑老大形象，更将兄弟情义和快意恩仇发挥到了极致。所以，第二主角成为了第一主角，把原本的第一主角狄龙生生给压了下去。

对此，狄龙倒是没有任何怨言，毕竟，这也是狄龙从影生涯之中最重要的一部作品，他本人的发挥也没有任何瑕疵，同样达到了影帝的级别。狄龙和周润发，在电影上映后也分获台湾金马奖影帝和香港金像奖影帝，谁也没留下遗憾，这才是真正的双喜临门。
《英雄本色》上映之后，获得了空前的成功，徐克也意识到这种磨合出来的电影还有着极大的潜力，所以，与吴宇森一起趁热打铁，迅速推出了《英雄本色2》。但之前拍摄第一部时并没有考虑会出续集，所以在第一部之中就把小马哥弄死了，续集之中如果没有周润发出演，又势必会损失了周润发大批粉丝的支持，票房就没有了保障。所以，二人一商量，弄出来一个在第一部之中完全没有交代过的小马哥的双胞胎弟弟，虽然此举太过唐突，但善意的观众还是相当包容，至少他们特别愿意在大荧幕上再次看到披着风衣带着墨镜还叼着香烟的小马哥。

事实证明，最终的效果是成功的，虽然最终无论是票房还是评价都还不错，但吴宇森明显感受到了小马哥的IP不能被过度消费，否则，就是亲手毁掉自己塑造的经典。在这件事情上，徐克却有着截然不同的想法，他认为既然能塑造经典，就应该让经典持续发光发热，于是，徐克自己接手了第三部的全部主创工作。
最终的结果是，我们都看到了吴宇森的清醒，以及徐克的盲目。幸好，徐克在《英雄本色3》失败之后，将目光转回了他的老本行——武侠上，也才有了我们前面讲述的《黄飞鸿》系列。
《英雄本色》电影的故事，我在节目中就不做剧透了，事实上，我在谈及所有的电影之时，都尽量避免去涉及情节。因为，我希望的是，没有看过电影的朋友，如果能够听了我的节目去观看的话，会对看电影有着些许帮助；而那些已经看过的朋友来听的话，又会从不同的角度去理解电影和电影音乐，能够做到这样，就是我最大的成功。
电影的音乐，同样来自于香港电影音乐教父顾嘉辉先生，歌词由填词大师黄霑先生负责，二人被誉为辉黄组合，在当时的影视音乐届，几乎无人能望其项背。这一点我在前面的节目之中，已经反复说过多次，所以，这里就不再赘述，感兴趣的小伙伴可以去翻看一下以往的作品。
下面，我们就来欣赏一下《英雄本色》前两部的两首主题佳作，第三部因为我个人认为血统不纯，就不算在这个系列之中，还请大家海涵。

第一首，当年情。张国荣演唱。张国荣其实同样也是片中的主角之一，但戏份远不如周润发，所以顶多能算第三主角。不过，两部电影的两首主题歌，倒算是弥补了张国荣在电影之中分量不够的缺憾。因为，这两首歌也可以算作是张国荣演唱生涯里的一个里程碑，从此，他也开启了自己监制整个专辑的工作，为后来成为天王巨星埋下了伏笔。
《当年情》由口琴来开场，带着悠悠的惆怅，看过电影的人，想必记忆中的点滴就会渐渐浮出脑海。或许记忆中的“小马哥”永远是那么的好身手，但似乎总也忘不了张国荣扮演的杰仔的那份正义凌然。张国荣唱出的《当年情》那抑扬顿挫的声调似乎更喻示江湖兄弟情与亲生兄弟情的矛盾集结在一起，让人难以取舍。
第二首，奔向未来日子。同样由张国荣演唱。可能出乎所有人的意料，两部堪称暴力美学典范的电影，主题曲却是两首温婉的情歌曲调，甚至还带着强烈的悲伤意味。其实，从两首歌的名字当中，我们也能体味到其中蕴含的意思，一首《当年情》是回忆，一首《奔向未来日子》是憧憬未来。两首歌遥相呼应，体现了过去和未来，那么什么是现在或者当下呢？答案就是电影本身。
这样的心思，我个人认为简直完美。很多人在看电影的时候，其实只是看了个热闹，忽略了很多导演和演员们暗藏在里面的小心思。当然，我这里指的肯定是一些高分作品，值得大家重温很多次的作品，而不是那些快餐式的电影。
所以，在听了我的节目之后，特别希望大家都能够去重温一些经典的作品，无论这些作品是什么年代拍的，其实都代表了当时的最好的制作水平和文化背景，我们从他们身上，是能够学习到很多东西的，这其中，甚至包括着非常正向的人生观和价值观。
也正是有了这些东西，这些电影才会被人们奉为经典，不是么？

浪奔浪流，万里滔滔江水永不休。淘尽了世间事，混做滔滔一片潮流。
这是1980年版电视剧《上海滩》主题曲的头两句歌词。用普通话念出来总是感觉缺少了气势。这也是我在第一次听到这首歌的时候，非常感慨粤语竟能在气势上唱出这样的功夫。
我在看到这部电视剧的时候，其实比射雕还要晚很多。虽然电视剧在香港是1980年就播出的，但进入到内地应该也是90年代的事情了。那时候到处都是盗版的VCD，虽然盗版不是什么值得提倡的事情，但在那种时候，这是我们唯一获取这些片子的渠道。刚好那时候周润发因为出演吴宇森导演的《英雄本色》而在内地大红大紫，所以，《上海滩》自然也就成为了我们必看的片子。

那时候还小，粗粗看过之后比较失望，原来期待的是像《英雄本色》一样的动作剧，结果没想到却是一部民国剧情剧，不过幸好都是一些俊男靓女演的，至少在观感上还是很好的。当然，现在再来看，自然不会那么肤浅，也才真正看懂了许文强到底是一个什么样的人。
经典的片子，自然会有很多人来做二次炒作。不仅香港自己翻拍过，内地也翻拍过，但是经典是很难超越的。1996年刘德华和张国荣的版本也还行，但比起原作依然有差距。但有的版本，别说超越了，甚至难以望其项背，连向经典致敬的可能都不存在，至于我到底在说哪个版本，大家也别费心思猜了，因为找来看过之后反而徒增烦恼。

回到《上海滩》的主题音乐，这首和电视剧同名的歌曲，也是由“辉黄组合”共同完成的，辉就是顾嘉辉先生，黄则是指黄霑先生。二人是香港原声音乐领域举足轻重的人物，顾嘉辉先生更是被誉为香港电影音乐的“教父”。关于二人的简介，可以回顾我的上两期节目，里面有详细的介绍。
《上海滩》开篇就是极其激昂的音符构成，到高潮部分反而变得柔情似水，这在传统的流行音乐之中很少使用。通常来说，普遍的音乐写作手法，都是用柔和的音符起调，到高潮部分才开始转入激昂的旋律，这就像是一个起伏的山丘一般，立体感较强。
但是顾嘉辉先生在该曲的创作上，却反其道而行之，一开始就站在巅峰之上，然后转向柔和，似乎有一种下降的趋势，但很快就又给出另一个巅峰，这样子营造出来的感觉，就是一种山外有山，天外有天的震撼感。让我们不得不佩服顾嘉辉先生的音乐功底，似乎已经做到了得心应手，收发自如的地步。
黄霑先生的歌词也是极有韵味，回到开头提到了两句歌词，短短27个字，一句写万年不变的景物，一句写几十年一代的人生。预示着在世间万物的永恒面前，一切的功过是非，又能算是个什么？不过是奔腾江水之中的一片浪花罢了。也正是这种洒脱的气度，配合着张弛有度的音符，就更能凸显出歌曲的霸气了吧！

歌曲的演唱者是叶丽仪。她正是凭借着这一首上海滩红遍了整个华语圈。请注意，这里我用的华语圈，不是大江南北，也不是港台和内地。因为，那时候，这首歌真正做到了只要有华人的地方，就一定有这首歌的旋律在播放。
但过早地站在了巅峰之上，对于一个歌手来说，也是一把双刃剑。因为，无论她后来走到哪里，出席什么活动，主办方都只有一个要求，那就是演唱这首上海滩。尽管叶丽仪是一个非常刻苦的歌手，出过不下80张唱片，但遗憾的是，至今人们提起她，也就说得出这一首吧！
这首歌的经典程度，直接影响到了96年刘德华版本的上海滩。所以，96年的版本也依旧采用了这首歌作为主题曲，但改由刘德华演唱。虽然刘德华的唱功比不上叶丽仪，但男人嗓音中的那种沧桑感也是女人不可比拟的。刘德华后来也多次在自己的演唱会上唱过这首歌，现在大家听到的版本就是2002年刘德华演唱会的版本。
其实，这首歌还有一个很少有人知道的版本，就是80年版电视剧的主角周润发自己演唱的版本，我费劲千辛万苦找了来，大家也一并欣赏下。
相信大家已经听出来了，可能在演唱功底上，周润发甚至不如刘德华，但奈何周润发的许文强实在是一个无人能出其右的巅峰，所以，从他的歌声中，我们似乎也能听出一些舍我其谁的豪气和自信。就不知道我的听众里，对于发哥和华仔这两大帅哥，你们更喜欢谁的版本？欢迎大家在评论区留下自己的看法。
上海滩的经典，创造了一个时代的现象级事件，而顾嘉辉和黄霑两个重量级人物碰撞在一起，这种“辉黄组合”所产生出来的一首短短几分钟的歌曲，愣是造就了能够代表一个时代的经典。
如今，黄霑先生已经千古，正如他笔下的那句混做滔滔一片潮流。而他所留下的经典却如万年的江水，依旧奔流不息。

画外音：不惑之年的重启，我的2020

射雕英雄传（1983）

当然，为片子写的几首主题曲，也起到了非常关键的作用。电视剧拍了三部曲，主题曲也配套了三部曲，三首曲子都是有着“香港歌坛教父”之称的顾嘉辉先生所创作。顾嘉辉先生在上世纪60年代就开始了自己的歌曲创作生涯，他的创作风格集中西方于一体，特别能够突出粤语歌词的铿锵有力，所以经他手的歌曲，旋律优美的同时，每个音符还都能够和歌词的发音相互融为一体，这是一个非常神奇的地方，所以，教父二字绝非浪得虚名。

顾嘉辉先生在1980年和词作者黄沾先生一起创作的《上海滩》主题曲在中文圈里引起了广泛的关注，此曲一出，直接奠定了顾先生和黄先生的业界地位，被观众们亲切地称为“辉黄组合”。从此，开创了一个10多年无人能敌的真正辉煌时代。他们两人写过主题曲的作品，就是票房和收视率的最佳保障。
这其中，几乎包揽了那个时间段之中所有金庸作品电视剧版的主题曲，以及吴宇森导演的几部最经典的香港动作片。
其实，不光是在香港，在整个世界范围内，上世纪80-90年代这短短的20年时间，都是优秀电影集中爆发的年代，我们回头看看无论是豆瓣还是IMDB的前250部电影排名，就会惊奇的发现，有将近四分之一的作品都是在这段时间诞生的，其中有的电影甚至创造出了影响几代人的大IP，不能不说这段岁月真的是一个奇迹。
下面，我们就来逐一欣赏一下三首精彩的主题曲吧。
第一首，也是最经典的一首，铁血丹心。罗文和甄妮演唱。这首曲子开篇的引子就采用了管弦乐的大编制，这在当时香港的流行乐坛之中也是个很罕见的举动。不过，那时候的TVB财大气粗，采用大编制来制作主题曲也在情理之中。优秀的编曲将顾先生优美的旋律演绎得很好，将射雕英雄的力量感和英雄气概瞬间就推到了高潮。但很有意思的是，歌曲的高潮部分却柔情似水，男女主角一唱一和，将两个声部的音符完美融合。完美到什么程度，可以说在此之后，无人能出其右。
而且，自从顾嘉辉先生开创了这种风格之后，其他的音乐创作者就很少有人敢用这种两个声部串起来写的方法了，就是因为顾先生放了一个无人能及的巅峰在那里，既然够不到，就没必要吃力不讨好了。

第二首，世间始终你好，《射雕英雄传之华山论剑》的主题曲。顾先生此曲将豪气和力量在前作的基础上发挥到了极致，少了儿女情长，满满都是笑傲江湖的豪情。曲子同样采用了管弦乐的大编制，所以即使现在来听也丝毫不觉得曲风有任何过时之处。让我们不得不感叹，那时候的TVB似乎也正处于巅峰状态。巅峰状态做出来的东西，真的就可以称之为经典。
这首曲子因为要表现豪情，所以在第一首之中运用到极致二声部反过来就没有用太多，只有一段副歌之中稍微用了一下，但也足够震感和完美，这种二声部的运用，很多所谓的歌手都不敢轻易尝试，因为很容易被主旋律带偏跑调。所以，我们也非常感慨罗文和甄妮当时的唱功何其了得。

第三首，一生有意义，《射雕英雄传之东邪西毒》的主题曲。既然是东邪西毒，片头的音乐之中就融入了一些比较诡异的音色，听起来有一种阴险狡诈的感觉。但整体上依然采用了大编制，醅器上采用了东西方乐器混合的做法，我们能够听到杨琴和黑管的组合，也能听到电吉他和笛子相呼应和。这在现在的音乐创作中都被视为极为大胆的组合，但在当时，却因为顾嘉辉先生的旋律而大放异彩。
同时，第二首稍稍压抑的二声部合唱法，在这一首之中又获得了最大程度的使用，甚至比第一首用得还多，几乎整首歌都是二声部直接贯穿到底。罗文和甄妮的唱功也一样出色，将曲子完成得非常完美。
也正是因为这三首曲子，罗文和甄妮在当时被观众追捧为一对金童玉女，似乎他们不在一起就是一种对天意的违抗。
但现实就是现实，二人都有着各自的感情生活，当然，私下二人也是多年的好友，直到2002年罗文因肝癌去世。
经典就是这样，离不开词曲作者的优秀骨架，也离不开演唱者的美好皮囊，二者缺一不可。正是因为当年的TVB有着足够的气场，才将这些最顶尖的人才聚集到了一起，让我们听到了这些“经典永流传”的作品。
好了，今天先聊到这儿，我在接下来的几期节目中还会继续聊顾嘉辉先生和黄沾先生“辉黄”组合的其他经典作品，让我们向经典致敬！

在上个世纪90年代初期，一部黄飞鸿横空出世，让李连杰继《少林寺》之后，又红遍了大江南北。那段时间，刚好也是中国武侠最红火的年代。虽然金庸先生和其他武侠大家的作品大多都是更早的时间写成的，但中国大陆毕竟是在80年代初期才有了改革开放的春风，也正是在那之后，港台的武侠文化，才算是吹入了内地。
83版的《射雕英雄传》，无疑是最大的奠基者，不过，真正把武侠文化推到高潮的，我个人认为还是得从1991年的《黄飞鸿》说起。
首先，黄飞鸿这个名字在武侠文学领域，当时并没有什么名气，而金庸古龙甚至梁羽生的很多作品，在港台的7、80年代就已经被大量搬上了荧幕，制作了很多至今都让人难忘的优秀作品。徐克导演也正是在这样的背景下开始了他的武侠梦。他拍摄的首部电视剧，就是一部武侠剧，叫做《金刀情侠》，徐克将一些从好莱坞学习来的制作手法融入到了该剧之中，在当时的港台引起了不小的震动，大家纷纷感慨，原来武侠还可以这么拍。到1983年的时候，徐克就执导了他的第一部武侠电影《新蜀山剑侠》，这部电影不是正宗的武侠，还加入了很多魔幻的元素。所以，徐克大胆启用了各种飞天入地的效果，也第一次引入了好莱坞的特效团队，让画面质感叹为观止。
但说了这么多，这些电影电视剧我都没看过，真正让我记住徐克这个名字的，就是1991年的黄飞鸿，以及次年的两部续集。
黄飞鸿这个名字在电影之前，也许只是广东地面上的名人，不仅因为是传统武术的代名词，还因为他祖传的中医技艺，对跌打损伤的治疗有着很厉害的一套。这些医术上的精髓，至今都还能够在广州荔湾区的骨科医院中看到和体验到。在佛山的祖庙之中，也有着很重要的地位。不过，祖庙之中也收藏了大量电影有关的道具和剧照，由此可知，也许现在黄飞鸿的地位，也是电影帮了不少忙的。

相比起之前我们提到的李安和张艺谋，他们其实并不是武侠的忠实拥护者，他们只是在适当的时候，尝试了一些作品。但对徐克不同，作为一个出道就是拍武侠的导演，他的大多数作品，其实都和武侠有着关系，甚至可以说，国内最好的武侠片，绝对离不开徐克两个字。
91-93年的这部《黄飞鸿》三部曲拉开了武侠大片的序幕，让我们看到了一个拳拳到肉的真武侠，虽然也有着飞檐走壁的特效，当相比起之前的各种天花乱坠的神功，黄飞鸿将武侠从天上拉到了人间。少了那些飞来飞去的特效，多了真男儿的担当，爱恨情仇的描绘，让这个角色有了血肉。
当然，同样的，好的电影，就要有好的音乐作为烘托。虽然那时候的中国电影配乐远远没有现在重视，那时候和电视剧有点类似，喜欢做主题曲，但正是这一首主题曲，让这部电影增添了不少的光环。

电影的主题曲叫做《男儿当自强》，由著名歌星林子祥演唱。曲子其实并不是纯粹的原创，旋律来自于古曲《将军令》，是一首源于唐朝皇家的乐曲，流传至今一千多年。有多种曲谱和演奏形式。乐曲表现的是古代将军升帐时的威严庄重、出征时的矫健轻捷、战斗时的激烈紧张。

经过黄霑填词后，成为了一首极富力量感的励志歌曲，激励着有志男儿奋发图强，闯出自己的一片天。歌曲的配器上则是采用了吹打曲的风格，主要采用唢呐来彰显民族氛围，中国鼓则强调力量，配合在一起，充满了热血之感，听者无不振奋。
说起选用这首曲子，还是一个意外之喜。当时徐克已经带着剧组在厦门进行拍摄第二部黄飞鸿在沙滩上带众人练武的开场了。当时因为天气比较冷，整个剧组都有些颓丧，带去的录音机里却传来了《将军令》的曲调，大家听过之后都觉得有些振奋。导演徐克赶忙找人问清楚了是什么曲子，当即便和黄霑取得了联系，要求就针对这首古曲进行改编，他要用到电影里。
黄霑写好歌词之后，第一个想到适合演唱的人选就是林子祥，林子祥和黄霑是好友，也合作过多年，很痛快地就答应了下来。录音的时候，黄霑要求林子祥尽管按自己的想象大胆唱就好了，他还在旁边跳上跳下，给林子祥鼓劲，歌曲过渡的地方，黄霑还大声喊出哼哈，大家在歌曲之中听到的哼哈，也正是黄霑亲力亲为的。
很快，这首《男儿当自强》就跟随电影一起，红遍了大江南北，那段时日里，不仅仅是广东和香港再度兴起了武侠热潮，连北方大地上都红得发紫。于是，徐克趁着热度迅速推出了第三部《黄飞鸿之狮王争霸》，一鼓作气将黄飞鸿的舞台，从广东搬到了首都北京，在巍峨的紫禁城下，上演了一曲有关民族存亡大义的武侠新篇章。
天时地利人和都让徐克在这三部作品之中占尽了，所以，想不火都难，但这似乎，也成为了徐克的巅峰之作。在那以后，虽然徐克频频出手，但我们却再也难以看到一个叱咤风云的徐克，以及民族的脊梁黄飞鸿了。
不过，这也不能怪徐克，毕竟，有过巅峰的人，和从未有过巅峰的人，是绝不可同日而语的。谁知道，他是不是在蓄势待发，又将创造另一个辉煌呢？我们在徐克的计划单之中，看到了2022年，还将制作一部新的《神雕侠侣》，那就让我们，拭目以待吧！

让西方人大呼过瘾的东方爱恨情仇《卧虎藏龙》(2000)

所以，从电影上映的时间根本说明不了任何问题，反而可以推算出，其实李安和张艺谋也许正是在几乎相同的时间有了拍摄一部武侠电影的想法，继而各自开始了筹备的工作，只是从最后的结果来看，李安跑到了前面一点，获得了比张艺谋更高的成就，仅此而已。
说回到这部《卧虎藏龙》，和《英雄》试图讲述一个胸怀天下的大故事不一样，李安单纯地从小人物出发，试图塑造一个真正的武侠情怀和属于东方的爱恨情仇。《英雄》是从小人物出发，从人物的命运来阐述天道的秘密；而《卧虎藏龙》恰恰相反，一开始就给出了结局，从大道出发，反观人物的命运，试图去理解之前主人公并不太在意的爱恨情仇。
这两种方式，也和我之前讲过的东西方理解问题的方式是一致的，张艺谋更渴望着眼大局，所有的细枝末节的铺垫，都是为了最终天道理想的出现。李安则通过一开始就告诉大家主人公窥破天道的失败，进而开始了对自身以及对周围所有人的关注，着眼点明显是更注重细节。这样的好处是，对人物性格的刻画就更加容易把控，也更符合西方人观影和理解的思维方式，所以，最终，《卧虎藏龙》取得了更好的国际奖项，也就顺理成章了。
这里我们多提几句李安导演，大家对李安导演可能最直接的印象就是他是一个美籍华人导演，所以更了解好莱坞的行事风格，这一点是没错的，但从电影最终呈现出来的结果来看，李安对中国的传统文化也是专家级别的。虽然两个主演的普通话被无数人诟病，但台词的设置却没有丝毫问题，包括场景的布置，也近乎完美地还原了清朝时期的样貌，就冲着这些细节，我们都不能否认这是一部优秀的影片。反观那时候港台拍摄的各种满清古装剧，连头都舍不得剃，还谈什么还原？
李安导演在拍摄《卧虎藏龙》之前，在好莱坞已经算是奠定了自己作为一线导演的地位，在1995年-199年接连拍摄了三部好莱坞电影。之后在一个意外之下，看到了《卧虎藏龙》的原著，而且并没有什么影视剧的改编作品。但原著的质量李安并不是很满意，这时候他想起了一个好莱坞导演跟他说过的一句话：“两条路，你可以选择毁掉原著拍部好电影，或是忠于原著拍部烂片。”
况且，李安导演在那时候也没有其他更好的选择，他自己在回忆的时候说过：“我已经拍了三部西片了，这次我一定要拍一部国片，定下来，就拍这个。”
于是，我们就看到了这部并不忠实于原著，但比原著好上百倍的《卧虎藏龙》。从这一点上，我们看到了李安导演的执着，也看到了剧组的变废为宝的勇气。从此之后，李安导演更是坚定了自己的风格，一方面通过接拍商业电影赚钱，诸如漫威旗下的《绿巨人浩克》，另一方面也努力突破者影视行业的技术瓶颈，诸如《比利林恩的中场战事》，让我们看到了一位活到老学到老的典范。

《卧虎藏龙》的电影原声音乐同样来自于中国著名华人音乐家谭盾老师。从两部电影的上映时间来看，谭老师应该也是几乎在同时制作者两部电影的配乐。在如此相近的时间内，写出来的音乐风格却大相径庭，这是非常不容易的。我在早期的节目，谈到约翰·威廉姆斯早期的作品之时，都曾指出，在相近的时间内为不同的作品所写作的音乐，都有着很高的相似性。但我们在《卧虎藏龙》和《英雄》之中并没有听到类似的情况，可以想见，当时的谭老师将两部影片都放置在了同等重要的地位上，都花费了极大的心力来完成这两部作品。
我们在《英雄》之中听到是的苍凉和悲壮，那么，我们在《卧虎藏龙》之中，又将领略到什么样的风格和情怀呢？
下面，我们就开始今天的原声音乐之旅吧！
第一首，思慕青冥剑。这其实已经是整张专辑之中的倒数第三首曲子，也是电影之中比较靠近结尾的配乐。但我想放到第一首来说，因为这是整张专辑之中我个人最喜欢的一首曲子。整首曲子主要的乐器是大提琴和二胡，象征着电影之中的两个主角李慕白和俞秀莲。
开篇是用一段巴乌来做引子，起到了类似旁边的效果。紧随其后的就是二胡的如歌如诉，曲调优美婉转，预示着俞秀莲的内心独白，但大提琴悄然进入，正如李慕白悄悄来到了俞秀莲的身后，两人你一言我一语，诉说着对彼此的心意。
但整体上曲调之中除了柔美，还有着一丝悲苦，表明了两人都已经走过了人生的一半旅程，才开始明白相互之间的感情，这份格外的珍惜，是来得如此之晚。但也幸好终于还是来到了，于是，两人这种如歌般的倾诉就获得了听众的共鸣。
这首曲子在我看来，也是属于一首典型的氛围佳作，不仅极度配合画面，旋律上也很优美，单独聆听也能够根据自己的想象，描绘出属于自己的理解。
第二首，卧虎藏龙。专辑的第一首作品，也是电影的开篇音乐。配合着一幅江南水乡的画面，开始了整个故事的叙说。配器上主要采用了大提琴和管弦乐，但仔细听的话，能够发现不少民乐乐器的配合。至少我听出来的还有巴乌、琵琶和扬琴。巴乌只在一开头的位置出现过，也是起到了暗示主角有一定的南方人背景。扬琴则贯穿始终，在背景之中默默辅助，为大提琴营造的氛围烘托出一点中国特色。
曲子进入高潮之后，突然转化出一段很雄伟的音符，这一段主要是配合画面中抵达北京城的俯瞰画面，描绘了一个满清时期京城北京的雄伟气势，但随后的音符之中却有着一丝明显的不和谐，预示着后面故事之中可能存在的危机。
整体上来说，谭盾老师对这部电影的配乐风格与同时期制作的《英雄》运用了完全不同的手法。《英雄》是刻意营造一种苍凉和力量，《卧虎藏龙》则主要突出了爱恨情仇。英雄之中我们感受到了作为人类，渴望一窥天道的宏伟志愿；但在《卧虎藏龙》里我们则感受到的是儿女情长，似乎天地之间，除了感情，其他的一切都是虚幻的，并不重要。
其实，这也是一种相互融合的二元论，我们这个世界，既需要抱负天下的壮志，也需要家长里短的柔情。这并不矛盾，正如阴阳太极一般，对立而统一，阴阳和谐之后，这个世界才会更加美好。

不知道大家小时候有没有过武侠梦？我觉得只要是男孩子应该都是有的吧？反正我小时候就特别渴望做一个大侠，持剑走天下，除暴安良，匡扶正义。这个梦就是因为当时电视上最热门的《射雕英雄传》而引起的。刚好我姓郭，家里人也喜欢叫我“郭大侠”，叫得我美滋滋的，巴不得快快长大，成为电视剧里面那样的角色。为此，我还央求母亲去给我报了一个武术班。
到了武术班学习之后，我才发现，练武术真是要命，不仅要练习最枯燥的基本功，诸如站桩、压腿什么的，而且，我最怕的就是压腿，自己压还好，一旦被教练发现偷懒过来“帮”我的时候，我就会发出阵阵嚎叫。于是，“学习武术很可怕”这样一个念头就悄悄在我幼小的心灵里生根发芽了。
很快，我打起了退堂鼓，每周一次的课程到来之前，我总是会扯出各种理由逃避课程。母亲其是也知道我是一头热，于是也就没有坚持让我去学，同时也怕我学了一身武艺之后去惹是生非。但对我自己而言，其实我最失望的除了这些要命的基本功外，就是对于电视剧里那些各种神功的幻想破灭。要知道，我学武术的最初愿望，就是冲着学会“降龙十八掌”之类的绝世武功去的啊，但学了一段时间之后才知道，那些都是骗人的，那种失望至极的心情，想必大家都能了解。
时间来到2002年，儿时的武侠梦早已被我抛到了九霄云外，但张艺谋的一部《英雄》又让我想起了以前的种种。在此之前，金庸和黄易的武侠小说基本都已经看了个遍，除了热爱武侠，更重要的是欣赏这种文学题材的写作方式，以及它们和历史之间的衔接。所以，我更喜欢在一定历史背景下的武侠，而不喜欢那种完全架空历史凭空捏造的。业余时间，也会尝试着按照类似的文风写作一些杂文，久而久之，竟让我形成了习惯，于是，在自己都没有察觉到的情况下， 竟写出了一部小说。当然，现在来看我自己的这部小说，还显得比较稚嫩，不过该有的框架也都还是有了，如果大家有兴趣的，可以在我的主页上看到这部小说的有声版本。
仔细回想起来，从幼时的一个大侠梦开始，到喜爱文学，再到自己写作，进而变成一个自媒体人，每周现在都要写下数万字的文稿，似乎这一切从一开始就是注定了的。

回到《英雄》这部电影，影片在上映后在国内口碑一般，主要是当时的观众已经不太喜欢这种动不动就会飞的武功了。观众对于武打片，更喜欢李连杰在90年代创立的黄飞鸿系列以及成龙的喜剧动作片。所以，当《英雄》横空出世的时候，被恶评无数。那时候的我也曾这么以为，直到最近重温了一遍，我才惊呼道：“这根本就不是武打片好吗？甚至连动作片都不算。”
这其实是一部胸怀天下的故事片，当然，胸怀天下可不是一个小命题，要把这种情怀讲好，比登天还难。不过，张艺谋至少思考了，也尝试了。最终的成片，给出一份还算不错的答卷。这一点，在国外反而好评如潮，我们把它当作了动作片来看，人家却当作一部故事片来看，这就是观影角度的问题。
当然，现在我们没有必要去纠结这部电影到底属于什么类型，我们只需要看看这个沉淀了快20年的分数就已经了然，7.4分的豆瓣评价，我个人觉得是很中肯的。精美的画面，质感强烈的道具和服装，都肯定是加分项。90分钟想要讲好“天下”和家国情怀，则肯定会吃亏不少。所以，导演在后来也推出了一个110分钟的导演剪辑版，算是补上了一些遗憾。在此，推荐大家无论是重温还是第一次欣赏，都尽量找导演剪辑版来观看。

影片的原声音乐来自于中国著名音乐家谭盾。谭老师的音乐风格涵盖相当广，从中国民乐到传统大编制的交响乐，再到流行歌，都创作过很多，也是华人音乐家之中，获得过奥斯卡和格莱美奖的少数人之一。目前在美国巴德音乐学院担任院长。
2002年的《英雄》之中，谭老师根据画面之中苍凉的气息和整体故事之中悲壮的情怀，为影片的音乐元素定下了两个基调。一个是马头琴，一个是中国鼓。马头琴悠远的音色，本就是苍茫大漠的最佳代言，而中国鼓则作为雄浑和力量的代表，被纯熟地运用到了整个片子的配乐之中。

张艺谋在画面的拍摄上，也大量运用了将人物比例缩到极小的一个点上，尽可能多地让天然的画面来成为构图中的主体，人物只是其中的点缀，从而体现了人在天地之中的渺小，进而突出了人想要通过自己的努力来改天换地的无助。
可以说，画面和音乐的配合是相当完美的，特别是在影院观看时，很多场景相信一定能够观众带来非常震撼的感受。
现在大家听到的这首天下之英雄主题就是这样一首用马头琴为代表的作品。开篇就是马头琴苍凉的音色一直贯穿，没有一丝空隙。这也是马头琴演奏的特点，音高的转换都是采用手指直接滑动到需要的位置上。如此一来苍凉之中就蕴含着无限的温婉，这也正是游牧民族特别喜爱马头琴的缘故。
交响乐在这首曲子之中，始终只起着辅助的作用，在背景之中淡淡地配合着。就像是一群人在倾听着一个苍凉的老者说话一般，只在老者停下之后，才轻声附和了几句。
这首曲子还有个很有意思的事情是，当时谭老师拿着做好的曲子去给中国爱乐乐团的人听，说最终没要你们的版本，跑柏林去录了，大家都信以为真，因为音质确实比他们想得要好很多。结果谭老师看所有人都被骗了，才揭露谜底，说这就是你们的版本，众人皆惊叹不已。自此也说明，中国爱乐乐团的水平有了质的蜕变。

第二首，棋馆古琴。这也是一首有故事的曲子。整体而言，这首曲子前半部分就只有两个乐器，一个是古琴大家一定都听出来了。另一个乐器想必大家就不是那么肯定了吧？从音色上来说，这个乐器同时有着小提琴、二胡、马头琴的影子。谭老师主要是想还原出一种叫做“秦弦子”的古老乐器效果，但这种乐器早已失传，真正的音色大家其实都不确定。谭老师根据自己的理解，想出的办法非常有意思。他用了一把小提琴，却将琴弦换成了二胡的丝弦，然后请来了世界著名小提琴大师帕尔曼先生，让他在秦腔大地上感受了各种曲调和氛围，最终这首曲子的前一分半钟所呈现的二重奏效果，就是截止目前，可能最像“秦弦子”的音乐了吧！在重听成品的时候，就连帕尔曼大师自己都惊呼，古典音乐有救了！
《英雄》这部电影，在我个人看来，其实可以算作是中国最好的电影之一。因为，我想再次强调，这不是一部动作片甚至武侠片，而是一部有着极致画面的故事片。张艺谋讲故事的方法，其实还是很不错的，要么就是忠实还原原著的情节，诸如余华的《活着》；要么就是像《英雄》这样的需要观众自己细细品味的作品，其中所想表达的意境，真的不是看过就能懂的。所以，在豆瓣上，我个人认为7.4分的评价还是稍低了些，当然，我想也和公映版少了的20多分钟有着很大的关系。
今天我们既然讲了张艺谋的《英雄》，那么，李安导演的《卧虎藏龙》也就不得不讲了，而且，最有意思的是，《卧虎藏龙》的原声音乐也同样来自于谭盾老师，那么，下一期我们就来听听看，谭盾老师又把属于李安的武侠，做成了什么样的质感？同时，又会有什么样的重量级人物加入到音乐的制作中来呢？
我们下期再见！

这是一篇我一直想写，但是又一直没敢写的文章。
时间回到2013年，那是我第一次带着孩子出国旅游，目的地是泰国。就在我等行李的时候，旁边有一个书店，书架上的推荐书籍刚好放着一本不久前热映的电影《少年派的奇幻漂流》的原著小说。我随手翻了几页，是全英文版本的。我的英文还算马虎，大致能看懂，这一看，就把我的思绪给带入到情节里面了。等行李短短十几分钟的时间，根本无法获得足够的信息，但这部我原本没什么兴趣的电影，却在我脑海里一直挥之不去了。少年派的动物园怎么样了，背井离乡去加拿大是否能够适应那里的生活？这样一个故事，又和漂流有什么关系？
等回到国内之后，迅速将这部电影找来看了，看过之后，却觉得细思极恐。只后悔当初没能将原著买回来，看看电影哪些地方改编了，和书里到底有多大的差异。结局那个隐晦的残酷，到底是书里就有的，还是导演李安设置的。
这个问题，成为了至今的遗憾。后面因为各种缘由，当然，大多还是懒惰和遗忘，让我直到现在也没有去把原著买来读一遍，所以，这个问题，至今困扰着我。不过，说一万遍不如行动一遍，我在写下这篇文案的同时，也在kindle上下载了原版的书籍，等我看过之后，再来弥补今天节目的遗憾吧！

当然，我们节目的宗旨，是要谈音乐，不过，既然是一档播客类的节目，我自然不想做得太过严肃，否则，我的听众终将在一成不变的风格之中，失去兴趣。所以，我可能会在后面的节目之中，回过头去谈一谈一些已经做过节目的电影，谈一谈重新观影的感受，又或者是对音乐新的感悟。再或者，就干脆谈一谈一些无病的呻吟，我想，一些心里话，总是会引起一些人的共鸣的，不是么？

《少年派》的原声音乐，来自于加拿大作曲家麦克·唐纳，也是一位很高产的作曲家。在和李安合作《少年派》之前，制作的电影音乐大多都是一些故事片，在圈内不算特别出名，不过，他和李安在《少年派》之前就已经有了长达15年的深厚交情，期间也合作过两部电影，但一直不温不火。直到《少年派》一举成名之后，包括迪士尼在内的一些大制作公司才纷纷找上门来，请他制作原声音乐，就此，麦克·唐纳也在好莱坞创下了自己的一片天。
但在《少年派》的原声音乐专辑之中，最让我诧异的是，作为一个加拿大人，他是如何把音乐写得充满了异国情调的？
根据维基百科的相关资料，唐纳为该原声专辑花费了将近一年的时间。虽然大部分的制作最终都是在洛杉矶完成的，但前期他在印度花费了大量的时间来学习和研究印度的音乐风格和印度本土乐器。所以在专辑之中，虽然音乐的底子仍然有着管弦乐的基础，但主要乐器之中使用了大量的印度乐器，而且，因为影片之中有着加拿大的背景，所以在音乐之中，也会偶尔穿插一些法国手风琴的旋律。
很多朋友可能会问了，法国手风琴和加拿大背景有什么关系？其实还真有关系。要知道，加拿大这个国家本就是分成英语地区和法语地区，官方语言之中也包含英法两种语言和文字。所以，唐纳的这种做法没有任何问题。
正如大家现在听到的这首曲子，Pondicherry。这便是一首有着明显欧洲特色的手风琴圆舞曲，但也适当加入了一些印度乐器的影子，加入得非常淡雅，稍不留神，您可能都没有能够听出来。这首曲子在影片之中也实际上起到了承上启下的作用。将场景从加拿大转换到了印度，这种用配器和画面相互配合的效果，就是典型的电影配乐惯用手法。当然，只要有着优美的旋律，其实无论是配合着画面来看，还是单独聆听，都会是一种享受。

第二首，Pi’s Lullaby，少年派的摇篮曲。这是在整个专辑之中的唯一一首人声演唱作品，风格几乎完全的印度化。但丝毫没有印度歌舞片之中那种热烈的节奏，整体曲风非常柔和，充满了恬静和安逸的氛围，这也非常符合一首摇篮曲的味道。
配器上就大量采用了印度本土的乐器，仅在进入高潮之后，管弦乐才能明显听得到，但也仅仅只是作为增加曲子的厚实感，并没有喧宾夺主。所以，适当的配器，其实东西方乐器之间并不存在冲突，反而能够相互融合，达到相得益彰的作用。
最后我们再插入一首曲子，Which Story do you prefer？你更喜欢哪个故事。这首曲子的标题其实也正是我这一期节目之中标题中所暗示的，画面绝美的《少年派》，其实竟然是一个极其残忍和悲壮的故事。
不知道看过这部电影的大家，是否看懂了成年之后的Pi给大家真正讲的故事是什么？这也是我一直想找原著来看的真正原因，因为，如果电影并没有改编的话，那么，这个故事，就不再是只是一个美丽的童话，而是一个坚强的人把自己曾经遭受过的最大不幸用童话般的口吻叙述了出来。

正所谓，文学艺术，来源于生活，且高于生活，那么，少年派的故事，就是艺术的典范，因为，他将一个极其残忍的现实描述成为了一个极其美丽的梦境。人们当然更愿意在这样美好的梦境之中徜徉，而不愿意在残酷中苟且。但现实就是现实，残酷是它的本性，所以我们才需要艺术作为媒介，让自己的思想能够生出翅膀，一念几万里，遨游于天地之间的任何一个角落。
好了，本期就是这样，等我看完原著，再来分享关于少年派的感悟吧，关注并分享我的节目，让热爱原声音乐的人，都能有一个恬静的港湾。

最近特别迷恋星空，所以已经连续写了两期关于宇宙的节目。不过，我还是不想停下，刚好也应听众的邀请，谈谈前段时间在国内大火的纪录片《行星》。那么，这一期，我们就继续遨游在浩瀚的星海之中，体会那种广袤与孤寂带给我们的震撼吧！

《行星》英文为《Planet》。英文之中对于发光的星星统称为stars，而把围绕他们旋转的称之为planets。在中文之中，我们则称之为恒星和行星。这是一个很有意思的现象，在东方看来，都是星星，只是动与不动的区别。但在西方看来，则有着本质的区别，恒星是会发光的母星，行星则是围绕母星旋转的伴星。二者没有丝毫相似之处。
这种东西方意识形态的区别，体现在方方面面。东方人的思维模式，是比较宏观层面的，正如阴阳太极一般，这世间万物，无论白天黑夜，男人女人，善恶是非，甚至食肉食素都可以用一阴一阳来代指，阴阳调和，这个世界就和谐，反之则陷入纷争和困境。一个简单的二元论竟可以概括世间万物的本质。但西方人却大多都是从微观世界研究问题，凡事要刨根问底，诸如这世界的最基本物质构成是什么样的，最小的粒子是什么，等等。
所以，如果我们稍加融合一下，其实宏观和微观二者之间也是一种阴阳关系，同属于二元论的范畴，很神奇不是么？
有些扯远了，回到我们今天的话题，纪录片《行星》。《行星》是英国BBC出品的。众所周知，BBC出品的纪录片，就是制作精良的代名词。这个不是偶然，而是BBC几十年如一日坚持下来的优良传统。上一次震撼到国人的纪录片是《蓝色星球2》，我们在之前的节目之中已经讲过，推荐大家有空可以回顾一下。
今天要讲的这部《行星》，也是BBC的得意之作，在国内也同步推出了中文版，大家可以自行找来观看。
这一期的原声音乐同样不好讲，因为该片的音乐，没有单独写作，而是根据需求找来了各种类型的单曲进行签约，最终形成了一个合集。所以，我们在这里也只能挑选其中几首有代表性的曲子分享给大家。

第一首，The Void，空虚。该曲被选用做纪录片的片头来使用。配合着几个震撼的行星的画面，确实很带感。该曲来自英国的缪斯乐队（Muse）。是一个诞生于英国德文郡的新兴乐队，主创成员包括马修·贝拉米、多米尼克·霍华德以及克里斯·沃尔斯滕霍姆。贝拉米是主要的歌曲作者，同时也是乐队的灵魂人物。他对各种阴谋论、外星生物、神学以及末世预言等有着浓厚的兴趣，所以作品在前辈们摇滚乐的基础上，加入了一些神秘色彩，空灵的歌声之中，我们能找到曾经王牌摇滚乐队Pink Floyd的影子，同时也能找到一些新世纪电子音乐的感觉。
这首歌曲主要采用电子音乐和失真吟唱为主，加深了宇宙之中那种安静祥和且孤寂的氛围。特别是前半部分对这种氛围的营造特别突出，怪不得BBC在听过这首作品之后，就迅速确定了其作为主题曲的地位。不过，在实际的使用过程中，并没有全部使用，该歌曲的高潮部分对上面讲过的氛围有一种自我否定，音乐在进入高潮之后，人声的部分突然变得激昂和自信，作为一首单曲肯定是一种必要的存在，但在纪录片之中没有被引用也是正常的。
该曲目还有一个钢琴加人声的版本，我个人更加喜欢，比电子音乐的版本更加纯净和自然，也更加符合标题之中“虚空”的含义，感兴趣的朋友可以自行搜索。

第二首，The Wolves，狼。这首曲子也是一首单曲，来自美国作曲家Cyrus Reynolds，目前居住在美国加州洛杉矶，是一名典型的新世纪音乐作曲家。特别擅长制作一些气势磅礴的音乐，经常为各类纪录片谱写歌曲，偶尔也会推出自己的专辑。这首单曲邀请了同样也是洛杉矶的知名歌手Keeley Bumford来演绎。歌曲气势磅礴，演唱也很有个性，歌声之中充满了随性和慵懒，有着一种玩世不恭的态度，很符合其标题之中“狼”的特性。

这首歌曲被《行星》引用其实已经是这首曲子的第二次商业使用了。第一次是著名游戏《刺客信条：奥德赛》在宣传片之中的引用。
所以，这类型气势磅礴且旋律好听的曲子，路子真的很广。广大音乐创作者可以参考一下哦！
欣赏完音乐，我们再回到BBC的纪录片之中。其实，针对于宇宙题材的这类纪录片，很多频道都制作过，包括国家地理、美国历史频道等等，但看过之后，确实还是BBC的拍得最为震撼。当然，随着影视技术的进步，越往后的画面效果也就会越真实和震撼。
不过，在我看来，这类片子其实并不是严格的纪录片，虽然他们找来的讲解嘉宾都是知名的科学家，但宇宙之中很多事情现在都只是通过计算和推测出来的，片中的绝大多数画面也都是通过影视手段渲染和制作出来的。并不是实拍，所以，严谨来说，算作是科普和科教片更为贴切。
要知道，就在大约500年前，焦尔达诺·布鲁诺正是被当时的主流科学家和罗马教廷以异端学说罪名被处死，成为了科学史上最不光彩的一页。
几十年之后，也许这部纪录片之中所包含的知识，也会被最新的科学成果所推翻，那时候，我们只需莞尔一笑，坦然拥抱新的知识，布鲁诺的惨案再也不会重现。

我曾经问过自己这样一个问题，到底是《异形》、《星球大战》这类型的电影算作是科幻片，还是我们上一期说过的《超时空接触》以及本期要谈的《星际穿越》才算是科幻片？前面的类型，并不注重科学根据，只是将时间设定到未来的某一个节点，然后展开故事的叙述，可以完全没有科学依据。但后者的类型则有着较强的科学依据，在讲述故事的同时，也承担着一定科学普及的功能。
当然，其实这是一个伪命题，科幻是个很大的范畴，所以，针对于后者，我们又重新界定了一个新的名词——硬科幻。
所谓硬，就是指其故事之中所包含的所有内容，至少都可以通过现有的科学理论加以诠释，只是我们现在的科技水平对其中的一些技术，还停留在理论的基础上，谁也不能保证在今后的某个时间之中，这一切就都变成了现实。就正如19世纪末期的法国著名科幻作家凡尔纳的作品一样，在当时，凡尔纳的小说统统都是科幻，但在现在来看，不仅不是科幻，甚至已经都是一些老掉牙的技术。
所以，在某种程度上来说，也许，硬科幻的故事，也一直在推动着我们的科技革新，以及社会科普的作用。

2014年由克里斯托弗·诺兰导演的《星际穿越》，在当年一上映，就成为了所有硬科幻的代言词。
这部电影的成功，不仅仅讲述了一个感人至深的好故事，同时，也邀请了著名物理学家基普·索恩来担纲电影的科学顾问，在基普·索恩的指导下，构建出来的黑洞模型，与时隔五年之后才被科学家拍摄到的黑洞照片，几乎一模一样。这就是科幻片带给我们的震撼。
该片最有意思的是，作为一部科幻电影，却采用了极为保守的拍摄理念来制作，片中大量的场景都是剧组制作的模型加上实拍来完成的，甚至是主角进入黑洞之后的五维空间，都是用丝线一条条编织而成的。当然，电脑特效也起到了关键的作用，毕竟一部描绘和宇宙有关的电影，没有特效画面的支持是根本不现实的。只是，诺兰兄弟对于影片拍摄时对实景的信赖大过电脑，确实是一种很传统保守的做法，当然，这样的好处就是，真实感无论如何都会比特效做出来的更加真实。这种执着，在某些更愿意尝试新技术的导演看来是迂腐，但上映之后，效果惊人，一举拿下第87届奥斯卡最佳视觉效果奖，这就足以证明，诺兰兄弟的坚持，其实是严谨和专业的典范。

《星际穿越》的电影原声音乐来自汉斯·季默。汉斯·季默我们在这里就不做介绍了，在以往的节目当中，已经分享过太多的佳作。但我在做这一期节目的文案之前，很是犹豫过一段时间。因为，这部电影的原声音乐，其实并不出彩，如果没有看过电影而单独聆听的话估计很多朋友都会完全听不出来汉斯·季默到底写了个啥。从我个人的角度来看，这些原声音乐，就是纯粹的氛围音乐，每一秒钟都是围绕着画面展开的，画面需要什么氛围，需要什么情绪，汉斯季默就给它什么氛围和情绪。这样的好处是，当你专心看电影的时候，这种氛围音乐就会牵动着你的心境，让你的内心世界在不自觉的时候就已经和画面融为了一体。当然，其实所有的电影配乐都应该这么做，只是，有的音乐因为太过出彩，篇章质感也足够强烈，就可以在电影画面之外，单独聆听也拥有自己广阔的天地。
但说实话，在这一部电影之中，汉斯季默的音乐，只完成了前半部分的功能，也就是氛围的功能。我绝不否认汉斯·季默在氛围营造上的天赋，我之前一直都在强调，如果我说汉斯·季默是当代最好的氛围音乐大师，应该没有人会反对吧？在这里也一样，氛围感营造得无与伦比，把浩瀚星空的广袤与孤独，刻画得淋漓尽致。正如大家现在听到的这一首Detach，分离。音乐刻意营造了一种紧张急迫的氛围，但在旋律上并没有什么精彩的地方，不过这也怪不得汉斯·季默，毕竟，影片的画面实在太过震撼，如果在这样的画面出现之时音乐还来抢了风头，反倒有一种画蛇添足之感。
本段音乐采用了大型管弦乐的编制，辅以电子音乐的节奏，先把影片故事之中所需要的紧张感表露无遗，然后在通过一种安静的氛围来编织出主角一个人掉入宇宙深空甚至是黑洞之中的孤独和无助。还是那句话，配合着画面来看的话，这是一首满分作品，但如果没有看过影片的话，建议就不要单独聆听了。

本次推荐给大家的另外一首作品是很多音响发烧友极力追捧的作品，Cornfield Chase，玉米地追逐。为何说是音响发烧友极力追捧呢？首先因为这首曲子可以说是整个专辑之中，旋律最为清晰和动听的，在影片的很多地方都做了引用。再一个就是曲子的主要乐器采用了管风琴这种极其古老和经典的乐器来演奏，管弦乐仅做配合使用。
旋律上非常紧凑，呈现出螺旋上升的质感，气势磅礴，速度也很快，这就对音响器材的要求非常高，器材的解析力如果不够的话，这首曲子听起来就是模糊一团，所有的音符都柔和在了一起，完全分离不开。所以音响发烧友非常欣赏这样一首作品，能够将他们手上的器材推到极致，且高下立判。
不过，这些不是我要说的重点，我之所以喜欢这首曲子，和器材无关，我恰恰是喜欢他将最古典的乐器用来表现最科幻的概念，而且旋律的螺旋上升，让我们产生了一种对梦想追逐的渴望。我个人认为，这才是这首曲子所要真正表达的含义，以及它的精华之所在。
好了，本期节目我们就先聊到这儿，关注并分享我的节目，让更多原声音乐爱好者能够加入我们的讨论，期待与您相约！