最近虽然我的专辑播放量没有什么实质性的提升，但互动却明显增加了一些，这是我非常感动的一件事情。能够看到大家对我节目的认可，我才觉得我的所有节目都没有白做。当然，也有一些听众提出了一些要求，在这其中，《珍珠港》的原声作品呼声还蛮高的，那么，今天我们就来聊聊这部讲述二战之中太平洋战场的电影作品吧！

说实话，电影本身在我看来其实只是中规中矩，好莱坞的场面包装能力自然没什么可说的，但是对于一个拥有超级强大历史背景的题材来说，加入了过多的儿女情长，我个人认为并不能够深入地剖析当时的政治和世界格局。无独有偶，我之所以这么说，恰恰也是因为有一部同样是讲述偷袭珍珠港的老电影《虎虎虎》的存在，才使得我对《珍珠港》这个本应在现代特效加持的情况下青出于蓝的电影略感失望。
当然，如果您没有看过《虎虎虎》的话，那么，《珍珠港》带给你的震撼也不会差，刚才我说过了，这是一部好莱坞制作的中规中矩的电影，特效可以打满分，为了迎合年轻观众，还加入了一些爱情因素在其中。肯定是值得一看的片子。但有了《虎虎虎》的存在，《珍珠港》自然在我这里就有点抬不起头来了。

《虎虎虎》是1970年的老电影，我看的时候是上世纪90年代，也很久远了，现在的90后和00后估计听都没听过这部电影的名字，这部电影当时引入国内的时候也翻译做《偷袭珍珠港》，央视六套以前也放过，片子很长，2个多小时。可以说是事无巨细，从日本军国主义在国内是如何膨胀，山本五十六为何会狂妄至极想要偷袭美国，日本海军又是如何在明知不可为的情况下硬着头皮上。前因后果，交代得清清楚楚，战争细节也在当时做到了力所能及的最好情况。以现在的眼光来看待这部电影，除了特效稍微差一些，其他都可以说是完美。
所以说，如果您是想了解那段历史，顺便看一个故事，那么，《虎虎虎》最适合您；但如果您只是想看一个故事，顺便了解一段历史，那么，《珍珠港》更适合您。
两部电影其实在豆瓣的评分差距不大，一个8.3，一个8.0，这也是可以理解的，打高分的和打低分的，就是上述我说的两种观众相互对调的结果，最终打了个平手，仅此而已。

说回到我们的主角，《珍珠港》电影原声音乐，但在这之前，我再花几句话的功夫说说电影导演迈克尔贝，这是一个毁誉参半的导演，成也特效，败也特效。1996年一部《勇闯夺命岛》风靡全球，开创了动作片大制作大场面的先河，《珍珠港》是2001年上映的，口碑也极佳，特效玩得很舒服。2006年的《变形金刚》第一部更是惊艳全球，有还不错的故事，更有天花板级别的特效。但之后导演便得意忘形，抱着《变形金刚》这个IP死不放手，最终让自己陷入了万劫不复的深渊。
话说2001年的《珍珠港》，迈克尔贝靠着自己那几年不错的口碑，请来了汉斯季默为电影写作原声音乐。汉斯季默在那时候已经是好莱坞音乐届的大咖，不是谁想请就能请的。如果是他没兴趣的题材给多少钱都不会去写的。幸好，1998年的《拯救大兵瑞恩》重新点燃了美国影视二战题材的激情，但《大兵瑞恩》的音乐是约翰威廉姆斯的作品，那么，时隔三年之后，又有一部二战大片即将上映，汉斯季默自然不会放过这个和威廉姆斯分庭抗礼的机会，于是，这次和迈克尔贝的合作就很轻松愉快地答应下来了。

汉斯季默为该片写的音乐并没有采用传统战争题材中常用的史诗质感，反而大量采用了有点轻音乐风格的写作方式，采用了很多温柔的旋律，以钢琴来作为主角，管弦乐只是起到辅助。比较刻意地营造了一种战前岁月静好的效果，让人一听就会有一种我们的和平是多么的来之不易的感觉。
正如大家现在听到的这一首，And Then I Kissed Him，我亲吻了他。旋律一开始就是钢琴轻柔的开篇，刻画了一个温暖清新的早晨，我们闭上眼睛来感受这段开头的旋律，完全能够感受得到主角家乡徐徐吹来的微风，带着一些温度，当然也带着浪漫，仿佛生活在这样的环境中，就应该好好进行一场爱恋，不负时光，不负卿。
曲调当中大量引用了电影的主旋律，我们可以看做是一首主旋律的变奏作品。主旋律的部分我们会稍后再讲。有意思的是，这首曲子汉斯季默是采用了管弦乐和电子音乐相互结合的形式来编曲的，这一点可以算是汉斯季默的一个个人标签。他的另一个个人标签是能够将简单的旋律用不同的配器和演绎手法来不断的重复，但给人以不同的听觉感受。这种表现手法，与古典音乐中的卡农作品有异曲同工之妙。有时候，我在听汉斯季默的一些作品之时，都会有这样的感受。
关于这类型的作品和卡农之间的关系，说起来可能会有些复杂，我会试图在今后用一期付费节目来阐述这个观点，敬请期待。
第二首作品，田纳西。该曲目就是全片的核心旋律，很明显这也是一首钢琴、管弦乐和电子音乐相结合的作品。和上一首作品大体一样的旋律，这一首听起来是不是又多了几分磅礴的气势？这就是编曲的魅力，当然，想要有气势，曲子本身也得是采用大调的方式来写作，可柔可刚，就看怎么编曲了。
旋律刚才说过了，极致简单，就是不断重复，一会儿钢琴，一会儿大编制，一会儿还加入人声吟唱，就这么不断地变换着，但就是能让你觉得好听，百听不腻，大师的境界就是这么来的。

最后，再给大家欣赏一段来自汉斯季默2018年欧洲巡回音乐会的现场录音版本，这个版本比任何一个原声的版本配器上都更加豪华，录音效果也很不错。专辑发行于2019年，收录了汉斯季默的很多作品，包括我们讲过的很多电影，诸如角斗士、狮子王；也有很多我今后会讲的作品，诸如碟中谍、亚瑟王、加勒比海盗等等。
那么， 今天这一期就先这样吧，祝各位在即将到来的儿童节都能有个年轻的心情！

《愿得一心人》这首曲子是2015年国产电视剧《鹤唳华亭》中的插曲。关于这部电视剧，我已经讲过配乐，但这首歌今天我想单独拿出来讲一讲。这首歌的作者和演唱者我们以前也做过两期节目，《大鱼海棠》和《何以笙箫默》。有兴趣的朋友可以稍后去回顾一下。

词作者：尹约

歌曲的创作者是钱雷、尹约，演唱者是周深。这个黄金三角组合有非常多的优秀佳作，可以说是目前国内乐坛之中的一股清流，无论词曲和演唱都是一流的存在，比那些快餐式的流行歌不知道要好多少倍。更多的优秀作品在今后的节目中我应该还会提到。

今天聊的这首《愿得一心人》是一首典型的情歌，无论是曲风还是配器上其实说实话，和电视剧的古风没有丝毫关系。但因为是情歌，电视剧的主线也是爱情，所以穿插在电视剧之中的时候，也没有太多的违和感。但相比起我之前讲过的那一首主题曲《箫》在配合画面的上还是有很大的差距。
不过，这种差距不是作品的质量差距，而是意境上的差距。对于一部有着优良服化道的电视剧作品，配乐如果缺少了古风的元素，那么始终会是一种遗憾。有的朋友可能会说我是吹毛求疵，但我相信，正因为有了我这样的观众，而且数量还不少，国内的电视电影也才会有进步的可能。要不然，那些神剧就可以满足绝大多数人的胃口了吧？
好，玩笑归玩笑。回到音乐本身。这首歌虽然缺少了古风的意境，但作为一首情歌却是非常的优秀。曲调优美好听，歌词温婉感人。单独聆听的体验远远超过了在电视剧当中的运用。我敢很负责任地说，肯定有很多人是听过这首歌才去看的电视剧。而且看过之后，不管对电视剧的评价如何，对这首歌的评价绝不会低。
好了，我们就正式开始赏析这首难得的佳作吧！
开头是一段钢琴的引子，从2347的根音上我们不难听出这是一首小调的曲子，小调就是特别适合这类型讲述带有悲伤情感的故事。而且这段钢琴和弦的处理也非常到位，一耳朵听下来很是舒服，就充满了对后面音符的期待。
人们常说，一首歌编曲好不好，光听前奏和过门就知道了。这首曲子的处理我个人认为非常到位，钢琴的旋律部分几乎都是单音，突出了女主角的具体形象，这一点倒是和电视剧中的画面很搭调。而和弦的运用又将前奏部分的听感充实了起来，总体让人有种忧伤但又不缺乏温情的感觉。
过门完毕之后，周深清幽深远的嗓音轻轻地响起，配器上只有钢琴作为辅助，将一种一个人自言自语想念另一个人的氛围突出了出来。
第一段旋律的高潮进来之后，配器上加入了大提琴，其实从编曲上我们可以理解为钢琴代表女主，大提琴较为低沉的音色代表了男主。两种乐器的配合就如同在安静的夜晚两个人互诉衷肠。你一言我一语，柔情至极。
但毕竟这是一首有演唱的歌曲，那么歌词和演唱的成分，我们就可以理解为一种旁白，通过歌词，我们可以把音乐想要表达的情绪做到一目了然。流行歌就是这样的音乐，它可以将纯音乐想要表达的情绪用歌词突出出来。如果歌词本身又写得很好的话，那么，这种锦上添花的效果就会被放大数倍，远远超出1+1=2的效果。
到这里这首歌的主旋律已经完成了一次，进入了间奏的环节。在配器上加入了弦乐、木吉他和简单鼓点的烘托，进一步将曲调的厚实感加强。作为一首单曲而言，从这里开始，后面的配器就是逐渐往厚重和豪华程度上堆叠了，情感上的要求在第一段已经完成。
当然，演唱者从这里开始，也相对可以将嗓音放开一些，配器越豪华，对演唱情感上的要求相对也会更低一些。不过，周深作为一个实力派歌手，在这首曲子中，自始至终都没有松懈分毫，极力表现着自己对于歌曲的理解。也幸好，他的嗓音穿透力相当强，无论配器堆叠到什么程度，都没有能够压住他的声音。而且，他的嗓音很有特点，辨识度极高，初次听到他演唱的听众，也许还会以为周深是个女孩子，至少我第一次听到他的歌的时候就是这么认为的。
整首歌是一首典型的AB结构曲子，与我们之前讲过的ABA的方式不同，这种AB结构的着力点和爆发点都在B段曲子上，对应到本曲之中，就是从“原来一心人”一直到“愈合你余生伤痕”结束的这一整段。
整段歌词对情感的倾诉也可谓是尽善尽美，提着孤灯寻找星辰。这是对爱情多么执着的追寻啊，而且还写得那么含蓄。眼神泄露灵魂，这一句也是堪称经典，俗话说眼睛是心灵的窗户。爱过的人都知道，眼睛真的是能够表达爱意的，两情相悦时分，真的无需多言，眼神一碰撞，双方就都都明白了。
所以，还没有找到心爱之人的朋友们，大可提着孤灯，在漫天繁星之中找寻属于自己的那一颗星辰。愿得一心人，用那一怀温暖，愈合余生所有的伤痕。

这首曲子其实早在我讲述第十三期《千与千寻》的时候就已经说过了，记得当时我还选了三个不同的版本来给大家欣赏。希望对电影以及音乐先有一个大致了解的朋友可以先去听一下第十三期，当然，先听过本期节目再去了解也是可以的。
我今天打算采用一种不太一样的方式来给大家做一次赏析。之前我的方式都是大致讲解一下音乐的概述，是如何与故事进行配合的，旋律能够让我们想起什么样的画面。但我次打算一边播放音乐一边讲述，可能会从音符、配器以及对作者在作曲时的一些想法进行猜测。讲的不好的地方，还请大家海涵。
正式赏析之前，我先介绍一下这次选取音乐的专辑。专辑叫做《梦之歌：久石让精选》，发行于2020年2月，是久石让大师最新的精选集。专辑中一共选取了28首作品，全部都是按照原来的编曲风格重新演绎和录制的，音质非常棒，目前各大音乐平台上都能找得到，乐迷也可以买得到实体版收藏，反正至少我是这么做的。
那么，下面就正式开始这首《那个夏天》的赏析吧！
音乐一开始这里是一段钢琴的引子，用了几个小调和弦直接勾勒出一个明媚夏天的清晨模样。
在这里管弦乐做了简单的铺陈，由弱转强预示着夏天的色彩是异常浓重的，钢琴的主旋律也加入进来，就像是鸟儿用鸣叫打破了清晨的宁静，将这个夏日的美丽风景做了最大程度的描绘。这个时候大家脑海里的画面也应该是动起来的，有了风，有了鸟儿，有了起床出门的人们。层次感一下子就强起来了。
一段管乐的过渡之后，钢琴突出了一次核心旋律，然后管弦乐再次渐强，就像是炽热的夏日温度之中一阵清风吹过，沁人心脾。然后随风的方向看去，五颜六色的花正随风摇曳，把夏天最美的色彩全部凸显了出来。
音乐在这里进行了一次转折，管乐的情绪之中忽然带有了一丝不安的因素，这里是为了配合电影剧情的需要，在音乐之中可以看做是副歌的存在。在钢琴响起之后，再次回到了主旋律之中，至此，整首曲子在不经意之间其实已经完成了一次ABA的转换。
管乐在这里又将主旋律重复了一次，然后是管弦乐和主角钢琴一起上，这样的好处是，一样的旋律用不同的配器来演绎，就能够给听众以不同的感受。毕竟夏天的层次感绝对不是一架钢琴就能够描绘出来的。就像是素描和油画的区别一样，你素描画得再好，也无法将色彩完全体现出来。
到了收尾的地方，钢琴用几个清脆的音符敲出一段和弦，最后以一个小调和弦结束。做到了首尾呼应。
至此曲终。
整首曲子从清新的清晨开始，一直能够感受到炽热的正午，然后再回到温暖宜人的傍晚。完成度极高，虽然曲子中间有一小段需要配合画面的心理不安因素存在，但丝毫没有影响到曲子的完整性，就算没有看过电影的朋友第一次听这首曲子也不会觉得有任何奇怪的地方。
这首曲子的版本在配器和演绎上基本遵循了原版，中后段部分稍有改变，时长从原版的3分09秒拉长到了4分02秒。节奏稍微缓慢了一点点，更加显现出了夏日的慵懒和温馨，我觉得从听感上比原版的更加完美一些。当然，这个也可能会有因人而异的看法，也欢迎在评论区留下您的看法。
好了，本期赏析就先到这儿，如果喜欢这样的方式，请记得点赞评论和转发，今后我也会多尝试这样的单曲赏析方式，让大家更加了解一首曲子想要表达的情感和故事。下期见！

今天我们来聊一部游戏的原声音乐。虽然和电影没什么关系，但好的游戏同样也是讲述好的故事。而且好的游戏同样也拥有好的原声音乐作品。所以，好的游戏原声音乐作品也是值得我们来用心感受和玩味的。
说起今天我们要讲的这部《战地5》，其实已经是2018年的游戏了，但其优秀的故事和画面就算放到现在来重新玩，也不失为一部佳作。
《战地》系列是美国EA公司的第一人称射击游戏经典作品，首部作品《战地1942》开始，至今一共发售了17款相关游戏。故事背景从二战、越战一直到现代战争。这个系列可以说是EA特意打造与《使命召唤》系列抗衡的作品，在第一人称游戏市场里，EA的野心也是很大的，绝对不想让《使命召唤》系列一家独霸天下。
所以，无论是历代作品的故事设定还是游戏引擎的开发上，EA都投入了大量的人力物力来完成这个系列的作品。虽然从2010年之后，游戏界似乎早就已经成为了网络游戏的天下，但仍有不少的游戏公司还在坚持开发这种讲故事的单机游戏，虽然游戏之中其实也不缺乏网络对战的版块，但单机游戏的故事版块往往才是能够吸引一个传统老玩家最核心的地方所在。所以，这些游戏公司也明白自己游戏口碑的重要性，这也是当你新推出一个游戏的时候，是否会有之前的老玩家能够认可你并进行消费的根本保障。

所以，我们看到了EA作为一家全球最大的娱乐游戏公司，对战地系列的呵护有加。每一代作品的诞生，几乎都和电影有着很类似的制作理念。有剧本，有导演，有动作捕捉，有历史顾问，有道具服装顾问等等。当然，比电影更多的就是技术层面的开发和交互式体验的设计。
这其中，还有一个和电影有着很大程度共通性的，自然就是我们这档节目最关心的原声音乐板块。战地系列作为一个EA公司的王牌游戏，对于原声音乐的制作同样也是很重视的。
当然，游戏的原声音乐相比起电影的原声音乐有很大的不同，也有很大的共通性。共通的地方在于情绪的烘托和对故事的映衬。不同的地方在于，游戏在游玩的过程中，每个人对同一个场景的过场时间是不一致的，音乐的配合就很难做到尽善尽美。
所以，对于讲述故事或者过场动画等环节的音乐就是和电影一样的创作手法和理念。但对于实际游玩的过程中的音乐，则需要做的往往就是根据对应的场景制作一些纯粹的氛围烘托型音乐，然后在写作的时候还需要尽量采用ABA的方式，因为这种规制的曲子可以做到无限循环播放，让游戏中的玩家以不同的时间完成进度的时候，都有音乐做到全覆盖。
不过，这样的音乐是一定会在故事性上大打折扣的，不可能做到像电影音乐哪样完全跟随着故事情节此起彼伏。因此，游戏之中，往往也会采用互动和过场动画穿插的方式来让故事和音乐做到有所起伏。这才是一个游戏能否讲好故事的关键所在。但这不是我们讨论的重点，我在这里想说的是，其实不管是电影还是游戏，只要制作公司愿意用心去制作，那么，好的音乐自然也是不会少的。
虽然我这档节目是称之为《电影留声机》，但我也同样愿意为大家推荐和赏析这些优秀的游戏原声作品，还请大家在聆听之际，不要忘记帮我点赞、评论和转发，这些举手之劳，是我将节目做下去的最大动力。谢谢大家！

战地5的原声音乐来自于一位瑞典作曲家约翰·苏德奎斯特，早年毕业于瑞典斯德哥尔摩皇家音乐学院。毕业后在多个爵士乐队担任键盘乐手，1991年开始为电影和电视剧创作原声音乐，但直到2007年为一部瑞典本土电影《在大火中我们失去的东西》写作的音乐获得了格莱美奖之后，才开始在电影原声领域崭露头角。2010年的一部《更好的世界》获得了当年奥斯卡最佳外语片奖之后，苏德奎斯特的大名终于在电影原声领域获得了认可。
此后，游戏领域也开始注意到了苏德奎斯特的优秀表现，EA公司就在2016年和2018年两次邀请他为战地系列制作原声音乐。
我们此刻听到的就是来自2018年的战地5之中苏德奎斯特的优秀作品。
第一首为大家推荐的是Under No Flag，直译过来应该是没有标志。但这种译法很容易让人摸不着头脑，我想了一下，也许翻译做单枪匹马更加贴切原本的意思。这首曲子是讲述一个英国混混被招募成特种兵单枪匹马潜入敌后完成各种不可能完成的任务的配乐。开篇的苏格兰笛子悠远而宁静，对主角的家乡进行了美好的描绘。随即同样的旋律，同样的乐器，却加上了军鼓的烘托，一下子旋律就转换了主角的身份。紧接着还是同样的旋律，但完全转换成了管弦乐的大编制，家国情怀就一下子凸显无疑。战争就是这样，也许在那之前你只是一个最普通不过的人，没有身份，没有地位，甚至是个对社会有危害的街头混混。但战争一旦打响，却成为了保家卫国的一份子。虽然未必能够成为万人敬仰的英雄，但依旧能够成为历史之中不可或缺的一股中坚力量，成为人们口中津津乐道的故事和谈资。所以，战地5通过讲述这些战争中的无名之辈的故事，也不失为一种对战争的反思和对无名英雄的纪念。

第二首，挪威。这是一首悲伤的曲子。曲子有点小夜曲的感觉，开篇异常轻柔，宛如一位老者慢慢讲述着从前遭遇的种种不公和悲愤，但却用了一种一切都过去了的口吻。这就反而使得故事本身带来的冲击感比绘声绘色地描述更具冲击力。让听者无不潸然泪下。
二战中，挪威因为本身军事实力不足，早早就宣布为中立国，但希勒特的铁蹄仍然砸碎了挪威人远离战争的梦想。仅仅两个月的时间，挪威全境就被德国所占领，挪威的几乎所有大城市都被德国的轰炸机夷为平地，挪威人死伤惨重，成为了整个二战史中最为悲剧的国家之一。
所以，作为一个和挪威紧邻的瑞典作曲家，苏德奎斯特把这首曲子写得悲壮无比，成为了整个专辑之中点睛之笔。
第三首，我向国家宣誓。曲子开篇又回到了和第一首相呼应的苏格兰乐器。用悠扬的曲调讲述了一个士兵誓死卫国的家国情怀。全曲都没有进行曲风格的激昂，也没有大编制的恢弘气势来振奋人心，有的只是对家乡的眷恋和对祖国的忠诚。
通过这些音乐，再次印证了国外对于战争题材的作品，无论是影视作品还是游戏，其实主旨都是反战的。这些作品不管是描绘大场面的还是描写小人物的，我们都能在其中找到忧郁的眼神和对战争的厌恶，丝毫没有打鸡血式的无脑宣传。
虽然战争才是贯穿人类历史之中永恒的话题，但反战的作品总能够适时地提醒着人们，战争的目的从来不应该是谁要把谁消灭，而是以最快速有效的暴力的手段终结一种更加可怕的暴力行为。翻译成大白话，就是战争只应该发生在正义与邪恶之间，且正义必胜！

《伸冤人》这部作品的原声音乐老早就想给大家讲了，但一直没有找到合适的切入点。具体啥原因先卖个关子，稍后再说。我们先来说说电影本身。
电影目前一共上映了两部，口碑都不错。故事很有意思，对主人公的身份从来都没有正面交代过，只是从几个含蓄的镜头之中能够感受到男主角在退役之前应该是一个战神级别的存在。但因为某些原因放弃了军旅生涯，从事着一些卑微的职业。比如，在第一部里在家居超市打工；第二部里开着自家的车子在外面拉活，就跟咱们的滴滴司机一样。

在我看来，这肯定是暗喻了男主角过于刚烈的性格导致无法适应官场生活，从而放弃了高官厚禄，或者是因为什么特殊的秘密任务需要他隐姓埋名起来，只过着极度自律的生活。在这样的生活之中，他往往又在不经意间介入到了一些社会的阴暗面，然后他便使用自己最强大的军人本能化解一次次危机，救下该救之人，同时也救赎着自己的灵魂。
上述这段话看似是在剧透，但其实这两部电影剧情都特别简单，没什么可剧透的，是属于那种没有悬念的片子，讲与不讲实在没什么区别。片子的看点在于爽快，是近年来少有的既有点剧情，也有场面的好片子。当然，传说这与男主角丹泽尔华盛顿有很大关系。丹泽尔华盛顿是少有的黑人影帝，比较爱惜羽毛，所以比较挑剧本，但反过来他的名号也同样能保证票房，所以，这样的挑剔我认为是一种双赢的保障，期待他能够坚持这个理念，不断为观众奉上叫好又叫座的大片吧！

好了，现在可以说回到一开头卖的关子了，为什么早就想给大家讲，但却一直拖着。这部电影的原声专辑其实我听的次数相当多，可以说是百听不厌。作者是我已经讲过很多次的Harry Gregson-Williams，对他还不太熟悉的朋友，可以稍后去听一下我节目的第二期和第三期，会对作者有个比较全面的了解。他的主要风格就是能够娴熟地运用各种乐器糅合起来创作，特别是能够将电子音乐和传统交响乐完美融合，曲风清新脱俗，能够让人耳目一新。但缺点也很多，比如今天要讲的这部《伸冤人》就是这样，曲子都很舒服，是比较纯粹的背景音乐，而且太过于纯粹了，以至于我时常都是在干活或者写文章的时候来听。旋律可以说是滚瓜烂熟，但就是不知道该如何来介绍比较好。
但拖着总不是回事，既然是我认为的优秀作品，那就还是一定要隆重推荐给大家的，当然，我特别希望大家去看过电影之后再找专辑来听，也许，您就会和我一样，爱上这张乍听之下，没什么亮点的专辑。因为，对这张专辑的感觉，特别像一开始并不对眼的两个人，慢慢找到了爱恋的感觉一样，是属于慢热型的，但一旦喜欢上了，就啥啥都好了。
行了，废话不多少，开始上菜吧！
第一首，主题曲，在两部之中都有穿插，这里选取的是第二部的版本。曲子开篇很温柔，似乎在刻意强调男主角内心的平和状态，但其实我们看过电影之后就能明白，这种平和的心境是男主刻意压抑下来的。所以在音乐之中其实也是有体现的。大约在一分钟左右的地方，曲调就加入了一些电子成分的鼓点，不是很重，但就是让人有一种喘不过气的压抑感。随后又在其中凸显了一组钢琴的主旋律，就像是憋了一口气终于得到喘息一样。清新之感油然而生。
曲子有4分多钟，但后面有一段更显压抑，完全是为了配合画面的氛围而可以营造的，所以我在这里将其减掉，因为我们做的是音乐的赏析，纯粹的渲染音符没有必要去研究。
第二首，波士顿的白天和黑夜。白天和黑夜在专辑之中其实是两首曲子，但我在这里合并成了一首曲子。因为旋律是一样的，大家可以仔细听作者用不同的配器对相同的旋律作出的改变，就对情绪产生了截然不同的效果。现在大家听到的是白天的旋律，曲子轻快活泼，预示着白天的波士顿是一个充满活力且安详的城市。特别是一段大提琴的solo，更是凸显了饱经沧桑的男主角眼里对于美好生活的向往。
但同样旋律放到夜晚的描绘里，则充满了各种喧嚣和不安，背景之中有一些若隐若现的人声，代表着出没于各种阴暗角落的各色人等，也预示着这个看似平和的城市实则充满着各种危机。
第三首，你到底是谁？其实旋律还是那个旋律，但可以看做是一首变奏曲的形式。曲子开篇就用大提琴和电子音乐以及管弦乐完全柔和在了一起，形成了两个声部的效果。这就预示着男主角其实也在思考同样的问题，我到底是谁？我是一个战功卓著的军人？还是一个城市里最普通的nobody？亦或者，二者皆是？
其实这也正是本片的精彩之处，我忽然就想起了豆瓣上的一句精彩短评，概括得实在是非常到位，不敢私藏，拿出来与君共品。这位网友是这么说的，电影的第一部叫做《别给脸不要脸》，第二部叫做《你大爷还是你大爷》。这个评价实在太过于贴切，这样子好看好玩又可以让我们带着一点点思考的好电影，这些年确实不多，各位且看且珍惜吧！

前一期的节目中，我们提到在2000年的时候，当年的奥斯卡和金球奖都完美错过了《西西里美丽传说》，而把奖项纷纷颁给了同期上映的好莱坞大片《角斗士》。除了我提到的一个潜在政治正确的原因之外，今天，我也打算聊聊这部电影的一些闪光点，以及电影之中那些精彩的原声音乐。

《角斗士》的导演的好莱坞王牌导演之一的雷德利·斯科特。雷德利的名头在科幻片领域可以说是无人不知，1979年的一部B级片《异形》就直接奠定了他在娱乐电影中的业界地位。虽然严格来说，异形算不上什么真正的科幻电影，真要划分范畴的话，恐怖片应该有它的一席之地。不过，要知道那是1979年，电脑行业在美国的硅谷也才刚刚起步，但好莱坞就已经在尝试使用科技手段来解决一些特效问题了。我们之前说过的星球大战第一部也正是在这样的背景之中诞生的。那个年代的电影放到今天来看，除了人物的发型很有年代感之外，我真的觉得没什么可挑剔的。
话说雷老爷子一举成名之后，自然也就片约不断，1982年的《银翼杀手》、1991年的《末路狂花》、2000年的《角斗士》就是他电影生涯前半部分的经典之作，而《角斗士》则成为了雷德利自己甚至整个好莱坞电影的一个分水岭。
我们如何来理解这个分水岭呢？这其实并不是指电影水平的高低，而是指电脑特效在电影当中的使用，正是在这一年前后正式成为了好莱坞一线制作的一种必备条件。
我们之前讲过的星球大战系列的前传和外传也都是在这个电脑特效时代进入好莱坞之后才启动的。这种对经典影片的重启现在来看似乎是一种条件成熟之后的必然结果。特别是这些需要营造外太空场景的大型影片，传统的影棚加布景技术实在是有些力不从心，如果非要实拍，那就意味着每一部电影的成本都会成为每一个制片人的噩梦，就像诺兰兄弟的片子一样。
不过，电脑特效并不是只会运用到科幻题材的电影之中，这一点雷德利比谁都清楚，所以，《角斗士》这种对古代战争和环境描绘的电影，也就成为了一块最好的试验田。

当然，雷德利也不是那种纯粹依赖技术的导演，电影中出现的罗马帝国市中心景观就是由200名英国技术人员和100名马耳他工匠耗时19周搭建而成。罗马竞技场是该片外景地的中心建筑，导演雷德利·斯科特在看到真正的罗马竞技场以后，认为拍摄该片所使用的竞技场太小，于是制作设计师根据英法浪漫主义画家的作品扩建了竞技场。竞技场的建造充分遵从了原样，但由于时间和场地有限，剧组不可能完成一个完整的全尺寸复制品，于是艺术指导阿瑟·马克斯的建筑团队只建造了原有三层建筑结构的第一层，而且周长也只及实物的三分之一，剩余的部分则由CGI技术完成。
于是，我们就看到了片中几乎足以以假乱真的各种场景和盛况。也许，这才是当年的奥斯卡和金球奖几乎毫无保留地把各种奖项颁给了一部动作电影的缘故吧！毕竟，雷德利和他的团队在这部电影里对实景搭建和特效运用相结合的方法，给其他导演和后面无数成功的作品起到了最积极的示范效果。

电影除了特效，万人迷拉素克劳的男主角也是影片成功的一大卖点。拉素克劳本身的形象和古罗马人的长相确实相当符合，再加上当时的拉素克劳正当年，浑身上下都散发着成熟男人的魅力。影片上映之后，迷倒了几乎所有年龄层次的女性观众。但在此之前，他却混得不是很顺风顺水，从1990年开始从影以来，一直都没能出演什么男一号，直到1997年的《洛城机密》之中才算是崭露头角，在好莱坞获得了一席之地，此后1999年的《惊爆内幕》一举成名，拿到了当年奥斯卡和金球奖最佳男主角的提名，成为了好莱坞一颗冉冉升起的实力派新星。也正是因为这两年的优秀表现，再加上他的古罗马形象，才奠定了他在《角斗士》之中的优异表现和最终成为影帝的可能。

电影的原声音乐雷德利也邀请了咱们介绍过很多次的汉斯季默来担纲。也许从一开始，雷德利对这部电影就充满了野心，否则也就不会拉来过亿的投资重金打造这样一部史诗级的制作。汉斯季默我们以前就说过，对于写作这种恢弘场面的音乐从来都是很得心应手的。他在对本片的音乐制作上，也使用了他一贯最喜欢的管弦乐加电子音乐的方式一起完成。配合着布景加特效的画面可谓是相得益彰。
音乐大多还是属于一些铺陈式的烘托，但其中的一首主题曲Now We Are Free，现在我们自由了，在电影上映之后一举成为了划时代的经典。那我们现在就来听一下这首歌曲吧！

歌曲由澳大利亚歌手丽莎·杰拉德演绎。一开始这首歌汉斯季默钦定的演唱者不是丽萨而是以为以色列歌手，但那位歌手很不巧在2000年2月意外身故。所以演唱才改由丽萨来完成。但很有意思的是，丽萨接到这个任务之后，却有着自己对音乐的见解。原本汉斯季默只想要一种空灵的哼唱，没有歌词，但丽萨却说自己有一种独特的语言，是她12岁的时候自己发明的，用来与上帝沟通和交流。于是汉斯季默就默许了丽萨用她自己的这种语言来演唱这首歌，也就是我们现在听到的版本。这种语言没有人能够听得懂，但同样也起到了空灵传神的效果，配合着剧情男主角的悲情结局，似乎就像是冥冥之中真的与上帝发生了一场对话一样。能够做到这样的效果，谁还会真的在乎歌词到底是什么语言，又是什么意思？
有了与上帝对话的歌词，音符本身也是极其优美。汉斯季默最大的特点就是能够用极其简单的旋律包装得豪华无比，配器上更是无可挑剔，把古罗马的风格和现代音乐完美融合在了一起，在听觉上就为我们营造了一场豪华的盛宴。
这首歌推出之后，被无数的音乐爱好者改编成了各种各样的版本，有民间改成了舞曲的，当然也有汉斯季默在自己音乐会上重新演绎的更加豪华的现场版。我们就在这个现场版的音乐之中，结束今天的这一期节目吧！再次感谢大家对我节目的支持，有任何想说的都可以留言评论，我会逐一回复的，我们下期见！

终于还是轮到了朱塞佩·托纳多雷的第三部电影《西西里美丽传说》。在这之前，我们已经讲过了他的前两部作品《天堂电影院》和《海上钢琴师》。不得不说，托纳多雷是个真正的艺术家。他的电影里，你永远找不到绚丽的特效，也没有多震撼的视觉冲击，但是讲故事的水平和能力却让众多好莱坞导演汗颜。他影片里的每一幅画面对光线的运用都很考究，充满了美感，是一个真正懂得用镜头来表达语言的天才导演。

在《天堂电影院》里，前半段是纯真浪漫的色调，后半段却悄悄变成了沧桑的感觉；而在《海上钢琴师》里，自始至终都是阴霾的感觉，仿佛在提醒观众，这是一个悲剧的故事。只是所有的观众，一开始都没有注意到，一直到影片结束才反应过来，自己其实并没有忽视这个细节，而是一直都在导演的掌控之中，用主角的一举一动牵动着观众的神经。
《西西里美丽传说》也是这样，整体采用了一种复古泛黄的色调，来刻意营造一种西西里岛热辣的地中海阳光，以及女主角火热的身材。
但在不经意间，这种热情洋溢的性感和美丽的背后，却是一个战争的大背景。女主魅力四射的背后，是一个家庭的不幸以及整个城市的冷漠。当所有的人都在鄙视女人的道德问题的时候，这些人自己却犯下了比女人更深的罪恶。
想当年，我是背着父母悄悄买来VCD观看这部电影的，说实话，那时候完全没有看懂电影到底想要讲一个什么样的故事。只是和片中的小男孩一样，对女人充满了幻想。可以毫不夸张的说，这部电影对我而言就是一个某些方面的启蒙老师。

片子是以一个13岁小男孩的视角展开的，那种青春期充满了对女主角性幻想的各种过程也许会让你感到羞愧和不齿，但那些真正利用女主的身体来换取片刻愉悦却始终不肯真正帮助女主的男人们，又是什么样的货色呢？至少男孩对性的冲动是纯粹的，没有虚伪的成分在里面。而那些成年人却只剩下了一张道貌岸然的画皮。不仅不对自己的行为感到羞愧，甚至还站在道德的高点对女人百般羞辱。不得不说，导演把反讽在这部电影里玩到了极致。
影片上映之后，获得了无数电影奖项的提名，但最终获奖的只有一个第45届意大利大卫奖的最佳摄影。我只能说，那届的奥斯卡和金球奖评委眼光实在有些另类，破天荒的同时都颁给了一部动作片《角斗士》。当然，角斗士也是一部非常优秀的影片，但我个人认为和西西里传说比起来思想深度上还是有很大差距的。可能在评委眼里，一部能够让观众热血沸腾的个人主义影片，在那个年代更加能够符合政治正确和社会上对于英雄主义的需求吧！果然，在第二年911事件发生之后，美国的爱国主义热情高涨，参军人数屡创新高，随即就发动了阿富汗战争。
试想一下，如果拿奖的是西西里传说，这种明显的反战题材，是否会破坏了后面的所有进程呢？
当然，历史没有如果，我们也无法去猜测如果的事情，只能说当年的这些结果，就像是巧合一般就那么顺其自然的发生了。但这个世界没有巧合，我在《这个杀手不太冷》那一期节目之中就专门说过了巧合的因果关系问题，感兴趣的朋友可以去看看。

回到西西里传说，本片的原声音乐同样是导演托纳多雷多年的老搭档埃尼奥·莫里康内。这个意大利的最著名电影配乐大师，我已经说过多次了，这里不再赘述。他为本片的配乐一共写了18首曲子，风格非常多样化，有诙谐幽默的，也有温柔浪漫的，自然也有令人心碎的。
那么，我们就一同开启今天的西西里音乐之旅吧！

第一首，虚伪的鞠躬和绝望。开篇是一种诙谐幽默的曲调，刻意营造了一种彬彬有礼的绅士背后的虚伪嘴脸。曲子在节奏上有一点进行曲的味道，但在三分之一之后突然乐风一转，用弦乐和吉他缓缓把女主角绰约的风姿以及虚伪的男人们流着口水的样子刻画了出来，实属神来之笔。
曲子很短，2分钟却把整个片子的核心意思都表达了出来。如果没看过电影单独听的话，又会是另一种感受，会仿佛看到一座豪华的城市之中，迎面走来了一个曼妙的女郎，但这其中却总是充斥着一些不和谐的因素。不知道您听过之后会是什么样的感受？欢迎留言评论。

第二首，马琳娜。这是一首写给女主的主题曲，风格上采用的是小提琴协奏曲的方式来完成。从一开始就用小提琴把女主的悲惨心境描绘了出来。但随着曲调逐渐走高，似乎感觉得到女主下定了某种决心。但随后的曲调马上有变得深沉起来，暗示着这样的决定终究没有什么好的结局。
曲子在中后部分终于进入了合奏，但曲调依然较为柔缓，情绪上表现得很悲伤，把刚才我们猜测到的不好结局做了一次深刻的强调。最后，在小提琴哭泣般的声音中，缓缓结束。
《西西里美丽传说》也是一个非常富有诗意的美丽名字。但其实电影的原名就是女主的名字《马琳娜》。这次我对这个中文名称其实是有些疑惑的，为何一部用情色的方式讲述的悲剧会用这样一组中文来命名。也许是为了过审？也许是为了刻意降低情色的感觉？亦或是，遵从了导演反讽的精髓，故意用美丽和传说来反讽那些阴暗的人性和悲剧的结局？
如果真是这样，那我认可这样的初衷，毕竟在众多观众里，面对不同年龄层次的人，最终看到的是美丽还是肮脏，是传说还是悲剧，完全取决于每一个独立的个体。优秀的电影，总是能让人产生思考。思考电影想要表达的真实意图，以及思考在看过电影之后，是否从中获得了什么。
当然，电影也分很多种，并不是说看所有的电影都需要去思考，看那些爆米花电影只需要开开心心爽过就行了；但看西西里传说这类型的电影，我觉得还是应该带着一点思考的，毕竟，好的故事是值得传承的，就如同我们所有学过的那些传说故事一样，历经百年千年依旧散发着它们迷人的光辉。
说到这里，我忽然明白了《西西里美丽传说》这个中文名的含义，翻译者也一定是想让这个故事成为传说，能够一直传扬下去，成为一代又一代口口相传的经典，嗯，一定是这样的。

如果说因为一部电影而让一个地方成为全世界无人不知的宠儿，您会想到哪里？可能您会有很多答案，但我此刻脑袋里只出现了三个答案，一个是西西里岛，一个是罗马，一个是卡萨布兰卡。西西里岛是因为电影《西西里美丽传说》，罗马是因为《罗马假日》，卡萨布兰卡就更不用说了，电影的名字就是一模一样的。

那么，今天，我们就来讲讲《卡萨布兰卡》故事的悲情，和音乐的温情。

卡萨布兰卡也许对于欧洲人来说从来都不陌生，她是北非小国摩洛哥的最大的城市，同时也是经济中心。虽然地处北非，但和欧洲隔海相望，准确的说是和欧洲的葡萄牙西班牙隔海相望。也就直接导致了在16世纪的大航海时代之中，先后被葡萄牙和西班牙进行过殖民统治。早期的名字叫做达尔贝达，是阿拉伯语之中“白色房子”的意思。后来西班牙殖民期间改名叫卡萨布兰卡，其实意思还是“白色的房子”，只不过变成了西班牙文。现在当地的主要宗教为伊斯兰教，所以当地人还是用回了达尔贝尔的称呼，只有欧洲人还依旧喜欢称之为卡萨布兰卡。

电影《卡萨布兰卡》上映于1942年，电影还有个名称叫做《北非谍影》。讲述的是二战期间，大量欧洲人逃离家园，纷纷来到这个距离欧洲最近的城市避难，借由此中转到美国的故事。很有意思的是，我们现在观看这部电影，理所当然的认为这是一部讲述过往历史的故事片。但请大家注意，片子是1942年上映的，对于当时的人来说，电影里的一切，都是实实在在发生在当下的故事。而且，在那时候，谁也不知道战争的走向到底如何。如果你把自己放到那个时候来看的话，就会对电影肃然起敬了。因为，在战争年代，看一部讲述战争中人们的爱恨情仇，很容易就有强烈的代入感，特别能够引起观众的共鸣。

果然，电影上映之后，获得了极高的评价，两年后也摘得了多项奥斯卡大奖的桂冠。不过，上映后很多观众却表达了一个疑惑，那就是真正的北非在那个时候是处于战区之中的。影片又是如何拍摄的呢？

其实这就是好莱坞的看家绝学了，大棚加场景搭建。通过精心制作的道具和场景，再加上合适的服装道具，真实感可以营造到极致。这个优良传统至今都仍然被一些学院派的导演保留了下来。最喜欢拍科幻片的诺兰兄弟两，就是实景拍摄的死忠粉，他们能实拍的绝不用特效，所以在模型和场景的运用上，也可以说是深得这些好莱坞老前辈们的真传。

《卡萨布兰卡》当时的拍摄，全部都是在好莱坞的影棚里拍摄的，虽然是黑白片，但因为是采用了大尺寸的胶片，所以就算时隔了快80年的时间，数字化之后的画质竟然超乎我的想象，大家可以自行找来观看，重温一下这部经典的佳作，顺便也可以回忆一下以前看4：3画幅小电视的那种感觉，一瞬间，又让我的思绪回到了童年的时代。

提到《卡萨布兰卡》，不知道有多少人会想起现在大家听到的这首歌，是不是非常熟悉的感觉。但不好意思，这首歌压根不是电影的原声音乐，而是一位叫做贝特·希金斯在1982年写的，当时他倒确实是在看过《卡萨布兰卡》的电影之后才有感而发创作了这首经典的歌曲。但不知道为何，一时间竟让这首歌成为了很多人认为的电影插曲。

目前有两种比较流行的说法，一是因为歌曲和电影同名，所以很多没看过影片的人就想当然的这么理解了。第二种说法为典型的曼德拉效应，所谓曼德拉效应即一种普遍存在的大众记忆错乱。比如很多人都认为著名的沉思者雕像的手是撑在额头上，但实际情况却是撑在下巴上。我在评论区放了几张图片，大家可以看一下您的记忆中沉思者是什么样的，顺便也想想您认为的电影中插曲到底是不是这首歌。欢迎在评论区留下您的看法。

不过，这首歌其中的电子音乐元素在上世纪40年代还是不存在的，这一点是毋庸置疑的，所以，基本只能解释为大家记错了或者干脆单纯的以为比较合适。

歌曲《卡萨布兰卡》之所以受人喜爱，是因为它唱出了许多无奈离别的人的心声。歌曲充满着怀旧、追忆、思念的复杂的情绪，情感真挚，曲调优美。它贴切地再现了影片的主题，以至于许多人都以为它是电影《卡萨布兰卡》的主题曲其实也就情有可原了。

好，听完80年代版本的歌曲，我们还是得讲一下电影当中真正的一首插曲。As time goes by，当时光飞逝。很遗憾，我并没有找到原版电影中由当时的著名黑人歌星杜利·威尔逊演唱的版本，只好找来了一个相对比较接近的爵士风格的版本，由70-80年代美国红极一时的歌星布莱恩费瑞演绎。

其实严格来说，这首曲子也不能算电影的原创歌曲，是1931年一部现代歌剧的曲子之一，但直到电影《卡萨布兰卡》中使用之后，歌曲才一举成名，成为了一首和电影一样家喻户晓的作品。其实我相信大家听到这里也早已反应过来，这首歌也是大家耳熟能详的作品，被无数的人翻唱过，甚至包括国内歌手王力宏。

这首曲子采用了爵士乐的Walking Blues的方式来演绎，walking blues就是行走的蓝调的意思，节奏上通常比较欢快，就像是一个人高兴地行走中演唱的一样。所以这种曲风在上世纪20-60年代美国的酒馆里很常见，也深受普通听众喜爱。

好了，本期节目结束之前回到开头我们提到的一个话题，因为一部电影而让一个地方变得全世界无人不知，今天我们把卡萨布兰卡讲了，那么，今后关于罗马和西西里的话题，也迟早会排上日程的，就请大家慢慢地期待吧！

这期节目就先说到这儿，祝大家好心情，下期见！

从前有一个男人，其貌不扬，身穿一件并不合身的黑色大衣，头戴一顶过时且脏兮兮的毛线圆帽，走过你身旁的时候，也许你都不一定会注意到他的存在。就算看到了，唯一能引起你一点点好奇的，无非是那一副魁梧的身材和那一副瞎子般的墨镜。你也许会在心里嘀咕，这一定不是什么好人。确实，他性格孤僻，没有任何朋友，居住的房间里陈设也极其简陋，一张落满灰尘的床，一个破旧的单人沙发，外加一盆绿色的植物。
仔细看过去，也只有那盆绿植能够给整个死气沉沉的房间带来一抹亮色。男人睡觉很惊醒，这是他的职业所决定的，所以，床只是个摆设，单人沙发才是他真正休息的地方。
日复一日，年复一年，枯燥而无味的生活。但男人对自己的职业却充满了一种复杂的感情。他已经不记得他从事这个行业多少年了，只记得自己闭着眼睛都可以拆卸和组装他的武器，他对武器始终保持着敬畏和谨慎的态度，因为他知道，那是夺取生命的东西。
他对自己所做的工作从来都不参杂个人情感，唯独对家中的一盆绿植照料有加，仿佛那颗绿植才是他真正的生命。直到有一天，他遇上了一个小女孩。然后，一切都改变了，男人发现自己其实并不是一个无情的机器，女孩也从男人身上收获了父亲甚至爱人般的温暖。
这就是今天我们要讲的电影《这个杀手不太冷》。请原谅我一个从来都很鄙视剧透的人，今天却忍不住在开篇的时候，做了一定的剧透。之所以没忍住，主要是两个原因。一是，这部电影是我个人认为看过的最爽快的动作片，没有之一，介绍上述剧情，还是想吸引大家也去看看这部经典的电影，虽说电影已经快30岁了，但经典的东西，什么时候去看都不迟，如果你觉得太老，只能说明你的心态老了而不是经典老了。第二是，必须通过上述的文字，来说说这部电影的中文名称，这个中文版的片名，如果您只是第一次听说的话，可能会觉得有些奇怪，甚至都不太像是一部电影的名字。确实，法国原版的电影名字简单到匪夷所思，也许他们真的想不出什么好的名字来概括了，就直接用了男主角的名字《里昂》来命名。但到了中国，就完全体现出了汉语的博大精深，最通俗的几个汉子，却把整个片子的剧情都概括了进去，让我佩服得五体投地。杀手二字给人的感觉就是冷，但片名却着力强调不太冷，这就足够调动起观众的胃口了，再加上海报刻意营造的色调氛围，大面积的黑色之中，带有一些暖色调，非常相得益彰。就不知道制片方看到了中国的名字之后，是否也想改一改原版的名字呢？

电影的导演是法国著名导演吕克贝松，吕克贝松也是个毁誉参半的神人。拍过的电影从4.9分的垃圾到9.4分的神作都有，看他的作品一定要提前了解清楚，到底是一部什么样的作品再决定花不花这个钱，否则看到了垃圾自然也就会对他的其他作品产生负面的影响就不好了。
《这个杀手不太冷》虽然在观众的口碑当中已经达到了神作的水准，但可惜在保守的电影界却并没有能够获得足够的荣誉。甚至就连法国本土的电影奖项凯撒奖都没有能够获得一个。在1995年的凯撒奖之中，电影只获得了7个提名，最终无一获奖。这和电影本身的内涵无关，似乎却只是因为讲述了一段和未成年人的情感犯了忌讳。
从此，这个话题就一直是观众们争论的焦点，至今仍未断绝。我们在翻看各大影评网站的时候，总是能够看到这些莫名其妙的话题。其实从电影本身的原意来看，讲述的，不过是一个心如死灰，日复一日过着机器般生活的男人，被一个天真无邪的小女孩激起了强烈的保护欲。这个男人并不是真正的心如死灰，从那一盆精心呵护的绿植就能够感受得到男人对生活的渴望。如果没有这一点内心的渴望，那么，女孩也注定会死在他的门口，也就没有了后面的所有故事。
所以，这是一部被电影行业严重低估了的电影，他通过一部爽快的动作片所揭示出来的深刻含义，虽然从未被行业所认可，但在观众的心中，就是一部神作。那些试图通过畸形爱恋来诋毁这部电影的人，其实只是自己的心理很扭曲罢了，心理一扭曲，看什么就都是邪恶的。好了，对于电影本身，我也不打算再啰嗦了，大家还是自己找来看过之后，自己判断吧！

电影的原声音乐来自法国作曲家艾瑞克塞拉，塞拉从上世纪80年代认识吕克贝松之后，就几乎成为了吕克贝松的御用音乐人，从1983年的《最终决战》开始，无论电视剧、纪录片还是电影，吕克贝松总是会邀请塞拉来创作原声音乐。当然，塞拉也不是全部精力都跟着吕克贝松转，塞拉最出名的单曲并没有出自吕克贝松的电影，而是出自1995年的007电影《黄金眼》。《黄金眼》我们已经在第二十七期节目中讲过了，感兴趣的朋友可以有空翻出来听听看。
塞拉为《这个杀手不太冷》写的音乐是典型的氛围音乐，比较乏善可陈，曲子风格比较多样化，能够听到法国特色的手风琴，甚至能够听到类似埃及风格的民族乐风。整体上而言，没有什么篇章质感，单独聆听也没有什么出彩的地方。不过作为氛围音乐对画面的渲染还是比较到位的。

本片的音乐当然也不是一个亮点都没有，片尾的主题曲就是一首非常经典的作品。但可惜并不是为电影量身定制的。片尾曲来自英国音乐人Sting，Sting是他的艺名，真名很长叫做Gordon Matthew Thomas Sumner，所以我们也还是继续称之为Sting吧！这首片尾曲叫做Shape of My Heart，我内心的样子。是Sting1993年推出的专辑《十个召唤者的故事》中的一首。也许是吕克贝松觉得曲调非常符合影片的意境，所以就直接抓过来当作了主题曲。也正是因为这部电影，Sting才成为了全世界家喻户晓的歌手，这首歌也成为了不朽的经典。
歌曲曲调悠扬，全曲的伴奏乐器主要就是一把吉他，一把口琴，一个爵士鼓，一把沙锤，一个键盘和一个bass。对于一个以经典摇滚见长的歌手，这次采用了完全不插电的方式来演绎这首歌，还真是起到了非常独特的效果。Sting通过自己的烟嗓和忧郁的唱腔，把杀手里昂的悲情一生表现得淋漓尽致。歌曲后半段的口琴则与小女孩玛蒂尔达的感觉也表达了出来，所以用来配这部电影实在是天作之合。
有的时候就是这样，很多事情在不经意间就成为了巧合。在平常人看来，凡事皆有因果，因果解释不了的东西就用巧合来强行解释。但在我看来，这世间哪有什么巧合，不过是精神和物质之间的时间方向不一致所导致的契合。当然，这是属于量子力学的范畴，我既不懂也无法用我的语言给大家作出合理的解释。但我只是想告诉大家，因果之间，并不存在谁先谁后的问题，你看似的起因和导致的结果是同时存在的。
于是，当我们以后再遇上类似吕克贝松这样找到了一首最合适电影的歌曲之时，切莫以为这只是巧合，而是注定就是这样的。所以，大家可以把思绪稍微放大，无论您认为此刻的自己是幸福还是悲伤，都不要太在意。注定的事情是一定会发生的，不会以个人的意志为转移。我们唯一需要做的，就是过好每一分每一秒，体验这来之不易的属于自己的时间。

上一期我们聊的是《兄弟连》，其中也提到了《太平洋战争》，那么，本期节目，我们就继续这个话题，也来深入地聊一聊这部在《兄弟连》封神之后的作品。
兄弟连讲的是欧洲战场与纳粹德国交战的故事，而太平洋战争，顾名思义，指的就是在太平洋诸岛上与日本军国主义之间的战争。
其实从时间线上来看的话，第二部的太平洋战争，发生的时间是要早于兄弟连的故事的。兄弟连的时间线是从1944年6月到1945年5月。而太平洋战争的故事主线是1942年8月开始之后的大约一年。因为太平洋战场比较分散，打过多次大型的战役，但制片方又野心比较大。所以在有限的10集剧情里面，加入了大量的战前故事，一方面试图让观众明白当时的政治格局，以及美军全面参与战争的社会背景。一方面又想以小见大，通过士兵的战前生活和感情来衬托战争的残酷和反战的主旨。但结果就是主线过多，让一部本来可以非常爽快的战争电影，成为了导演团队自我陶醉的艺术品。

如果说，没有9年前的兄弟连，那么，这部太平洋战争，也许并不会有任何一句口诛笔伐。但9年前的神作就放在那里，你不想去对比都不可能。我刚才之所以说太平洋战争是一个导演们的艺术品，正是因为它太过于符合美国电影的文化追求了。要维护女权、要杜绝种族主义、总而言之就是一定要政治正确。所以，一场由男人打完的战争，在片子里却存在着大量的女人戏份。
有的朋友会说，感情戏的存在主要就是为了凸显战争的残酷，让每个灵魂都变得更加鲜活。但我想说的是，你再回头看看兄弟连之中，硬汉康普顿的眼泪难道不是更显悲壮么？
当然，纵观全剧，最大的亮点就是把战争中的人性表现得淋漓尽致。这一点同样很重要，这也是为什么国内神剧备受批评的主要缘故。随着片中的每一次枪响，每一声爆炸，你在快意恩仇的同时，似乎也会开始思考，这些被夺走的生命和灵魂，是否真的那么可恨？战争的双方，都有着各自的立场。如果意识形态都是一致的话，哪里还会有什么战争？当然，从侵略与被侵略的角度来看的话，正义和魔鬼从来都是泾渭分明的。但谁能保证战场中的每一个对立者，就都一定是正义的或者是邪恶的？
于是，我们就看到了一些经典的镜头，玩弄并滥杀战俘的美军士兵，或者念着妻儿名字慢慢死去的日军士兵。抛开国仇家恨，单纯从人性来看，你真的不好去分辨这两个人到底谁才是好人。
所以，战争最残酷的地方并不在于会结束人的生命，而是在于收割了人的灵魂。战争会让人性之恶暴露无遗，甚至放大数十万倍。有的时候，战争中的对立面，考虑的不是战略的意义，而成为了可以通过什么样的方法尽可能多的杀死对方。在这样的情况下，战场瞬间就成为了地狱。有朋友问，地狱是什么样子？我的答案是，太平洋战争里就有，而且不止一次出现过。
因此，和平才会显得如此重要，只有在和平的世界中，人性的好坏，才不会被更高的意志所蒙蔽，也才会有相应的法律来分辨是非善恶。

这次的原声音乐，制片方找来了汉斯季默。汉斯季默我就不赘述了，讲过太多他的作品，感兴趣的朋友可以稍后翻看往期节目来听。也许是汉斯季默也受到了兄弟连的影响，为本片写的主题音乐「荣誉」，也充满了悲伤的意味。整体曲风非常缓和，开头的部分一来就直奔主题，将悲伤进行到底。一直到中后部分，曲子进入高潮之中，才把壮丽的感觉带动起来，从悲伤成为了悲壮。
配器上，因为缓和的节奏，军鼓同样被丢弃，没有使用，但开篇的小号却保留了一丝军旅风格。主旋律是管弦乐同时进行的效果。定音鼓时不时出现在背景中，将悲伤的意味凸显出来。每一次的敲击都让人心碎，但又让人肃然起敬。

专辑之中的曲子整体上基本都是比较悲壮旋律，但因为剧情之中加入了一些战前战后的元素，所以也有比较轻快的来描写岁月静好的音符。这其中，最好的应该就是现在大家听到的这一首Where do we go from here？我们该何去何从？曲子开篇还是悲伤的味道，但旋律走起来之后，就明显带有一种走出阴霾的感觉。虽然战士们对未来的日子充满了不确定的怀疑因素，但战争毕竟是结束了，至少不用担心自己随时会付出生命的代价了。单从这一点来看，这就是积极的，美好的。
Men at war，战争中的人。简单的旋律用弦乐不断地重复着悲伤的氛围，钢琴则模拟着人的心脏一次次麻木地跳动。定音鼓在背景中预示着战争中的一次次爆炸和那些被收割的灵魂。这首曲子可以说最大程度上起到了氛围音乐的功能，让人听着听着，眼圈便不由自主泛起了颜色。

汉斯季默为太平洋战争创作了24首曲子，专辑之中一共收录了25首。第一首和最后一首都是主题曲荣誉。比起兄弟连的20首还多。全部都是管弦乐的编制，没有掺杂一丝电子音乐的成分在里面。这一方面是为了突出时代的特征，另一方面也是借此来营造故事的厚重感。不过，不让汉斯季默使用电子音乐，估计他会比较难受。他特别擅长的是把极其简单的旋律用不同的配器和和弦组合将音乐变得多姿多彩起来。但纯管弦乐的大编制，就对旋律本身的要求极高。当然，汉斯季默的名号绝非浪得虚名，交出来的这份答卷还是相当不错的。
真心希望国内的战争题材电影电视，多学学这些经典的作品吧，这些优秀战争片的目的从来都是反战，而不是打鸡血。战争从来都是最不值得鼓励的一种解决问题的方式。所以，那些成天拍神剧的导演和演员们，你们不是蠢，而是坏，由内到外都透着铜臭味，历史的耻辱柱上，终究会有你们的名字。