电影留声机｜听懂电影原声音乐

不知道大家会不会有这样一种想法？就是思考自己人生的意义到底是什么。相信绝大多数人都和我一样只是这个社会上的一个普通人，我们既没有明星的光环，也没有对这个社会作出什么贡献，我们只是尽力去做一个父母眼里的孝顺孩子，妻子眼里的好老公，别人眼里的善良者而已。但这样的人走到哪里都不会缺失，似乎少了我们的存在，对这个世界都不会有丝毫影响。
那么，我们存在的意义到底是什么呢？
以前听过一句话，叫做：“人类一思考，上帝就发笑。”确实，人类因为思考而取得的成绩在宇宙大道面前简直不值一提。有人肯定不同意我这个观点，认为那么多的科学家所提出的理论难道不重要么？其实我想说的是，这些科学家都是极其伟大的，但他们所做的，只是重新发现和揭示了这个宇宙之中本来就存在的奥秘。有点费解么？我来解释一下。
俄国化学家门捷列夫因为发现了化学元素周期表而成为化学界公认的教父级人物。这个伟大的发现在于他发现了各个自然元素之间的关系和规律，从而可以推断出人类尚未发现的自然元素。没错，元素早已存在，都是大自然的产物，你发现或不发现，元素都是客观存在的。人类既没有创造出什么，也没有消灭什么，周期表的发现只是可以用学习和继承的方式，让早已存在的元素更好地为人类服务。
包括很多揭示宇宙大道的科学家也是如此，从天圆地方到承认地球是圆的；从地心说到日心说再到现在我们才发现，就连太阳都不是什么中心，整个太阳系只是处于银河系的郊区地带而已；无数科学家抛头颅洒热血奉献一生所形成的理论，其实只是一步步地证明着早已存在的客观事实。但这些事实不能说不重要，他们的思考正是让人类与其他所有动物能够完全区别开的根本所在。
有时候我就在想，也许人类压根就不是这个地球的原住民，因为也只有人类才会经常性地看向啥都没有的天空，并好奇在那一抹蓝色之外究竟还有什么？所以人类通过几千年的发展，最终的目的，竟然是能够离开这个星球，前往浩瀚无垠且孤寂的太空之中。
那么，这究竟是好奇心在作祟，还是那种根植于我们DNA之中的回家的渴望在推动着人类的进步呢？也正是我偶然思考到了这里，我才似乎有所顿悟，原来，我们这些普通人的存在，并非不重要。虽然我们的存在感并不高，但我们恰恰就是来见证每我们所处时代之中那些伟大发现诞生的时刻的。我们每一个人看似独立，但背后都有一个集体潜意识的存在将我们牢牢捆绑在一起。所以，人类都会有善恶是非之分，有共同约定并遵守的一套道德和价值体系。这些东西看似是通过长时间的社会活动所积累起来的，但其实不然，它们就是人类集体潜意识之中早已存在的，只是重新被发现了而已。

于是，用一个不太恰当的比喻，人生好比一座旋转木马，不管你发没发现，旋转木马就在那里。当有人发现了它的存在，于是乎，这个世界之中就有了一个伟大的人。而其他的人通过他的理论，也都发现了旋转木马的存在，于是，大家都开始欣赏木马，但不知道到底能有什么用。终于有人发现了可以骑在木马上玩，在上面看风景和围着它看有很大的不同，再一次，人们又纷纷开始效仿。最后，还有人发现通过按动某一个按钮，可以让木马旋转起来，这样坐上去看风景的感受又会有了更进一步的体现。
但总体来说，能够发现木马和让其开动起来的人，毕竟是少数，包括能够坐上去体验的人也都是少数。更多的人，都是围在外面看的。但通过操作和已经体验过的人描述之后，我们围着看的人，似乎也还是能够明白木马旋转的原理，以及坐在上面的感受。然后，所有人都会有了一种：“我明白了旋转木马旋转的原理 ，以及坐上去是什么感受”的集体潜意识。
整个人类几千年的学识，大体就是上述这样一个过程。当然，这么说一定比较粗糙，我也只是为了方便大家理解而已。

我之所以用旋转的木马来做例子，当然和我们今天要分享的音乐也有着莫大的关系。今天要分享的音乐，来自于宫崎骏2006年的一部动画长片《哈尔的移动城堡》，音乐自然也是久石让的作品。现在大家听到的这一首作品，本身就叫做《人生的旋转木马》，可以说，从作品本身的名字出发，就和我上面讲到的内容非常贴切。我也正是因为这个名字，才从人类的集体潜意识之中，提取了一点点我的思考，然后形成了今天的文案。怎么样，是不是很神奇？
回到音乐本身，曲子是一首圆舞曲，四三拍的节奏非常好辨认，老一辈儿还给这种圆舞曲取了个很好记的名字叫做“蹦擦擦”，指的就是圆舞曲之中用弦乐来体现节奏的音色。现在大家听到的是久石让在《钢琴故事》第四张专辑之中重新制作的版本，和原版稍有不同，主要是突出了钢琴的存在，弦乐部分是由一个小型的室内乐队构成，而不是原版的大编制。这种室内乐队通常由3-7人组成，一个钢琴，两把小提琴，2-4把中提琴，1-2把大提琴。以这首曲子为例，钢琴和小提琴负责旋律，中提琴负责蹦擦擦的节奏，大提琴负责和声以及贝斯部分。整体时长相较原版的2分50秒拉到了5分多钟，结构上更加完整和耐听，当然内容也非常忠实于原版。

《人生的旋转木马》原版的部分，和一首叫做《世界的约定》曲子揉在了一起作为电影的片尾曲而存在，也就是现在大家听到的曲子。歌曲也非常好听，由日本词曲作家木村弓写作，日本演员及歌手倍赏千惠子演唱。同时倍赏千惠子也是影片之中女主角的配音演员。所以，当影片结束，缓缓响起女主动听的歌声时，所有的观众都会为之动容。

歌曲以温婉的钢琴开始，到女主柔声的演唱，辅以钢琴和古典吉他的伴奏，就如同摇篮曲一般将柔情发挥到了极致。就算是在中后期管弦乐的加入也是极尽温柔之能事，把一首歌表达得如歌如诉，温婉动听。我相信此刻作为听众，歌词到底表达了一个什么意思其实已经完全不重要了，仅从这温柔至极的曲调和歌声之中就已经能够充分感受到爱的因素，仿佛被一双爱人的手暖暖地包裹起来。

其实，这正是久石让和宫崎骏一直想要通过电影和音乐传递给观众和听众的概念。我们回想一下宫崎骏的所有影片，其实所有的故事，都突出了这么几个主题：反战、环保、人性以及爱。而恰恰，这几个主题其实是一环扣一环的，没有了战争，环境才有改善的空间，而人性的善恶恰恰也是在和平时期才能够得到最好的体现，当然，最后，也因为有了善恶之分，爱这种人世间最宝贵的东西也才能够有了闪光的客观条件。
我在这里说的爱并不局限于男女之间的爱恋，她是一种广义的爱，可以是朋友之间的友爱，可以是主人与宠物之间的依赖，也可以是灾难面前的博爱。这是一种抛开了物质层面，纯粹精神上的爱。而这，也恰恰是目前我们国家经过了几十年物质文明建设之后，相对比较匮乏的。所以，非常推荐大家去看看宫崎骏的这些动画作品，还是那句话，千万别以为动画片都是拍给小孩子看的，小孩子是根本看不懂宫崎骏的电影的，这一点，千万记住。
好了，本期就是这样，最后，就让我们在原版《人生的旋转木马》之中，结束今天的节目，大家可以感受一下大编制的版本和刚才推荐的版本有哪些不同，欢迎在评论区留下您的看法，我们下期见！

最近一部奈飞出品的韩剧《鱿鱼游戏》特别火，说起来有些奇怪，这种大逃杀模式的电影或者电视剧每隔几年就会火爆一段时间，完全不知道是为什么。从北野武出演的第一部真正《大逃杀》开始，到后来的美版《饥饿游戏》和《迷宫行者》，再到现在的《鱿鱼游戏》。照理来说，这种过分血腥和对人性的残酷考验，应该是大家都应该唾弃的负面因素。虽然从剧情上来说，都是打着反思人性或者构筑乌托邦愿景的旗号来宣传的。但实际上无论电影还是电视剧，无一例外地都是着重表现了毫无人性的血腥杀戮场景，以此来博大家的眼球。
我在观看之前顺手查了一下这个片子豆瓣的评分，其实也不过就是7分出头，是一个合格的分数，但远谈不上优秀，却在全球范围内引起了现象级的事件。就包括现在某宝上随便一搜都能搜出片中同款的衣服，已经充分说明了这部电视剧在国内的火爆程度。
我问过好几个已经看过《鱿鱼游戏》的朋友，他们都大呼过瘾，说剧情什么的都不重要，关键就是看着很爽。这只能说明，人类在现今社会之中的压力真的有如山大，这类型虚幻般的杀戮场景竟然成为了人们用来宣泄自己情绪和解压的最佳手段。
无可厚非，制作团队我认为正是预见到了这类型的片子每隔几年就会火爆，所以刻意在特效制作上花费了很大的功夫，无论场景的搭建还是各种人被击中的慢镜头表现，都显得张力十足。一时间，我在观影第一集的时候甚至有些出戏，仿佛回到了当年看《拯救大兵瑞恩》抢滩登陆的那一段的时候，但那本就是刻意描绘战争残酷面的写实战争电影，他花大价钱做特效固然能让观众大呼过瘾，但过瘾之后要的是对战争的反思。而对于《鱿鱼游戏》这样的娱乐片而言，我反倒是有些不理解这种刻意描绘的血腥是对什么的反思？似乎也只能从人性本恶这一点来解释，导演是期望通过这样一部大逃杀类型的剧集让我们明白这个世界的残酷。
确实，其实战争的残酷远比不过人性的残酷。毕竟所有的战争也都是人发起的，如果这个世界上没有人类的存在，最多只会存在物种之间的冲突，以及存在于食物链上的杀戮。和战争二字并没有半毛钱的关系。因为战争存在的意义本就是为政治服务的，也只有人类才会有政治这样仅存在与脑海中的非实体概念。简单来说，地球上其他的物种只会因为实际存在的物质而争斗，而人类是唯一一个会因为意识形态的不同而发生争斗的物种。也许这才是人类和其他动物最大的不同，而不是我们小时候学过的什么使用工具。
说实话，其实这类片子我并不是很喜欢，原因在上述文字当中，大家应该也能感觉得到。我在这里重点想讲的还是片中偶然出现的几首古典音乐。听过我节目的小伙伴都知道，我通常都喜欢将古典音乐称之为经典音乐，但我却不敢在标题里使用经典音乐这样的字眼，因为怕的就是很多人会因此看不懂，不知道我到底要表达什么意思。关于到底是古典还是经典的解释，我专门做过一期付费节目，感兴趣的小伙伴可以稍后去听一下那期节目，一定会对你有所帮助。
言归正传，因为《鱿鱼游戏》这个片子我目前仅观看了第一集，就已经发现了其中运用了三首经典音乐曲目，所以今天也就只围绕这三首作品展开讨论，至于后面还会不会有其他的经典音乐呈现出来，那就等我看过之后才知道，到时候再决定是否新开一期节目来讲述吧！
那下面我们就针对这三首曲子开始逐一讲解吧！

第一首，Fly Me To The Moon。带我飞到月球去。这是一首创作于1954年的美国歌曲，由凯·巴拉德演唱，凯·巴拉德是一位美国著名的影视歌三栖明星。从上世纪50年代一直活跃到2010年代，在影视界及百老汇的舞台上都有着重要的地位，2019年去世，享年93岁。但她演唱的初版在当时的美国并没有引起太大的轰动，而是直到1964年，由另一位美国著名影星兼歌手的弗兰克·辛纳特拉演唱的爵士乐版本，才引爆了这首歌的流行。而在当年，这首歌因为其名字和流行程度，还成为了阿波罗登月计划的选用歌曲，被制作成一张特制光盘于阿波罗10号绕月飞行和阿波罗11号登月舱中播放过，可以说是一首真正意义上飞向了月球的歌曲。

所以，这首歌曲存在的意义是非常不同凡响的。但这首歌被《鱿鱼游戏》的导演用到了本片之中，着实让我有些摸不着头脑。该曲目在片中出现的时候，是游戏的负责人在宣布游戏开始后，用手里的遥控器点开一个玩偶组成的爵士乐队播放的。优美的乐曲伴随着残酷的杀戮同时进行，配合着各种慢动作的被子弹击中的镜头，诡异感十足。也许这中诡异感正是导演需要的，是一种类似当年吴宇森飞舞的白鸽一样，算得上一种暴力美学的范畴吧！

第二首，经典中的经典，蓝色多瑙河。是奥地利作曲家小约翰·施特劳斯于1867年所创作的一首圆舞曲。这首圆舞曲是每年奥地利新年音乐会必演项目，也许也是中国古典音乐爱好者最早的入门曲目。这首曲子讲过的人实在太多，我在这里就不班门弄斧了，如果确实有需要我讲解的，可以留言或私信，到时候如果人多的话，我会专门制作一期节目来讲。
这首曲子其实基本上就是一首通过旋律来模拟整条多瑙河从小溪流到奔向大海的篇章，当然也在时间关系上有所描绘，从清晨到黄昏，从春天到秋天都有涉猎。但总体印象上，就是一副欢快到澎湃的过渡。《鱿鱼游戏》对其的使用，我个人的理解与上面讲过的那一首曲子没有任何不同，就是通过画面和音乐截然相反的风格，来突出暴力美学的表现。这种故意的反衬，往往会突出画面的张力和表现的质感，让观众有一种不真实但又实际发生的错觉，增加观影的惊讶性，而且，一旦这种惊讶性形成，就会造成对于影片印象的深刻，也就成为了大家在观影之后形成现象级讨论的可能。
从这一点出发，我觉得导演在音乐的使用上并不是一时兴起，而是有过深思熟虑的。据称，目前影片的制作公司已经狂赚了几千万美元，真乃细节决定成败啊！

第三首，海顿：降E大调小号协奏曲，第三乐章。这是一首奥地利作曲家海顿写作的最后一部协奏曲。创作于1796年。此曲为小号协奏曲的典范之作，经久不衰。第三乐章全曲光辉四射，富于青春活力，淋漓尽致地发挥了小号辉煌灿烂的音色特性，要知道当年海顿写作此曲的时候已经是个64岁的老人了，可是大家在听音乐的时候，那种年轻小伙子充满活力的感觉是不是油然而生？可以想见，在海顿心里，实际年龄和心理年龄根本就不是一回事，青春的心态，就是艺术家保持活力和创作的仙丹灵药。
降E大调小号协奏曲的第三乐章是海顿全部作品里最流行的一部。许多种古典音乐专辑之中都收入过这条旋律，国外的电台广播里常采用这段音乐来做时段过渡或栏目的开始曲。所以，说海顿的这首小号协奏曲是他所有作品里最流行的一点也不过分。海顿在这个乐章里照例留下一段空白的华彩乐段，任由小号独奏者去自由发挥，展示演奏者自己的演奏技巧，表现自己的音乐气质。在欣赏这部协奏曲的第三乐章时，应该仔细留意独奏者的华彩乐段，这里不仅是技巧的炫耀，也在宣示着演奏者对海顿音乐的独自见解。所以，不同的演奏者对于这部分华彩的理解和表现也是不同的，大家可以找不同的版本来对比欣赏，听完之后，你对古典音乐，或者我称之为的经典音乐，也就会有了一些全新的认识。
同样的，对于这首曲子在片中的运用，与上述曲目并无二致，稍有不同的是，三首曲子从爵士的温婉到管弦乐的欢快再到小号的炫技，音乐的质感本身和游戏的进程一样也是在升华的，这也预示着影片的三个阶段，但我在这里就不做赘述了，期望大家在听过我的节目之后，自己到影片之中去寻找答案吧！
那么，本期就是这样，如果大家有新的想法和发现，也欢迎留言讨论，我们下期见！

这世界上迄今为止有三大成功的谍战电影系列，一个是007系列，我们已经讲过。另外两个是《谍影重重》和《碟中谍》系列。今天我们就先翻开碟中谍这个系列，来看看这个阿汤哥从小鲜肉拍到成熟大叔的电影，到底有什么魅力让碟中谍成为了影视界的一棵常青树。
《碟中谍》系列的第一部上映于1996年，最初无论导演还是编剧都没有将电影当作一个系列来拍摄，只是一部常规意义上的谍战电影，其中最令人称道就是不断反转的剧情和片中对于假面具的设定。电影上映之后获得的成功自然也让片方看到了伊森航特这个IP的潜力。再加上汤姆克鲁斯帅气的外表，也为这个IP奠定了良好的基础。

于是，从第二部开始，《碟中谍》系列扩大了第一部中展示欧洲各地风光的特点，专门找风景好的地方拍，还夸张地让阿汤哥徒手攀了回岩。剧情上也是拼命玩反转，但过犹不及，吴宇森执导的第二部生生地把碟中谍拍成了北美版的《英雄本色》。虽然这些吴宇森惯用的桥段对于北美观众来说也许是新鲜事，但对于我们中国观众来说，就显得太做作，也太过牵强，完全抛弃了第一部之中严谨的作风，除了耍帅就是场面。

幸好，到了第三部之中，浮夸的成分被去掉，场景也更加多样化，为了迎合国内的观众，新的导演还特意选了上海作为外景地之一。不过，因为第二部的口碑下降，直接导致了第三部的市场低迷。痛定思痛，制片方制定了一个新的策略，那就是铁打的阿汤哥，流水的导演和团队。
其实前三部本身也都是不同的导演和团队完成的，也就形成风格完全不同的三部曲。从第三部之后，制片方有了一个新的要求，那就是风格要求尽量统一，这才是塑造一个IP的最正确做法。于是，我们后来看到了风格相对统一的第四部到第六部，每一部都是以反转的剧情、高科技的谍战手段、环游世界各地的豪华风光为基础的碟中谍系列。剧情什么的，其实都不重要，大家要看的，无非就是阿汤哥跳高楼、扒飞机、开豪车、泡美女的这一全过程而已。也就是说，阿汤哥才是《碟中谍》的代名词，也许有人一提到碟中谍就会想起阿汤哥，但如果你问阿汤哥饰演的角色叫啥，不一定有人能马上说出来。
所以，这个系列，不可能像007那样隔几年换一个主角，因为007才是那个大家都能记住的行动代号，只要能够胜任的特工都是可以继承这个代号的。所以，传言最新一代的007很可能会是以为黑人女性。当然，这一定也是和目前欧美盛行的意识形态有很大关系，但我在这里这么说，主要也只是想阐述007这个代号和到底谁来演并没有直接关联。

但我们的伊森航特就不一样了，首先，伊森航特本来就是具体的名字，这在第一部之中就已经明确，其次，阿汤哥至少在前三部的出演已经奠定了这个IP的形象和地位。所以，这个角色就只能是阿汤哥的独角戏。制片方也明白这个概念，所以，近些年反过来比较高产，从第四部开始保持着每三年出一部新作的节奏在维持这个IP以及阿汤哥本人的热度。
不过，随着阿汤哥年岁的增加，还那么拼命拍动作片肯定会越来越吃力，所以，我们更应该珍惜这个系列，因为，等到阿汤哥拍不动了，那么这个系列也必将终结。

说回到电影的原声音乐。音乐的制作也同样和导演团队一样，成为了流水的营盘。从第一部到第六部，至少用过4位音乐人。其中第一部的丹尼·叶夫曼为整个系列贡献了一个最为经典且精彩的片头音乐，就是现在大家听到的这段旋律。这段旋律也和阿汤哥一样，成为了整个系列的名片之一。旋律其实有很重的模仿痕迹，无论在曲调和配器上，都有着向007经典片头音乐致敬的意味，有着强烈的英伦范儿。
不过，大家都是谍战片嘛，风格类似也无伤大雅，至少旋律上还是有明显差异的，否则人们也不可能将其奉为经典，一耳朵就能识别出谁是谁。从这一点来说，叶夫曼就已经成功了。
这里要重点说的是第二部的配乐，虽然第二部在观感上是整个系列之中最差的，但吴宇森居然请来了汉斯季默为电影编写配乐。
但出乎意料的是，汉斯季默这次并没有在原声配乐之中加入过多的电子音乐元素，只是用摇滚的方式改编了主题音乐，让其听起来更加动感和现代。配合着阿汤哥一头飘逸的长发和酷酷的墨镜，每一场放映都能燃爆了整个电影院。

其他的音乐之中，吉他成为了本片的最常见乐器，其中最好听的一首曲子叫做男主和女主，也就是伊森和尼娅。整首曲子通篇表达了一种强烈的浪漫主义色彩，曲调有着西班牙小调的全部因素，包括在和弦的写作上，也完完全全都是一首完成度极高的西班牙风格吉他作品。配合着吴宇森在片中大量运用的慢动作场景和英雄本色风格的白鸽飞舞，整体感非常怪异，这也许就是当年吴宇森对暴力美学的理解。将无数象征美好的元素与杀戮结合在一起，就成为了暴力美学的一种典范。但殊不知这种组合放在本身就是崇尚含蓄的东方可以获得理解和成功，放在简单粗暴的欧美而言，就成为了一种怪诞的组合，直接造成了票房的丰收和口碑的惨淡。
不过，单纯从音乐的角度出发，这首曲子却真的很美，如果不是运用在一部动作片里而是一部爱情片甚至悲剧之中会更加合适，单独聆听的话，可以带来非常舒适的感受，俗话说的让耳朵怀孕，大体也不过如此。
另外，在2019年发行的《汉斯季默的世界》大型演奏会专辑之中也收录了这首曲子的改编版本，风格在原本的基础上，更加突出了西班牙舞曲的质感，甚至可以成为一首踢踏舞的配乐，配器上除了吉他之外，也更加华丽，是一个不可多得的现场演奏版本。
至于其他几部《碟中谍》的配乐，恕我直言，并没有什么可讲的地方，中规中矩的氛围音乐，大家在观看电影的时候几乎可以忽略掉音乐的存在，不过至少音乐是充分融入到了画面之中，并没有任何让观众觉得突兀的地方，这对于电影音乐来说，就已经是成功了一大半了。
好了，本期就是这样，就让我们在汉斯季默的现场版音乐之中，结束今天的话题，下周见！

在上一期节目当中，我们改变了对然乌湖原本的认知，对其绝美的风光留下了深刻的印象。同时，我也在然乌湖绚烂的色彩之中，完成了一次有意义的人生思考。当天下午，我们还有大把的时间，于是，我们来到了当地藏民心中的世外桃源——来古冰川。

通往来古冰川的路就在上然乌道路右侧，距离然乌镇大约30公里。道路从一块巨大的草甸中穿过，两旁都是造型漂亮的雪山。大家可能会觉得这些雪山垂直高度并不是很高，为何我们脚下绿草如茵，抬头却是成片的雪峰呢？正是因为这里的平均海拔已经是3800多米，而4000米就是雪线，所以，看似不高的山上，海拔都是四五千米级别的，山顶全是终年的积雪。

进入来古冰川的道路笔直向前，将草甸一分为二，而这些雪山则矗立在草甸两侧，就像是世外桃源的守护神一样，威严而肃穆，凝视着每一个过往的行人。

现在是5月份，高原的气温还算是比较舒适的。在这样的地方，海拔每抬升100米气温都能感受到明显的下降。此刻的我们比在然乌湖时大约又爬升了300米的海拔，再加上近在咫尺的雪山，身上还是感受到了些许寒意。不过你只要保持运动，就几乎感觉不到寒冷。

在这里看雪山，和之前的感受又完全不同。这些雪山虽然不是很壮观，但奈何离我们是如此之接近，以至于我在镜头之中都能有一种触手可及之感。通过镜头焦段的变化，更加能感受到雪山上清晰的纹理脉络，我不禁在想，这些雪山之巅，是否曾经有过人类的足迹？在久远的没有人类的过去，又是否有过其他类型的生物曾经默默注视过它们呢？

带着这个没有答案的问题，我们很快抵达了道路的尽头，这里就是来古冰川景区的起点。景区的范围相当大，因为来古冰川实际上是由6个冰川群组成的。如果只是普通的游客，可以选择徒步或者骑马，随意浏览即可。如果是徒步或者探险爱好者，则建议提前了解住宿和露营信息再前往比较安全。

我们因为时间有限，来古冰川也只是临时决定的景点，所以我们只能选择到最近的冰湖游览一番。有意思的是，从停车点到冰湖徒步大约也就是1公里的距离，很多不明就里的游客选择骑马进入之后，又大呼太贵。但这么高的海拔几十块的骑马费用其实我还是能理解的，毕竟能节省您不少体力，特别是针对低海拔地区过来旅游的人们。

如果像我们本身就是从中高海拔地区过来的，那么这点距离自然不在话下，很快我们就来到了水边。

冰湖的水质其实一般，因为冰川在运动的过程中会夹带大量的泥沙，在冰湖中融化之后也就将湖水弄浑浊了。不过，这种浑浊和污染没有半毛钱关系，因为除了泥沙之外是没有任何有机物的污染的。所以，经过大自然的过滤和沉淀之后，注入然乌湖的雪水反而就变得清澈无比。

虽然水不是很漂亮，但冰湖的看头还是那些尚未融化的浮冰，冰川的运动肉眼虽不可见，但确实没少往湖里输送大块的浮冰。这些浮冰有的纯白无瑕，有的则带有泥沙，但最让我们啧啧称奇的是，有一块最大的浮冰，上面居然呈现出神秘的蓝色调。但唯此一块，别的浮冰都没出现这个现象。估计因为现在是春夏交替之际，浮冰数量不算多，要是等到秋冬季节再来，整个湖面可能都看不到一丝水面。那时候，这种蓝色的冰块，会不会很多呢？

反正总的来说，藏区的每一个湖泊，看一次是完全不可能了解到她的全貌的。每个季节都会变化万千，就像我们上一期说过的纳木错和然乌湖。相信来古冰川的冰湖，同样也是这个道理。这一次，我们只是记住了她云淡风轻的一面，等有机会，我们会再来看看她浓妆重彩的一面。

忽然，一个同行之人不知从哪里找到了一块晶莹剔透的冰块。冰块在湖水中浸泡之后，呈现出我们从未见过的形态。有人说它像一座缩小的冰城堡，也有人说它就是一块冰做的太湖石。总之，每个人此刻都在想象力和现实之间做出了最大的努力，试图诠释着自己看到的景象。而之所以这么做，正是因为大家面对如此美景都显得异常兴奋，都渴望与众人分享此刻的喜悦。

于是，我们一行人就索性不考虑前往来古冰川的其他景点，就在这里玩个痛快，拍个痛快吧！

当众人纷纷玩累之后，也是我们离开冰湖的时候了。当我再次爬上岸边的小土坡，忽然发现周围雪山之上的云彩，就像是两只巨大的翅膀一样。一瞬间，一副凤凰逐日的场景就刻在了我的脑海里。来古冰川世外桃源的美誉，看来绝非浪得虚名。要不然，怎么出现这种神奇的异象，以及对我们心灵的震撼呢？

最近被一首歌迷住，是一首老歌，也算是一首新歌。
说老是因为最早这首歌诞生于1992年，说新是因为陈洁仪在2016年翻唱过。30年来，无数歌手翻唱过这首作品，但先说出我的结论，最好听的就是陈洁仪的版本，但我会试图带着大家感受从1992年这首歌初创之时到现在30年的变化。

1992 年的版本是香港明星陈百强的作品，不过那时候我还小，对他的唯一印象只有那首满世界都在播放的《一生何求》，以及当年听闻他英年早逝的种种消息。所以，这首现在听来无比舒服的一首优秀作品，我就在那个年代完美错过了。
上世纪的8、90年代，那是一个黄金的年代，无论电影还是音乐，也无论是国语的还是英语、粤语的，优秀作品有着一个爆发式地增长，我在这档节目之中也讲述过太多的优秀作品。所以，当我迷上这首歌，然后在试图追根溯源的时候，惊讶地发现它居然也是属于这个黄金年代的作品之时，一切也就释然了。这首歌无论是歌词抑或作曲，都属上乘之作。
陈百强可以说是上世纪80年代最耀眼的明星之一，70年代末期进入娱乐圈，80年代初期就已经是一颗冉冉升起的新星。我们在90年代常说四大天王，但其实在80年代却不止四大天王，陈百强、谭咏麟、张国荣、罗文、许冠杰等人都保持着足够强劲的势头，用群星闪耀来形容是丝毫不过分的。而到了90年代，也许是出于媒体包装的需要，才逐渐形成了四大天王的称呼，但直到今天，所谓的四大天王之中，除了张学友是公认的歌神，其他几人似乎总有人嗤之以鼻，并不接受他们的天王称谓。
在我看来这其实也是可以理解的，经历过80年代群星闪耀年代的人都会有着这样的共识：单纯从唱歌的功底来看，当年的郭富城和刘德华只能算是有自己的特点，并没有什么技巧可言。如果没有词曲作者和所属公司的大力扶持，可能取得的成就远不如80年代的这些巨星。
反观陈百强的嗓音其实并没有太过独特的地方，但奈何人家是属于创作型的歌手，这首《等》就是陈百强自己作曲的作品。歌曲的编曲采用了当时最流行的电子音乐来做配器，整体听感上一首典型的情歌，但好听处在于，整首歌的曲调忽高忽低，温婉自然，能够将粤语铿锵的语调毫无保留地突出出来，再加上陈百强吐字清晰，丝毫不拖泥带水，就让这首歌听起来仿佛一阵清风吹过脸颊，特别的舒服。
但可惜的是，就在这首歌诞生一年之后，陈百强却意外离世，这首他最后一个专辑中的最后一首作品竟成为了他的绝唱。

时间来到2004年，歌神张学友在他的“活出生命Live演唱会”上翻唱了这首作品。从编曲配器上我们能够明显感受到，这是一次明确的向经典致敬。张学友并没有改变调子来迁就自己的嗓音，就使得一开始调子比较低的部分我们能感受到张学友有点往下够的感觉。不过也幸好歌神的音域极宽，到后面就游刃有余了。
另外，现场版的配器虽然大多也还是电子乐器，但毕竟10多年的技术发展，使得这个版本的伴奏相较于原版听起来要自然不少。张学友的演唱在我听来似乎也要比陈百强倾注了更多情感，特别是最后的哼唱部分，即便是同样运用了假声，但张学友的哼唱更加温婉，高低流转也更加自然。

时间再次快进到2016年，陈洁仪在这一年推出了单曲《等》。这也是我们今天要着重推荐的版本。
陈洁仪有着独特的嗓音，在这个音域可谓少有敌手，音色甜美，吐字清晰，特别是唱粤语歌，字正腔圆，仅有陈慧娴可与之比拟。
但上述特点普遍存在于陈洁仪的所有作品之中，那么我为何又会特别喜欢这一首作品呢？
我个人觉得，正是因为陈洁仪在演唱这首作品的时候，完全打破了原本作品的基础节奏。首先，我们先从编曲上来感受一下，陈洁仪的版本在配器上采用了真实的钢琴和管弦乐队作为伴奏。如果抛开人声的部分，就使得整首曲子成为了一首钢琴协奏曲。另外就是伴奏的编写非常具有古典气息，和人声的配合可谓相得益彰，人声突出的时候，伴奏就做到最简单；而人声较弱的时候，伴奏就变得复杂起来，这种编曲的风格和歌剧中的咏叹调非常相像。如果大家听过《雪狼湖》的话，相信对这一说法一定不会陌生。
其次，陈洁仪的版本放弃了原有的节奏和速度，完全抛弃了鼓点的使用，让这首歌在演唱的时候该快的地方快起来，该慢的地方的慢下来。这样一来，节奏的上的变化就让歌曲从一首大众可以哼唱的流行歌真正成为了需要专业歌手来演绎的作品。
另外，从陈洁仪的版本之中，我们也感受到了这是一首很独特的关于“等待”的唯美歌曲，从这首歌中你会领悟到不止是爱情需要等，人生很多事都要用心等，就像不能没有经过灌溉和等待就能尝到最甜美的葡萄一样，又如成熟娇艳的花也需要等。等不意味着错过，等“过”了，葡萄会变烂、花会枯萎，正当其时才是最好的时机。所以我们要用心去发现那些真正值得你等的人和事儿，然后做到“不错过”地去等待。
总结一下，陈百强自己作曲自己演唱的版本，中规中矩，无论是配器还是演唱风格非常符合当年的感觉，类似的曲子在哪个黄金年代数不胜数。但是，无一例外的，在那个年代火起来并流行的很多经典歌曲，在今天听来，仍然是很有味道且带有明显年代感的佳作。
张学友的版本，是向经典致敬的典范，在原作的基础上，突出了感情色彩，编曲配器上更加完备，使得作品少了一些青涩感，多了几分成熟度。
而陈洁仪的版本，则更像是一种升华，新的编曲和演唱从实质上提升了作品的层次和等级，让流行文化转变成为了古典艺术。这种转变可能会让一部分人望而却步，但却能够让歌曲更大程度地提升存世的时间长度。
不过，每个版本应该都有各自的忠实粉丝，但在我看来，还是陈洁仪的版本最符合这首歌的气质，将其唱得这般柔情似水，连每一个字都唱得极为细腻又用情极深，如果不是把自己融入进歌中故事主角，又怎会听到那哀而不伤的唱腔是来自灵魂深处的独白？
这也许才是真正的灵魂天籁。

相信您一定有过这样的经历。不管是在某次逛商场的时候，或者是在电视上播放的节目之中，总是能够听到一些非常耳熟能详的旋律。如果这时候你多了一个心眼的话，一定会在脑海中搜索此刻听到的音乐到底是什么。但多半情况下，这样的搜索是没有任何结果的，因为你对于这段音符的认知，纯粹是曾经在某些地方听到过一些片段，只是说这些片段之中的音符是那样的美妙，以至于可以让所有人都能够听一次就产生足够的印象。并且无论听的人是否有足够的音乐素养，都能够对这些音符产生出足够的共鸣。

今天我要讲的音乐正是这样一组大家一定听过无数遍，但很多人却根本不知道到底来自哪里的音乐。首先我们先给出今天的答案，选取的音乐来自宫崎骏和久石让合作的动画长片《幽灵公主》，电影上映于1997年，是一部宫崎骏筹备了16年之久的长篇巨制。也就是说，这部动画片的初创早在上世纪80年代初期宫崎骏才刚刚崭露头角的时候就已经开始酝酿。当然，后来1986年的《天空之城》打开了宫崎骏事业生涯的巅峰，让宫崎骏成为了一直站在巅峰上的动画大师。当然，我也一直在强调，宫崎骏的成功，至少有一半的因素也得归功于久石让对原声音乐的创作。这两个在长相上有着完全相反风格的两个人，对作品的创作理念却有着高度的统一，甚至可以说，他们一个负责筹划出优秀的画面和故事，另一个人则负责把优秀再次升华到了几乎不可超越的神作。也正因为此，两个人也成为了一生的挚友，这种高度和谐统一的创作灵感和对于作品的诠释，即便是夫妻或者兄弟姐妹都无法比拟，让两个人都成为了日本的国宝级人物。

很多人可能会觉得奇怪，既然宫崎骏的作品那么牛，那么为什么却只是拍一些动画电影而不尝试去拍一些真人版的电影呢？其实我在以前的节目中已经反复说过千万不要认为宫崎骏的作品是给小孩子看的，借助今天的节目，我也再来谈谈宫崎骏的创作理念吧！
首先，之所以宫崎骏将动画作为创作的载体，本身也是日本漫画文化背景下的一种产物。日本的漫画产业在全球如果说自己是第二的话，没人敢说是第一。日本的漫画产业从上世纪50年代开始就已经是一种普遍存在的社会现象。发展到今天，阅读受众涵盖了2岁之后的所有人群。即便作为日本邻国的我们，从小也没少接触这些漫画作品，从《哆啦A梦》到《七龙珠》，再到曾经的现象级《蜡笔小新》等等，有的适合青少年观看，有的则完完全全是成人才能看懂的作品。随着六七十年代动画技术的普及，很多日本漫画作品也陆续被制作成动画作品，通过电视台的传播更增加了其知名度和影响力。甚至在欧美也刮起了动画长片的制作热潮。在日本作品传入欧美之前，欧美的大多数动画作品还是以《米老鼠唐老鸭》、《猫和老鼠》那样的幽默小品居多，但在日本动漫文化的影响下，迪士尼也开始了长篇动画的创作，包括后来风靡一时的《变形金刚》等作品无一例外地也都受到了日本动画产业的影响。
所以，漫画加上动画的承载方式，成为了日本一种非常流行的文化氛围，漫画产业也逐渐转变成为了动漫产业。优秀的漫画作品几乎无一例外地也都会获得资本的投入，从而成为动画作品的一种。与之配套的，也有着相应的企划、宣传和推广等一系列的手段来帮助漫画作者完成从漫画到动画作品的转变。这种产业链式的成熟模式在日本非常常见，也造就了一大批从业人员的成功，很大程度上促进了日本的低欲望社会下人们的娱乐生活的丰富程度。
其次，宫崎骏的创意从来都是天马行空一般的存在，在上世纪80年代有着无敌的创意却没有相对应的拍摄和后期能力，动画模式就是宫崎骏将想法转变为现实最好的手段。
随着影视后期制作能力在2000年之后迅速发展，卡梅隆导演的《阿凡达》让我们看到了一丝希望，很多人也开始有了这样的想法，如果把之前成功的动画作品制作成真人版又会是什么样的情况呢？但在久久等待之后，日本这边似乎完全没有这样的想法。于是我们看到迪士尼首先坐不住了，先后把《狮子王》、《阿拉丁》和《美女与野兽》翻拍成了真人版的电影。虽然从技术上来说，迪士尼几乎可以说是把动画中的那些经典角色塑造到了以假乱真的程度，但从成片的实际表达效果来看，却往往是差强人意的。虽然还没到毁经典的程度，但观众在保持客观理性的情况下，还是觉得原版的动画作品似乎才是更加能够准确地表达故事主旨的作品。而且，翻拍的真人版作品对于电影成本的投入，往往是动画作品的数十倍，甚至上百倍。三部作品之后，票房收入与发行预期相去甚远，于是，迪士尼在尝试过之后，也只好灰溜溜地面对现实，绝口不再提起翻拍其他作品的念头。
相比之下，日本这边保持沉默或者说坚持原有的创作理念，就成为了以不变应万变的成功典范。任你好莱坞怎么折腾，宫崎骏和他的团队都不为所动，他们明白，只有把故事讲好的前提下才有技术创新的空间，否则，像类似于《变形金刚》后面几部那样，画面花哨到爆炸，但剧情弱智到令人发指的作品，又有什么存在的价值和意义？

说完了宫崎骏以及日本动漫创作的理念之后，我们来讲讲今天给大家推荐的原声音乐。《幽灵公主》的原声音乐自然也是久石让大师的作品，关于久石让我们在这里就不做赘述，关于他的作品我已经讲过很多了，感兴趣的朋友可以在稍后去翻看之前的节目。
今天给大家介绍的第一首作品是来自于动画片之中的原版配乐《幽灵公主》的演唱版。这组旋律就是我们一开始说的那些熟悉但又陌生的旋律。整体旋律的解读我想放到下一首同样以这段旋律为主的作品之中再来详细讲。针对这首歌主要想谈两个有意思的点，一个是这段演唱的人声，大家听起来觉得像是男声还是女声呢？给大家三秒钟猜一下，好，答案揭晓。这是一个男声的演唱，演唱者叫做米良美一，是日本一位著名的假声男高音演唱家，同时也是一位残疾人艺术家，一生致力于男高音的歌唱事业，他的嗓音非常独特，有一些女高音的味道，这就让我想起了国内的周深，二者虽然风格不同，但有着异曲同工之妙。

这首歌的第二个特点是，整部动画电影之中的配乐几乎全部采用了大编制的管弦乐来制作，但唯独这首歌除外。这首歌在配器上主要采用了纯电子乐器的方式来渲染，就让人在整部电影之中会有焕然一新之感，更加突出了歌曲的存在感。不过要我说，这首歌还是采用管弦乐效果会更加出彩，所以这也引出了我们下面要给大家欣赏的曲子。
第二首，幽灵公主组曲。顾名思义，这是一首改编的曲子，将原作之中最好听的旋律进行了串烧，成为了一首传世的经典之作。目前大家听到的版本来自于久石让2020年2月发行的《梦之歌：久石让精选》其中的第十首。整体时长因为长达8分31秒，我在这里做了一定的剪辑，所以喜欢完整版的朋友请到各大音乐平台自行搜索专辑进行欣赏。

这首曲子的旋律和上一首并没有什么不同，但通过大编制管弦乐团的演绎，以及出色的录音和制作之后，整体的气势和豪华程度也就不言而喻了。一上来就是那段最熟悉最感人的旋律，在这里我也交代一下大家最有可能是在什么地方听过这段旋律的。不知道大家是否还记得几年前央视有个大型寻人节目叫做《等着我》，每当采访完当事人之后，大门敞开的那一刻，播放的正是这一段感人肺腑的旋律，不知道多少观众伴随着这段旋律留下过眼泪。这个节目曾经是母亲的最爱，因为母亲感同身受，有着和节目里寻亲嘉宾一样的遭遇，她也曾苦苦寻找过自己的家人，所以《等着我》就成了母亲必看的节目之一。我也看过几期，但我自认为感情没有母亲那么坚强，经不起这种催泪弹的煎熬，所以我就有些刻意回避。不过每次音乐响起的瞬间，我总是能够回忆起当初看《幽灵公主》的剧情，那时候不懂什么叫做环保，也不懂什么叫做人与自然和谐共处。只是单纯的以为动画片就是动画片，结果现在想想，那时候的自己是多么天真，可以说根本没看懂片子到底想要讲个什么。

到如今来看，片子是看懂了，音乐也大概是听懂了，所以才会有了上述的感慨，以及人到中年的失落和悲哀。
回到一开头的话题，为何人们会对某些音乐产生出情感上的共鸣？这就不得不说说一个概念，潜意识与集体潜意识。
著名心理学家荣格曾把人类的精神划分成了三个层次，一个是意识，一个是潜意识，最后一个是集体潜意识。

前两个都很好理解，意识是我们的主动行为，比如我想做什么不想做什么都是意识主导的结果；而潜意识是一种被动行为。比如我选择看《幽灵公主》是意识行为，但看完之后记住了片中的音乐却是潜意识完成的。但什么是集体潜意识呢？就是我们前面说过的大家都对这样美好的音乐选择了记住，虽然你并不是主动记住的，只是某个时刻听到了而已，但那一瞬间音乐想要传递的情感引起了你的共鸣，从而就导致了你的记忆产生，完成了潜意识的过程。而随着越来越多的人都对同一首曲子完成了这种情感上的共鸣和记忆，也就逐渐形成了集体潜意识。如果把听过这首歌的人聚集在同一个地方播放这首歌，所有的人都会因为共同的潜意识而形成同样的情感，哪怕他们记住这首曲子的时间和地点都完全不同。
所以说，这些有着强烈情感因素的优秀曲子，其实就是联通人类集体潜意识的桥梁，它们构筑起了人类情感的纽带，让我们在看一部电影或者听一首曲子的时候，能够完全明白电影导演或者音乐家在创作的时候到底想要表达什么主旨，寄托什么情感。说到这里，我突然产生出一个可怕的念头，如果这个世界上没有了音乐，将会是怎样恐怖的一个世界？联想到前几天看到阿富汗被塔利班接管之后，首先颁布的命令就是全国范围禁止播放音乐。我真的不敢想象那里的人们今后将面对怎样艰难的生活，在这里唯有祝愿世界和平，少一些极端，多一些包容吧！

PS：节目最后有段游戏中亚瑟亲自唱的歌，算个小小的彩蛋吧！：-）

这是查尔斯·狄更斯在他的著作《双城记》里的一句名言。虽然《双城记》讲的是法国的事情，但是我在玩《荒野大镖客》这个系列游戏的时候，也明确地产生出了上述的念头。

的确，在1899年的美国，那也是两个时代的明确划分点。一个时代是西部大拓展的尾声，一个时代则是美国城市化进程的强势推行时期。
西部大拓展我们可以看做是牛仔时代的巅峰，在那样的时代，牛仔们不仅仅只是简单的牧场工人，他们居无定所，在牧场的工作只是一种权宜之计，赚到钱之后往往都会拉帮结派前往新的目的地，一方面承担着拓展美国领土的职能，另一方面也利用帮派做着一些违法的勾当。但同样的，他们有时候也会利用帮派强大的凝聚力，给所在的土地带来和平和稳定。所以，牛仔二字其实是一个灰色的定义，一个游走于法律和罪恶边缘的存在。
但随着城镇化进程的发展，和美国铁路大量的联通了各个城镇，牛仔们发现原本他们的传统技能已经变得微不足道。之前需要很多牛仔共同押运的几百头牛，如今通过火车就可以很轻松地实现长途转运。面临失业的牛仔们就只能利用帮派的力量扩大违法的勾当，这样一来，一个平衡点就被轻易地打破了。牛仔就成为了当时日渐堕落的一个群体，所形成的帮派则成为了联邦政府必须打击的对象。

于是，牛仔们所做的事情就显得异常矛盾，他们在一边抢劫火车，一边逃避联邦探员追捕的同时，还不忘记照顾那些穷苦的人们。于是，在一个帮派中经常能够看到除了牛仔之外，还有着各种老弱病残。这个特殊的群体夹在两个不同的时代缝隙中苟延残喘，成为了美国发展进程中最神奇的一段历史。
游戏所处的年代正是这样的一个特殊年代。游戏最有意思的是，先出的第一代作品讲述的是第二代作品尾声七年后的故事。也就是说，第二代作品实际上是第一代的前传。R星公司为何要这么做，主要也就是在第一代作品之中没有阐述足够的历史背景，导致了很多包括美国自己的游戏玩家对游戏的真实性产生了极大的怀疑，从而产生出游戏过于虚构的错觉。
从这一点来看，我个人认为，美国的历史教育做得并不是很好呀！
于是，R星用第二代作品，完整地讲述了牛仔帮派的没落和联邦政府之间的恩怨情仇，同时，也通过宏大的场景，向玩家展现了在工业进程之下所推动的城市化发展给牛仔们带来的机遇和挑战。这些机遇和挑战又极大地促进了牛仔们自己内部的分崩离析，从而诞生出各种信任与背叛，出卖与复仇的故事主旨。
所以，两代作品时间跨度超过20年，所涉及的地域横跨了整个美国西南部和墨西哥的一部分。这样最直接的后果就是虽然故事讲清楚了，但游戏进程太长，而且R星也将游戏做得过于逼真，还是导致了一部分玩家对游戏失去了耐性。
但在我看来，神作是不需要妥协的，对于这些没有耐性的玩家如果做出任何妥协，就是对游戏品质的一种犯罪。因为只有当玩家能够拥有强烈的代入感的时候，一个游戏才算是真正地进入了玩家的心扉。这时候，通常从玩家的角度来看，游戏内外是不分彼此的。正像是我上期讲过的《黑客帝国》一样，虚拟世界里的人物，背后其实也是有个真实的存在在操控着的。我们玩游戏的时候如果有了强烈的代入感，那么，这种真实世界和虚拟现实相互结合，不分彼此的感受，相信也是大多数玩家最真实的体验。
于是，在玩过一代作品的基础上，我在玩二代游戏的时候，确实做到了小心翼翼，一方面努力拓展了游戏中想要传递的历史知识，另一方面也深深被R星公司讲述故事的魅力所折服。
在这一点上来看，游戏相比起电影而言，就凸显出了两个最大的魅力。一个是互动性，一个是足够的时间长度。
互动性很好理解，电影是一种被动式的剧情灌输，你只要认真看了，通常而言都能完全看懂电影所要表达的故事主旨。当然，一些故弄玄虚的文艺片除外；而作为游戏，都是需要你自己主动去完成一些任务，在做任务的过程中推进剧情的发展，从而对包括历史、人物、任务动机、存在的逻辑等方面的全方位了解。

通常来说，游戏的任务还会分为主线任务和支线任务，主线任务就是整个游戏的核心剧情，每个任务都是推动剧情发展的必要条件。而支线任务所承担的作用，往往就是对主线任务之中很多历史谜团和相关知识的有效补充。这样两种任务模式相互结合的办法，可以很好地解决不同人群对游戏的要求。喜欢吃快餐的就只玩主线，不会影响对游戏故事的大致理解。而喜欢慢慢品味的，则可以充分挖掘出故事的最大完整性，以及所对应的背景知识。
对于我自己而言，我就是在当年草草玩过了一代的剧情之后，对于那段美国神奇的历史产生了浓厚的兴趣。所以，但凡有了讲述那段历史的电影和电视剧，都是我必然会观看的。而在时隔多年之后，游戏的第二代也就是第一代的前传作品发布之后，我几乎是在第一时间就迅速地成为了游戏的忠实粉丝，到我写下这段文字之时，第二代作品已经是在玩第二次了，也就是常说的二刷。
二刷的目的，并不是需要对剧情再次了解和挖掘，因为第一次玩得就足够认真，所以，这次的二刷，其实就只是单纯地想要融入R星给我们营造出来的那个神奇的环境和时代。这一点也是相关电影不能够完美还原给观众的一个因素。所以，在游戏中，我们能够得到比电影更多的融入感，当然，上面提到的第二个时间长度的魅力也就是这个意思。

回到游戏的原声音乐。荒野大镖客的原声音乐来自R星的御用音乐家伍迪·杰克逊。他几乎包揽了R星所有独立大作的原声音乐制作。之前我们也说过，其实游戏的原声音乐创作相比起电影有着很大的不同。因为电影的原声音乐只需要根据画面所展示的时间长度来定制合适的音乐，而游戏是没有固定的时间长短的。每一个玩家对于同一个游戏场景所停留的时长是完全不一致的，这就无法按照时间长度来创作音乐。所以音乐家往往只会根据场景的氛围来写作音乐，而这些音乐通常都会采用ABA三段式来创作，充分保证了音乐的可重复性。即使玩家停留时间远远超出一个剧情需要的时间，也不会有音乐戛然而止的情况发生。
但这样的结果往往就是音乐本身不会特别出彩，毕竟需要照顾的因素太多了。所以音乐家在创作的时候，比较好的音乐都会放在玩家无法操控的剧情阶段，这个阶段和电影原声音乐创作的方式是一致的。在本作中，原声音乐同样也如此，抛开过剧情的部分之外，大部分的音乐都是采用西部常见的乐器和元素堆叠来完成对那个时代的描绘，并没有什么出彩的地方，单独聆听也只适合作为一种背景音乐。但反过头来，其中的几首插曲却非常有味道，不仅突出了时代特征，更加把剧情的走向带入到顶点，让玩家能够更好地融入故事，产生强烈的代入感。
那么下面，我们就来讲两首其中的插曲吧！
第一首，That's The Way It Is，本该这样。这是一首在游戏中期经常听到的曲子，多数时候是在游戏主角亚瑟摩根产生人生思考的时候。每当亚瑟开始质疑自己的帮派与现实社会之间的关系的时候，以及和其他首领们对帮派今后的走向产生分歧的时候，这首曲子总会适时地出现。曲子慵懒而空旷，与美国西部的荒芜在意境上非常贴切。但曲调之中除了这种慵懒之外，还有着些许的无奈和悲伤。将亚瑟内心的矛盾表露无遗。

歌曲来自加拿大著名音乐人Daniel Lanois，他在该歌曲中空灵的嗓音一下子就抓住了R星游戏制作人的心，这首歌也就自然而然的成为了最能够代表亚瑟的曲目，成为了游戏迷心中的经典。
曲子的配器很简单，两把电吉他，一个沙锤，一个键盘就组成了整个乐队的全部。但营造出来的氛围感却不可小觑，曲风就是典型的美国西部民谣，歌词也足够简单，几乎就是一直重复标题。通过大量的吟唱来突出质感，把西部的广阔世界和主角矛盾的内心世界充分展示了出来。

第二首，Cruel, Cruel World，残酷的世界。歌曲来自美国加州音乐家Josh Homme。曲风同样慵懒，但与上一首不同，这首曲子的慵懒只体现在人声上，整体的曲调却是一首足够活泼的舞曲。这种四二拍的舞曲在美国西部历史上非常流行。因为创作起来足够简单，节奏也非常明显，无论有没有音乐天分的人都能够跟着哼唱和舞蹈，所以在美国西部的酒吧之中非常常见。每当这种类型的音乐响起，人们也就可以跟随着节奏开始跳一种简单的“摇摇舞”，这种舞蹈同样也不需要任何技巧，只需两个人轻轻抱在一起开始摇摆就好，是一种最简单的社交舞蹈。
这里插一句，正是因为四二拍音乐易于找到节奏，所以我们通常听到的儿歌也大多采用四二拍来写作，方便婴幼儿学会并跟着哼唱。
这首曲子是游戏通关之后，游戏的第二主角约翰营造自己农场的时候出现的，较为活泼的曲风和慵懒惬意的演唱象征着约翰有了一个happy ending，是一个皆大欢喜的结局。不过玩过一代的玩家也知道，这种皆大欢喜的结局只是一个假象，因为随后的故事又让玩家认识到了社会的残酷，所以，欢快的曲风下标题竟是“残酷的世界”，并且残酷二字还重复了一次，足以想见第一代的故事又注定也是一个悲剧。

人生就是这样，我们无论如何规划自己的人生，有时候这一刻还是美妙的，下一秒很可能就悲剧了。这也是这首曲子想要传递给我们的思考。当然，不是说我们从此就应该听天由命，彻底躺平。我们依然该为自己的人生负主要责任，毕竟未来的机会还是给有准备的人的。至少，我们应该过好当下的每一秒，就像主角亚瑟一样，明知自己的悲剧结局，他也还是非常乐观和豁达地迎接着自己的每一个挑战，直到生命的最后一刻，他都还是面向初生的阳光。我相信，亚瑟的一生虽然做过不少伤天害理的事情，但迎接阳光的那一刻，他是无怨无悔的，这样的豁达，有几个人能够做得到？

上一期我们讲述了关于子弹时间最著名的游戏。那么这一期我们自然也得来讲一下子弹时间最为出名的电影《黑客帝国》。
《黑客帝国》的英文是matrix，直接翻译的话是矩阵。在数学中，矩阵是一个按照长方阵列排列的复数或实数集合，实际之中的矩阵是可简单可复杂的一个数学概念。矩阵在电路学、力学、光学和量子物理中都有应用；计算机科学中，三维动画制作也需要用到矩阵。 矩阵的运算是数值分析领域的重要问题。
电影之所以把名字定义为矩阵其实是有着深刻的含义的。但是大多数的观众在观看这部电影的时候，只是被其中华丽的特效所吸引，而往往忽略了故事所要表达的具体内容。我相信，大多数的观众可能只记住了电影中主角们光鲜亮丽的外形，以及动作夸张的打斗场面，而忽略了“我们可能生活在一个虚拟世界”的概念。殊不知，这个概念才是电影三部曲的核心主旨。这个主旨最聪明的一点，就是抓住了这个概念本身是既不可证明，也不可证伪的命题。

我们试着回想一下我们这一波文明诞生的全过程。地球如今已经有45亿年的年龄了。而人类自诞生以来，不过短短的30万年左右。我们且不说人类的诞生到底是怎么回事，因为相比起地球上的其他动物而言，我们基本上除了吃喝拉撒之外没有任何的共同点。我们就说说着短短的30万年，前28万年基本上都是处在原始社会的阶段，人类的生存主要还是依靠野外采集和狩猎的模式。但从大约2万年前开始，部落的形成让人类首次有了除物质以外的精神需求。考古发现，只有在大约2万年前的古人类聚居点中，才开始发现有了祭祀的痕迹。这一点其实非常重要，也非常特别。要知道在这个地球上，人类并不是唯一的社会性动物，而偏偏只有人类在历史长河中的某个关键节点上突然进化出了想象力。想象力这种概念恰恰也证明了人类和地球上其他物种的完全不具备从属关系，因为有了想象力，人类就能够凭空虚构出一些概念，并且通过语言和文字的形式进行交流和传承。然后，在大约8000年前，人类又突然掌握了农业能力，而且最神奇的是，这种对农业能力的掌握，是在亚洲和南美洲几乎同时开始的。于是，这个世界有了两种最宝贵的经济作物，小麦和玉米。从此，全世界的人口开始大幅度提升，人们也从居无定所的狩猎形态逐步转变成为依靠农业的定居式生活。所以，以色列的科学家尤瓦尔·赫拉利在他的著作《人类简史》中的一个观点让我印象极其深刻。他在书中说，“自从小麦这个物种在今天的土耳其境内扎下根来，人类就帮助其在几千年的时间里扩散到了全世界，而之前人类非常惬意的采集狩猎生活也使得人类成为了有史以来最聪明和健壮的动物。但自从开始了农业社会之后，人类就不得不日复一日面朝黄土背朝天，从事着繁重且单一的劳动。而单一化的食物来源，虽然养活了更多的人，但却造成了包括骨骼、消化系统等之前从未有过的疾病。所以，事实上证明，并不是人类驯服了小麦，而是小麦驯服了人类。”

而在那之后，人类从原始社会转变成为了封建社会，在公元前500年前后世界各地又很巧合地同时出现了几位伟大的哲学思想家。欧洲出现了伟大的哲学家思想家柏拉图；印度出现了悉达多·乔达摩，也就是佛陀本人；而中国则出现了以孔子为首的百家争鸣的诸子学说。这些人的出现，对当时的各大洲文明都带来了人类思维上的又一次进化和知识爆炸。增强了当时的社会形态和结构，为封建社会的发展提供了理论上的基础。但封建社会持续了多长时间呢？也不过短短的4000余年。封建社会晚期，人类爆发了工业革命，科学技术呈现出爆炸式增长。从莱特兄弟试飞第一架飞机到今天不过短短100余年，人类竟然就已经征服了我们的卫星月球和遥远的火星。且不说这些普通人无法触及的高科技，就连我们现在日常生活中极度依赖的手机在100年前都是个神话之中才可能存在的东西。我们现在需要什么知识只需要简单的点击几下手机屏幕，就可以很方便的从各种百科网站获取到相关的知识。而古人只能通过大量的阅读书籍才能够掌握比常人更多的知识。也就是说，现代人的信息获取量和信息获取渠道是古人的几万倍。我们一周之内阅读的信息量，是古人一年甚至数年的信息获取量。回头想想，这一切似乎都太过玄幻，是那么的不真实。
我之所以扯这么多，其实也就是想说回到电影《黑客帝国》除了炫酷的特效和打斗之外想要传递给我们的故事核心——我们到底是生活在一个确确实实通过人们的劳动和创造发展起来的世界之中，还是生活在一个由比我们先进和发达几十倍甚至数百倍的世界所创造出来的虚拟世界之中？
要知道，人类的大脑虽然有着极其复杂和精密的结构，能够分析和处理的数据量是现代任何计算机都无法比拟的。但同样而言，人类的大脑也是最好欺骗的器官。为何这么说呢？其实我们只需要带上一个VR眼镜玩一个画面很简陋的互动游戏您就明白我为何要这么说了。当我们明知这个游戏无论是画面还是互动操作的程度都很差，但我们的大脑还是依然坚定地选择相信，比如游戏中一颗朝我们慢慢飞来的子弹就足以让大脑指挥着我们的身体作出夸张的躲避动作。虽然同样在大脑中我们知道这只是一个简陋的游戏，但这同一个大脑却指挥着我们躲避游戏中根本不存在的“危险”，身体几乎是在不受控制地作出着大脑不切实际的指挥。这一点是非常矛盾和不可理喻的。如果有人在事后仔细想想，一定也会有和我一样的感受。

电影《黑客帝国》正是讲述了这样一群发现了这个世界之中存在问题而觉醒并对真实的世界展开调查和对抗的故事。故事的背景非常宏大，以至于导演和编剧需要至少三部电影的时长才能够将故事完全讲述完。之所以我说的至少三部，是因为今年年底第四部在时隔18年后也即将来到我们面前，届时，不知道这久违的第四部到底又会给我们带来一个什么样的故事，大家就静静地等待吧！

回到电影的原声音乐，电影三部曲的音乐都来自美国著名作曲家、配乐家唐·戴维斯。他曾获得过8次艾美奖提名，虽然没有拿过单独奖项，但2次获得了艾美奖的“杰出系列作品”奖。通常这个奖项都是颁发给对影视音乐有着持续贡献的作曲家，由此可见，唐戴维斯也是影视音乐界的一位重量级人物。
唐戴维斯确实是一位很多产的作曲家，从1984年开始踏足这个行业以来，作品数量可谓是多如牛毛。不过他的事业巅峰期大约是1995年至2005年这十年。当然我们今天要讲的《黑客帝国》系列三部曲可以说是他巅峰的巅峰，以至于有了黑客帝国1和2之后，侏罗纪公园第三部的原声音乐创作居然抛弃了顶级大师约翰威廉姆斯，转而把橄榄枝伸向了唐戴维斯。不过，熟悉侏罗纪公园系列作品的朋友也都知道，侏罗纪公园的第三部导演也不再是斯皮尔伯格，换成了乔·约翰斯顿。所以，导演换了，后期班子跟着变也是情理之中。
黑客帝国之所以三部曲都是唐戴维斯来写作原声音乐，大概率是因为传说三部电影的实拍部分是一次性拍完的。只是后期制作的时候根据时长和故事发展的需要剪辑成了三部电影。这样的制作理念在当年的魔戒三部曲之中也有运用。随着后期制作技术的发展，特效自然也会一部比一部先进和真实。我们现在回过头来看黑客帝国的话也会有同样的感觉，特效最好的是2003年的第三部，第一部中的部分特效用现在的眼光来看的话还是会觉得比较假。就不知道时隔18年后的第四部会给我们带来什么样的震撼了。

今天给大家介绍的第一首曲子来自于黑客帝国第三部的大结局部分：宇宙的灵魂。这是一首典型的咏叹调，曲子开篇由一组螺旋上升的曲调组成。诠释了电影之中关于人类觉醒和面对强大人工智能时的不屈不挠，音符尽量采用了激昂的大调来凸显质感。在开篇完成后进入到比较平和的第二段旋律，这一段着重描绘了人类在觉醒和战胜AI之后的心理变化，这种胜利之后的平和状态是短暂而宝贵的。所以，在舒缓的音符之中，也蕴含着很大程度上的不安，这种不安主要是通过重复的小提琴反复一个和弦来完成的。但主旋律的管乐和定音鼓却预示着人类的不可战胜。这也就在音乐之中，给我们埋下了第四部存在的伏笔，也算是电影中一个小小的彩蛋吧！

第二首，纳弗拉斯。这是一个梵文的音节，具体的意思不是很清楚，但一定和宗教有关。整首曲子的设定也是这样。开篇的人声激昂大气，有着明显的中世纪宗教质感。编曲上也尽量用打击乐和管乐来突出这种金属质感。节奏上紧张明快，将中世纪的铁血岁月通过听觉的方式完美表达了出来。但曲子进入第二段之后，摇身一变成为了一种带有明显舞曲和印度风格味道。首先在节奏上从紧张的中世纪转变为舞曲是节奏上的妥协，但风格从中世纪变为印度风格就很让人有些摸不着头脑。
其实，我们从电影的立意上着手就不是很难理解这种看似毫不相关的元素拼凑在一起的做法。中世纪的音乐风格代表着电影之中还没有觉醒的人类以及统治整个虚拟社会的强大AI；而梵文哼唱的印度风格则代表着觉醒人类的精神世界，逐步放缓的节奏也预示着人类觉醒之后的平和心境以及可期的未来。整体而言，这首曲子初听之下确实有丈二和尚摸不着头脑的感觉，但细听之后又有一种让人欲罢不能，想要好好领悟其中奥秘的神奇感受。
所以，虽然《黑客帝国》电影的大多数配乐是为了画面氛围而写作的纯烘托型配乐，但其中确实也有上述这些能够让我们赏析和思考的优秀作品，这些作品不仅能够和画面配合得相得益彰，也能够在单独聆听的时候带给我们深度的思考，我只想说，唯一的遗憾，就是数量还是稍微少了一些，如果可能，那就在平行世界之中的《黑客帝国》电影里，这种配乐多一些吧！

今天应一位叫做“饮个维他先啦”的听众要求做一期游戏的原声音乐节目。
在2000年前后，有两个作品先后因为“子弹时间”在其中的大量运用而成为那个时代的宠儿，第一个作品就是1999年开始陆续推出的《黑客帝国》系列，其中大量运用的子弹时间让所有观众耳目一新，电影本身所制造出来的科幻效应也轰动了全球，关于电影的原声音乐会在今后推出。今天我们先讲一下另一个因为子弹时间而走红的作品《马克思佩恩》。
其实说起来我一开始接触到这个游戏的时候，对这个名字实在是没什么兴趣，这其实也是东西方文化差异所造成的。我们东方无论中日韩对于影视游戏作品的命名，往往都喜欢用几个高度概括作品内容的字眼或者是作品中有着特殊意义的物件或事情来对作品命名，诸如中国古典四大名著，以及我们讲过的所有国产电影和电视剧；而欧美有时候却特别喜欢直接用人物来命名，诸如古典名著里的《麦克白》、《哈姆雷特》、《罗密欧与朱丽叶》等等；现代作品也有不少，诸如 《亚瑟王》、《波斯王子》、《斯嘉丽》等等。因为有着几百年这样的传统，所以欧美的读者和观众甚至游戏玩家并不会因为一个简单的人物名字就放弃对作品的探索和尝试。

初代《马克思佩恩》是2001年的作品，而《黑客帝国》第一部是1999年的作品，要说马克思佩恩的子弹时间没有受到电影的影响和启发那就是扯淡了。但是幸好游戏有样学样，把子弹时间这个概念从观赏的角度演变到了可以互动体验的程度，但从这一点来说，卖点就足够强大。而到了第二代作品之中，部分场景还直接向《黑客帝国》致敬，这种向经典致敬的桥段在其他游戏中也有，比如在我们讲过的《使命召唤之现代战争》中就有致敬《勇闯夺命岛》监狱大战的桥段。而《马克思佩恩》向《黑客帝国》致敬的桥段，不仅是消化吸收了子弹时间的概念，更是模拟并重现了黑客帝国中两位主角在大厅枪战的精华部分。这就使得玩家们大呼过瘾，毕竟看了一部爽快的电影和玩了一部爽快的电影，在本质上还是有很大区别的。

游戏和电影有时候就是这样一种美妙的共生关系，所以一旦有了经典的IP之后，电影会被改编成游戏，而游戏同样也会被改编成电影。马克思佩恩同样也出过电影，2008年的时候由马克·沃尔伯格主演。但不知道什么原因，似乎游戏改编的电影无一例外的都比较失败，最成功的可能只有2001年的第一部《古墓丽影》吧，评分高达7.1，不要小看这个分数，这已经是游戏改编的电影里数一数二的分数了。马克思佩恩的电影分数只有可怜的5.5，连及格线都还差着0.5分。好莱坞其实完全有能力讲好一个游戏所要表达的故事，毕竟剧本已经是现成的了，甚至连分镜头脚本都可以说是现成的，毕竟游戏制作的时候都需要做大量的前期工作，但是到了电影这边，导演和编剧拿到的一手好牌非要打得稀烂，这一点是我至今都无法理解的事情。

今天我们要讲的原声音乐，来自《马克思佩恩》的第二部游戏作品，第一部我翻遍了各大平台，始终都没有找到，而电影的原声音乐因为版权的原因被下架所以没能听到，算是一种遗憾。目前还在国内各平台生存下来的，只有游戏的第二部和第三部作品。
相较而言，第二部的原声作品个人比较认可，但也仅仅只是合格，并没有太多的精彩之处，而第三部的原声音乐就只能算是单纯的氛围音乐，单独聆听的话，甚至会有一种赛博朋克的感觉，总体上觉得有些奇怪，和马克思佩恩的主题并不算非常贴切。

第二部的原声音乐来自于一位芬兰的摇滚歌手兼创作者卡特西·哈塔卡（音译），卡特西其实只是一位芬兰本土的摇滚明星，在全世界的知名度可以说是很低，那为什么马克思佩恩的第一代和第二代都会找他来制作原声音乐呢？其实答案很简单，因为游戏的制作公司Remedy娱乐就是一家芬兰的公司。他们在开发了第一代马克思佩恩之后关于马克思佩恩的游戏版权就被大名鼎鼎的R星公司收购了，对，没错，R星就是那个出品GTA系列和大表哥系列的最著名的游戏公司。提到R星就给自己埋个坑吧，大表哥的原声赏析也将会在不久的将来上线。

话说游戏版权被R星收购之后，第二代游戏算是两家公司合作开发的，到了第三代马克思佩恩就完全成了R星的独立作品，但在第三代之后，马克思佩恩就完全销声匿迹，没有了续作，电影电视方面也没有了任何进展，根本不知道R星当年强力收购这个IP的用意到底是什么。而通过网络查询，R星手捏这个IP将一直到2021年，也就是今年到期。届时原来的母公司Remedy娱乐才有权重启这个当年的经典IP，但不知道Remedy公司是否还有当年的热情。

说回到音乐本身，卡特西为游戏制作的原声音乐总体上还是非常符合游戏中的人设和情节定位的。因为马克思佩恩本身的悲剧色彩，所以卡特西将主题音乐塑造成为了一种略显压抑的氛围，主体乐器采用了大提琴的solo来表达一个中年男人的质感，音符大量采用小调和弦来营造一种悲观的情绪，突出男主的精神世界。
但可惜的是，整首曲子除了大提琴的部分是真实演奏之外，所有的伴奏都是电子音乐来合成的。而且可能当年的效果器音效一般，又或者芬兰的游戏公司并没有特别过于重视音乐的效果，所以放到现在来听的话，整首曲子的前半段还是比较出彩的，而后半段因为电子音乐的大量加入，反而会有一种比较生硬的感受。

第二首，Late Goodbye，这是一首通关时的曲子，但不是卡特西的作品，而是另一个芬兰摇滚乐队Poets of the Fall的作品，这首2004年创作的作品就是专门为马克思佩恩第二部作品编写的，也成为了当年红极一时的单曲作品。整首歌曲氛围相当不错，在凸显了马克思佩恩孤傲性格的同时，也将他向往正常生活，渴望爱与被爱的热情充分表达了出来。
歌曲整体节奏为一首不插电的摇滚作品，但曲调上又似乎有着一种美式民谣的风格，主唱略带忧郁但干净的嗓音在整首歌之中都非常突出，和乐器配合得可谓是天衣无缝。音符上，并没有传统摇滚中的大起大落，而是尽量做到了平铺直叙，就像是一个过来人一样，处变不惊地讲述着自己的过往，哪怕这种过往是那么的轰轰烈烈，但过去的总是过去的，此刻的讲述就仿佛只是别人的故事一样，与自己毫无关系。
总的来说，这首歌的精彩程度，我个人觉得远超原声音乐，但不管如何，游戏本身才是最精彩的，只是我们作为玩家兼音乐爱好者，总是希望优秀的影视作品和游戏作品同时也能够拥有优秀的原声作品，毕竟我相信音乐爱好者的数量应该是远大于单纯的游戏爱好者的，而通过音乐爱好者的欣赏和发现，也许也会有更多的人群成为游戏的爱好者，这笔买卖应该是划算的吧，就不知道游戏公司们是否能够听到我的这个建议？

冯小刚的《我不是潘金莲》在2016年的时候经过几次延期终于上映了。之前一直谣传说电影迟迟不能上映还是因为审核的缘故，但貌似按照冯导自己的说法，审核是有的，但非但没减一刀，还增加了很多内容和旁白。就不知道增加的内容，是不是和主旋律相关的，关于这一点我们不细说，你懂的。

话说第一次听见这个电影名字的时候，给我的第一印象是这部电影一定是部喜剧，可能会类似冯导以前的《甲方乙方》、《手机》等。包括电影的海报都一度让人有这种感受，但没曾想，冯导还是正儿八经想讲个关于“中国丑陋”的故事。

这应该是中国电影审查史上除《让子弹飞》之后的又一个奇迹。

不过，别以为揭露了社会阴暗面再加上猛烈的宣传攻势就能叫好又叫座。这样的电影总让人想起张艺谋的作品《秋菊打官司》，巩俐饰演的秋菊那一脸村姑样，化妆和演技都达到了顶峰。反观《我不是潘金莲》中，同为大美女的范冰冰，也是饰演一个村姑，但无论化妆还是演技，个人感觉都差了很大一截，特别是眼神，都不用去看电影，光看海报就看得出来，那眼神太不食人间烟火了，孤傲得一塌糊涂，不接地气就不可能获得认可。

果然，豆瓣上马上就两极分化了，1星吐槽党和4、5星好评党平分秋色。1星党与我观点一致，基本上都是吐槽范冰冰的。4、5星党则基本避开了她，主要则从画面美感来入手了，该片大胆采用方圆画幅，使得画面看起来很有中国山水画的美感，而且也暗喻着中国从古至今的一个道理“没有规矩不能成方圆”，但电影改编剧情逻辑和演员表演上的硬伤，总体上显得有些苍白，甚至让人怀疑是好评都是水军所为。

果然，经过长时间的沉淀，豆瓣上的分数定格为6.7分，仅好于28%的剧情片，满可悲的。比起《甲方乙方》的8.2分，冯导最近几年的新片都只是在及格线上徘徊。

电影如何我们不管，回到音乐本身。中国电影从来在配乐上就不是很重视，幸好还受到电视剧影响，偶尔能有几首“主题歌”脱颖而出，这次的《来日方长》，就是这样的一首让我反复聆听的曲子。但这首曲子其实也不是电影本身的主题曲，而是一首推广宣传用的主题曲，但因为确实很好听，我个人觉得已经超过了电影音乐的本身，所以在这里还是强烈推荐给大家来一块儿欣赏。

歌曲由常石磊和袁娅维作曲，常石磊作词，薛之谦和黄龄演绎。

常石磊最近几年还是出了一些不错的作品的，其本人自己的嗓音也很有特色，第一次听过他还是在张艺谋的作品《山楂树之恋》中，非常空灵。可惜这是一个看脸的年代，常石磊在这一点上还是吃了很多亏的。不过能安静下来创作也未必不是一件坏事，也许更能展现自己的能力。

在这首《来日方长》中，演唱者黄龄的声音一如往常地柔软慵懒，薛之谦的低诉吟唱撩人心弦，上海女人的精致与上海男人的温儒得到了完美融合。有人评论说“黄龄的声音像缠绵齿间的咖啡；薛之谦的声音像不浓不淡的红茶。这般一个浓郁一个清雅撩人舌尖，沁人心肺。”

再来看歌词，很唯美：

总是妄想，借半生流离 

换某人怜悯

只怪那输得起的

遇不上看得起的

找谁对不起

我说爱 或许是来日方长的事情

等不到人 也至少盼着自己

爱 终究是来日方长的秘密

答案 

不过是场 好觉睡醒

句子明明很要强，音符却偏要舒缓得如冬日的阳光般温暖明媚。

配乐也是，前半段只有钢琴，配合慵懒空灵的两个人声，后半段才逐渐启用管弦乐和鼓点，歌词的强硬一面才渐渐体现出来，让人不得不联想片中主人公的坚持和命运。结尾收得干净利落，犹如快刀斩乱麻，完完全全把“找谁对不起？不过是场好觉睡醒。”点得明明白白，这里必须要手动点赞！

近年来，好的影视音乐作品还是太少太少，我讲过的，也就《大鱼海棠》的推广曲《大鱼》和这首《来日方长》以及《长安十二时辰》的配乐。但就算是做一些好的主题曲，我觉得必须也要起到“点睛”的作用，不与主题遥相呼应的，能算什么主题曲？越是简单的命题，越是没人能做好，这一点真是很遗憾。就像是这一首《来日方长》，写得很好，也确实好听，请来两大明星助阵，效果可以说完全达到了宣传的预期。但唯独没有达到的，就是和电影的主题相扣，电影讲的，歌曲丝毫没有关系，这就让人有些摸不着头脑了，还是希望国产电影今后能在这些方面，多下点功夫吧！