Kunstpodcast Die Leichtigkeit der Kunst

Im Emil Schumacher Museum in Hagen ist die Ausstellung „Rupprecht Geiger – Farbe. Licht. Energie“ zu sehen. Die Einzelausstellung versammelt Arbeiten aus unterschiedlichen Jahrzehnten und macht die einzelnen Werkphasen nachvollziehbar.

Im Mittelpunkt dieses Gesprächs mit Julia Geiger und Rouven Lotz stehen drei Ebenen:
– die künstlerische und persönliche Entwicklung
– die Arbeit im Archiv und im Museum
– die kuratorische Entscheidung für diese Ausstellung sowie die Zusammenarbeit zwischen München und Hagen

Rupprecht Geiger wurde 1908 in München geboren. Sein Vater war der Maler Willi Geiger.

Nach Beendigung der Schulausbildung beginnt Rupprecht Geiger 1926 ein Architekturstudium an der Kunstgewerbeschule München. Er studiert dort bis 1929 in der Architekturklasse des Neoklassizisten Eduard Pfeiffer.

Im Anschluss ist Geiger als Architekt tätig. Während des Zweiten Weltkriegs entstehen erste malerische Arbeiten.

Nach 1945 setzt er seine künstlerische Tätigkeit fort und arbeitet abstrakt. Im weiteren Verlauf seines Schaffens konzentriert er sich zunehmend auf Farbflächen.

Die Ausstellung im Emil Schumacher Museum zeigt unterschiedliche Werkgruppen aus verschiedenen Jahrzehnten. Frühere Arbeiten stehen neben späteren großformatigen Farbfeldern.

Im Gespräch geht es um diese Entwicklung:
Wie entwickelt sich Geiger vom Architekten zum Landschaftsmaler hin zum Farbfeldmaler?
Wie verschieben sich Formate?
Welche Rolle spielt das Rot?

Die Werke werden nicht chronologisch abgearbeitet, sondern in Beziehung zueinander betrachtet.

Im Gespräch mit der Kunsthistorikerin Julia Geiger wird deutlich, dass Werkpflege Gegenwartsarbeit ist. Als Leiterin des Archiv Rupprecht Geiger in München begleitet sie Leihanfragen, wissenschaftliche Projekte und institutionelle Kooperationen.

Archivarbeit bedeutet in diesem Zusammenhang Abwägung. Welche Kontexte tragen das Werk weiter? Welche Kooperationen sind sinnvoll? Und wie bleibt ein Œuvre offen für Forschung und Ausstellungspraxis?

Es wird deutlich: die Verantwortung eines Künstlernachlasses liegt nicht allein im Bewahren, sondern im kontinuierlichen Entscheiden.

Rouven Lotz beschreibt die kuratorische Entscheidung für die Einzelausstellung in Hagen. Das Emil Schumacher Museum widmet sich seit Jahren der abstrakten Kunst nach 1945 und bietet einen institutionellen Rahmen, der auf Dialog setzt.

Die Folge thematisiert sowohl die Ausstellung, als auch die strukturellen Fragen hinter Werkpflege, Institution und Präsentation.

Geigers Werk steht exemplarisch für eine künstlerische Haltung, die sich nicht an kurzfristigen Entwicklungen orientiert. Über Jahrzehnte hinweg bleibt die Auseinandersetzung mit Farbe zentral.

Die Ausstellung im Emil Schumacher Museum macht diese Konsequenz sichtbar und eröffnet eine Perspektive auf Dauer, Präzision und Konzentration.

Rupprecht Geiger · Farbfeldmalerei · Rot in der Kunst · Architektur und Malerei · Nachkriegskunst · Archivarbeit · Künstlernachlass · Ausstellungspraxis · Emil Schumacher Museum

Julia Geiger ist Leiterin des Archiv Rupprecht Geiger in München.
Rouven Lotz ist Direktor des Emil Schumacher Museums in Hagen.

Das Gespräch wurde auf dem Museumsgelände in Hagen im Februar 2026 aufgenommen.

Ort: Emil Schumacher Museum, Hagen
Ausstellung: Rupprecht Geiger – Farbe. Licht. Energie

Diese Episode ist Teil einer Reihe von Gesprächen aus dem Emil Schumacher Museum.

Weitere Folgen widmen sich:

– InformELLE – Künstlerinnen des Informel im Emil Schumacher Museum
– Abstraktion & Ambition – Paris 1955 im Emil Schumacher Museum
– Jean Fautrier – Genie und Rebell im Emil Schumacher Museum
– Design.Impuls – Design und Zeitgeschichte im Emil Schumacher Museum

Weitere Gespräche zum Thema Künstlernachlass & Archivarbeit:

– Die Kunst der Nachlassverwaltung mit Dr. Loretta Würtenberger
– Archivarbeit

Archiv Rupprecht Geiger
Emil Schumacher Museum

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Der Kunstpodcast Die Leichtigkeit der Kunst erscheint seit 2020 kostenfrei auf allen gängigen Plattformen. Die einzelnen Episoden widmen sich Kunst, Ausstellungspraxis, Institutionen und künstlerischen Entscheidungen im direkten Gespräch.

Diese Folge zu Rupprecht Geiger entstand als persönliches Gespräch vor Ort im Emil Schumacher Museum in Hagen. Ohne digitale Distanz entwickelt sich ein Austausch, der Zwischentöne, Gesten und Argumente gleichermaßen sichtbar bzw. hörbar macht.

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Green Train – Kunst und Nachhaltigkeit – eine Bewegung zwischen Stille und Sinnlichkeit

Die Reise ist Teil von Nina Backmans Silence Project – doch dieser Podcast steht für sich.
Wer die vorherige Folge kennt, wird Zusammenhänge entdecken. Wer neu einsteigt, wird eingeladen, sich dem Thema über Stimmen, Landschaften, Beobachtungen, Kunst und Nachhaltigkeit zu nähern.

Was passiert, wenn Kunst nicht belehrt, sondern begleitet?
Wenn Stille nicht Leere bedeutet – sondern Präsenz?

Nina Backman
Künstlerin, Kuratorin und Initiatorin des Silence Project.
Sie verbindet künstlerisches Denken mit sozialem und ökologischem Bewusstsein – stets mit einer Haltung der Achtsamkeit, Offenheit und respektvollen Neugier. Das Projekt Green Train führt sie gemeinsam mit Akteur:innen aus ganz Europa durch Landschaften und Institutionen – und lässt dabei Fragen entstehen, statt Antworten zu inszenieren.

Mariella Salerno · European Sleeper
Reflektiert als Marketing Communication Manager den gesellschaftlichen Wert von entschleunigtem Reisen – und warum Mobilität immer auch gesellig und politisch ist.

Ioana Bacanu & Matheus Mouraria · Mediamatic Amsterdam
Mediamatic erforscht neue Formen von Kunst und Nachhaltigkeit sowie Gesellschaft – künstlerisch, experimentell, wach.

Viola Karsten · Goethe-Institut Amsterdam
Bringt internationale Perspektiven ins Gespräch – über kulturelle Praxis, Verantwortung und das, was im Dialog zwischen Ländern entsteht.

Bram Opdam · Landgoed Welna
Ein Refugium, das Kunst und Nachhaltigkeit sowie Wald und Rückzug vereint. Opdam erzählt, wie Stille und Natur als Lebensform wirken können.

Gerbrand Burger · Thinking Forest Foundation
Ein Blick auf das Denken mit dem Wald – nicht als Metapher, sondern als ernsthafte künstlerisch-ökologische Praxis.

Der Green Train ist keine klassische Ausstellung, kein statisches Projekt. Er ist Bewegung.
Diese Folge fängt O-Töne, Pausen, Zuggeräusche und Gespräche ein – mal unterwegs im Zug, mal bei Mediamatic, mal in der Natur.
Der Fokus liegt auf Erfahrung – nicht auf Erklärung.

Weil Europa sich verändert. Weil Mobilität politisch bleibt. Und weil Kunst in Zeiten des Wandels nicht erklärt – sondern einlädt.
Diese Episode setzt ein stilles Zeichen für internationale Zusammenarbeit, für nachhaltige Wege und für eine neue Form des Zuhörens.

Diese Podcastreise über Kunst und Nachhaltigkeit begleitet den Green Train durch Stimmen, Begegnungen und Zwischenräume. Sie dokumentiert keine Ergebnisse – sondern macht Prozesse hörbar.
In einer Zeit, in der vieles laut und beschleunigt ist, entsteht hier ein Raum für leises Nachdenken – über die Verbindung von Kunst, Natur, Mobilität und Gesellschaft.
Die O-Töne aus dem Zug, aus Amsterdam, aus dem Wald fügen sich zu einem Mosaik der Gegenwart.
Eine hörbare Reise – leicht, verbindend, offen für neue Perspektiven.

Kunst und Nachhaltigkeit · Mobilität und europäische Wege · Leises Reisen und kulturelle Bewegung · Internationale Kollaboration · Natur, Wald und Rückzug als künstlerisches Konzept · Sinnlichkeit im politischen Raum · Kunstprojekte zwischen Institutionen und Alltag

Weitere Gespräche zu Kunst, Gesellschaft und nachhaltigem Denken finden sich in den Bereichen:
· Silence Project – Nina Backman
· Kultur & Gesellschaft
· Internationale Perspektiven
· Ökologische Praxis

Silence Project
Nina Backman
ARTPRESS – Ute Weingarten
Landgoed Welna
European Sleeper
Mediamatic
Goethe-Institut Amsterdam
Thinking Forest Foundation

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Green Train: Zukunft im Nachtzug säen – eine dreiminütige filmische Kurzdokumentation über künstlerische Impulse, ökologisches Handeln und gemeinsame Perspektiven zwischen Berlin und Amsterdam.
Mit Bildern von Marco Berger, Text von Olivera Tornau.
 Zur arte.tv-Dokumentation (verfügbar bis 23.10.2026)

This episode follows the Green Train from Berlin to Amsterdam – a mobile artistic project initiated by Finnish artist Nina Backman as part of her Silence Project.

What happens when art moves through landscapes, rather than spaces?
When it listens, instead of performing?
When mobility becomes dialogue – and slowness becomes a political gesture?

This journey includes voices from:
· European Sleeper – reflecting on the politics of train travel and deceleration
· Mediamatic Amsterdam – exploring new forms of sustainability through art and experimentation
· Goethe-Institut Amsterdam – shaping cross-cultural exchange and dialogue
· Landgoed Welna – inviting retreat and nature as an artistic method
· Thinking Forest Foundation – engaging with the forest not as metaphor, but as a method of thinking

Together, they reflect on artistic processes, ecological awareness and European collaboration – between forest and platform, between presence and pause.
A quiet journey, captured on the move.
This episode is recorded in English.

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Geschichte beginnt selten mit großen Worten.
Sie beginnt dort, wo Menschen leben, streiten, entscheiden. In Routinen. In Konflikten. In kleinen Gesten.
Erinnerungskultur entscheidet mit darüber, wer sich zugehörig fühlt – und wer nicht.

Für Prof. Dr. Malte Thießen, Direktor des LWL-Instituts für westfälische Regionalgeschichte in Münster, ist Geschichte deshalb nicht ausschließlich ein Blick zurück. Sie ist Gegenwart. Sie wirkt im Alltag, oft leise, manchmal unbequem, fast immer unterschätzt.
Er versteht Geschichte als Haltung: als Möglichkeit, Gegenwart differenziert zu betrachten und Ambivalenzen auszuhalten.

Das LWL-Institut für westfälische Regionalgeschichte, Münster erforscht Geschichte dort, wo sie wirkt: im Alltag, in Arbeitswelten, in gesellschaftlichen Aushandlungsprozessen. Regionalgeschichte dient hier als Brennglas für größere Zusammenhänge. Diese Folge des Kunstpodcasts Die Leichtigkeit der Kunst ist Teil der Reihe Genau! Westfalen! im Jubiläumsjahr 1250 Jahre Westfalen. Und sie ist ihr Abschluss. Kein lautes Finale, sondern eine Einladung, Geschichte als Beziehung zu begreifen – zwischen Menschen, Zeiten, Orten und Erwartungen.

Wie prägt Geschichte unser Selbstverständnis?
Wie wirkt Erinnerung in gesellschaftlichen Debatten weiter?

Im Gespräch wird schnell klar: Geschichte ist für Prof. Dr. Malte Thießen keine Ansammlung von Daten. Sie ist eine Haltung. Eine Art, auf Gegenwart zu schauen, ohne vorschnell zu urteilen.

Geschichte hilft, Komplexität auszuhalten. Sie schützt vor einfachen Erklärungen. Sie öffnet Räume für Ambivalenzen. Und sie erinnert daran, dass gesellschaftliche Fragen selten neu sind – wohl aber ihre Kontexte.

Geschichte zeigt sich dort, wo Gesellschaft über sich selbst spricht. Oft indirekt. Oft beiläufig. Genau deshalb lohnt es sich, ihr zuzuhören.

Pandemie, Digitalisierung und gesellschaftliche Polarisierung haben den Umgang mit Geschichte verändert.
Vergleiche werden schneller gezogen, Gewissheiten lauter formuliert. Erinnerungskultur ist kein starres Gebilde. Sie verändert sich. Auch an denselben Orten. Auch bei denselben Ereignissen.

Prof. Dr. Malte Thießen beschreibt Erinnerungskultur als einen Prozess gesellschaftlicher Selbstverständigung. Es geht darum, sichtbar zu machen, wer erinnert, was erinnert wird und was lange ausgeblendet blieb.

Erinnerung sagt immer etwas über Gegenwart. Über Machtverhältnisse. Über Zugehörigkeit. Über das, was als erzählenswert gilt – und was nicht.

Gerade Regionalgeschichte zeigt, wie eng Erinnerung an Lebenswelten gebunden ist: an Arbeit, Migration, Familie, Nachbarschaft. Erinnerung ist persönlich und politisch zugleich.

Diese Folge lädt dazu ein, genauer hinzusehen: Geschichte als Orientierung, nicht als Anleitung.

Ein zentrales Thema dieser Folge ist die Impf- und Seuchengeschichte. Nicht als medizinische Chronik, sondern als gesellschaftlicher Spiegel.

In historischen Quellen begegnen Ängste, Hoffnungen und Konflikte. Sehr konkret. Es geht um Vertrauen. Um Verantwortung. Um Schutz. Um das Verhältnis zwischen Individuum und Gemeinschaft.

Diese Fragen tauchen immer wieder auf. Es lässt sich nicht pauschal sagen, dass sich Geschichte wiederholt – aber sie zeigt Muster. Sie macht sichtbar, wie Gesellschaften auf Krisen reagieren. Und wo Spannungen entstehen.

Der Blick in die Geschichte hilft hier nicht, einfache Antworten zu liefern. Er hilft, genauer hinzusehen.

Das Gespräch mit Prof. Dr. Malte Thießen führt durch Erinnerungskultur, Pandemiegeschichte, Digitalisierung und regionale Identität. Westfalen dient dabei als Ausgangspunkt – die Fragen reichen darüber hinaus.

Die Corona-Pandemie hat viele gesellschaftliche Debatten verdichtet. Auch den Umgang mit Geschichte.

Malte Thießen spricht darüber, wie schnell in Krisenzeiten nach historischen Vergleichen gesucht wird – und warum das problematisch sein kann. Geschichte liefert keine Blaupausen. Sie sensibilisiert.

Sie erinnert daran, dass Entscheidungen häufig unter Unsicherheit getroffen werden. Dass gesellschaftliche Aushandlungsprozesse konflikthaft sind. Und dass moralische Gewissheiten selten eindeutig sind.

Auch Digitalisierung erscheint in dieser Folge nicht als plötzlicher Umbruch. Sondern als langer Weg.

Papier. Lochkarten. Rechenzentren. Daten, die per Fahrrad transportiert wurden. Diese Bilder machen deutlich: Digitalisierung ist kein abstraktes Phänomen. Sie ist eingebettet in Arbeitswelten, Infrastrukturen und Machtfragen.

Wer bekommt Anschluss?
Wer bleibt außen vor?
Welche Wertigkeiten entstehen neu?

Geschichte hilft, diese Prozesse einzuordnen – jenseits von Technikbegeisterung oder Kulturpessimismus.

Westfalen spielt in der Folge Erinnerungskultur und Identität eine besondere Rolle. Nicht als Folklore. Sondern als gesellschaftliches Brennglas.

Ruhrgebiet, Münsterland, Sauerland, Ostwestfalen, Lippe: unterschiedliche Lebenswelten liegen dicht beieinander. Urbane und ländliche Räume. Industriegeschichte und Gegenwart. Migration und Verwurzelung.

Prof. Dr. Malte Thießen nennt Westfalen eine „Wundertüte“. Vielfalt in Verdichtung. Regionalgeschichte erzählt hier Welt im Kleinen. Sie macht sichtbar, wie globale Entwicklungen lokal unterschiedlich gelebt werden – ein Prozess, der oft als Glokalisierung beschrieben wird.

Zugehörigkeit entsteht pragmatisch. Manchmal zeigt sie sich in kleinen Gesten. In Sprache. Im berühmten „Moin-Faktor“.

Was bedeutet es, dazuzugehören? Wer entscheidet darüber? Und wie wandelbar ist Identität?

Diese Fragen ziehen sich durch das Gespräch. Zugehörigkeit erscheint nicht als starres Konzept, sondern als etwas Alltägliches. Als Beziehung. Als Aushandlung.

Regionalgeschichte bietet dafür einen besonderen Zugang: nah genug, um berührbar zu sein, und weit genug, um gesellschaftliche Linien sichtbar zu machen.

Die Folge „Erinnerungskultur und Identität“ versteht Geschichte nicht als Anleitung und nicht als Sockel. Sie versteht Geschichte als Orientierung.

Als Möglichkeit, Gegenwart einzuordnen, ohne sie festzulegen. Als Einladung, zuzuhören. Und als Chance, Fragen offen zu halten.

Die Folge „Erinnerungskultur und Identität“ ist Teil der Reihe „Genau! Westfalen“ und der Zusammenarbeit LWL x Die Leichtigkeit der Kunst. Sie bildet den Abschluss der Serie und lädt dazu ein, Geschichte als Beziehung zu begreifen – zwischen Menschen, Zeiten, Orten und Erwartungen.

Erinnerungskultur · Identität · Geschichte und Gegenwart · Pandemie · Digitalisierung · Regionalgeschichte · Zugehörigkeit · Glokalisierung

LWL-Institut für westfälische Regionalgeschichte, Münster
1250 Jahre Westfalen
LWL-Kulturstiftung

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Letzte redaktionelle Überarbeitung: Januar 2026.

Geplant war ein Gespräch mit dem Künstler Thomas Rentmeister
Doch manchmal öffnen sich Räume anders – und lassen tiefer blicken als gedacht.
Spontan kommt die Künstlerin Birte Bosse dazu.
Und aus einer Begegnung zu zweit wird ein Gespräch zu dritt – ruhig, offen, konzentriert.

Im Atelier vor den Toren Berlins treffen Zeichnung auf Skulptur, Alltag auf Material, Erinnerung auf Form.

Birte Bosse und Thomas Rentmeister sprechen über künstlerisches Arbeiten, über das feine Gespür für Kritik – und über Nutella, Wäscheständer, Kindheit und räumliche Entscheidungen.
Das Gespräch bewegt sich zwischen Berlin und Brandenburg zwischen Reken und Worpswede – zwischen Theorie und Gegenwart, zwischen Nähe und Eigenständigkeit.

Was entsteht, ist ein spannender Dreiklang: beobachten, arbeiten, miteinander sein.

Themen der Folge

– Kennenlernen Throwback in die 00er Jahre
– Birte Bosse & Thomas Rentmeister, Günther Uecker & Alfonso Hüppi: Studieren und Lehren

– Beobachtung als künstlerische Praxis
– Atelier und Alltag als geteilter Raum
– Atelierarbeit als Paar: zwischen Kritik & Vertrauen
– Zeichnung, Skulptur und Materialien des Dazwischen
– Materialwahl zwischen Nutella und Wäscheständer
– Erinnerungen an die Dorfstraße 23 – Ausstellung im Sprengel Museum
– Arbeiten und Wohnen – zwischen Berlin und Brandenburg
– Unerwartete Nähe und das feine Geschenk eines offenen Gesprächs

Gäste & Rollen

→ Birte Bosse, Zeichnerin und Bildhauerin
→ Thomas Rentmeister, Bildhauer und Professor für Bildhauerei

Galerien
→ Galerie Nave  
→ Galerie Tobias Naehring
→ Galerie Paulina Caspari

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Weitere Gespräche aus Ateliers und mit Künstler:innen
Wer Lust hat auf mehr Einblicke in künstlerische Prozesse, findet unter folgendem Link weitere Atelier- und Künstler:innengespräche:
 www.dieleichtigkeitderkunst.de/kuenstler:innen

Birte Bosse:
Einzelausstellung Butterflies & Black Holes in der Galeria Nave in Lissabon – noch bis zum 19. Dezember 2025.

Thomas Rentmeister:
Einzelausstellung Flight Mode in der Galerie Tobias Naehring in Leipzig ab 10. Januar 2026
Einzelausstellung in der Galerie Paulina Caspari in München ab September 2026

Ein Gespräch über das Unsichtbare – bzw. was passiert, wenn Reduktion zur Haltung wird?

Wenn ein Duft nicht auffallen will, sondern mitgeht. Wenn Moleküle nicht überwältigen, sondern andocken. Wenn das, was wir riechen, nicht beschrieben, sondern erlebt werden will.

Diese Folge ist eine Einladung zum Nachdenken über Duft als Wahrnehmungsform. Über Moleküle, Reduktion, Erinnerung. Und über die Kunst, mit sehr wenig sehr viel zu sagen.

Geza Schön
Parfümeur und Molekularästhet. Gründer von Escentric Molecules, einem Duftkonzept, das auf einem einzigen Molekül basiert. Geza Schön denkt Parfum nicht als Dekoration, sondern als Ausdruck. Seine Kreationen sind direkt, eigensinnig, reduziert. In seinem Atelier in Berlin spricht er über das Zusammenspiel von Idee, Erinnerung und Haut. Seine Düfte entstehen aus Konzept, Materialerfahrung und Instinkt.

Zur Folge

Geza Schön spricht über Kindheitserinnerungen an Duft, die Magie des ersten Riechens, den Umgang mit Willkür in der Parfümwelt – und darüber, warum seine Arbeit immer mit einer Idee beginnt. Die Folge erzählt von Zellen, die tanzen, von Hautwärme, die Moleküle aktiviert, und von Düften, die sich nicht festhalten lassen.

Eine sinnliche Spurensuche zwischen Geruch, Gesellschaft und Gestaltung.

Themen der Folge

Duft als Kunstform · Geruch und Erinnerung · Molekulare Parfümerie · Wahrnehmung und Gesellschaft · Reduktion als Stilmittel · ISO E Super · Sensorische Erlebnisse · Ästhetik des Geruchs · Duft und Psyche · Minimalismus in der Parfümerie

Warum jetzt?

Weil Wahrnehmung nicht laut sein muss. Weil Reduktion nicht Verzicht bedeutet, sondern Konzentration. Weil Duft nicht Trend, sondern Sprache sein kann. Und weil Moleküle manchmal mehr sagen als Kompositionen.

In einer Welt, die überreizt ist, öffnet diese Folge einen leisen Raum für ein sensorisches Nachdenken: Was nehmen wir wahr? Was prägt uns olfaktorisch? Was bedeutet es, einen Duft nicht zu tragen, sondern mit ihm zu leben?

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Links & Credits

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Letzte redaktionelle Überarbeitung: Januar 2026

Fußball und Identität

Identität zeigt sich oft dort, wo sie nicht erklärt werden muss. In Ritualen. In Wiederholungen. In Orten, die Menschen über Jahre miteinander verbinden. Fußball gehört zu diesen Orten. Als sozialer Raum, als Treffpunkt, als gemeinschaftliche Praxis.

Rainer Schütte war viele Jahre Präsident von Arminia Bielefeld (bis 2025).
In dieser Funktion prägte er den Verein durch Kontinuität, Verlässlichkeit und eine langfristig angelegte Führungskultur.

Schütte begleitete Arminia Bielefeld durch sportlich wechselhafte Phasen, strukturelle Umbrüche und einen Generationenwechsel im Verein. Sein Verständnis von Verantwortung war dabei weniger auf kurzfristige Erfolge ausgerichtet als auf Stabilität, Haltung und die Rolle des Vereins als gesellschaftlicher Akteur in der Region.

Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung dieser Folge hat Rainer Schütte sein Präsidentenamt altersbedingt an die nächste Generation übergeben – ein Übergang, der dem Gespräch eine besondere Perspektive verleiht: den Blick zurück auf gelebte Verantwortung und nach vorn auf die Zukunft gemeinschaftlicher Strukturen.

Die SchücoArena – vielen noch als „die Alm“ bekannt – ist ein Ort kollektiver Erinnerung. Generationen haben hier erlebt, was Zugehörigkeit bedeuten kann: Nähe, Spannung, Hoffnung und Gemeinschaft über Jahrzehnte hinweg.

Fußball erscheint in diesem Gespräch nicht als Wettbewerb, sondern als kultureller Raum.
Als Ort, an dem Gemeinschaft entsteht, Verantwortung sichtbar wird und regionale Identität gelebt wird.

Was hält Menschen über Jahrzehnte an einen Verein gebunden – auch in schwierigen Zeiten?
Wie entsteht ein „Wir“, das unabhängig von Erfolg oder Niederlage trägt?

Im Gespräch geht es um Verlässlichkeit, Übergänge zwischen Generationen und um die Rolle von Fußball als gesellschaftlicher Resonanzraum. Westfalen dient dabei als kultureller Rahmen – die Fragen reichen darüber hina

Im Jubiläumsjahr 1250 Jahre Westfalen rücken Fragen nach Herkunft, Zugehörigkeit und regionaler Identität neu in den Blick.

Fußball zeigt, wie solche Bindungen im Alltag gelebt werden: pragmatisch, emotional, dauerhaft. Gerade in Zeiten gesellschaftlicher Fragmentierung wird deutlich, welche Rolle gemeinschaftliche Orte spielen können.

Das Gespräch mit Rainer Schütte verbindet persönliche Wegmarken mit größeren gesellschaftlichen Linien. Fußball wird hier als Teil von Alltagskultur sichtbar – leise, wirkungsvoll und über den Sport hinaus.

Die Folge führt in die Geschichte Arminias, in persönliche Wegmarken und in Werte, die im Fußball oft leise wirken: Verlässlichkeit, Verantwortung, Gemeinschaft. Gleichzeitig öffnet sie einen Blick auf größere gesellschaftliche Fragen: Welche Rolle spielt Sport für Identität und Zusammenhalt? Wie entsteht Nähe, wenn Erfolge ausbleiben? Und warum bleibt Fußball ein Resonanzraum, der weit über das Spielfeld hinauswirkt.

Diese Episode ist Teil der Reihe Genau! Westfalen und der Zusammenarbeit LWL-Kulturstiftung x Die Leichtigkeit der Kunst.

Fußball und Identität · Gemeinschaft · Zugehörigkeit · Haltung · Regionale Kultur · Verantwortung · Westfalen · Verein und Alltag

Weitere Folgen der Reihe Genau! Westfalen

Gespräche aus der Kategorie LWL x Die Leichtigkeit der Kunst

Arminia Bielefeld
LWL-Kulturstiftung

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Letzte redaktionelle Überarbeitung: Januar 2026.

Wo beginnt Talent – und was braucht es, damit es wachsen kann, ohne sich zu verbiegen? Im Ruhrgebiet entsteht mit New Talents Ruhr ein Rahmen, der genau diese Frage ernst nimmt: als Arbeitsrealität, als Verantwortung, als Einladung. Es geht um Anfänge, um das Suchen, um erste Entscheidungen. Und um Begleitung, die nicht drängt, sondern tragfähig wird.

Im Gespräch treffen Perspektiven aufeinander, die sich selten in dieser Form begegnen: Programmarbeit, Mentoringpraxis und die Stimmen junger Teilnehmender. Sophie Charlotte Kirk (Regionalverband Ruhr) spricht über Ziele, Strukturen und Spannungen eines Förderprogramms, das künstlerische Entwicklung ermöglichen will, ohne Identität festzuschreiben. Daniel Bausch teilt seine Sicht als Mentor: Wie entsteht Vertrauen, wenn Begleitung auf Augenhöhe angelegt ist? Alia Brunschier und Selma Hildebrand sprechen über ihren Weg im Programm – über Rollenbilder, Mut zur eigenen Sprache und den Moment, in dem etwas Inneres eine Form im Außen sucht.

New Talents Ruhr ist ein Förderprogramm des Regionalverbands Ruhr für junge Künstler:innen ab 16 Jahren. In der Folge wird der Rahmen als mehrjähriger Prozess beschrieben: Entwicklung wird nicht als Sprint verstanden, sondern als Strecke mit Übergängen, Rückfragen und Wiederholungen. Thematisch geht es um künstlerische Felder wie elektronische Musik, Urban Arts, digitale Kunst, Performance und Neuer Zirkus. Die Aufnahme markiert damit auch ein Gegenwartsbild des Ruhrgebiets: eine Region, in der künstlerische Praxis mit Stadt, Biografie, Community und Infrastruktur verwoben ist.

Im Gespräch wird außerdem benannt, dass das Programm im Rahmen von „Neue Künste Ruhr“ gefördert wird und zeitlich als Zyklus angelegt ist, der bis in das Jahr 2026 reicht. Der Fokus liegt dabei weniger auf Selbstdarstellung als auf konkreten Bedingungen: Wer unterstützt wen, an welchen Stellen, mit welchen Spielräumen?

Diese Folge bleibt nah an dem, was Mentoring im Alltag wirklich ausmacht. Daniel Bausch beschreibt Begleitung als Haltung: zuhören, Resonanz geben, Impulse setzen, ohne fremde Ziele überzustülpen. An mehreren Stellen wird spürbar, wie sehr junge künstlerische Wege von Rahmenbedingungen abhängen: Zeit, Orte, Feedback, Zugang zu Technik, Wissen über Abläufe, Möglichkeiten zum Auftreten und Scheitern.

Alia Brunschier und Selma Hildebrand erzählen, wie sich Professionalität anfühlt, wenn sie nicht als „fertig sein“ gedacht wird, sondern als Prozess. Es geht um Selbstvertrauen, um das Ringen mit Erwartungen, um den Blick von außen – und um den Unterschied zwischen Leistung und Entwicklung. Mentoring erscheint hier als Beziehung, die den nächsten Schritt leichter macht, ohne ihn vorzugeben.

Im Gespräch werden die künstlerischen Kooperationspartner als entscheidender Teil der Struktur beschrieben – mit Leitungen, die aus den jeweiligen Feldern kommen. Genannt werden u. a. die Akademie für Theater und Digitalität, das Theater Dortmund und das Theater im Depot Dortmund für digitale Kunst und Performance. Für Urban Arts wird Pottporus e. V. genannt. Für den Bereich elektronische Musik fällt die Folkwang Universität der Künste (Pop-Institut) als wichtiger Bezugspunkt. Diese Aufzählung macht sichtbar: Förderung ist keine Einzelmaßnahme, sondern ein Netzwerk aus Institutionen, Menschen, Orten und Routinen.

Ein roter Faden der Episode ist die Frage, wie künstlerische Identität heute entsteht – zwischen Präsenz, digitaler Öffentlichkeit und lokalen Szenen. Die Gespräche berühren dabei auch Rollenbilder: Wer wird als „Talent“ gelesen? Wer bekommt Raum? Wer bleibt unsichtbar? Alia Brunschier und Selma Hildebrand sprechen über Arbeitsweisen, über Mut, über das Sprechen in eigenen Formen. Daniel Bausch ergänzt diese Perspektiven aus Mentorensicht: Welche Art von Feedback stärkt, welche Art verengt?

In dieser Folge wird das Ruhrgebiet als Anker erfahrbar – nicht als Etikett, sondern als Realität: Wege sind oft nah, Szenen sind vernetzt, Ressourcen sind begrenzt, Energie ist hoch. New Talents Ruhr wird so zum Beispiel dafür, wie Regionalität künstlerische Entwicklung tragen kann.

Im Gespräch wird außerdem die Entwicklungslinie von Kunstcamp Ruhr hin zu New Talents Ruhr angesprochen. Der Übergang steht für einen Perspektivwechsel: weg vom Ereignis, hin zu Begleitung über Zeit. Wer zuhört, bekommt ein konkretes Bild davon, wie Programme wachsen: durch Erfahrung, durch Korrekturen, durch Verantwortung gegenüber den Teilnehmenden.

New Talents Ruhr · Mentoring · Ruhrgebiet · Nachwuchsförderung · Urban Arts · Elektronische Musik · Digitale Kunst · Performance · Neuer Zirkus · Netzwerke · Rollenbilder · Vertrauen

Sophie Charlotte Kirk · Projektmanagement New Talents Ruhr (Regionalverband Ruhr)
Daniel Bausch · Mentor
Alia Brunschier · Teilnehmerin New Talents Ruhr
Selma Hildebrand · Teilnehmerin New Talents Ruhr

Diese Episode entstand in Zusammenarbeit mit der Stiftung Kunst, Kultur und Soziales der Sparda-Bank West.
Die Stiftung engagiert sich für kulturelle Teilhabe, Bildung und soziale Verantwortung. Sie unterstützt Projekte, die künstlerische Entwicklung ermöglichen, Orientierung geben und gesellschaftliche Zusammenhänge stärken – langfristig, verlässlich und mit Blick auf nachhaltige Strukturen.

Weitere Gespräche aus der Zusammenarbeit mit der Stiftung Kunst, Kultur und Soziales der Sparda-Bank West:
Alle Folgen der Zusammenarbeit mit der Sparda-Stiftung

New Talents Ruhr · Regionalverband Ruhr · Stiftung Kunst, Kultur und Soziales der Sparda-Bank West · Daniel Bausch

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Anknüpfend dazu vertieft eine Podiumsdiskussion zur Förderung von Kunst und Künstler:innen Fragen nach Verantwortung, Struktur und Sichtbarkeit:
Podiumsdiskussion zum Thema Förderung von Kunst und Künstler:innen der Stiftung Brandenburger Tor

Weitere Gespräche zu Kunst, Bildung und gesellschaftlicher Verantwortung finden sich im Bereich:
Kultur und Gesellschaft.

Von „New Talents Ruhr“ zu „Holding Pattern“
Fragen nach Systemen, Kontrolle und Wahrnehmung werden im Gespräch Holding Pattern im HMKV Dortmund vertieft.

Diese Episode ist als persönliches Gespräch vor Ort entstanden. 
Letzte redaktionelle Überarbeitung: Februar 2026.

Im zweiten Teil der Doppelfolge aus dem Museum Reinhard Ernst treffen Jenny Brosinski, Ina Gerken und Adrian Schiess auf die Werke von Helen Frankenthaler – eine Künstlerin, deren Werk Generationen geprägt hat – und weiter prägt.

Die Ausstellung Helen Frankenthaler moves zeigt Werke der US-amerikanischen Malerin im Zusammenspiel mit den drei zeitgenössischen Positionen: Jenny Brosinski, Ina Gerken und Adrian Schiess. Entstanden ist eine Begegnung auf Augenhöhe: zwischen Generationen, Gesten, Texturen und dem Mut zur Leerstelle.

In der Ausstellung „Helen Frankenthaler moves…“ im Museum Reinhard Ernst treffen vier Positionen aufeinander, die Farbe nicht als Oberfläche begreifen – sondern als Haltung. Die Werke der US-amerikanischen Malerin Helen Frankenthaler begegnen den zeitgenössischen Arbeiten von Jenny Brosinski, Ina Gerken und Adrian Schiess. Entstanden ist ein Dialog zwischen Generationen, Materialien und innerer Freiheit.

Im Zentrum dieser Folge stehen Fragen an die Kunst und das eigene Arbeiten: Wie entsteht Vertrauen in die Geste? Wann wird Struktur zur Ermöglichung? Und was bedeutet Durchlässigkeit – im Atelier, im Museum, im Denken?

Gemeinsam mit Lea Schäfer, Kuratorin der Ausstellung, sprechen wir über Helen Frankenthalers Werk, über Leichtigkeit und Widerstand, über Intuition, Raum und das, was zwischen Farben geschieht.

In der Ausstellung Helen Frankenthaler moves… treffen vier eigenständige Handschriften aufeinander – verbunden durch eine Offenheit im Umgang mit Farbe, Geste, Fläche und Material. Helen Frankenthaler, Jenny Brosinski, Ina Gerken und Adrian Schiess – vier Positionen, vier Temperamente, vereint in einer Ausstellung, die keinen Vergleich verlangt, sondern Vertrauen zulässt.

Durchlässigkeit wird hier zur Methode und Haltung: malerisch, institutionell, menschlich.
Sie erlaubt Verbindung ohne Vereinheitlichung.
Sie eröffnet Spielräume – für Intuition, für Differenz, für gemeinsames Fragen.

Im Mittelpunkt stehen Fragen, die sich nicht aufdrängen, aber Raum fordern:
Was bedeutet Farbe im Hier und Jetzt? Und wie gelingt ein Dialog, der mehr ist als Gegenüberstellung?

In dieser Episode sprechen die Künstler:innen Jenny Brosinski, Ina Gerken und Adrian Schiess über ihre Werke, ihre Prozesse und ihre Haltung zur Ausstellung.
Was bedeutet es, mit Helen Frankenthaler in einen Dialog zu treten?
Wie entsteht malerische Freiheit im Zusammenspiel mit Raum, Struktur und Geste?
Was braucht es, um das Eigene zu behaupten – und dennoch Offenheit zu ermöglichen?

Jenny Brosinski – Künstlerin spricht über Unfertigkeit, über das Arbeiten mit Lücken und darüber, wann ein Bild atmen kann.

Jenny Brosinski – Künstlerin beschreibt die Linie zwischen Kontrolle und Intuition – und warum Wiederholung Teil ihrer Methode ist.

Adrian Schiess – Künstler erzählt von der Bedeutung von Farbe, von der Weigerung, zu erklären – und von der Energie, die aus Reibung entsteht.

Lea Schäfer – Kuratorin, Museum Reinhard Ernst

Gemeinsam entsteht ein Gespräch, das nicht die Ausstellung erklärt, sondern ihre Impulse weiterträgt.

– Wie Helen Frankenthaler den Begriff von Malerei erweitert hat
· Durchlässigkeit als künstlerisches Prinzip
· Haltung und Vertrauen im Werkprozess
· Helen Frankenthaler im Spiegel der Gegenwart
· Farbe, Fläche, Material als Ausdrucksmittel
· Prozesse zwischen Intuition, Erfahrung und Dialog
· Ausstellungspraxis im Museum Reinhard Ernst
· Eigenständigkeit und Verbindung
– Material, Licht und Reflexion als Teil des künstlerischen Prozesses
– Über die eigene Spur im Kontext kunsthistorischer Linien
– Zusammenarbeit zwischen Künstler:innen, Kuratorin und Museum

Helen Frankenthaler moves… ist keine Hommage – sondern ein Weiterdenken. Die Ausstellung stellt Werke der Künstlerin in einen lebendigen Dialog mit Gegenwart.

Diese Folge macht hörbar, was dabei entstehen kann: Differenz, Verbindung, Zwischenräume.

Helen Frankenthaler moves Jenny Brosinski, Ina Gerken, Adrian Schiess
Museum Reinhard Ernst, Wiesbaden
26. Oktober 2025 – 22. Februar 2026

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Teil 1: Podcastfolge mit Dr. Oliver Kornhoff & Lea Schäfer

Was braucht ein Museum heute wirklich? Architektur, Sammlung, Programm – oder vor allem Vertrauen und Offenheit?

Im Museum Reinhard Ernst in Wiesbaden wird diese Frage nicht theoretisch verhandelt, sondern gebaut, gesammelt und gelebt. Die Architektur von Fumihiko Maki, die Entscheidung, eine private Sammlung öffentlich zu machen, und die bewusste Verortung mitten in der Stadtgesellschaft bilden das Fundament dieser Folge.

Dr. Oliver Kornhoff, Direktor des Hauses, war zuvor viele Jahre Leiter des Arp Museums Bahnhof Rolandseck. Seine Erfahrung mit Orten, die Kunst, Architektur und Landschaft verbinden, fließt sichtbar in die Haltung des neuen Hauses ein. Für ihn ist das Museum kein abgeschlossenes System, sondern ein Ort des Austauschs, der Neugier – und ein lebendiger Beitrag zur Stadt.

Lea Schäfer, Kuratorin der Ausstellung Helen Frankenthaler moves, bringt fundierte Expertise in der Gegenwartskunst mit. Gemeinsam sprechen sie über den Aufbau des Hauses, über programmatische Entscheidungen – und über das Vertrauen, das entstehen muss, wenn neue Kulturorte ihr Publikum erst noch finden.

Im Zentrum steht die Ausstellung Helen Frankenthaler moves – Jenny Brosinski, Ina Gerken, Adrian Schiess. Sie bringt historische Werke der US-amerikanischen Künstlerin mit zeitgenössischen Positionen in einen offenen Dialog. Abstraktion trifft auf Gestik, Farbe auf Fläche, Pionierin auf Gegenwart. So entsteht ein Rhythmus zwischen Generationen – getragen von Haltung, Offenheit und künstlerischem Vertrauen.

Diese Folge des Podcasts Die Leichtigkeit der Kunst richtet den Blick auf das Museum selbst – auf seine Menschen, seine Sammlung und die Idee, abstrakte Malerei als Einladung zu verstehen. Eine Einladung, die auch durch Licht, Materialität und Architektur spürbar wird.

– Die Biografien von Dr. Oliver Kornhoff und Lea Schäfer
– Architektur als Grundlage für Offenheit
– Die junge Geschichte des Museum Reinhard Ernst
– Private Sammlung als öffentliche Verantwortung
– Helen Frankenthaler als Kern der Sammlung
– Abstraktion im Dialog mit der Gegenwart
– Museum als Teil der Stadtgesellschaft

Dr. Oliver Kornhoff (Direktor, Museum Reinhard Ernst)

· Lea Schäfer (Kuratorin der Ausstellung „Helen Frankenthaler moves“, Museum Reinhard Ernst)

Museum Reinhard Ernst  

Helen Frankenthaler moves – Jenny Brosinski, Ina Gerken, Adrian Schiess
Ort: Museum Reinhard Ernst, Wiesbaden
Zeitraum: bis 22. Februar 2026

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Im Blog Tagebuch zur Kunst gibt es begleitende Notizen

Industrie und Identität und die Leichtigkeit der Kunst x Genau! Westfalen!

Arbeit prägt Biografien, Orte und Selbstbilder. Sie hinterlässt Spuren im Alltag, in Familiengeschichten und in der Art, wie Gemeinschaften sich erinnern. In Westfalen ist diese Prägung besonders sichtbar: in Zechen, Fabriken, Werkshallen – und in den Erzählungen, die sich um sie gebildet haben.

Die Folge Industrie und Identität richtet den Blick auf Industriekultur als gesellschaftliche Erfahrung. Es geht um Arbeit als identitätsstiftende Praxis, um Wandel und um die Frage, wie industrielle Vergangenheit in neue Formen von Alltag, Verantwortung und Zukunft hineinwirkt.

Zu Gast ist Dr. Kirsten Baumann, Direktorin der LWL-Industriemuseen. Die Museen umfassen acht Standorte zwischen Glashütte, Schiffshebewerk und Textilfabrik. Im Gespräch wird deutlich, wie eng Arbeit, Herkunft und Erinnerung miteinander verwoben sind – und warum Museen heute mehr sind als Orte der Bewahrung.

Wer durch eine stillgelegte Zeche geht, begegnet nicht allein Maschinen und Architektur. Es sind Erfahrungen von Stolz, Erschöpfung und Zugehörigkeit, die in den Räumen eingeschrieben sind. Industriekultur wird hier nicht als abgeschlossene Epoche verstanden, sondern als Teil gegenwärtiger Identitätsbildung.

Industrie ist nicht verschwunden. Sie hat sich verändert. Und mit ihr die Art, wie Arbeit wahrgenommen wird: körperlich, digital, fragmentiert, neu organisiert. Die Spuren dieser Transformation wirken weiter – in Lebensläufen, in Regionen, in gesellschaftlichen Debatten.

Im Gespräch schildert Dr. Kirsten Baumann ihren Weg durch unterschiedliche Institutionen: vom Bauhaus Dessau über das Museum der Arbeit bis zur heutigen Leitung der LWL-Industriemuseen. Diese Stationen stehen für unterschiedliche Zugänge zu Arbeit, Gestaltung und Erinnerung.

Deutlich wird eine Haltung, die Museen als offene Denk- und Erfahrungsräume versteht. Orte, an denen Geschichte nicht erklärt, sondern erfahrbar wird – über Räume, Objekte und Erzählungen.

Industriekultur ist mehr als Denkmalpflege. Sie verbindet materielle Überreste mit immateriellen Erfahrungen: Wissen, Routinen, Konflikte und Hoffnungen. In den LWL-Industriemuseen wird sichtbar, wie Industriegeschichte in Beziehung zur Gegenwart gesetzt werden kann – ohne Nostalgie, ohne Verklärung.

Arbeit erscheint hier als kulturelle Praxis. Als etwas, das Werte, Rollenbilder und Selbstverständnisse geprägt hat – und weiterhin prägt, auch wenn Produktionsformen sich verändern.

Ein zentraler Punkt des Gesprächs ist der Strukturwandel. Er betrifft Regionen, Berufe und soziale Gefüge. Museen stehen dabei vor der Aufgabe, Wandel sichtbar zu machen, ohne ihn zu vereinfachen.

Industriekultur wird zur Frage von Verantwortung: gegenüber den Geschichten der Arbeitenden, gegenüber den Orten, gegenüber zukünftigen Generationen. Sammlung, Vermittlung und Programmgestaltung werden so zu gesellschaftlichen Aufgaben.

Westfalen dient in der Folge Industrie und Kultur nicht als Kulisse, sondern als konkreter Erfahrungsraum. Hier verdichten sich Fragen nach Arbeit, Identität und Gemeinschaft. Die industrielle Vergangenheit wirkt in Sprache, Mentalität und Alltagspraktiken fort.

Die Region wird zum Brennglas für größere Zusammenhänge: Wie gehen Gesellschaften mit ihrem industriellen Erbe um? Welche Narrative werden bewahrt? Und wie lassen sich neue Perspektiven öffnen?

Industrie und Identität · Arbeit · Industriekultur · Strukturwandel · Erinnerung · Institutionelle Verantwortung · Westfalen

LWL-Museen für Industriekultur
1250 Jahre Westfalen
LWL-Kulturstiftung

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Genau! Westfalen! ist eine Gesprächsreihe über Identität.
Ausgangspunkt ist das Jubiläum 1250 Jahre Westfalen, welches Anlass für eine größere Frage bietet:
Was prägt Menschen, Regionen und Gemeinschaften?

Identität entsteht aus vielen Bereichen: aus Geschichte und Alltag, aus Arbeit, Sprache und Humor, aus Kultur, Sport, Ernährung, Musik, Film und Literatur. Die Reihe nähert sich diesen Prägungen über konkrete Erfahrungen und unterschiedliche Perspektiven – ruhig, beobachtend, offen.

Die Reihe „Genau! Westfalen!“ im Themenjahr 1250 Jahre Westfalen wurde gefördert von der LWL-Kulturstiftung und LWL-Kulturabteilung.

Diese Episode ist als persönliches Gespräch vor Ort entstanden.
Letzte redaktionelle Überarbeitung: Januar 2026.